Klassische Musik im TV

Sofia gilt als Schnittstelle zwischen Ost und West. Hier hat sich über Jahrtausende ein blühendes Kulturleben entwickelt. Ioan Holender taucht in den Sofioter Kulturreichtum ein.
Sofia, die Hauptstadt des Balkanstaats Bulgariens, ist eine der ältesten Städte Osteuropas: Römer, Byzantiner und Osmanen haben hier ihre Spuren hinterlassen. Der Besuch der Alexander-Newski-Kathedrale, dem Wahrzeichen von Sofia – zu Ehren des russischen »Befreierzares« Alexander II. errichtet – ist für Ioan Holender ein absolutes Muss. Ein Gebäude aus der jüngeren, kommunistischen Geschichte Sofias ist der »Nationale Kulturpalast« ein multifunktionaler Gebäudekomplex, dessen Architektur mit den prächtigen Theatern und Kirchen der Stadt kontrastiert. Vor Beginn der Vorstellung von Verdis »Simon Boccanegra« erzählt der Operndirektor Plamen Kartaloff, wie sich die Nationaloper zu einem der führenden Opernhäuser Osteuropas entwickelte. In der Philharmonie lässt sich Ioan Holender auf die Klänge von Mahlers 4. Sinfonie ein.

Aufführung der Bühnenspielgemeinschaft »Cäcilia Wolkenburg« des Kölner Männergesangvereins
Das Jahr 2020 steht ganz im Zeichen des 250. Geburtstages Ludwig van Beethovens. Auch »Cäcilia Wolkenburg« widmet ihr Divertissementchen dem weltberühmten Komponisten und seiner Freiheitsidee. In »Fidelio am Rhing« erlaubt sich Regisseur und Autor Lajos Wenzel einen besonderen Kunstgriff, indem er Beethoven in den 70er Jahren des 20. Jahrhunderts in Köln auferstehen lässt.
Der Freiheitskampf der Jugendbewegung, Lebensgefühl und Musik der 68er verschmelzen mit Beethovens Freiheitsoper »Fidelio«. So erscheint im Spannungsfeld zwischen Kölscher Hautevolee und jungen, freiheitsliebenden Hippies die bekannte Handlung neu: Ein finsterer Gefängnisdirektor im Kölner Klingelpütz, eine heimliche Liebe, eine Frau in Männerkleidern, Intrigen und Klüngel, werden der über 145-jährigen Tradition des Divertissementchens folgend, in rheinischer Manier ad absurdum geführt. Eine der größten, ernsten Opern der Musik-Geschichte wird damit zu einer 70er Jahre Nummern-Revue voll musikalischer Späße.
Wenn Beethoven am Schluss des Stückes auf der Bühne mit Hilfe eines Hörgeräts seine Musik zum ersten Mal selber hören kann, wird ihm ganz klar, wie er den »Fidelio« eigentlich damals hätte erzählen sollen. Er hätte ihn nicht nach Spanien verlegt, sondern in seiner Heimat, im Rheinland, verortet. Er wäre nicht – wie häufig zu lesen – ein griesgrämiger Wiener geworden, als der er auf den meisten bekannten Bildern erscheint, sondern ein humorvoller, lächelnder Rheinländer geblieben. Und natürlich hätte er seine Oper »Fidelio am Rhing« genannt.

Festivalorchester Mörbisch, Thomas Rösner
Regie: Leonard C. Prinsloo
Unvergessliche Melodien wie »Dein ist mein ganzes Herz« durchziehen Lehárs erfolgreichste Operette.
Mit Elissa Huber, Won Whi Choi, Benno Schollum, Harald Serafin, Gernot Kranner, Koichi Okugawa u.a.

Aufführung der Bühnenspielgemeinschaft »Cäcilia Wolkenburg« des Kölner Männergesangvereins
Das Jahr 2020 steht ganz im Zeichen des 250. Geburtstages Ludwig van Beethovens. Auch »Cäcilia Wolkenburg« widmet ihr Divertissementchen dem weltberühmten Komponisten und seiner Freiheitsidee. In »Fidelio am Rhing« erlaubt sich Regisseur und Autor Lajos Wenzel einen besonderen Kunstgriff, indem er Beethoven in den 70er Jahren des 20. Jahrhunderts in Köln auferstehen lässt.
Der Freiheitskampf der Jugendbewegung, Lebensgefühl und Musik der 68er verschmelzen mit Beethovens Freiheitsoper »Fidelio«. So erscheint im Spannungsfeld zwischen Kölscher Hautevolee und jungen, freiheitsliebenden Hippies die bekannte Handlung neu: Ein finsterer Gefängnisdirektor im Kölner Klingelpütz, eine heimliche Liebe, eine Frau in Männerkleidern, Intrigen und Klüngel, werden der über 145-jährigen Tradition des Divertissementchens folgend, in rheinischer Manier ad absurdum geführt. Eine der größten, ernsten Opern der Musik-Geschichte wird damit zu einer 70er Jahre Nummern-Revue voll musikalischer Späße.
Wenn Beethoven am Schluss des Stückes auf der Bühne mit Hilfe eines Hörgeräts seine Musik zum ersten Mal selber hören kann, wird ihm ganz klar, wie er den »Fidelio« eigentlich damals hätte erzählen sollen. Er hätte ihn nicht nach Spanien verlegt, sondern in seiner Heimat, im Rheinland, verortet. Er wäre nicht – wie häufig zu lesen – ein griesgrämiger Wiener geworden, als der er auf den meisten bekannten Bildern erscheint, sondern ein humorvoller, lächelnder Rheinländer geblieben. Und natürlich hätte er seine Oper »Fidelio am Rhing« genannt.

Am 6. und 7. Mai 2007 dirigierte Christoph von Dohnányi in der Hamburger Laeiszhalle die vier Sinfonien von Johannes Brahms. Ergänzt werden die Aufzeichnungen durch persönliche Anmerkungen Christoph von Dohnányis zu seiner Arbeit.
Es spielt das NDR Sinfonieorchester (seit 2017 NDR Elbphilharmonie Orchester).

Elisabeth Fuchs schafft es, Kindern und Jugendlichen Klassische Musik schmackhaft zu machen. Sie begleitet die 12-jährige Sandra an der Violine und ihre volksmusikantischen Alterkollegen auf dem Weg zu einem Experiment auf der Moldau.
Seit 1998 gibt es die »Junge Philharmonie Salzburg«. Gegründet wurde sie von der damals 22-jährigen Elisabeth Fuchs. Die Vermittlung Klassischer Musik liegt ihr am Herzen, daher lädt sie zu einem Experiment ein: Die 12 Jahre alte, hochbegabte Violinistin Sandra trifft auf die Jugendlichen der Volksmusikgruppe »Doschd und Dou« vom Musikum Eben. Smetana hat mit der »Moldau« ein Standardwerk geschaffen, das einen überraschenden Raum für das gemeinsame Musizieren von klassischen und volksmusikalischen Ensembles bereitet. Werden sie es zusammen schaffen, den Auftritt vor großem Publikum in Zell am See zu meistern?

Sofia gilt als Schnittstelle zwischen Ost und West. Hier hat sich über Jahrtausende ein blühendes Kulturleben entwickelt. Ioan Holender taucht in den Sofioter Kulturreichtum ein.
Sofia, die Hauptstadt des Balkanstaats Bulgariens, ist eine der ältesten Städte Osteuropas: Römer, Byzantiner und Osmanen haben hier ihre Spuren hinterlassen. Der Besuch der Alexander-Newski-Kathedrale, dem Wahrzeichen von Sofia – zu Ehren des russischen »Befreierzares« Alexander II. errichtet – ist für Ioan Holender ein absolutes Muss. Ein Gebäude aus der jüngeren, kommunistischen Geschichte Sofias ist der »Nationale Kulturpalast« ein multifunktionaler Gebäudekomplex, dessen Architektur mit den prächtigen Theatern und Kirchen der Stadt kontrastiert. Vor Beginn der Vorstellung von Verdis »Simon Boccanegra« erzählt der Operndirektor Plamen Kartaloff, wie sich die Nationaloper zu einem der führenden Opernhäuser Osteuropas entwickelte. In der Philharmonie lässt sich Ioan Holender auf die Klänge von Mahlers 4. Sinfonie ein.

Der peruanische Weltklasse-Tenor Juan Diego Flórez ist zurzeit der Inbegriff des »tenore di grazia«. In diesem lyrischen Fach ist er fast unangefochten und begeistert sein Publikum mit seiner geradezu unbegrenzt beweglichen, ungemein wandlungsfähigen Stimme. Dazu hat sich Flórez nicht nur durch seine stimmlichen Fähigkeiten und seine strahlenden Spitzentöne eine treue Fangemeinde geschaffen; auch mit seinem Aussehen schlägt er sein Publikum in den Bann.
Ein Flórez-Konzert wie das 2014 in Münchner Gasteig aufgezeichnete, sollte man deshalb nicht nur hören, sondern auch sehen: ein echter Hingucker.
Mit dem Münchner Rundfunkorchester und Dirigent Manuel López-Gómez konzentrierte sich Flórez auf das französische Repertoire von Gounod, Massenet und Bizet und ergänzte es mit Arien von Donizetti und Verdi.

Anlässlich des Beethovenjahres 2020 widmet sich einer der größten Pianisten der Gegenwart noch einmal dem Spätwerk Ludwig van Beethovens: Maurizio Pollini kehrt für die Einspielung der Klaviersonaten Nr. 31 und 32 wieder in den Münchner Herkulessaal zurück. Auf dem Programm stehen die Klaviersonate Nr. 31 in As-Dur op. 110 und die Klaviersonate Nr. 32 in c-Moll op. 111. Die Onlinefassung des Konzertes enthält zusätzlich die Klaviersonate Nr. 30 in E-Dur, op. 109.

Musik bedeutet alles: In diesem einfachen Satz spiegelt sich die Lebensgeschichte des Dirigenten Christoph Eschenbach. Die erste Erinnerung von Eschenbach an das Leben ist der Tod. Die Mutter ist bei seiner Geburt gestorben, der Vater in einem Strafbataillon der Wehrmacht gefallen. So strandete der Fünfjährige mit seiner Großmutter in einem Flüchtlingslager, in dem er als Einziger eine Typhusepidemie überlebte. Eschenbachs spätere Adoptivmutter holte ihn aus dem Lager. Monatelang konnte der traumatisierte Junge nicht mehr sprechen. Was ihn gerettet hat, ist die Musik. Seine Retterin Wallydore Eschenbach war Pianistin und Sängerin. Über ihre Musik fand er ins Leben und zur Sprache zurück.

Das Musikmagazin

Seit der oscarprämierte Film »Shine – Der Weg ins Licht« seine Geschichte erzählte, ist David Helfgott weltberühmt: Eine einzigartige Künstlerpersönlichkeit, dessen Wunderkindkarriere in den 70er Jahren mit dem Auftreten von Symptomen einer schizoaffektiven Störung zu Ende schien. Doch nach einem schweren Nervenzusammenbruch und vielen Jahren in einer psychiatrischen Klinik gelang es ihm, sich durch die heilende Kraft der Musik und seine große Liebe zu seiner zweiten Frau, Gillian Murray, ins Leben und auf die Konzertbühne zurück zu kämpfen. Vor seinem Absturz wurde David Helfgotts Klavierspiel in Witz und Tiefe mit dem von Horowitz verglichen. Für seine Rückkehr ins Klassikleben hatte er sich Rachmaninows 3. Klavierkonzert ausgesucht; für David ein schicksalhaftes Werk. Nach einer Aufführung dieses Konzerts in der Londoner Royal Albert Hall erlitt er 1970 einen Nervenzusammenbruch – und es ist diese Musik, anhand derer »Shine« seine Geschichte erzählte. David ist liebenswert, intelligent und zügellos, in seiner grenzenlosen Offenheit und Herzlichkeit kaum auszuhalten. So wie auf dem Konzertpodium die Musik rasant und virtuos aus ihm heraussprudelt, so kommuniziert er auch im Privaten: Selbst Fremde werden aufs Herzlichste umarmt und mit ununterbrochenem brabbelndem Wortschwall in seine Welt vereinnahmt. Auf David Helfgotts Europatournee mit den Stuttgarter Symphonikern war die Filmemacherin Cosima Lange mit der Kamera immer ganz nah und intim dabei und lässt miterleben, wie Davids »innere Musik« sich Bahn bricht und die Menschen um ihn herum fasziniert. »Das Porträt eines glücklichen Menschen in einem der schönsten Musikfilme seit Langem!««

Gegen Ludwig van Beethovens 7. Sinfonie käme »jede Rock-Nummer wie eine lahme Ente daher«, sagt der Schriftsteller Karl-Heinz Ott in seinem Buch »Rausch und Stille: Beethovens Sinfonien«. Das Publikum der Uraufführung am 8. Dezember 1813 in Wien jubelte vor Begeisterung. Viele verstanden diese 7. Sinfonie im Sinne der freudigen Sieges- und Freiheitsstimmung nach der erfolgreichen Völkerschlacht bei Leipzig gegen Napoleon nur zwei Monate zuvor. Das ausgesprochen tänzerische Werk wird gespielt vom NDR Elbphilharmonie Orchester unter der Leitung von Alan Gilbert in der Elbphilharmonie Hamburg.

Obwohl er als Universitätsmusikdirektor und Kompositionsprofessor am Konservatorium eine geachtete Person des Leipziger Musiklebens war – umworben von den Verlegern, geschmäht von den Kritikern, aber regelmäßig aufgeführt im Gewandhaus – wurde die Uraufführung seines Klavierkonzerts am 15. Dezember 1910 von der Kritik radikal verrissen.
Das Werk wurde von der Pianistin Frieda Kwast-Hodapp unter dem Dirigat von Arthur Nikisch gespielt. Auch wenn die Presse das Werk als »Fehlgeburt« verwarf, war Reger selbst begeistert und titulierte die Solistin mit dem ihm eigenen Humor scherzhaft als »Frau Kwast-Hutab«. Im Februar 1912 schrieb Reger an Herzog Georg II. von Sachsen-Meiningen: »Mein Klavierkonzert wird für Jahre noch unverstanden bleiben; die Tonsprache ist zu herb und zu ernst.«
Dass dies nicht so ist, haben musterhafte Einspielungen dieses »Klaviergebirges« von Rudolf Serkin und Marc-André Hamelin bewiesen. Peter Serkin, der Sohn des Pianisten Rudolf Serkin, ist bis heute ein unermüdlicher Verbreiter des Reger-Konzerts.
Mit der »Pastorale« im zweiten Konzertteil setzt Herbert Blomstedt seinen Beethoven-Zyklus mit dem Gewandhausorchester fort. Mit den »Erinnerungen an das Landleben«, wie der Komponist seine 6. Symphonie untertitelt, ist nicht lautmalerische Detailverliebtheit gemeint, sondern »mehr Ausdruck der Empfindung als Malerei«.
Das Konzert wurde am 19. und 20. Mai 2016 anlässlich des 100. Todestags von Max Reger im Leipziger Gewandhaus für ARTE aufgezeichnet.

Es ist die berühmteste Liebesgeschichte der Welt und auch auf der Ballettbühne ein Klassiker: Kenneth MacMillan schuf in den 60er Jahren eine zeitlose Choreographie zu der Musik von Sergej Prokofjew. Michael Nunn und William Trevitt haben zusammen mit dem Royal Ballet die Choreographie als Spielfilm inszeniert: von der Theaterbühne auf die Straßen Veronas.
Mit voller Leidenschaft werfen sich die jungen Stars des Ensembles in die Geschichte und tanzen bravourös über das Pflaster, als wäre es ein Theaterboden. William Bracewell als Romeo, Francesca Hayward als Julia und Matthew Ball als Tybalt überzeugen auch mit ihrer starken schauspielerischen Präsenz. Film, Musik und Theater verbinden sich in einer völlig neuen Weise miteinander, und so kann die Geschichte von der Feindschaft der Montagues und Capulets, die mit dem tragischen Tod des jungen Liebespaares endet, eine besondere emotionale Wirkung entfalten.
Nunn und Trevitt können selber auf eine Laufbahn als Tänzer zurückblicken und haben dabei sehr eng mit Kenneth MacMillan zusammengearbeitet. Sie können Tanz kongenial in Film verwandeln und wurden dafür international ausgezeichnet, unter anderem mit dem Emmy Award. Die Originalpartitur von Sergej Prokofjew wird gespielt vom Orchestra of the Royal Opera House unter der Leitung von Koen Kessels.

Anlässlich des Beethovenjahres 2020 widmet sich einer der größten Pianisten der Gegenwart noch einmal dem Spätwerk Ludwig van Beethovens: Maurizio Pollini kehrt für die Einspielung der Klaviersonaten Nr. 31 und 32 wieder in den Münchner Herkulessaal zurück. Auf dem Programm stehen die Klaviersonate Nr. 31 in As-Dur op. 110 und die Klaviersonate Nr. 32 in c-Moll op. 111. Die Onlinefassung des Konzertes enthält zusätzlich die Klaviersonate Nr. 30 in E-Dur, op. 109.

Jewgeni Kissin gehört zu den führenden Beethoven-Interpreten seiner Generation. Zum 250. Geburtstag des Komponisten spielt der russische Pianist ausgewählte Beethoven-Sonaten. Bei seinem Rezital im Juli 2019 im Rahmen des Verbier Festivals standen Werke für Piano solo auf dem Programm: die Klaviersonaten Nr. 8 und Nr. 21, besser bekannt als »Pathétique« und »Waldstein«.«

Am 28. Juni verwandelte sich der Cottbuser Altmarkt in ein Open Air Ballhaus. Die Cottbuser und ihre Besucher tanzten, flanierten und dinierten. Auf großer Bühne musizierte das Philharmonische Orchester des Staatstheaters. rbb Reporter begleiteten Musiker, Tänzer und Gastronomen bei der Vorbereitung auf den großen Abend und berichten von dem stimmungsvollen Ereignis in der Lausitzmetropole.

WDR Sinfonieorchester, Cristian Măcelaru
Solistin: Alice Sara Ott (Klavier)
– Sean Shepherd: Melt
– Maurice Ravel: Konzert für Klavier und Orchester G Dur
– Erik Satie: Gnossienne Nr. 3
– Igor Strawinsky: Der Feuervogel, Ballett in zwei Akten
Klimawandel und Klangkunst: Das WDR Sinfonieorchester begibt sich mit der Pianistin Alice Sara Ott und Chefdirigent Măcelaru ins Spannungsfeld zwischen Feuervogel und Gletscherschmelze.- Der Amerikaner Sean Shepherd greift das Thema der globalen Gletscherschmelze in seinem Orchesterstück »Melt – Schmelze« auf. Mit ihrer vitalen Klanglust und dem schillernden Farbenspiel schlägt diese Musik einen Bogen zum Impressionismus und zur frühen Moderne.
Zu den Schlüsselwerken dieser Zeit zählt das Ballett »Der Feuervogel« von Igor Strawinsky. Heute mag man angesichts der Erderwärmung die zerstörerische Kraft des Feuers vor Augen haben, doch Strawinskys »Feuervogel« ist ein Glücksbringer. Er hilft, einen zerstörerischen Zauber zu bannen und Verwunschene zu befreien. »Funkelnde, gelassene Eleganz« attestierte der Kölner Stadtanzeiger der deutsch japanischen Pianistin Alice Sara Ott nach ihrem gefeierten WDR Gastspiel im Januar 2018.

Obwohl er als Universitätsmusikdirektor und Kompositionsprofessor am Konservatorium eine geachtete Person des Leipziger Musiklebens war – umworben von den Verlegern, geschmäht von den Kritikern, aber regelmäßig aufgeführt im Gewandhaus – wurde die Uraufführung seines Klavierkonzerts am 15. Dezember 1910 von der Kritik radikal verrissen.
Das Werk wurde von der Pianistin Frieda Kwast-Hodapp unter dem Dirigat von Arthur Nikisch gespielt. Auch wenn die Presse das Werk als »Fehlgeburt« verwarf, war Reger selbst begeistert und titulierte die Solistin mit dem ihm eigenen Humor scherzhaft als »Frau Kwast-Hutab«. Im Februar 1912 schrieb Reger an Herzog Georg II. von Sachsen-Meiningen: »Mein Klavierkonzert wird für Jahre noch unverstanden bleiben; die Tonsprache ist zu herb und zu ernst.«
Dass dies nicht so ist, haben musterhafte Einspielungen dieses »Klaviergebirges« von Rudolf Serkin und Marc-André Hamelin bewiesen. Peter Serkin, der Sohn des Pianisten Rudolf Serkin, ist bis heute ein unermüdlicher Verbreiter des Reger-Konzerts.
Mit der »Pastorale« im zweiten Konzertteil setzt Herbert Blomstedt seinen Beethoven-Zyklus mit dem Gewandhausorchester fort. Mit den »Erinnerungen an das Landleben«, wie der Komponist seine 6. Symphonie untertitelt, ist nicht lautmalerische Detailverliebtheit gemeint, sondern »mehr Ausdruck der Empfindung als Malerei«.
Das Konzert wurde am 19. und 20. Mai 2016 anlässlich des 100. Todestags von Max Reger im Leipziger Gewandhaus für ARTE aufgezeichnet.

»Das Wort ‚Klassik` ist altmodisch und völlig unrichtig. Kein Mensch kann das heute mehr erklären«, sagt Christoph Eschenbach, einer der größten Dirigenten unserer Zeit. Und weiter: »Es gibt diese unglaubliche Menge an Musik aus den letzten 500 Jahren in der Welt.«
Dazu gehören unter anderem die Sinfonie Nr. 3 D-Dur op. 29 von Peter Tschaikowsky, auch die »Polnische« genannt, aus dem Jahr 1875, oder die Ouvertüre aus der Oper »Ruslan und Ludmilla« von Michail Glinka, entstanden 1837.
Beides präsentiert Christoph Eschenbach zusammen mit dem NDR Sinfonieorchester (dem heutigen NDR Elbphilharmonie Orchester) beim Abschlusskonzert des Schleswig-Holstein Musik Festivals 2012 mit solcher Hingabe und Leidenschaft, dass die Entstehungsjahre dieser Werke oder die Begrifflichkeit der »Klassik« wahrlich bedeutungslos werden. Was zählt, ist die Musik, die den Raum erfüllt.

Als Beethoven im Alter von 56 Jahren in Wien stirbt, taucht ein Testament auf, das er 25 Jahre vor seinem Tod verfasst hat. Es offenbart: Bereits mit 31 Jahren ist Beethoven praktisch taub.
Noch bevor er die meisten seiner bahnbrechenden Werke komponiert und Musikgeschichte geschrieben hat. Ein tauber Komponist? Wie ist so etwas möglich? Der Film geht diesem Rätsel nach und ergründet die Zusammenhänge zwischen Krankheit und Werk des Musikgenies.
Was gibt Beethoven die Kraft, den Kampf gegen seine fortschreitende Krankheit aufzunehmen? Inwiefern spiegelt sich sein außergewöhnliches Schicksal in seiner Musik wider, und welchen Einfluss hat die Taubheit auf sein Werk?
Aufbrausend, jähzornig, griesgrämig – das ist das gängige Bild von Ludwig van Beethoven, dem Komponisten mit der wilden Löwenmähne. Doch »Die Akte Beethoven« zeigt: Es gibt auch einen anderen Beethoven – jung, sprühend vor Witz und Temperament, lebenslustig und vor allen Dingen kämpferisch.
Beethoven-Experten wie der Biograf Jan Caeyers, die Dirigentin Simone Young, der Pianist Lars Vogt und die Musikwissenschaftlerin Julia Ronge vom Beethoven-Haus Bonn kommentieren die außergewöhnliche Schaffenswut, mit der Beethoven auf seine Diagnose reagiert, und geben Einblicke in die engen Verknüpfungen zwischen Leben, Leiden und Werk des Komponisten.
In aufwendig inszenierten Spielszenen schlüpft Lars Eidinger (»Alle Anderen«, »Was bleibt«) in die Rolle des jungen Beethoven, begleitet von Pheline Roggan (»Soul Kitchen«), die zur »unsterblichen Geliebten« wird. Der gesamte Film ist ausschließlich mit Musik von Ludwig van Beethoven vertont und macht »Die Akte Beethoven« so nicht nur zu einem außergewöhnlichen Seherlebnis, sondern auch zu einer Hommage an die Musik Beethovens.
Abgerundet wird der Film durch hochwertige Animationen, umgesetzt von Ali Soozandeh (»The Green Wave«, »Camp 14«), die die wichtigsten Stationen der Krankengeschichte Beethovens illustrieren. Der Kulturkrimi »Die Akte Beethoven« ist Teil der Reihe »Die Kulturakte«, die Hochkultur neuartig und für ein breites Publikum erzählt. Zusätzlich zum Film entstanden eine Graphic Novel sowie eine App, die die eindrucksvolle Lebensgeschichte Beethovens quer durch die Medien erlebbar machen.

Konzerthaus Berlin vom 06.12.2018
Ludwig van Beethoven: 5. Klavierkonzert Es-Dur, op. 73
Als Beethoven sein 5. Klavierkonzert schreibt, steht Napoleon gerade mit seinen Truppen vor Wien. Beethoven klagt über Kriegslärm und Elend. Trotzdem ist das sogenannte »Emperor Concerto« nicht nur heroisch, sondern auch lyrisch und zart. Jan Lisiecki präsentiert alle Facetten des Konzerts zusammen mit der Academy of St Martin in the Fields, geleitet von Tomo Keller.
Eigentlich hätte Murray Perahia der Solist sein sollen: Geplant war ein Zyklus aller Beethoven-Klavierkonzerte mit der Academy of St Martin in the Fields. Doch Perahia musste die gesamte Beethoven-Europatour krankheitsbedingt absagen. Es sprang ein Musiker ein, der fast ein halbes Jahrhundert jünger ist: der kanadische Pianist Jan Lisiecki. Alle fünf Klavierkonzerte von Beethoven gehören fest zu seinem Repertoire, er hat sie bereits mehrmals als Zyklus aufgeführt. Lisiecki, geboren 1995, gilt als Shootingstar unter den jungen Pianisten. Schon mit 15 hat die Deutsche Grammophon ihn unter Vertrag genommen, doch diese Tour war seine erste Zusammenarbeit mit der Academy of St Martin in the Fields.

Anne-Sophie Mutter, Maximilian Hornung, Mariss Jansons und das Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks gestalteten das berühmte Doppelkonzert von Johannes Brahms. Ein absolutes Highlight im Konzertrepertoire. Der berühmte Geiger Joseph Joachim, der in der Kölner Uraufführung 1887 den Violinpart gestaltete, sah sich gar zur Aussage hingerissen, dem »Doppelkonzert fast den Vorrang vor seinem Violinkonzert zugestehen« zu wollen.
Sie ist einer der wenigen Stars, die man auch außerhalb der Klassikszene kennt: die Weltklassegeigerin Anne-Sophie Mutter. Im November 2015 teilte sie sich das Podium mit dem Star-Cellisten Maximilian Hornung. Mit dem Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks spielten sie das Doppelkonzert a-Moll, op. 102 von Johannes Brahms. Chefdirigent Mariss Jansons leitete im Herkulessaal der Münchner Residenz ein Werk, das zu Beginn keineswegs unumstritten war.
»Schon die Gattung hat von Haus aus etwas Bedenkliches. So ein Doppelkonzert gleicht einem Drama, das anstatt eines Helden deren zwei besitzt, welche einander nur im Wege stehen.« So skeptisch äußerte sich der Wiener Kritikerpapst Eduard Hanslick, eigentlich ein Befürworter der Brahmsschen Musik, zu diesem Konzert für Violine, Violoncello und Orchester. Und so machte sich Brahms in der Entstehungszeit 1887 des Werkes lustig über sich selbst, bezeichnete es selbst sogar als »Dummheit«, dieses in der Barockzeit sowie in der Klassik als concerto grosso bzw. sinfonia concertante sehr beliebte Genre neu zu beleben. Gelungen ist ihm dieses – sein letztes – Orchesterwerk allemal. Denn wie bereits in seinem Violinkonzert legte Brahms auch größten Wert auf das gemeinsame Musizieren, das Miteinander – das genaue Gegenteil dessen, was von Hanslick kritisierte.
Auf künstlerischer Ebene sind Anne-Sophie Mutter und der erst 30-jährige Maximilian Hornung einander vertraut. Hornung war als junger Cellist Stipendiat in Mutters Stiftung, 2007 hat er mit dem »Tecchler Trio« den 1. Preis beim Internationalen ARD-Musikwettbewerb gewonnen, zwei Jahre später war er festes Ensemble-Mitglied beim Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks, hat sich später aber dann vollständig seiner Karriere als Solocellist gewidmet.

In Rotterdam spielt Daniel Müller-Schott zusammen mit dem Rotterdam Philharmonic Orchestra unter der Leitung des britischen Dirigenten Sir Mark Elder das Cellokonzert von Edward Elgar. Elgars Cellokonzert, ein Meisterwerk der Spätromantik, hat den jungen Daniel Müller-Schott schon im Teenageralter zu Tränen bewegt, als er es zum ersten Mal hörte. Für ihn gehört es zum Handwerk eines Musikers, sich mit seinem Instrument auch auf anderen Ebenen auseinanderzusetzen. Wie zum Beispiel, wenn er seinen Cellobauer Dietmar Rexhausen am Schliersee besucht, um weiter am Klang seines Cellos zu arbeiten. Handwerk und Kunst arbeiten hier Hand in Hand; immer wieder verändert der Geigenbauer Kleinigkeiten am Instrument, um dem Cellisten bei der Suche nach dem perfekten Klang zu unterstützen. Daniel Müller-Schott, dessen Konzerte stets ausverkauft sind, tankt die für seine Auftritte notwendige Kraft in München und genießt es, in seiner Heimatstadt zur Ruhe zu kommen. Hier lebt und arbeitet der knapp 39-jährige Cellist, hier lässt er sich gleichermaßen von den Bergen wie von den Museen inspirieren. Wie Ende Juni, wenn er im Rahmen einer Kunst-Aktion des Lenbachhauses München eine Cello-Sonate von J. S. Bach unter freiem Himmel spielt, um anschließend gemeinsam mit dem englischen Street-Art Künstler Daniel Mann einen Pavillon mit Graffiti zu verzieren. In der Auseinandersetzung mit dem Cellokonzert von Elgar verlässt sich Daniel Müller-Schott nicht nur auf seinen Instinkt. Für ihn gilt Edward Elgars Cello Concerto als das letzte große Werk des Komponisten, der zu Beginn des 20. Jahrhunderts nicht nur von Richard Strauss als »erster englischer Moderner« gehandelt wurde. Nostalgie und Abschiedsschmerz, aber auch ein kämpferischer Gestus durchziehen Elgars Cello-Konzert, dessen zentrales Thema Daniel Müller-Schott im Geiste Schumanns begreift und in all seiner Vielschichtigkeit zum Klingen bringt.

Lorin Maazel mit dem Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks

Zwischen Zerbrechlichkeit, Empfindsamkeit und Perfektion: Für Freunde wie Charlie Chaplin, aber auch für viele heutige Musiker war und ist die Schweizer Klaviervirtuosin Clara Haskil (1895-1960) eine Interpretin, die wie keine andere Maßstäbe gesetzt hat. Die in Bukarest geborene Rumänin hat als Jüdin zwei Weltkriege überlebt und bewahrte sich trotz ihrer labilen Gesundheit stets ihre Kraft. Die Dokumentation folgt dem umtriebigen Leben der Ausnahmekünstlerin, das von Bukarest über Paris und die Schweiz bis nach London und New York führte. Anhand von unveröffentlichten Klaviereinspielungen, Briefen und Interviews zeigt er die faszinierende Musikerin in neuem Licht, deren zeitlose Modernität bis heute ungebrochen ist.

Das 2012 von Laurence Equilbey gegründete Insula Orchestra spielt auf historischen Instrumenten und experimentiert gern mit neuen Konzertformaten. Im Sommer 2018 stellt die französische Dirigentin mit ihrem Ensemble sowie dem Kammerchor accentus im Pariser Kulturzentrum La Seine Musicale ein wenig bekanntes Werk Mozarts vor, das jedoch als Vorläufer der »Zauberflöte« bezeichnet werden kann: die Bühnenmusik zu »Thamos, König in Ägypten«. Maßgeblich zur Wirkung der Aufführung trägt eine außergewöhnliche Bildgestaltung von Yannis Kokkos bei, der das musikalische Geschehen mit einer reizvollen Mischung aus Video, Grafik und Live-Animation untermalt.

Chor: accentus
Orchester: Insula Orchestra
Dirigent: Laurence Equilbey
Bühnenbild: Yannis Kokkos
Video: Emmanuel Larue
Zeichner, Grafiker: Guillaume Carreau
Regie: Isabelle Soulard
Mit Sandrine Piau (Sopran), Aline Martin (Alt), Reinoud Van Mechelen (Tenor), Andreas Wolf (Bariton)

Das Musikmagazin

Es spielt das Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks. Aufzeichnung aus dem Herkulessaal der Residenz in München 1994
Über seine 9. Symphonie, die 1893 in New York während seiner dreijährigen Tätigkeit als künstlerischer Leiter des National Conservatory of Music entstand, sagt Antonin Dvorák selbst, sie »sei von einem anderen Geist, anderen Gedanken und Farben angeregt« als seine früheren symphonischen Werke. »Diese Symphonie ist wesentlich verschieden von meinen früheren Sachen, vielleicht etwas amerikanisch; sie wäre nicht so geschrieben, wenn ich nicht in Amerika gewesen wäre ». Die landläufige Meinung jedoch, Dvorák habe konkrete Indianermelodien und musikalische Modelle der Musik der Schwarzen direkt und unverändert in seine Kompositionen übernommen bezeichnet Dvorák als »Unsinn«. »Es ist der Geist von Neger- und Indianermelodien«, so schreibt der Komponist kurz vor der Uraufführung am 15./16. Dezember 1893 in New York, »den ich in meiner Symphonie zu reproduzieren bestrebt war. Ich habe keine einzige jener Melodien benützt. Ich habe einfach charakteristische Themen geschrieben, wobei ich ihnen aber Eigenheiten der indianischen Musik eingeprägt habe.«

Porträt des Münchner Ballettstars Heinz Bosl. Der durch seine Tourneen mit der britischen Primaballerina Margot Fonteyn international bekannte Tänzer starb schon mit 28 Jahren an Leukämie. Heinz Bosl in seinen Tanzpartien, auf der Probe, beim Training und im Gespräch. Erinnerungen seiner Tanzpartnerinnen Margot Fonteyn, Konstanze Vernon, Margot Werner, seiner Mutter und seinem Arzt.

Mit den Füßen fängt es an – Ein Tag im Ballett der Bayerischen Staatsoper
Gezeigt wird in diesem Film von 1955 ein Tag in den Trainingsräumen des Balletts der Bayerischen Staatsoper, die damals noch nicht restauriert war und unverhüllt die Bombenschäden aus dem Zweiten Weltkrieg zeigte. Zuerst trainieren die Erwachsenen, danach die Kleinen, also die Kinder von ungefähr 7 Jahren an. Zu diesen jungen Mädchen kommt dann der Ballettmeister, er sucht für ein neues Stück Tänzerinnen, die auf der Bühne kleine Tauben darstellen sollen. Große Aufregung: Wer darf mitmachen?
»Immer wird früh am Morgen das Training der Großen anfangen und das der Kleinen wird folgen. Immer werden dann dünne Beine zu laufen beginnen im Takt des ängstlichen Refrains ‚Ich komm zu spät, ich komm zu spät!’« Gezeigt wird in diesem Film aus dem Jahr 1955, wie ein Tag in den Trainingsräumen des Balletts der Bayerischen Staatsoper ablief. Das gesamte Gelände war damals noch nicht wieder restauriert, sondern zeigte noch unverhüllt die Bombenschäden aus dem Zweiten Weltkrieg. Zuerst also trainieren die Großen, d.h. die Erwachsenen: die Solisten wie Annette Chappell, Inge Bertl, Heino Hallhuber und Paul Wünsch, die Vortänzerinnen, die man Koryphäen nennt, und die Elevinnen. Man erfährt, dass man Ballettschuhe nassmachen muss, damit sie gut sitzen. Am Nachmittag – man sieht zunächst ein kleines Mädchen mit Stoffbeutel die Maximilianstraße entlang laufen – kommen dann die Kleinen, die 7-, 8- bis ungefähr 12-jährigen Mädchen und Jungen. Auch sie stehen an der Stange und machen zur Klavierbegleitung ihre Übungen. Dann aber Aufregung, der Ballettmeister kommt und stellt ein neues Ballett vor: »Taubenflug«. Dafür sucht er auch kleine Tauben, also Mädchen von ungefähr zehn, zwölf Jahren. Diejenigen, die dafür ausgewählt werden, jubilieren: Selbst auf der Bühne stehen dürfen und tanzen! Die anderen Mädchen aber, diejenigen die nicht ausgewählt wurden, sind traurig. Nun beginnen neben dem Training auch die Proben zu diesem Ballett…
Aus der im Film erwähnten »kleinen« Renate Deppisch wurde später tatsächlich eine Prima Ballerina, u. a. in Kaiserslautern.

Der Bericht zeigt in Ausschnitten einige der wichtigsten Truppen und Produktionen der damaligen Zeit: u.a. von M. Bejart »Symphonie pour un homme seul«; von R. Petit »Le Jeune homme et la morte; von G. Balanchine »Agon« mit dem New York City Ballet; das Royal Ballet London mit Prokofiews »Romeo und Julia« und das Bolschoi- Ballett mit »Die Flamme von Paris« und »Die Fontäne von Bakhtchisarai«. Zu sehen sind u.a.: Gallina Ulanowa, Maja Plissetkaja, Margot Fontayn, Rudolf Nurejew, John Cranko.

Feinfühliges Porträt der Münchner Primaballerina Konstanze Vernon von Percy Adlon. Ein Jahr nach dem Tod ihres Tanzpartners Heinz Bosl ist bei Konstanze Vernon der Schmerz immer noch so groß, dass sie über Bosl kaum sprechen mag. Aber das Leben und die Arbeit gehen weiter, auch wenn kein neuer Tänzer Bosl gleichwertig ersetzen könnte.

Das Europakonzert der Berliner Philharmoniker 2019 im Pariser Musée d’Orsay stand ganz im Zeichen deutsch französischer Freundschaft. Solist war der walisische Bassbariton Bryn Terfel. Um Kultur und musikalische Vielfalt der beiden Nationen zu zeigen, hatte Daniel Harding, Musikdirektor des Orchestre de Paris und ständiger Gastdirigent der Berliner Philharmoniker, Werke von Richard Wagner, Hector Berlioz und Claude Debussy ausgewählt.

Porträt des Münchner Ballettstars Heinz Bosl. Der durch seine Tourneen mit der britischen Primaballerina Margot Fonteyn international bekannte Tänzer starb schon mit 28 Jahren an Leukämie. Heinz Bosl in seinen Tanzpartien, auf der Probe, beim Training und im Gespräch. Erinnerungen seiner Tanzpartnerinnen Margot Fonteyn, Konstanze Vernon, Margot Werner, seiner Mutter und seinem Arzt.

Mit den Füßen fängt es an – Ein Tag im Ballett der Bayerischen Staatsoper
Gezeigt wird in diesem Film von 1955 ein Tag in den Trainingsräumen des Balletts der Bayerischen Staatsoper, die damals noch nicht restauriert war und unverhüllt die Bombenschäden aus dem Zweiten Weltkrieg zeigte. Zuerst trainieren die Erwachsenen, danach die Kleinen, also die Kinder von ungefähr 7 Jahren an. Zu diesen jungen Mädchen kommt dann der Ballettmeister, er sucht für ein neues Stück Tänzerinnen, die auf der Bühne kleine Tauben darstellen sollen. Große Aufregung: Wer darf mitmachen?
»Immer wird früh am Morgen das Training der Großen anfangen und das der Kleinen wird folgen. Immer werden dann dünne Beine zu laufen beginnen im Takt des ängstlichen Refrains ‚Ich komm zu spät, ich komm zu spät!’« Gezeigt wird in diesem Film aus dem Jahr 1955, wie ein Tag in den Trainingsräumen des Balletts der Bayerischen Staatsoper ablief. Das gesamte Gelände war damals noch nicht wieder restauriert, sondern zeigte noch unverhüllt die Bombenschäden aus dem Zweiten Weltkrieg. Zuerst also trainieren die Großen, d.h. die Erwachsenen: die Solisten wie Annette Chappell, Inge Bertl, Heino Hallhuber und Paul Wünsch, die Vortänzerinnen, die man Koryphäen nennt, und die Elevinnen. Man erfährt, dass man Ballettschuhe nassmachen muss, damit sie gut sitzen. Am Nachmittag – man sieht zunächst ein kleines Mädchen mit Stoffbeutel die Maximilianstraße entlang laufen – kommen dann die Kleinen, die 7-, 8- bis ungefähr 12-jährigen Mädchen und Jungen. Auch sie stehen an der Stange und machen zur Klavierbegleitung ihre Übungen. Dann aber Aufregung, der Ballettmeister kommt und stellt ein neues Ballett vor: »Taubenflug«. Dafür sucht er auch kleine Tauben, also Mädchen von ungefähr zehn, zwölf Jahren. Diejenigen, die dafür ausgewählt werden, jubilieren: Selbst auf der Bühne stehen dürfen und tanzen! Die anderen Mädchen aber, diejenigen die nicht ausgewählt wurden, sind traurig. Nun beginnen neben dem Training auch die Proben zu diesem Ballett…
Aus der im Film erwähnten »kleinen« Renate Deppisch wurde später tatsächlich eine Prima Ballerina, u. a. in Kaiserslautern.

Der Bericht zeigt in Ausschnitten einige der wichtigsten Truppen und Produktionen der damaligen Zeit: u.a. von M. Bejart »Symphonie pour un homme seul«; von R. Petit »Le Jeune homme et la morte; von G. Balanchine »Agon« mit dem New York City Ballet; das Royal Ballet London mit Prokofiews »Romeo und Julia« und das Bolschoi- Ballett mit »Die Flamme von Paris« und »Die Fontäne von Bakhtchisarai«. Zu sehen sind u.a.: Gallina Ulanowa, Maja Plissetkaja, Margot Fontayn, Rudolf Nurejew, John Cranko.

Feinfühliges Porträt der Münchner Primaballerina Konstanze Vernon von Percy Adlon. Ein Jahr nach dem Tod ihres Tanzpartners Heinz Bosl ist bei Konstanze Vernon der Schmerz immer noch so groß, dass sie über Bosl kaum sprechen mag. Aber das Leben und die Arbeit gehen weiter, auch wenn kein neuer Tänzer Bosl gleichwertig ersetzen könnte.

Im Rahmen des Eröffnungskonzertes 2010 des Schleswig-Holstein Musik Festivals spielt das NDR Sinfonieorchester (heute: NDR Elbphilharmonie Orchester) unter der Leitung von Christoph Eschenbach die Sinfonie Nr. 4 G-Dur von Gustav Mahler, Sopran: Christiane Oelze.

Spielfilm, Österreich 1949
Die legendäre österreichische Verfilmung der letzten 20 Lebensjahre von Ludwig van Beethoven. 1947-49 gedreht mit Schauspielstar Ewald Balser vom Wiener Burgtheater als Beethoven und einem jungen, aufstrebenden Oskar Werner als dessen Neffe Karl. Beethoven schwankt zwischen Napoleon-Begeisterung und -Verachtung, zwischen musikalischem Genie und der Liebe seines Lebens – zusehends geplagt vom Verlust seines Gehörs.
Ein Meldereiter jagt durch die Landschaft: Napoleon befindet sich im Anmarsch auf Wien. Während viele diese Tatsache mit Schrecken quittieren, weckt sie bei dem in einer Kneipe sitzenden Ludwig van Beethoven große Begeisterung. Voller Leidenschaft für den revolutionären Bonaparte eilt er nach Hause, um seine »Eroica«-Symphonie zu komponieren. Beethoven reagiert aber bitter enttäuscht, als der Korse nach der Kaiserkrone greift, und streicht nicht nur die Widmung für Napoleon, er setzt sich auch ab, als ihn die Einladung des Kaisers erreicht. Beethoven fährt nach Ungarn, wo er die Liebe seines Lebens trifft und ihr doch entsagen muss: Wahre Liebe und eine tiefe Beziehung scheinen unvereinbar mit künstlerischem Genie. Zurück in Wien beginnt die Taubheit, an der er mehr und mehr verzweifelt. Doch er arbeitet unermüdlich weiter an neuen Werken. Kummer bereitet ihm auch das »Lotterleben« seines Neffen Karl, dessen Vormund er ist.
Ein wenig Stummfilmästhetik hat sich in diesem Nachkriegsfilm erhalten: klassische Kamerafahrten und Schwarzweißbilder, die wie verewigte Gemälde nachwirken. Dabei nimmt sich die Erzählung einige Freiheiten und verlegt Napoleons Marsch auf Wien von 1809 ins Jahr 1803, damit die Entstehungszeit der »Eroica« passt.
Der in Elberfeld (heute Wuppertal) geborene Kammerschauspieler des Wiener Burgtheaters Ewald Balser hat seine Paraderolle. »Der Spiegel« ist nach der Uraufführung begeistert: »mit dem genialisch wirren Haupthaar und prometheisch blitzenden Augen, mit trotzig vorgeschobenem Unterkiefer und Weltverachtung in den Mundwinkeln, mit prankenden Klavierhänden und dem barschen Tonfall des Tauben – jeder Zoll ein Titan.« Außerdem glänzt Österreichs Schauspiel-Legende Oskar Werner in der Rolle von Beethovens Neffe Karl.
Die Musik wurde von Dirigent Hans Knappertsbusch mit den Wiener Philharmonikern und Wiener Symphonikern aufgenommen. Folgende Kompositionen Beethovens erklingen in Auszügen im Film:
3. Sinfonie Es-Dur »Eroica«
Klaviersonate Nr. 14 »Mondscheinsonate«
5. Sinfonie c-Moll »Schicksalssinfonie«
9. Sinfonie d-Moll

Künstlerische Leitung: Karl Hartl
Beethoven (Ewald Balser)
Neffe Karl (Oskar Werner)
Theresa Brunsvik (Marianne Schönauer)
Giulietta Guicciardi (Judith Holzmeister)

Lauma Skride spielt Clara Schumanns Klavierkonzert, begleitet vom Gewandhausorchester Leipzig unter der musikalischen Leitung von Andris Nelsons. Das Klavierkonzert ist das einzige Orchesterwerk, das von Clara Schumann erhalten ist. Die gefeierte Klaviervirtuosin komponierte das Werk mit 14 Jahren und spielte selbst den Solo-Part bei der Uraufführung mit dem Leipziger Gewandhausorchester. ARTE zeigt eine Aufzeichnung des Jubiläumskonzerts aus Leipzig zum 200. Geburtstag von Clara Schumann.
Clara Schumanns Klavierkonzert ist das einzige Werk mit Orchester, das von der Komponistin erhalten ist. Bereits als 14-Jährige arbeitete sie am Finalsatz, Robert Schumann half ihr bei der Orchestrierung. Sie selbst hat das Konzert als 16-Jährige mit Felix Mendelssohn Bartholdy am Pult im Leipziger Gewandhaus uraufgeführt. Zeitgenossen beschreiben die junge Clara als eher zurückhaltend, doch dieses Konzert zeugt von erstaunlichem Selbstbewusstsein und künstlerischer Ausdruckskraft.
Das Leipziger Clara-Schumann-Jubiläum bot nun die einzigartige Möglichkeit, das Konzert prominent besetzt mit dem Klangköper aufzuzeichnen, der das Werk einst uraufgeführt hat. Das Gewandhausorchester Leipzig unter der Leitung von Kapellmeister Andris Nelsons widmet der Komponistin anlässlich ihres 200. Geburtstags ein »großes Concert«, in dem neben Clara Schumanns Klavierkonzert auch Robert Schumanns »Frühlingssymphonie« zur Aufführung gelangen. Den technisch anspruchsvollen Klavierpart übernimmt die junge Pianistin Lauma Skride.

Mit Abeer Nehme, Dalal Abu Amneh, Mai Faruk. Fairuz, Umm Kulthum, Leila Mourad, Warda al Jazairia, Asmahan, Mayada El Hennawy – die Namen dieser Diven lassen in der arabischen Welt die Herzen höherschlagen. Im Westen sind die in ihrer Heimat durchweg berühmten Sängerinnen dagegen kaum bekannt. Um dies zu ändern, veranstaltete die Pariser Philharmonie im Jahr 2018 zwei Wochenenden ganz im Zeichen arabischer Musik. Am 12. Mai beehrten Abeer Nehme aus dem Libanon, Dalal Abu Amneh aus Palästina und Mai Faruk aus Ägypten die Philharmonie mit ihren Stimmen und interpretierten die schönsten Stücke der legendären arabischen Diven. Musikalisch begleitet wurden sie dabei vom Orchester der arabischen Welt.

Zwei Weltstars gaben im Mai 2016 in Wagners »Lohengrin« ihre Rollen-Debüts an der Semperoper Dresden: Anna Netrebko als Elsa und Piotr Beczala in der Titelpartie. Mit Christian Thielemann stand einer der derzeit bedeutendsten Wagner-Dirigenten am Pult der Sächsischen Staatskapelle Dresden. ARTE zeigt die Highlights im TV und die ganze Oper im Internet auf ARTE Concert unter: concert.arte.tv

Sächsischer Staatsopernchor Dresden, Sächsische Staatskapelle Dresden, Christian Thielemann
Mit Anna Netrebko (Elsa von Brabant), Piotr Beczala (Lohengrin), Tomasz Konieczny (Friedrich von Telramund), Georg Zeppenfeld (Heinrich der Vogler), Evelyn Herlitzius (Ortrud), Derek Welton (Heerrufer des Königs).

BR-Symphonieorchester, Lorin Maazel
Gustav Mahlers 1903 vollendete 5. Symphonie ist vor allem durch ihren vierten Satz, das »Adagietto«, bekannt geworden. In den späten 1960er-Jahren legte Luchino Visconti, damals nicht ohne Kritik seitens der Klassikpuristen, diese Musik seiner berühmten Verfilmung der Thomas-Mann-Novelle »Der Tod in Venedig« zugrunde, wodurch der Film selbst bald zum Kultfilm avancierte und fast als Nebenprodukt die gleichzeitig einsetzende Mahler-Renaissance ihren Höhepunkt erreichte. Auch heute noch zählt das »Adagietto« zu Mahlers populärsten Kompositionen. Nur für Streicher und Harfe komponiert, lehnt es sich wie ein »Lied ohne Worte« in Melodie und Gestus eng an Mahlers Rückert-Lied »Ich bin der Welt abhanden gekommen« an.
Die 5. Symphonie war lange Zeit Mahlers »Schmerzenskind«: »Die einzelnen Stimmen sind so schwierig zu spielen, dass sie eigentlich lauter Solisten bedürfen«, klagte der Komponist nach der Kölner Uraufführung im Jahre 1904. »Da sind mir aus meiner genauesten Orchester- und Instrumentenkenntnis heraus die kühnsten Passagen und Bewegungen entschlüpft.«
Zu Beginn des Konzerts unterhält sich Lorin Maazel mit zwei Orchestermusikern über instrumentale Aspekte des Werks

Kurz nachdem der Hashtag #MeToo im Jahr 2017 durch die sozialen Netzwerke ging, wurden auch die ersten Vorwürfe von sexuellen Übergriffen in der Tanz- und Ballettwelt bekannt. Die Dokumentation zeigt, wie sehr die körperlichste der Bühnenkünste für Missbrauch anfällig ist, blickt in die Geschichte des Tanzes und zeigt die Arbeit des Scottish Ballet, dessen Mitglieder einen neuen Weg eingeschlagen haben.

Erneut begibt sich Thomas Hengelbrock mit seinem NDR Elbphilharmonie Orchester auf Entdeckungsreise in die Musikwelt. Nach der erfolgreichen ersten Sendung mit dem Thema »Romeo und Julia« geht es nun weiter zum Komponisten Johannes Brahms und seinen vier Sinfonien. Im Nachtasyl im Thalia Theater befragt die charmante Moderatorin Janin Reinhardt den Chefdirigenten in einer kleinen Gesprächsrunde zum Konzertmarathon mit den vier Sinfonien von Johannes Brahms.
»Brahms schafft wie kein anderer romantischer Komponist diese unglaubliche Balance zwischen Expressivität und Gefühl und einer wahnsinnig konstruktiven Kraft der Kompositionstechnik. In seinen Werken kulminieren alle Errungenschaften der Musikgeschichte von Heinrich Schütz bis zu seinen Zeitgenossen und finden zu einer neuen romantischen Einheit.« – so Thomas Hengelbrock.
Gerade seine Sinfonien sind eine Fundgrube an musikgeschichtlichen Quellen. Darum stellt Hengelbrock auch Teile aus den vier Sinfonien des Komponisten in den Fokus, denn diese sind für ihn »Resonanzräume der Brahms‘schen Seele«. In kurzen Konzert- und Probenausschnitten, live im Gespräch eingespielt, werden die angesprochenen Aspekte des Komponierens, der Musikthemen, der Instrumentation für die Zuschauer verdeutlicht. Natürlich kommt auch zur Sprache, warum sich Brahms so schwergetan hat, seine erste Sinfonie zu komponieren, ob die Sinfonien etwas über die reine musikalische Aussage hinaus bedeuten und welche Interpretationen diese durch Zeitgenossen, wie zum Beispiel Clara und Robert Schumann, Eduard Hanslick und anderen Kritikern erhielten. Zusätzliche Graphic Novels vertiefen auf unkonventionelle Weise bestimmte Facetten des Gesprächs.

Zwischen Zerbrechlichkeit, Empfindsamkeit und Perfektion: Für Freunde wie Charlie Chaplin, aber auch für viele heutige Musiker war und ist die Schweizer Klaviervirtuosin Clara Haskil (1895-1960) eine Interpretin, die wie keine andere Maßstäbe gesetzt hat. Die in Bukarest geborene Rumänin hat als Jüdin zwei Weltkriege überlebt und bewahrte sich trotz ihrer labilen Gesundheit stets ihre Kraft. Die Dokumentation folgt dem umtriebigen Leben der Ausnahmekünstlerin, das von Bukarest über Paris und die Schweiz bis nach London und New York führte. Anhand von unveröffentlichten Klaviereinspielungen, Briefen und Interviews zeigt er die faszinierende Musikerin in neuem Licht, deren zeitlose Modernität bis heute ungebrochen ist.

Wiener Philharmoniker, Bernard Haitink
Solist: Emanuel Ax (Klavier)
Stardirigent Bernard Haitink tritt 2019 ein letztes Mal mit den Wiener Philharmonikern bei den Salzburger Festspielen auf. Es ist ein Abschiedskonzert.
Der 90 jährige Maestro verlässt nach 65 Jahren das Dirigentenpult. Er selbst spricht lieber von einem Sabbatical als vom Beenden seiner Karriere. Das Publikum dankt dem Grandseigneur mit tosendem Applaus und Standing Ovations.
Auf dem Programm stehen Ludwig van Beethovens 4. Klavierkonzert in G-Dur, mit Emanuel Ax am Piano, und Anton Bruckners 7. Sinfonie in E-Dur. Bernard Haitink sieht sich als Diener der Musik, dirigiert ohne Show, mit knappen Bewegungen, dezenten Gesten oder mit bloßem Augenkontakt.
Im Laufe seiner Karriere dirigierte Bernard Haitink die renommiertesten Orchester der Welt, die Wiener Philharmoniker erstmals 1972. Seit damals stand der Niederländer mehr als 100 Mal am Pult des weltberühmten Orchesters. Bei seinem Abschiedskonzert im Großen Festspielhaus wurde er zum Ehrenmitglied der Wiener Philharmoniker ernannt. 27 Jahre war er Chefdirigent des Royal Concertgebouw Orchestra in Amsterdam, 14 Jahre leitete Haitink das Royal Opera House in London. Haitink wurde mit zahlreichen Preisen und Ehrentiteln ausgezeichnet.
Für sein letztes Konzert in Salzburg hat Bernard Haitink zwei besondere Werke ausgesucht: Beethovens 4. Klavierkonzert aus dem Jahr 1805 zählt zu Beethovens reifen und bedeutendsten Werken. Schon Robert Schumann pries das Stück als »Beethovens vielleicht größtes Klavierkonzert«. Die Begeisterung hält bis heute an. Gleiches gilt für die Sinfonie Nr. 7 von Anton Bruckner. Mit ihr gelang dem österreichischen Komponisten im Alter von 60 Jahren sein erster Welterfolg.

Der arbeitslose Komponist Clément Mathieu erhält 1949 eine Anstellung als Aufseher in einem französischen Internat für schwer erziehbare Jungen. Dessen Direktor traktiert seine Schüler nur mit Prügel und Arrest. Gegen den Widerstand des Direktors gründet Mathieu einen Chor und gewinnt bei den regelmäßigen Proben allmählich das Vertrauen seiner widerspenstigen Schützlinge.

Am 6. und 7. Mai 2007 dirigierte Christoph von Dohnányi in der Hamburger Laeiszhalle die vier Sinfonien von Johannes Brahms. Ergänzt werden die Aufzeichnungen durch persönliche Anmerkungen Christoph von Dohnányis zu seiner Arbeit.
Es spielt das NDR Sinfonieorchester (seit 2017 NDR Elbphilharmonie Orchester).

Das Musikmagazin

Frank Peter Zimmermann spielte im April 2018 das Violinkonzert Nr. 1 von Sergej Prokofjew beim Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks unter der Leitung von Mariss Jansons.
Die beiden Violinkonzerte von Sergej Prokofjew haben schon lange einen besonderen Platz in Frank Peter Zimmermanns Repertoire. Im April 2018 spielte er das Violinkonzert Nr. 1 beim Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks unter der Leitung von Mariss Jansons. Ein helles, lyrisches Werk, mit den für Prokofjew typischen skurrilen und rhythmisch-motorischen Passagen, die nach allen Verdüsterungen in ein sonnendurchflutetes Schlusstableau münden. Frank Peter Zimmermann verabschiedete sich an diesem Konzertabend mit einer virtuosen Rachmaninow-Zugabe.

2008 etablierte sich ein elegantes neues Bauwerk in dem von Problemen belasteten Hafen im Zentrum von Oslo: das Opernhaus Oslo, das die Norwegische Oper und das Ballett beherbergt. Sein scheinbar endloses, schneeweißes Marmordach und das elegante Interieur ziehen gleichermaßen Besucher an. Die Architektur lässt hier die sonst strikte Trennung zwischen innen und außen verschwimmen und bietet so eine Mischung aus Hochkultur und Naherholung.
Margareth Olins Film dokumentiert die zahllosen Menschen, die das schneeweiße Dach täglich überqueren, und Hunderte von Mitarbeitern und Performern des Hauses, die das Leben »dort oben« auf die Bühne übertragen. Er zeigt, wie sehr das vom Architekturbüro Snøhetta gestaltete Opernhaus, das aus dem Fjord erwächst, eine Symbiose von Kunst und Leben darstellt.

Die Star-Geigerin Hilary Hahn und die Deutsche Kammerphilharmonie Bremen spielen die Violinkonzerte von Johann Sebastian Bach in der Kirche Saanen. Die Kirche im Berner Oberland ist berühmt für ihre Fresken und scheint mit ihrer spirituellen Atmosphäre wie geschaffen für die Musik des Thomaskantors Bach.

Auf dem Programm steht das Violinkonzert a-Moll BWV 1041, das Violinkonzert a-Moll BWV 1041, das Violinkonzert E-Dur BWV 1042.

500 junge Musiker aus 27 Ländern hatten sich beworben, um bei der BR-Orchesterakademie Ingolstadt 1994 dabei zu sein. Kein Wunder, schließlich war Lorin Maazel in diesem Jahr als Leiter der Akademie gewonnen worden und die Aussicht, mit diesem Maestro ein Konzert zu erarbeiten und danach auf Tournee zu gehen, ist für jeden Musiker verlockend.
Fritz Zeilinger hat die jungen Musiker von den ersten Proben bis zum Schlusskonzert mit der Kamera begleitet.
500 junge Musiker aus 27 Ländern hatten sich beworben, um bei der BR-Orchesterakademie Ingolstadt 1994 dabei zu sein. Kein Wunder, schließlich war Lorin Maazel in diesem Jahr als Leiter der Akademie gewonnen worden und die Aussicht, mit diesem Maestro ein Konzert zu erarbeiten und danach auf Tournee zu gehen, ist für jeden Musiker verlockend. Von ihnen wurden 92 bei Vorspielterminen in Berlin, Dresden, Freiburg, München und Wien auserkoren und nach Ingolstadt eingeladen, um dort eine Woche im Rahmen der Akademie intensiv zu über und zu proben.
Fritz Zeilinger hat die jungen Musiker von den ersten Proben bis zum Schlusskonzert mit der Kamera begleitet.

Natalie Dessay, die ihr Debüt in der Rolle der Violetta Valéry in Santa Fé (USA) und in Tokio gab, wird beim Festival d’Aix-en-Provence vom London Symphony Orchestra unter der Leitung von Louis Langrée begleitet. Die Inszenierung stammt von Jean-François Sivadier, der für »La Dame de chez Maxim« von Georges Feydeau mit dem Molière 2010 für die beste Regie ausgezeichnet wurde.Zur Handlung: Die Kurtisane Violetta Valéry wird bei einer Feier auf den jungen, attraktiven Alfredo Germont aufmerksam, der ihr seine Liebe erklärt. Sie verlieben sich ineinander und ziehen bald in ein Haus außerhalb von Paris. Aber Violetta erhält Besuch von Alfredos Vater, der sie daran erinnert, dass ihr schlechter Ruf dem gesellschaftlichen Ansehen der Familie und besonders der jüngeren Schwester Alfredos, die bald heiraten soll, schadet. Violetta verzichtet auf ihr Glück und verlässt ihren geliebten Alfredo.
Estonian Philharmonic Chamber Choir, London Symphony Orchestra, Louis Langrée
Mit Natalie Dessay (Violetta Valéry), Ludovic Tézier (Giorgio Germont), Charles Castronovo (Alfredo Germont), Adelina Scarabelli (Annina), Silvia de La Muela (Flora Bervoix), Manuel Nuñez Camelino (Gastone de Letorière).

Einen außergewöhnlichen Musikmarathon führten Thomas Hengelbrock und das NDR Elbphilharmonie Orchester am 22. Mai 2016 in der Laeiszhalle in Hamburg auf: alle vier Brahms-Symphonien an einem Tag. Im ersten Teil der Konzertübertragung sind Symphonie Nr. 1 und 2 zu hören. Thomas Hengelbrock gibt in einem Interview zusätzliche Informationen zu den Werken. Die Symphonie sei »eine Angelegenheit von Leben und Tod« sagte Johannes Brahms. Erst 1876 kam seine 1. Symphonie c-Moll op. 68, an der er seit 1862 gearbeitet hatte, in Karlsruhe zur Aufführung. Es waren nicht nur seine Pedanterie und sein Perfektionismus, sondern auch der Schatten Beethovens, die Brahms immer wieder an seinem Werk zweifeln ließen. Die geradezu schicksalsträchtige Einleitung zum ersten Satz mit ihrer – dem wie ein Herzschlag pochenden Orgelpunkt der Pauke – gegenläufigen Chromatik zieht den Zuhörer geradewegs hinein in die 1. Symphonie. Neben der weitgehenden positiven Aufnahme durch das Publikum warfen die Musikkritiker Brahms nicht nur ein scheinbar fehlendes Programm und die doch spürbare Nähe zum Werke Beethovens vor, sondern sprachen sogar Plagiatsvorwürfe aus. Dagegen komponierte er seine 2. Symphonie D-Dur op. 73 innerhalb von nur wenigen Monaten im Sommer 1877. Nach dem jahrelangen Ringen um seine Erste behauptete sich Brahms nun als souveräner Symphoniker, der sich zwar bewusst mit dem Erbe Beethovens auseinandersetzt, jedoch eine eigene musikalische Sprache aufzeigen kann. »Die zweite Symphonie scheint wie die Sonne erwärmend auf Kenner und Laien, sie gehört allen, die sich nach guter Musik sehnen …« (Eduard Hanslick, »Neue Freie Presse«, 1878).

Das Musikmagazin

Aufzeichnung aus der Münchner Philharmonie am Gasteig aus dem Jahre 1996.
Das Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks unter der Leitung von Lorin Maazel spielt die Symphonie Nr. 5 e-Moll von Peter Tschaikowsky.
Die 5. Symphonie von Peter Tschaikowsky wird geprägt vom sogenannten »Schicksalsmotiv«. Tschaikowsky war Zeit seines Lebens ein Mensch, der sich gerne und mitteilungsfreudig in sein Schicksal hineingab – was immer unter diesem Schicksal zu verstehen war. So überschrieb er auch den ersten Satz mit: »Introduktion. Völlige Ergebung in das Schicksal oder, was dasselbe ist, in den unergründlichen Ratschluss der Vorsehung. – Allegro: Murren, Zweifel, Klagen, Vorwürfe.«
Gleich zu Beginn stellen die Klarinetten das »Schicksalsmotiv« vor. Dann scheint es immer wieder auf, um im opulenten Finale wuchtig und teilweise in Dur wiederzukehren. Dieses triumphale Finale gibt bis heute Rätsel auf. Schon die zeitgenössischen Kritiker fragten sich nach der Uraufführung 1888, warum nach der Düsternis der vorangegangenen Sätze Tschaikowsky so einen strahlenden Abschluss gewählt hatte.
Tschaikowsky selbst wurde nie ganz glücklich mit dieser Komposition, nicht zuletzt wegen des letzten Satzes. Umso bemerkenswerter, dass die 5. Symphonie heutzutage, gerade wegen ihres gloriosen Schlusses, zu Tschaikowskys beliebtesten Werken gehört.

Das 2012 von Laurence Equilbey gegründete Insula Orchestra spielt auf historischen Instrumenten und experimentiert gern mit neuen Konzertformaten. Im Sommer 2018 stellt die französische Dirigentin mit ihrem Ensemble sowie dem Kammerchor accentus im Pariser Kulturzentrum La Seine Musicale ein wenig bekanntes Werk Mozarts vor, das jedoch als Vorläufer der »Zauberflöte« bezeichnet werden kann: die Bühnenmusik zu »Thamos, König in Ägypten«. Maßgeblich zur Wirkung der Aufführung trägt eine außergewöhnliche Bildgestaltung von Yannis Kokkos bei, der das musikalische Geschehen mit einer reizvollen Mischung aus Video, Grafik und Live-Animation untermalt.

Chor: accentus
Orchester: Insula Orchestra
Dirigent: Laurence Equilbey
Bühnenbild: Yannis Kokkos
Video: Emmanuel Larue
Zeichner, Grafiker: Guillaume Carreau
Regie: Isabelle Soulard
Mit Sandrine Piau (Sopran), Aline Martin (Alt), Reinoud Van Mechelen (Tenor), Andreas Wolf (Bariton)

Pippilotta Viktualia Rollgardina Pfefferminz Efraimstochter Langstrumpf – Pippi für ihre Freunde und Fans, die bärenstarke Göre mit den roten Zöpfen und den Sommersprossen, erobert jetzt auch das klassische Ballett. Der schwedische Tänzer und Choreograph Pär Isberg inszeniert Astrid Lindgrens Heldin aus der Villa Kunterbunt für die Opernbühne in Helsinki. Sie sind alle da, der Seeräubervater, die Freunde Tommy und Annika und natürlich der Apfelschimmel, den Pippi zum Beweis ihrer Kraft hoch in die Lüfte stemmt. Rollschuhe, Affen auf einem Skateboard, Tänzer, die durch die Luft fliegen – alles kann passieren, wenn Pippi in der Nähe ist.
Pippi Langstrumpf hat ihre Existenz einem Unfall zu verdanken. 1944 hatte sich Astrid Lindgren den Fuß verstaucht, musste ruhig liegen und konnte nichts tun. So schrieb sie die Geschichte nieder, die sie einige Jahre zuvor ihrer Tochter erzählt hatte. 1945 erschien das erste Buch der Reihe, wurde nach und nach in 70 Sprachen übersetzt und ziemlich rasch ein Welterfolg. Astrid Lindgrens Pippi wurde vor allem dank der Filme und der Fernsehserie von 1969 bekannt, mit Inger Nilsson in der Titelrolle. Pär Isbergs Choreographie arbeitet genau mit den Bildern und der Stimmung der Fernsehfassung.
Für die Ballettmusik zeichnen Georg Riedel und Stefan Nilsson verantwortlich. Georg Riedel ist einer der drei Komponisten des Films und der Fernsehserie. Er hat unter anderem, zusammen mit Jan Johansson, Pippis berühmtes Lied »Hej, Pippi Langstrumpf« geschrieben. Stefan Nilsson hat sich als Filmkomponist für die Verfilmungen der Krimis von Håkan Nesser und für Filme wie »Die besten Absichten« und »Pelle, der Eroberer« von Bille August einen Namen gemacht.

Einen außergewöhnlichen Musikmarathon führten Thomas Hengelbrock und das NDR Elbphilharmonie Orchester am 22. Mai 2016 in der Laeiszhalle in Hamburg auf: alle vier Brahms-Symphonien an einem Tag. Im ersten Teil der Konzertübertragung sind Symphonie Nr. 1 und 2 zu hören. Thomas Hengelbrock gibt in einem Interview zusätzliche Informationen zu den Werken. Die Symphonie sei »eine Angelegenheit von Leben und Tod« sagte Johannes Brahms. Erst 1876 kam seine 1. Symphonie c-Moll op. 68, an der er seit 1862 gearbeitet hatte, in Karlsruhe zur Aufführung. Es waren nicht nur seine Pedanterie und sein Perfektionismus, sondern auch der Schatten Beethovens, die Brahms immer wieder an seinem Werk zweifeln ließen. Die geradezu schicksalsträchtige Einleitung zum ersten Satz mit ihrer – dem wie ein Herzschlag pochenden Orgelpunkt der Pauke – gegenläufigen Chromatik zieht den Zuhörer geradewegs hinein in die 1. Symphonie. Neben der weitgehenden positiven Aufnahme durch das Publikum warfen die Musikkritiker Brahms nicht nur ein scheinbar fehlendes Programm und die doch spürbare Nähe zum Werke Beethovens vor, sondern sprachen sogar Plagiatsvorwürfe aus. Dagegen komponierte er seine 2. Symphonie D-Dur op. 73 innerhalb von nur wenigen Monaten im Sommer 1877. Nach dem jahrelangen Ringen um seine Erste behauptete sich Brahms nun als souveräner Symphoniker, der sich zwar bewusst mit dem Erbe Beethovens auseinandersetzt, jedoch eine eigene musikalische Sprache aufzeigen kann. »Die zweite Symphonie scheint wie die Sonne erwärmend auf Kenner und Laien, sie gehört allen, die sich nach guter Musik sehnen …« (Eduard Hanslick, »Neue Freie Presse«, 1878).

Mit Abeer Nehme, Dalal Abu Amneh, Mai Faruk. Fairuz, Umm Kulthum, Leila Mourad, Warda al Jazairia, Asmahan, Mayada El Hennawy – die Namen dieser Diven lassen in der arabischen Welt die Herzen höherschlagen. Im Westen sind die in ihrer Heimat durchweg berühmten Sängerinnen dagegen kaum bekannt. Um dies zu ändern, veranstaltete die Pariser Philharmonie im Jahr 2018 zwei Wochenenden ganz im Zeichen arabischer Musik. Am 12. Mai beehrten Abeer Nehme aus dem Libanon, Dalal Abu Amneh aus Palästina und Mai Faruk aus Ägypten die Philharmonie mit ihren Stimmen und interpretierten die schönsten Stücke der legendären arabischen Diven. Musikalisch begleitet wurden sie dabei vom Orchester der arabischen Welt.

Kurz nachdem der Hashtag #MeToo im Jahr 2017 durch die sozialen Netzwerke ging, wurden auch die ersten Vorwürfe von sexuellen Übergriffen in der Tanz- und Ballettwelt bekannt. Die Dokumentation zeigt, wie sehr die körperlichste der Bühnenkünste für Missbrauch anfällig ist, blickt in die Geschichte des Tanzes und zeigt die Arbeit des Scottish Ballet, dessen Mitglieder einen neuen Weg eingeschlagen haben.