Klassische Musik im TV

Ioan Holender besucht die Stadt Pesaro, in der sich alles um Rossini dreht. Im dortigen Theater, erstmals 1637 erbaut und 1818 mit Rossinis »La gazza ladra« wiedereröffnet, trifft sich Ioan Holender mit dem Intendanten des Rossini Opera Festivals, Gianfranco Mariotti, und dem Künstlerischen Leiter Ernesto Palacio und lässt sich von ihnen durch das Teatro Rossini führen.
Nach dem Besuch einiger Rossini Opera Festival-Vorstellungen trifft sich Ioan Holender mit Dmitry Korchak, der in »Stabat Mater« und »Torvaldo e Dorliska« in Pesaro auftritt, und bespricht dessen Beziehung zum Rossini Festspiel. Juan Diego Flórez ist beim Festival ebenfalls zu sehen und gesteht Holender, in Erinnerung an die Anfänge seiner Karriere in Italien schwelgend, dass sie zu seinem Sommer-Heimatland geworden ist. Von dem Erbe, das der Komponist Rossini der Stadt hinterließ, wurde das Conservatorio Rossini erbaut, in dem unter anderem Renata Tebaldi und Mario del Monaco zu berühmten Künstlern ausgebildet wurden.

Ein Instrument mit hohem Aufklärungsbedarf: Man kann darauf richtige Töne spielen. Jochen Brenner ist kein »Pauker«, sondern Paukist und kann auch mit Nadel und Faden umgehen.

Wer war dieser Mann, »von dem alle musikalische Weisheit ausging« und der unbestritten als »DAS Musikgenie« gilt, der wohl größte Musiker aller Zeiten? Johann Sebastian Bach hinterließ ein riesiges Werk, fast 1.200 Kompositionen, künstlerisch wie technisch hoch kompliziert und vollkommen. Das 18. Jahrhundert versagte dem Genie Bach jedoch Anerkennung.
Es gibt nur wenige Dokumente, die etwas über Bachs Leben aussagen, nicht einmal ein wirklich verifizierbares Porträt. Wenig ist überliefert und dennoch unermesslich viel: Seine Musik und das, was sie über sein Empfinden und Fühlen erzählt. Der Film zeichnet in einer Mischung von Dokumentarischem, Authentischem und Fiktionalem den Werdegang des genialen Musikschöpfers nach.

Georg Friedrich Händel (1685-1759) ist der erste »Pop-Titan« der Geschichte. Seine »Hits« wie das »Hallelujah«, die »Sarabande« oder der zur Champions-League-Hymne umgewidmete Krönungschor »Zadok the Priest« sind allbekannte Ohrwürmer. Als Komponist war er ebenso gewieft wie als Unternehmer. Er war Europas erster Superstar und sein eigenwilliges Temperament sorgte für eine Vielzahl von Anekdoten.
«Händel – der Film« erzählt die schönsten, amüsantesten und spannendsten Händel-Anekdoten in Form von Spielszenen nach. Vorbild für die Ausstattung der Inszenierungen waren unter anderem die satirischen Gemälde und Karikaturen von William Hogarth, im London des 18. Jahrhunderts. Händels Abenteuer werden von Künstlerinnen und Künstlern sowie Expertinnen und Experten ersten Ranges kommentiert. Zu ihnen gehören die Bestseller-Autorin und Händel-Enthusiastin Donna Leon, die Mezzosopranistin Joyce DiDonato, der Countertenor Lawrence Zazzo und die Dirigenten Alan Curtis und René Jacobs.
Händels mitreißende Musik ist in hochkarätigen Darbietungen zu erleben. Darüber hinaus sind die Filmszenen ausschließlich mit Händelscher Musik orchestriert. Gedreht wurde an Originalschauplätzen in Halle, Hamburg, Rom, Hannover und London. Drehorte mit barocker Kulisse sind Schloss Bückeburg in Niedersachsen sowie die Herrenhäuser Gärten in Hannover.

Ein Kamerateam des SWR beobachtete das Radio-Sinfonieorchester Stuttgart bei Proben und Auftritten, vor und hinter den Kulissen. Klischees überprüfen, ganz praktische Fragen klären – und die Musiker selbst zu Wort kommen lassen.

Wie entsteht ein klassisches Konzert – eines, das unter freiem Himmel stattfindet und live im Fernsehen übertragen wird? Wie lange wird geplant und gearbeitet? Was findet hinter der Bühne statt? Wie gelingt es, dass so viele Menschen gut zusammenarbeiten? Kurzum: Was macht ein Event wie »Klassik am Odeonsplatz« aus? Schülerinnen und Schüler entdecken »Klassik am Odeonsplatz« als Videoprojekt.

Wiener Staatsopernorchester, Simon Hewett
Inszenierung: Edward Clug
Der preisgekrönte rumänische Choreograph Edward Clug setzt den norwegischen Klassiker »Peer Gynt« in der Vertonung von Edvard Grieg in zeitgenössisches Tanztheater um. Seine Inszenierung von Henrik Ibsens Geschichte über den Bauernsohn Peer Gynt, der mit Lügengeschichten versucht, der Realität zu entfliehen und letztendlich in Solveig eine treue Seele findet, beschreibt Clug als »Handlungsballett« und »Theater ohne Worte«.

Sie haben als kleine Kinder mit dem Tanzen begonnen und alles ihrer Leidenschaft geopfert. Wer professioneller Balletttänzer werden will, darf ein Berufsleben lang an sonst nichts denken.
Nur ist dieses Leben äußerst kurz. Für viele ist mit Ende 20 die Karriere vorbei. Und dann? Der Film begleitet den holländischen Tänzer Jaimy van Overeem an seinem letzten Abend auf die Bühne der Wiener Staatsoper. Er zeigt hautnah, wie er seinen Abschied erlebt.
Einen berührenden, höchst emotionalen Moment, denn kein Tänzer sieht dem Leben abseits der Bühne kühl und rational entgegen. Können sich die Tänzer während ihrer letzten Spielzeit auf das Ende ihrer Karriere vorbereiten? Werden sie in diesem schwierigen Schritt von ihren Ballettchefs unterstützt? Wie gehen sie mit der existenziellen Erfahrung um, in ein völlig neues Leben ohne Tanz einzutreten? Und wovon werden sie ihre Miete bezahlen?
In München und Wien begegnet das Filmteam Tänzerinnen und Tänzern, die den Wechsel in ein neues Leben schon bewältigt haben: einer Investmentberaterin, einem Physiotherapeuten, einem Tanzschulleiter. Das Ballett hat sie stark gemacht – für eine neue Rolle. Und es zeigt sich, dass das Thema dieses Films ein sehr universelles ist. Es geht um die Liebe zum Beruf, die Opfer, die man dafür erbringen muss, und um den Punkt, an dem alles zu Ende zu sein scheint, man sich neu erfinden muss: die große Wende im Leben.
Irgendwann ist es vorbei. Das wissen sie alle. Aber keiner will sich den Tag vorstellen, an dem es wirklich soweit ist, den Tag, an dem sie zum letzten Mal in der Garderobe ihre Muskeln wärmen, in den Kulissen stehen, gemeinsam warten, den Einsatz der Musik hören, und endlich auf die Bühne federn: zum allerletzten Mal.

ür sein Tanzdrama »Der Trommelstock tanzt« ließ sich Rudolf von Laban (1879-1958), ein Begründer des modernen Ausdruckstanzes, von altmexikanischen »Trommelsprachen« inspirieren.
Das Stück wurde von Alison Curtis-Jones neu inszeniert und vom »Summit Dance Theatre« im Rahmen des »Laban Event 2015« im Teatro del Gatto in Ascona aufgeführt. Damit wurde Labans für den modernen Tanz wichtiges Wirken im Tessin weiter aufgearbeitet.
«Rudolf von Laban eröffnete 1913 auf dem Schweizer Monte Verità seine »Schule für Bewegungskunst«. Im selben Jahr entstanden dort neben dem Tanzwerk »Istars Höllenfahrt« auch die Choreografie zu »Der Trommelstock tanzt«, die Labans Grundlagen aufzeigt: die Abkehr von der Partitur und vom Rhythmus der Musik, um damit den eigenen Takt des Körpers zu finden.

Der Film stellt Leben und Werk des ungarischen Tänzers, Choreografen und Tanztheoretikers Rudolf von Laban vor. Er entstand beim »Laban Event 2015« auf dem Monte Verità in Ascona. Die Filmemacherin Roberta Pedrini begleitete dort das gesamte »Trommelstock«-Projekt: von den Proben der Choreografie in Lourdes bis zu den Aufführungen auf dem Monte Verità. – Ein Blick hinter die Kulissen einer zugleich mythischen und modernen Kunst.

»Der rote Priester« erzählt die Lebensgeschichte des weltberühmten venezianischen Komponisten Don Antonio Vivaldi, berichtet über seine Wiederentdeckung und misst seinen Stellenwert in der Musikwelt der Gegenwart.
Geboren vor 329 Jahren in Venedig, gestorben und begraben vor 265 Jahren in Wien, fast 200 Jahre vergessen, wiederentdeckt und weltweit erfolgreich aufgeführt, bildet das umfangreiche Werk des geweihten rothaarigen Priesters und genialen Komponisten Antonio Vivaldi heute einen festen Bestandteil des gängigen Musikrepertoires.
Prominente Künstler und Ensembles interpretieren bekannte, unbekannte und neu entdeckte Werke Vivaldis, Statements anerkannter Musikwissenschaftler bringen seine schillernde Persönlichkeit dem Publikum näher.
Kraftvolle Bilder, gedreht an Originalschauplätzen in Venedig, Dresden, Wien, Turin, Toblach und Niederösterreich, unterstreichen die spannende Lebensgeschichte Vivaldis und die hohe Emotionalität seiner Musik. Der alte Vivaldi, in Reenactments gespielt vom Wiener Hofschauspieler Nicola Fillipelli, kehrt 265 Jahre nach seinem Tod an die wichtigen Schauplätze seines Lebens zurück.
Ein weiterer Schwerpunkt und Zentrum des Films sind die Musikaufnahmen an Originalschauplätzen. Diese, im heutigen Zustand, sind unterschnitten mit historischen Ansichten (Reproduktionen), einer großen Anzahl von Originalaufnahmen musikalischer Ereignisse an den Originalschauplätzen und einzelnen nachempfundenen Situationen mit dem Darsteller des »alten Antonio« in barockem Umfeld.

Ioan Holender besucht die Stadt Pesaro, in der sich alles um Rossini dreht. Im dortigen Theater, erstmals 1637 erbaut und 1818 mit Rossinis »La gazza ladra« wiedereröffnet, trifft sich Ioan Holender mit dem Intendanten des Rossini Opera Festivals, Gianfranco Mariotti, und dem Künstlerischen Leiter Ernesto Palacio und lässt sich von ihnen durch das Teatro Rossini führen.
Nach dem Besuch einiger Rossini Opera Festival-Vorstellungen trifft sich Ioan Holender mit Dmitry Korchak, der in »Stabat Mater« und »Torvaldo e Dorliska« in Pesaro auftritt, und bespricht dessen Beziehung zum Rossini Festspiel. Juan Diego Flórez ist beim Festival ebenfalls zu sehen und gesteht Holender, in Erinnerung an die Anfänge seiner Karriere in Italien schwelgend, dass sie zu seinem Sommer-Heimatland geworden ist. Von dem Erbe, das der Komponist Rossini der Stadt hinterließ, wurde das Conservatorio Rossini erbaut, in dem unter anderem Renata Tebaldi und Mario del Monaco zu berühmten Künstlern ausgebildet wurden.

Im Sommer 2019 war das Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks mit der finnischen Dirigentin Susanna Mälkki zu Gast beim Riga Jurmala Music Festival in der Lettischen Nationaloper Riga. Rudolf Buchbinder spielte das zweite Klavierkonzert B-Dur von Johannes Brahms.
Das zweite Klavierkonzert von Johannes Brahms, vom Komponisten ironisch als »kleines Konzertchen mit Scherzo« bezeichnet, ist eines der bedeutendsten Klavierkonzerte der Romantik und gleichzeitig ein Vorbild für eine Vielzahl sinfonisch konzipierter Solokonzerte in seiner Nachfolge. Dieses Werk hatten Rudolf Buchbinder und das Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks im Sommer 2019 bei ihrem Gastspiel in der lettischen Hauptstadt Riga im Gepäck. Unter der Leitung der finnischen Dirigentin Susanna Mälkki spielte das BRSO beim Riga Jurmala Music Festival in der Lettischen Nationaloper.

Kit Armstrong ist gegenwärtig einer der interessantesten jungen Pianisten – und einer der eigenwilligsten. Mit acht Jahren gab er sein erstes öffentliches Konzert, sein Lehrer, der große Alfred Brendel, bezeichnet ihn gar als die »größte musikalische Begabung, der ich in meinem ganzen Leben begegnet bin«. Dennoch hat sich Kit Armstrong nie als »Wunderkind« vereinnahmen lassen und stets die Kontrolle über sein Leben und seine Karriere behalten. So hat er nebenbei ein Mathematikstudium absolviert und sich mehrere Sprachen selbst beigebracht.
Heute, mit 27, ist sein Klavierspiel von einer Tiefe und Ernsthaftigkeit, die ihresgleichen sucht. Für sein Recital im Markgräflichen Opernhaus Bayreuth hat der Amerikaner Werke zweier Komponisten ausgesucht, die eng mit der fränkischen Provinzmetropole verbunden sind:
Richard Wagners 1853 komponierte »Sonate für M. W.« ist die letzte seiner drei Klaviersonaten und Mathilde Wesendonk gewidmet, der Muse seines Züricher Exils.
Armstrong kombiniert das völlig zu Unrecht nur selten gespielte Werk mit ausgewählten Stücken aus den drei »Pilgerjahren« von Franz Liszt, Wagners generösem Förderer und Schwiegervater. Das Markgräfliche Opernhaus Bayreuth ist einer der faszinierendsten Schauplätze für Konzert- und Opernaufführungen weltweit. Seine Atmosphäre ist unvergleichlich festlich, gleichzeitig aber auch geheimnisvoll und entrückt. Es wurde 1750 eröffnet und ist eines der wenigen original erhaltenen Opernhäuser aus dieser Zeit.

Der Film der Dachauer Künstlerin Esther Glück ist den Toten der Konzentrationslager während der Zeit des Nationalsozialismus gewidmet. Er entstand aus mehreren Tausend von ihrem Co-Autor Tom Gottschalk animierten Zeichnungen Glücks. Thema ist der Widerstand durch kreatives Denken und Handeln im Dienste der Menschenwürde. Die Bilder zeigen sowohl die erlittenen Qualen der Opfer, aber auch die in den Lagern gelebten Beispiele von Barmherzigkeit und Gegenwehr. Musikalisch unterlegt ist das Werk mit Olivier Messiaens (1908-1992) »Quartett für das Ende der Zeit«, das der französische Komponist im Jahre 1941 als Insasse eines deutschen Kriegsgefangenenlagers schrieb. Die Verbindung von Bildern und Musik spricht für sich und macht das gesprochene Wort in diesem einzigartigen Kunstfilm gänzlich überflüssig.

Artur Schnabel gilt als Ikone unter den Pianisten des 20. Jahrhunderts. Berühmt für die erste vollständige Einspielung aller Beethoven-Sonaten, bewundert für sein souveränes Klavierspiel und seine kompromisslose Haltung. Musikalischer Partner von George Szell, Otto Klemperer, Bruno Walter, Paul Hindemith, Arnold Schönberg und vielen anderen. Weithin unbekannt ist dagegen, dass Schnabel sich selbst mehr als Komponist denn als Interpret betrachtete. Seine eigentliche Aufgabe sah er auf dem schöpferischen, nicht dem nachschöpferischen Feld. Der Pianist und Schnabel-Verehrer Markus Pawlik hat Artur Schnabel als Komponisten entdeckt und folgt in dieser deutsch-amerikanischen Produktion den Spuren seines Lebens in Berlin, London, Wien, Los Angeles, Italien und der Schweiz. Pawliks Passion, seine Liebe zu Schnabel und seine Reise zu signifikanten, für Schnabel bedeutenden Orten bilden das Rückgrat des Films und bestimmen seine Struktur. Pawlik wird begleitet von dem jungen amerikanischen Regisseur Matthew Mishory, der mit poetischen Bildern diese Reise auch zu einem visuellen Erlebnis macht. Zu Wort kommen unter anderem der Dirigent Kent Nagano, die Pianisten Leon Fleisher und Igor Levit sowie der Schauspieler Udo Samel.

Académie des choeurs de la Monnaie s.l.d. Benoît Giaux, Orchestre Symphonique de la Monnaie, Alain Altinoglu
Mit Konstantin Shushakov (Zarewitsch Afron), Venera Gimadieva (Zarin von Schemacha), Pavlo Hunka (Zar Dodon), Alexey Dolgov (Zarewitsch Gwidon), Alexander Vassiliev (General Polkan), Agnes Zwierko (Amelfa, die Aufseherin), Alexander Kravets (Astrologe), Sheva Tehoval (Goldener Hahn (Gesang)), Sarah Demarthe ((Goldener Hahn (Tanz))
Für seine letzte Oper fuhr der russische Ausnahmekomponist der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts Nikolai Rimski-Korsakow noch einmal sein ganzes Genie als Orchestermusiker auf und kreierte eine mitreißende, gewollt orientalistische Musik, mit der er die Figuren seiner Oper in aller Pracht in Szene setzt. Eine Steilvorlage für Alain Altinoglu, der mit „Der goldene Hahn“ seine erste Oper als musikalischer Leiter des königlichen Brüsseler Opernhauses Théâtre Royal de la Monnaie/De Munt dirigiert.
Angeödet von den nicht enden wollenden Kriegen und der Vielzahl seiner Verpflichtungen will sich der Zar Dodon nur noch um Mittagsschläfchen und Feste kümmern. Eines Tages bietet ihm ein geheimnisvoller Astrologe das an, was ihm dafür schon immer gefehlt hat: einen goldenen Hahn, der ihm die Angriffe seiner Feinde voraussagt. Klingt beinahe zu schön, um wirklich wahr zu sein … Nach der erfolgreichen Zusammenarbeit mit Alain Altinoglu, dem musikalischen Leiter des königlichen Brüsseler Opernhauses Théâtre Royal de la Monnaie/De Munt, an Jules Massenets „Cendrillon“ im Jahr 2011 kehrt Regisseur Laurent Pelly nach Brüssel zurück und lässt seiner Fantasie freien Lauf, um dieses Abenteuer voll zügelloser Rhythmen auf die Bühne zu bringen. Auch wenn „Der goldene Hahn“ bereits mehr als hundert Jahre auf dem Buckel hat: Die politische Satire unter dem Deckmantel eines Märchens hat über die Zeit nichts von ihrem bissigen Sarkasmus eingebüßt.

Kit Armstrong ist gegenwärtig einer der interessantesten jungen Pianisten – und einer der eigenwilligsten. Mit acht Jahren gab er sein erstes öffentliches Konzert, sein Lehrer, der große Alfred Brendel, bezeichnet ihn gar als die »größte musikalische Begabung, der ich in meinem ganzen Leben begegnet bin«. Dennoch hat sich Kit Armstrong nie als »Wunderkind« vereinnahmen lassen und stets die Kontrolle über sein Leben und seine Karriere behalten. So hat er nebenbei ein Mathematikstudium absolviert und sich mehrere Sprachen selbst beigebracht.
Heute, mit 27, ist sein Klavierspiel von einer Tiefe und Ernsthaftigkeit, die ihresgleichen sucht. Für sein Recital im Markgräflichen Opernhaus Bayreuth hat der Amerikaner Werke zweier Komponisten ausgesucht, die eng mit der fränkischen Provinzmetropole verbunden sind:
Richard Wagners 1853 komponierte »Sonate für M. W.« ist die letzte seiner drei Klaviersonaten und Mathilde Wesendonk gewidmet, der Muse seines Züricher Exils.
Armstrong kombiniert das völlig zu Unrecht nur selten gespielte Werk mit ausgewählten Stücken aus den drei »Pilgerjahren« von Franz Liszt, Wagners generösem Förderer und Schwiegervater. Das Markgräfliche Opernhaus Bayreuth ist einer der faszinierendsten Schauplätze für Konzert- und Opernaufführungen weltweit. Seine Atmosphäre ist unvergleichlich festlich, gleichzeitig aber auch geheimnisvoll und entrückt. Es wurde 1750 eröffnet und ist eines der wenigen original erhaltenen Opernhäuser aus dieser Zeit.

Das Musikmagazin

Der »Trauermarsch« des 1973 geborenen Komponisten und Klarinettisten Jörg Widmann besteht aus einem Satz für Soloklavier und Orchester. Solist Yefim Bronfman brachte es im Februar 2018 mit dem Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks unter Mariss Jansons zur Aufführung. Im zweiten Teil des Konzertabends erklang die »Große C-Dur-Symphonie« von Franz Schubert, eines der bedeutendsten Werke der klassisch-romantischen Epoche und die Krönung von Schuberts Instrumentalwerk.
Jörg Widmanns »Trauermarsch« für Klavier und Orchester wurde im Dezember 2014 in Berlin von den Berliner Philharmonikern unter Simon Rattle uraufgeführt. Solist war Yefim Bronfman, der auch den Solopart in der Münchner Aufführung vom Februar 2018 im Herkulessaal der Residenz mit dem Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks unter Mariss Jansons spielt.
Nach eigener Aussage des 1973 geborenen Komponisten hatte er ursprünglich ein viersätziges Klavierkonzert geplant, entschied sich jedoch nach anfänglichen Skizzen, den einleitenden Trauermarsch-Rhythmus zum Gegenstand eines umfassenden, einsätzigen Werks zu machen. Entsprechend prägt den »Trauermarsch« eine dunkle, geheimnisvolle Grundstimmung, die dadurch noch verstärkt wird, dass Celli und Kontrabässe ihre tiefste Saite »C« um einen Ganzton herabstimmen. Aus dem unerbittlich starren Grundmuster erheben sich Wellen ausufernder Klangfarbenpracht und perkussiver Energie, die ihren unverwechselbaren Ton nicht zuletzt aus einer vielseitigen Instrumentierung gewinnen, die auch ungewöhnliche Perkussionsinstrumente wie Waterphone, Lotosflöten oder einen Watergong einbezieht.
Schuberts Symphonie in C-Dur, die sogenannte »Große«, erst posthum unter Leitung von Felix Mendelssohn Bartholdy 1839 in Leipzig uraufgeführt, veranlasste Robert Schumann zu einem Essay, der mit den Worten eröffnet: »Sag‘ ich es gleich offen: wer diese Symphonie nicht kennt, kennt noch wenig von Schubert (…)«. Womit er die Bedeutung herausstreicht, die Schubert für die Entwicklung der Symphonik nach Beethoven mit diesem Werk erlangen sollte. In der Tat stand Schubert bei der Arbeit an seiner Symphonie unter dem Eindruck der 9. Symphonie Beethovens, die 1824 in Wien uraufgeführt wurde. Man mag im Finalsatz der C-Dur-Symphonie sogar thematische Anklänge an die »Ode an die Freude« hören. In seiner hymnischen Rezension spricht Schumann auch von der mittlerweile sprichwörtlichen »Himmlischen Länge der Symphonie«. Ein Orchesterwerk von einer Stunde Dauer war für das damalige Konzertpublikum durchaus ungewohnt. Heute gilt das Werk als eine der bedeutendsten Symphonien der klassisch-romantischen Epoche.

»Diese Kombination zweier genialer Komponisten aus Frankreich und Russland ist wirklich fantastisch«, so Tugan Sokhiev über Mussorgskis »Bilder einer Ausstellung” in der Orchestrierung von Maurice Ravel. Kurz vor dem Ende seiner Amtszeit als Chefdirigent des Deutschen Symphonie-Orchesters Berlin hat er diese brillante und farbenreiche Fassung in der Berliner Philharmonie dirigiert. Für Sokhiev sind die »Bilder einer Ausstellung« eines jener Werke, die ihm immer wieder bewusst machen, warum er Musiker geworden ist.

Aufzeichnung aus dem Kulturpalast Dresden
Die Sinfonie »Mit dem Paukenwirbel« ist für viele der Höhepunkt der sinfonischen Kunst Joseph Haydns. In ihrer Verbindung von Ernst und Heiterkeit, von Simplizität und Komplexität, von Ruhe und Dramatik steht sie einzig da. Der zweite Satz, ein Variationssatz, ist vielleicht die ergreifendste Musik, die Haydn überhaupt geschrieben hat.
Seine Sinfonie Nr. 103 Es-Dur komponierte Haydn im Jahr 1795. Das Werk gehört zu den berühmten »Londoner Sinfonien«. Die Uraufführung fand am 2. März 1795 im King’s Theatre in London statt. Hierzu berichtet der Morning Chronicle vom 3. März 1795: »Wieder wurde eine neue Symphonie vom produktiven und bezaubernden HAYDN aufgeführt; die, wie gewöhnlich, fortwährende Geistesblitze aufweist sowohl in der Melodik wie in der Harmonik. Die Langsame Einleitung erregte höchste Aufmerksamkeit, das Allegro betörte.« Der Beiname »mit dem Paukenwirbel« stammt nicht von Haydn, sondern leitet sich vom ungewöhnlichen Beginn der Sinfonie ab: Hier lässt der Komponist einen ganzen Takt lang die Paukenschlegel wirbeln.

Wie schafft man einen Raum, dessen Klang Publikum und Musiker gleichermaßen begeistert? Einen Saal, der Architektur mit Klang verwebt – und damit selbst zum Instrument wird?
Star-Akustiker feilen auf der Suche nach dem perfekten Sound mit Hightech am Raumklang von Konzertsälen in aller Welt. Sounddesign bestimmt auch unser Erleben im Alltag. In dem Film gewähren einige der besten Akustiker Einblick in ihre Hexenküche der »Klangwunder«.
Bei der Eröffnung der Elbphilharmonie in Hamburg wurde neben der spektakulären Architektur auch ihre herausragende Akustik gefeiert – und Yasuhisa Toyota wurde zum Liebling der Medien. Von der »ZEIT« zum »Dr. Sound« geadelt, ist der sympathische Japaner einer der weltweit gesuchten Stars unter den Akustikern. Neben Yasuhisa Toyota zählen dazu vor allem Jürgen Reinhold oder auch Martijn Vercammen, der in der im Oktober 2017 wiedereröffneten Berliner Staatsoper Daniel Barenboims Herzenswunsch nach einer besseren Akustik des prachtvollen Gebäudes hat Wirklichkeit werden lassen.
Filmemacher Günter Atteln lässt sich von den Raumakustikern in einigen der bedeutendsten Konzert- und Opernhäusern die Besonderheiten – und Probleme – dieser Räume erklären, besucht mit Valery Gergiev den Rohbau der neuen Philharmonie in Moskau und beobachtet die Maßnahmen zur Klang-Korrektur in der ehrwürdigen Mailänder Scala. Die Cellistin Anastasia Kobekina demonstriert, wie sich die unterschiedlichen Akustiken von Konzerträumen nicht nur auf den Klang ihres Instruments, sondern auch auf sie selbst und ihre Spielweise auswirken.
Wie sehr uns Klangeindrücke nicht nur im Konzertsaal, sondern auch in alltäglichsten Situationen beeinflussen, zeigen Exkurse in das weite Feld des Produkt-Klangdesigns: vom »fetten« Sound einer schließenden Autotür über das satte Klicken eines Blinkerhebels bis zum richtigen »Crunch« von Cornflakes und dem knackig klingenden Biss von Würstchen: Psychoakustik und Sounddesign bestimmen unser oft unterbewusstes Erleben – und unsere Emotionen.

Rundfunkchor des Bayerischen Rundfunks, WDR Rundfunkchor
WDR Sinfonieorchester, Cristian Macelaru

Mit Simona Saturova (Sopran) und Michael Nagy (Bariton)

Programm:
– Gustav Mahler: Sinfonie Nr. 4 G-Dur für Orchester und Sopransolo
– Antonin Dvorák: Te Deum op. 103 für Soli, Chor und Orchester

Exklusive Bögen für Streichinstrumente werden seit mehr als 200 Jahren aus dem brasilianischen Fernambukholz hergestellt. Doch das wertvolle Holz zählt heute zu den geschützten Arten.
Was macht Fernambukholz so einzigartig, und warum ist ein guter Bogen so wichtig für den vollendeten Klang eines Streichinstrumentes? Der Film gewährt Einblicke in die Kunst der Bogenmacher und befragt Musiker zur Bedeutung des Streichbogens für die Klangqualität.
Jede Geige hat ihren ganz eigenen, unverwechselbaren Klang. Und das gilt auch für alle anderen Streichinstrumente. Nicht nur der Korpus des jeweiligen Instruments ist dafür verantwortlich – obwohl man das meinen könnte, wenn von der herausragenden Qualität einer »Stradivari« oder »Guarneri« geschwärmt wird. Auch der Geigenbogen, beziehungsweise dessen Beschaffenheit, hat einen wesentlichen Anteil am Klang des Instruments.
Wertvolle Materialien wie Perlmutt, Elfenbein, Gold, Silber, Ebenholz, Walfischknochen und Schildpatt wurden und werden dabei verarbeitet. Die Herstellung exklusiver Streichbögen ist immer noch echte Handwerkskunst, fast alle Arbeitsschritte werden in Handarbeit ausgeführt. Für die Stange wird seit mehr als 200 Jahren das brasilianische Fernambukholz verwendet.
Doch Bogenmacher wie Thomas Gerbeth aus Wien müssen für neue Bögen seit Jahren von ihren Lagerbeständen zehren, denn seit Fernambukholz – das auch »Pernambuco« oder »Pau Brasil« genannt wird – auf die CITES-Liste der bedrohten Arten gesetzt wurde, ist es fast unmöglich, legal an Nachschub zu kommen. Der Großteil der Spezies, die ausschließlich in der Mata Atlantica heimisch ist, wurde bereits ab dem 16. Jahrhundert von den Portugiesen abgeholzt und als rotes Färbemittel verwendet.
Auch durch die spätere Entdeckung von Anilin kam die Abholzung nicht zum Ende. Und selbst wenn Brasilholz schon lange nicht mehr an erster Stelle steht, sein einziges Habitat fällt bis heute dem Profitstreben einer globalisierten Wirtschaft zum Opfer. Vom Atlantischen Regenwald, der sich einst vom Amazonas bis nach Argentinien erstreckte, finden sich nur noch kleinste Fragmente.
Weltweit schlossen sich daher 250 Bogenmacher zu der internationalen Initiative IPCI zusammen, die den Fernambukbaum durch Wiederaufforstung retten soll. Mit unermüdlichem Einsatz gelang es IPCI, zahlreiche Widerstände zu überwinden und bis heute 250 000 Setzlinge auszupflanzen – nach vorsichtigen Schätzungen entspricht dies der zehnfachen Menge an Fernambukbäumen, die seit Beginn des modernen Bogenbaus im 18. Jahrhundert weltweit in den Werkstätten verarbeitet wurde.
Doch wie gedeihen die jungen Fernambukbäume? Im Oktober 2019 besucht eine Gruppe österreichischer und deutscher IPCI-Mitglieder erstmals die brasilianische Mata Atlantica, um das zu überprüfen.

Nach seiner internationalen Karriere als Pianist etablierte sich Christoph Eschenbach zu einem der bekanntesten Dirigenten weltweit. Sein Konzertkalender ist prall gefüllt. Die Schauplätze seines Wirkens sind nach wie vor die allerersten Adressen weltweit.
Jung hält ihn nicht nur seine Neugier, sondern sein unermüdlicher Einsatz für junge Musiker. Als Mentor und Ratgeber hat er vielen heutigen Stars der klassischen Musikszene zur Seite gestanden und ihnen so zum Durchbruch verholfen.
Das Gastspiel der Sopranistin Michaela Kaune ist daher kein Zufall, hat Eschenbach doch auch ihre Karriere maßgeblich begleitet und gefördert. Das hochkarätig besetzte Konzert zu Ehren des Meisters spielt Tschaikowsky: Briefszene der Tatjana aus »Eugen Onegin« und Richard Strauss: Rosenkavalier-Suite.

Das Lübecker Cello Ensemble spielt Peter Tschaikowsky:
Andante aus »Quartett für zwei Violinen, Viola und Klarinette, D-Dur, op. 11 für fünf Celli«.

Das Joachim Quartett spielt Ludwig van Beethoven: Streichquartett op. 59, 4. Satz.«

Vor dieser Nummer neun hat Gustav Mahler sich richtiggehend gefürchtet. Und die Neunte war die letzte Sinfonie, die er vollenden konnte – seine Zehnte blieb Fragment. »Der erste Satz ist das allerherrlichste, was Mahler geschrieben hat«, formuliert es sein Komponistenkollege Alban Berg. In den burlesken Mittelsätzen musiziert das ironisch-sarkastische »Alter Ego« des Komponisten. Den Schluss bildet ein hinreißendes Adagio – als Vermächtnis an die Zukunft der Gattung, die im eben angebrochenen 20. Jahrhundert ihre stärksten Augenblicke in den langsamen Sätzen erleben wird.

Das Musikmagazin

Susanna Mälkki und das Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks eröffneten mit der 2. Symphonie von Ludwig van Beethoven das neu gegründete Riga Jurmala Music Festival in der Lettischen Nationaloper Riga im Juli 2019.
Zur Eröffnung des neu gegründeten Riga Jurmala Music Festival gastierte am 21. Juli 2019 das Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks unter der Leitung der finnischen Dirigentin Susanna Mälkki in der Lettischen Nationaloper Riga.
Ludwig van Beethovens Symphonie Nr. 2, ein Werk des damals Anfang 30-jährigen Komponisten, das in seinem hellen, positiven Charakter kaum erahnen lässt, dass zur selben Zeit das verzweifelte Selbstzeugnis, das »Heiligenstädter Testament«, entstand. Gleichwohl lauern unter der freundlichen Oberfläche Brüche und Abgründe, die bereits Beethovens Genialität im schöpferischen Umgang mit den traditionellen symphonischen Formen zeigen.

Die diesjährige Folle Journée feiert mit der Welt Beethovens 250. Geburtstag. ARTE überträgt das Abschlusskonzert live aus Nantes und bietet – ergänzend zu diesem Programm – weitere Kammermusikstücke und Livekonzerte in der Mediathek. Heute auf dem Spielplan: Ausschnitte aus der Mondscheinsonate, der Symphonie Nr. 7 und Auszüge aus dem vierten Klavierkonzert. Am Pult des Orchestre Philharmonique de Radio France: die chinesische Dirigentin Xian Zhang. Zum Auftakt dieser Live-Übertragung gibt es ebenfalls Kammermusik, wie das Bläseroktett in Es-Dur und den ersten Satz der berühmten Mondscheinsonate.

Das Tonkünstler Orchester Niederösterreich prägt seit Jahren die kulturelle Landschaft Niederösterreichs und zählt international zu den wichtigsten
musikalischen Botschaftern des Landes.
Die Dokumentation zeigt den Alltag hinter den Kulissen des traditionsreichen Orchesters ebenso wie Bühnenauftritte der Musiker. Mit dem Wiener Musikverein, dem Festspielhaus St. Pölten und Grafenegg hat das Tonkünstler Orchester gleich drei Residenzen.
Damit ist es schon innerhalb Österreichs ein regelrechtes »Tour-Orchester«. Dazu sind unter dem japanischen Chefdirigenten Yutaka Sado internationale Auftritte immer wichtiger geworden. So absolvierten die Tonkünstler in den letzten Jahren unter anderem eine Großbritannien-, eine Japan- und eine Deutschlandtournee; Höhepunkt dabei war 2019 ein – schon Monate zuvor ausverkaufter – Abend in der neuen Hamburger Elbphilharmonie, der mit Standing Ovations des Publikums endete.
Der Film zeigt die Vorbereitungen für das umjubelte Konzert in der Elbphilharmonie und bisher unbekannte Blickwinkel und Räumlichkeiten dieses imposanten Bauwerks. Neben den Auftritten in renommierten Konzerthallen dokumentiert der Film auch das Tournee-Leben abseits der Bühne – von der komplexen Transportlogistik bis zum Golfspielen mit dem Stardirigenten.
Schließlich sprechen die langjährigen Orchestermitglieder Susanne Masetti (Erste Violine) und Christoph Peham (Solohornist) über die offene Philosophie und die Entwicklung der Tonkünstler. Geschäftsführer Frank Druschel gibt Einblicke in das herausfordernde Management und in die programmatischen Konzertplanungen. Und er erzählt, welche neuen Kulturmärkte er mit Touren des Orchesters erschließen möchte.

Hector Berlioz schrieb während der Komposition seiner »Symphonie fantastique«, dass er an einer ungeheueren, in ihrer Art ganz neuen Instrumentalmusik arbeite, mit der er sein Publikum gewaltig zu beeindrucken gedenke. Dies gelingt ihm bis heute durch seine überraschenden Klangmittel, seine Klangfarbe, die er – wie die zeitgenössische Kritik bemerkte – »wie ein Magier benutzt.« Das Werk des damals knapp 26-Jährigen mit dem programmatischen Untertitel »Episoden aus dem Leben eines Künstlers« reflektiert neben Autobiographischem das Lebensgefühl eines Künstlers seiner Zeit; der Übergang von romantischer Entgrenzung zu Ästhetizismus, zum »L’Ennui« eines Baudelaires wird bereits erkennbar. Das Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks unter der Leitung von Sir Colin Davis gibt eine differenzierte Aufführung, in der die musikalische Vielschichtigkeit, die eigenwillige, sozusagen »fantastische« Instrumentation beeindruckend zutage tritt.

Das Musikmagazin

Teodor Currentzis trifft es auf den Punkt: »Wenn jemand von einem anderen Planeten kommt und fragt: ‚Was macht die menschliche Zivilisation aus?‘, dann sollte man am besten die 9. Symphonie spielen.« Was ist es, das dieses Werk so einzigartig macht? Christian Berger reist ein Mal um die Welt, um auf diese Frage eine Antwort zu finden: Er besucht Tan Dun in Shanghai, Yutaka Sado in Osaka, Teodor Currentzis in Salzburg, Paul Whittaker in Barcelona, Gabriel Prokofiev in London, das Orchestre Symphonique Kimbanguiste in Kinshasa und die Sinfonica Heliópolis in São Paulo.

Im Februar 2018 führte das Orchestre Philharmonique de Radio France unter der Leitung von Mikko Franck zusammen mit hochkarätigen Solisten sämtliche Klavierkonzerte von Ludwig van Beethoven auf. Den krönenden Abschluss bildete das auch unter dem Titel »Emperor Concerto« bekannte Klavierkonzert Nr. 5 mit dem Pianisten Bertrand Chamayou, das ARTE nun ausstrahlt. Beethoven selbst lehnte den Namen »Emperor Concerto« ab; er akzeptierte lediglich den Untertitel »Grand Concerto«. Der Grund ist verständlich: Beethoven schrieb das Werk praktisch im Kanonendonner, denn im Entstehungsjahr 1809 standen die napoleonischen Truppen vor den Toren Wiens. Der Komponist wählte eine für das Genre ungewöhnliche neue Form, in der sich Solist und Orchester ein virtuoses Wechselspiel liefern, das alle musikalischen Register von heroischen bis hin zu intimen, kammermusikalischen Momenten zieht. Nach der explosiven Einleitung schlägt das Klavier gleich im ersten Satz sehr leise Töne an, während das Orchester beinahe martialisch auftritt. Nach diesem Klavier-Pianissimo mit massivem orchestralem Gegenpart fügen sich beide Stränge zu einem ausgeglichenen epischen Fluss. Das Klavier gewinnt an Stärke. In seinem Donnern entspricht sich ein stimmungsreicher Dialog zwischen Orchester und Instrumentalstimmen. Verspielte Motive wechseln jäh mit Kampfszenen, die wiederum einer versöhnlichen Stimmung weichen. Bertrand Chamayou überzeugt hier als einer der großen Pianisten der Gegenwart. Auch optisch ist das Konzert eine Augenweide. Vor allem die Nahaufnahmen machen die enge Verbindung von Interpreten und Werk nachvollziehbar.

Musik, Theater, Akrobatik und Technik in einer gewagten Verbindung: Mit Haydns Oratorium »Die Schöpfung« in der Inszenierung von La Fura dels Baus eröffnete die französische Dirigentin und Harnoncourt-Schülerin Laurence Equilbey den neuen Aufführungssaal des Pariser Westens: La Seine Musicale. Das ein Schiff mit Segel symbolisierende Schmuckstück der Architekten Shigeru Ban und Jean de Gastines will die Philharmonie de Paris ergänzen. Und kein anderes Werk hätte sich besser für die Einweihung dieser neuen Kulturstätte geeignet als Haydns »Schöpfung«. Dem großen Anlass gemäß wurde auch gleich in großem Maßstab gedacht: Fast 100 Künstler treten in dieser stark mit technischen Mitteln arbeitenden Inszenierung auf, in der »Die Schöpfung« durch das wissenschaftliche Prisma der DNA gesehen wird.

Das Tonkünstler Orchester Niederösterreich prägt seit Jahren die kulturelle Landschaft Niederösterreichs und zählt international zu den wichtigsten
musikalischen Botschaftern des Landes.
Die Dokumentation zeigt den Alltag hinter den Kulissen des traditionsreichen Orchesters ebenso wie Bühnenauftritte der Musiker. Mit dem Wiener Musikverein, dem Festspielhaus St. Pölten und Grafenegg hat das Tonkünstler Orchester gleich drei Residenzen.
Damit ist es schon innerhalb Österreichs ein regelrechtes »Tour-Orchester«. Dazu sind unter dem japanischen Chefdirigenten Yutaka Sado internationale Auftritte immer wichtiger geworden. So absolvierten die Tonkünstler in den letzten Jahren unter anderem eine Großbritannien-, eine Japan- und eine Deutschlandtournee; Höhepunkt dabei war 2019 ein – schon Monate zuvor ausverkaufter – Abend in der neuen Hamburger Elbphilharmonie, der mit Standing Ovations des Publikums endete.
Der Film zeigt die Vorbereitungen für das umjubelte Konzert in der Elbphilharmonie und bisher unbekannte Blickwinkel und Räumlichkeiten dieses imposanten Bauwerks. Neben den Auftritten in renommierten Konzerthallen dokumentiert der Film auch das Tournee-Leben abseits der Bühne – von der komplexen Transportlogistik bis zum Golfspielen mit dem Stardirigenten.
Schließlich sprechen die langjährigen Orchestermitglieder Susanne Masetti (Erste Violine) und Christoph Peham (Solohornist) über die offene Philosophie und die Entwicklung der Tonkünstler. Geschäftsführer Frank Druschel gibt Einblicke in das herausfordernde Management und in die programmatischen Konzertplanungen. Und er erzählt, welche neuen Kulturmärkte er mit Touren des Orchesters erschließen möchte.

Sie ist eines der berühmtesten Opernhäuser der Welt. Den Grundstein dafür schufen Künstler – Architekten wie Gottfried Semper, Deutschlands berühmte Komponisten und die internationalen Stars des Musiktheaters. Ihnen applaudiert das Publikum und feiert dabei auch immer sich selbst, sowohl in den Aufführungen als auch während der glanzvollen Bälle.
Doch die Semperoper war und ist auch immer ein politischer Ort. So baute der Revolutionär Gottfried Semper nicht nur die Oper, sondern auch eine der wehrhaftesten Barrikaden der Stadt. Er flieht 1849 aus Dresden und wird niemals wiederkehren. Nach einem verheerenden Brand wird die Semperoper wiederaufgebaut und zum Tempel und Symbol der deutschen Hochkultur. Und je mehr ihr Ruhm als glanzvolle, renommierte Bühne des Musiktheaters wächst, umso stärker die Bemühungen diesen Ort politisch zu beanspruchen.
Anfang der 1920er Jahre ist es die in Dresden gegründete »Deutsche Kunstgesellschaft«, die gegen die »Entsittlichung, Entgöttlichung und Entnationalisierung« auch in der Semperoper zu Felde zieht. Und als am 7. November 1933 Fahnen und Bücher auf dem Dresdner Schlosshof brennen, stürmen Schauspieler und NS-Sympathisanten in der Semperoper die Rigoletto-Probe. Sie erklären den Chefdirigenten Fritz Busch für abgesetzt und vertreiben mit ihm alle jüdischen Kollegen. Erst 1998 wird man sich in der Semperoper symbolisch für die Vertreibung Fritz Buschs aus seinem Amt als Dresdner Generalmusikdirektor entschuldigen.
Nahezu jede öffentliche Kundgebung in Dresden beginnt heute vor der Kulisse der Semperoper. Hier wird auf der Klaviatur deutscher Geschichte gespielt. Ob im Kaiserreich, der Weimarer Republik, unter den Nationalsozialisten oder in der DDR, wer in der Semperoper in der ersten Loge saß, besaß nicht nur die Macht, sondern nutzte sie auch, um sie zu repräsentieren.
Der Film sucht nach bisher unentdeckten Spuren an einem Ort, der seit mehr als 175 Jahren glanzvolle Bühne für erstklassiges Musiktheater, rauschende Unterhaltung und perfekte Inszenierung von Macht ist. Die spannendsten Geschichten spielen wie so oft hinter den Kulissen. Eine beginnt zwei Tage vor der großen offiziellen Wiedereröffnung der Semperoper. Bevor die am 13. Februar 1985 von Erich Honecker in Anwesenheit namhafter internationaler Gäste eröffnet werden soll, geht beim Dresdner Volkspolizeikreisamt eine Bombendrohung ein: »Die Eröffnung der Semperoper wird nicht stattfinden. Zündung am Mittwoch 18.00 Uhr.«

Leonidas Kavakos, in der Saison 2018/19 Artist in Residence beim Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks, spielte im November 2018 das Violinkonzert Nr. 1 a-Moll, op. 77 von Dmitri Schostakowitsch. Die musikalische Leitung in der Philharmonie im Münchner Gasteig hatte Cristian Macelaru. Komponiert in den Jahren 1947/48, spiegelt das Konzert die beklemmende, ambivalente politische Atmosphäre, in der Schostakowitsch arbeiten musste.
Bei Dmitri Schostakowitsch sind stets die politischen Umstände, unter denen er ein Werk geschrieben hat, hörbar. Natürlich kann sich kein Komponist dem entziehen, jeder ist als Mensch und Künstler betroffen vom politischen Umfeld seiner Zeit, aber bei Schostakowitsch wurde das Werk geradezu zum Spiegel der sowjetischen Ära.
Einerseits wusste die sowjetische Führung um die Bedeutung Schostakowitschs, gerade auch außerhalb Russlands, und versuchte immer wieder, ihn auch als Aushängeschild zu benutzen. Andererseits wusste sie aber auch um die politischen Bezüge in seinen Werken, zensierte sie immer wieder, drangsalierte den Komponisten.
Diese Ambivalenz wird spürbar bei seinem ersten Violinkonzert. Geschrieben wurde es in den Jahren 1947/48, also einer Zeit, in der Schostakowitsch mehrfach den renommierten Stalinpreis sowie den Leninpreis bekommen hatte und zum Volkskünstler der Sowjetrepublik ernannt worden war. Zeitgleich wurde ein Beschluss gegen »Formalismus und Volksfremdheit in der Musik« erlassen, der auch auf Schostakowitsch abzielte. Dieser verlor daraufhin seine Lehrämter an den Konservatorien in Moskau und Leningrad, also zentrale Einnahmequellen. In dieser heiklen Situation blieb das Violinkonzert zunächst in der Schublade und wurde erst 1955, nach Stalins Tod, während des sogenannten Tauwetters, mit großem Erfolg uraufgeführt vom legendären Geiger David Oistrach.
Für den Solisten und auch das Orchester stellt das Konzert eine große Herausforderung dar – nicht nur wegen der außerordentlichen technischen Ansprüche, sondern auch, weil über weite Strecken des monumentalen Werks eine beklemmende, fatalistische Stimmung transportiert werden muss, die in teils befreiende, teils verzweifelte Ausbrüche mündet.

Im Februar 2018 führte das Orchestre Philharmonique de Radio France unter der Leitung von Mikko Franck zusammen mit hochkarätigen Solisten sämtliche Klavierkonzerte von Ludwig van Beethoven auf. Den krönenden Abschluss bildete das auch unter dem Titel »Emperor Concerto« bekannte Klavierkonzert Nr. 5 mit dem Pianisten Bertrand Chamayou, das ARTE nun ausstrahlt. Beethoven selbst lehnte den Namen »Emperor Concerto« ab; er akzeptierte lediglich den Untertitel »Grand Concerto«. Der Grund ist verständlich: Beethoven schrieb das Werk praktisch im Kanonendonner, denn im Entstehungsjahr 1809 standen die napoleonischen Truppen vor den Toren Wiens. Der Komponist wählte eine für das Genre ungewöhnliche neue Form, in der sich Solist und Orchester ein virtuoses Wechselspiel liefern, das alle musikalischen Register von heroischen bis hin zu intimen, kammermusikalischen Momenten zieht. Nach der explosiven Einleitung schlägt das Klavier gleich im ersten Satz sehr leise Töne an, während das Orchester beinahe martialisch auftritt. Nach diesem Klavier-Pianissimo mit massivem orchestralem Gegenpart fügen sich beide Stränge zu einem ausgeglichenen epischen Fluss. Das Klavier gewinnt an Stärke. In seinem Donnern entspricht sich ein stimmungsreicher Dialog zwischen Orchester und Instrumentalstimmen. Verspielte Motive wechseln jäh mit Kampfszenen, die wiederum einer versöhnlichen Stimmung weichen. Bertrand Chamayou überzeugt hier als einer der großen Pianisten der Gegenwart. Auch optisch ist das Konzert eine Augenweide. Vor allem die Nahaufnahmen machen die enge Verbindung von Interpreten und Werk nachvollziehbar.

Am Staatstheater am Gärtnerplatz in München bekommt Ioan Holender Einblicke in die Neuproduktion der Welturaufführung von Wilfried Hillers »Momo« nach der Romanvorlage von Michael Ende. Hiller, der als »Papst der Kinderoper« gilt, gibt Einblick in sein Schaffen. Der Indendant Joseph E. Köpplinger erklärt, warum ihm die Förderung von Kinderoper so wichtig ist. Des Weiteren besucht Ioan Holender eine Neuproduktion an der Wiener Staatsoper und zeigt, wie in Bulgarien bereits Babys an die Oper herangeführt werden.«

Das hr-Sinfonieorchester mit seinem Chefdirigenten Andrés Orozco-Estrada: Richard Strauss: »Don Juan« Richard Strauss: Suite aus »Der Rosenkavalier«.

Christoph von Dohnányi dirigierte am 6. und 7. Mai 2007 in der Hamburger Laeiszhalle die vier Sinfonien von Johannes Brahms. Ergänzt werden die Konzertaufzeichnungen durch persönliche Anmerkungen Christoph von Dohnányis zu seiner Arbeit. Es spielt das NDR Sinfonieorchester (heute: NDR Elbphilharmonie Orchester).

John Eliot Gardiner dirigierte im Mai 2019 das Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks. In diesem Konzert schloss er die vierte Symphonie von Robert Schumann unmittelbar an die Arie »Ach neige, du Schmerzensreiche« aus Schumanns Faust-Szenen an. Die Sopran-Arien übernahm Anna Prohaska.
Anna Prohaska singt Gretchens verzweifeltes Gebet »Ach neige, du Schmerzensreiche« aus Robert Schumanns Faust-Szenen, begleitet vom Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks. Am Pult stand der britische Dirigent John Eliot Gardiner, der unmittelbar im Anschluss an die Arie Schumanns Symphonie Nr. 4 d-Moll, op. 120 dirigierte. Dieses Werk, dessen vier Sätze ohne Pausen ineinander übergehen, trägt Züge einer symphonischen Fantasie, ohne allerdings die klassische Formteilung der Symphonie aufzugeben. Gardiners Kunstgriff, in dieser Aufführung bereits von der Arie lückenlos in die Symphonie überzugehen, gibt dem Abend eine faszinierende Geschlossenheit der Dramaturgie.

Das West-Eastern Divan Orchestra feiert seinen 20. Geburtstag mit einem besonderen Konzert und prominenten Solisten: Anne-Sophie Mutter (Violine), Yo-Yo Ma (Violoncello) und Daniel Barenboim (Klavier). Das »Tripelkonzert« für Klavier, Violine, Violoncello und Orchester komponierte Ludwig van Beethoven um 1804 in Wien. Es ist seine einzige Orchesterkomposition für drei Soloinstrumente und wird auch als »heimliches Cellokonzert« bezeichnet, da das Cello in diesem Werk eine hervorgehobene Rolle spielt.
1999 hatten Daniel Barenboim, Edward Said und Bernd Kauffmann junge Musiker aus verschiedenen Ländern des Nahen Ostens in die europäische Kulturhauptstadt Weimar eingeladen, um durch das gemeinsame Musizieren einen Dialog zwischen den verschiedenen Kulturen zu ermöglichen. Benannt nach Goethes Gedichtsammlung »West-östlicher Divan« ist das Ensemble, das zu gleichen Teilen aus israelischen und arabischen Musikern besteht, längst zu einem festen Bestandteil des internationalen Musiklebens geworden. Im Sommer treten sie regelmäßig bei den Salzburger Festspielen und in der Berliner Waldbühne auf.
Der amerikanische Starcellist Yo-Yo Ma war bereits 1999 beim ersten Workshop des Orchesters in Weimar zu Gast. Anlässlich des Festkonzerts zum 20-jährigen Bestehen in der Berliner Philharmonie wurden Yo-Yo Ma und Anne-Sophie Mutter zu Ehrenmitgliedern des West-Eastern Divan Orchestra ernannt.

Sir Georg Solti (1912 – 1997) war einer der herausragenden Dirigenten des 20. Jahrhunderts und gilt international als eine der bedeutendsten Persönlichkeiten in der Musikwelt. Nur wenige Dirigenten von Weltrang können auf eine derartig von Erfolg gekrönte Karriere zurückblicken wie Sir Georg Solti. Allerdings war sein Lebensweg auch mit großen persönlichen Opfern und Herausforderungen verbunden.
Sir Georg Solti wuchs als Sohn jüdischer Eltern in Budapest auf. Er studierte Klavier, Komposition und Dirigieren bei Bartók, Dohnányi, Kodály und Leo Weiner an der Liszt-Akademie in Budapest. Obwohl er bei seinem Konzertdebüt als Pianist auftrat, wurde er von der Budapester Oper wenig später als Dirigent engagiert. 1937 ernannte Toscanini ihn zu seinem Assistenten für die Salzburger Festspiele. Vor Ausbruch des Zweiten Weltkriegs zwangen die ungarischen Judenprogrome Solti 1939 zur Emigration in die Schweiz, wo er jedoch nicht als Dirigent auftreten durfte. Das hatte zur Folge, dass er seinen Lebensunterhalt als Pianist verdiente und 1942 beim Concours International in Genf den ersten Preis gewann. Im Jahr 1946 wurde Solti von der amerikanischen Militärregierung aufgefordert, in München eine Aufführung von Beethovens Fidelio zu dirigieren. Der große Erfolg dieser Darbietung führte zu seiner Ernennung zum Leiter der Münchner Staatsoper. Weitere Engagements an die Frankfurter Oper und an das Königliche Opernhaus Covent Garden London folgen; und trotz der schwierigen Bedingungen – praktisch überall musste er zu Beginn seiner Engagements gegen Vorurteile ankämpfen – führte er jedes Haus zur Weltspitze. Danach folgten Erfolge in Wien, Bayreuth, Berlin.
Schließlich begann seine bemerkenswerte Partnerschaft mit dem Chicago Symphony Orchestra (1970 bis 1989), mit dem er über tausend Konzerte bestritt und mehr als hundertfünfzig Plattenaufnahmen einspielte, die soviel Preise erhielten wie sie kaum ein Popstar verzeichnen kann. Sir Georg Solti hinterlässt eine Diskographie mit über 250 Aufnahmen und wurde insgesamt 105 Mal für den Grammy nominiert, und er ist der Künstler, der die meisten Grammys erhielt, unabhängig von der Musikrichtung: 31 Grammys gingen an ihn persönlich einschließlich eines Lifetime Achievement Awards, weitere sechs an Techniker (Produktion/Aufnahme). Diesen Rekord hält Solti bis heute.
Im Film kommen Interview-Partner zu Wort, die in enger Beziehung zu Sir Georg Solti standen und sehr persönliche Einblicke in dessen Leben gewähren: Lady Valery Solti, Charles Kaye, Valery Gergiev, Christoph von Dohnányi, Sir Peter Jonas, Clemens Hellsberg, Ewald Markl, Norman Lebrecht u.v.m.

Es ist die berühmteste Liebesgeschichte der Welt und auch auf der Ballettbühne ein Klassiker: Kenneth MacMillan schuf in den 60er Jahren eine zeitlose Choreographie zu der Musik von Sergej Prokofjew. Michael Nunn und William Trevitt haben zusammen mit dem Royal Ballet die Choreographie als Spielfilm inszeniert: von der Theaterbühne auf die Straßen Veronas.
Mit voller Leidenschaft werfen sich die jungen Stars des Ensembles in die Geschichte und tanzen bravourös über das Pflaster, als wäre es ein Theaterboden. William Bracewell als Romeo, Francesca Hayward als Julia und Matthew Ball als Tybalt überzeugen auch mit ihrer starken schauspielerischen Präsenz. Film, Musik und Theater verbinden sich in einer völlig neuen Weise miteinander, und so kann die Geschichte von der Feindschaft der Montagues und Capulets, die mit dem tragischen Tod des jungen Liebespaares endet, eine besondere emotionale Wirkung entfalten.
Nunn und Trevitt können selber auf eine Laufbahn als Tänzer zurückblicken und haben dabei sehr eng mit Kenneth MacMillan zusammengearbeitet. Sie können Tanz kongenial in Film verwandeln und wurden dafür international ausgezeichnet, unter anderem mit dem Emmy Award. Die Originalpartitur von Sergej Prokofjew wird gespielt vom Orchestra of the Royal Opera House unter der Leitung von Koen Kessels.

hr-Sinfonieorchester, Andrés Orozco-Estrada
Mit Steve Davislim (Tenor), Hanno Müller-Brachmann (Bass), Regine Hangler (Sopran), Katrin Wundsam (Alt), Wiener Singverein.
»Von Herzen – Möge es wieder – Zu Herzen gehen!” Diese berühmte Widmung gab Ludwig van Beethoven einst seiner Komposition »Missa solemnis” mit auf den Weg, die in ihrer Rätselhaftigkeit und Wirkung bis heute eine ganz besondere Aura ausstrahlt. Von dem gläubigen Aufklärer und großen Humanisten einst geschaffen, um »bei den Singenden als bei den Zuhörenden religiöse Gefühle zu erwecken und dauernd zu machen”, werden darin Gott und Gottheit, Mensch und Menschheit, Himmel und Erde musikalisch gleichermaßen angesprochen. Beethovens »Missa solemnis” sprengt bei einer Länge von etwa 80 Minuten den Rahmen einer gewöhnlichen Gottesdienstbegleitung. Zum ersten Mal wurde sie 1824 jedoch nicht in kirchlichem Rahmen, sondern in der Philharmonischen Gesellschaft in Sankt Petersburg aufgeführt und kurz danach am Kärntnertortheater in Wien.
Andrés Orozco-Estrada und das hr-Sinfonieorchester präsentieren das geistliche Hauptwerk Beethovens beim Rheingau Musik Festival im Kloster Eberbach und krönen damit ihr gemeinsames Beethoven-Projekt »Ludwig van …«. Unter der Leitung des in der Musikhauptstadt Wien ausgebildeten Orozco-Estrada entfaltet das anspruchsvolle wie faszinierende Ausnahmewerk des Wiener Klassikers Beethoven mit dem Wiener Singverein – unter der Leitung von Johannes Prinz – und einem exzellenten Solistenquartett, bestehend aus Regine Hangler, Katrin Wundsam, Steve Davislim und Hanno Müller-Brachmann, eine ganz besondere Wirkung im auratischen Klang- und Bildraum von Kloster Eberbach.

Teodor Currentzis trifft es auf den Punkt: »Wenn jemand von einem anderen Planeten kommt und fragt: ‚Was macht die menschliche Zivilisation aus?‘, dann sollte man am besten die 9. Symphonie spielen.« Was ist es, das dieses Werk so einzigartig macht? Christian Berger reist ein Mal um die Welt, um auf diese Frage eine Antwort zu finden: Er besucht Tan Dun in Shanghai, Yutaka Sado in Osaka, Teodor Currentzis in Salzburg, Paul Whittaker in Barcelona, Gabriel Prokofiev in London, das Orchestre Symphonique Kimbanguiste in Kinshasa und die Sinfonica Heliópolis in São Paulo.

Das Musikmagazin

Ein Konzert im Zeichen der Orgel: Die weltweit gefeierte Organistin Iveta Apkalna spielte im März 2019 mit dem Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks unter der Leitung von Mariss Jansons das schillernde »Konzert für Orgel, Streicher und Pauken« von Francis Poulenc sowie die berühmte »Orgelsymphonie« von Camille Saint-Saëns.
Die lettische Organistin Iveta Apkalna war im März 2019 Solistin beim Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks in der Philharmonie im Gasteig München. Die in Riga, Stuttgart und London ausgebildete Interpretin gehört zu den weltweit führenden Konzertorganistinnen und machte sich auch mit einem ausgesprochen weit gefächerten Repertoire einen Namen. In München spielte sie Francis Poulencs schillerndes »Konzert für Orgel, Streicher und Pauken«.
Zum Konzert-Auftakt dirigierte Mariss Jansons die Ouvertüre »Carnaval Romain« von Hector Berlioz. Im zweiten Konzertteil ein weiteres Werk mit prominenter Beteiligung der Orgel: Die populäre Symphonie Nr. 3, die »Orgelsymphonie« von Camille Saint-Saëns.

Das West-Eastern Divan Orchestra feiert seinen 20. Geburtstag mit einem besonderen Konzert und prominenten Solisten: Anne-Sophie Mutter (Violine), Yo-Yo Ma (Violoncello) und Daniel Barenboim (Klavier). Das »Tripelkonzert« für Klavier, Violine, Violoncello und Orchester komponierte Ludwig van Beethoven um 1804 in Wien. Es ist seine einzige Orchesterkomposition für drei Soloinstrumente und wird auch als »heimliches Cellokonzert« bezeichnet, da das Cello in diesem Werk eine hervorgehobene Rolle spielt.
1999 hatten Daniel Barenboim, Edward Said und Bernd Kauffmann junge Musiker aus verschiedenen Ländern des Nahen Ostens in die europäische Kulturhauptstadt Weimar eingeladen, um durch das gemeinsame Musizieren einen Dialog zwischen den verschiedenen Kulturen zu ermöglichen. Benannt nach Goethes Gedichtsammlung »West-östlicher Divan« ist das Ensemble, das zu gleichen Teilen aus israelischen und arabischen Musikern besteht, längst zu einem festen Bestandteil des internationalen Musiklebens geworden. Im Sommer treten sie regelmäßig bei den Salzburger Festspielen und in der Berliner Waldbühne auf.
Der amerikanische Starcellist Yo-Yo Ma war bereits 1999 beim ersten Workshop des Orchesters in Weimar zu Gast. Anlässlich des Festkonzerts zum 20-jährigen Bestehen in der Berliner Philharmonie wurden Yo-Yo Ma und Anne-Sophie Mutter zu Ehrenmitgliedern des West-Eastern Divan Orchestra ernannt.

Das sinfonische Schaffen von Dmitri Schostakowitsch umfasst ein halbes Jahrhundert und bildet einen Spiegel der Selbstbehauptung und der Resignation eines Tonkünstlers in einem totalitären Systems. Als sich der Komponist mit seiner 15. und damit letzten Sinfonie zu befassen begann, war er körperlich bereits stark angeschlagen, doch er konnte noch einmal alle Kräfte bündeln.
Im Vergleich zu vielen der früheren ist das Werk fast kammermusikalisch instrumentiert. Es besitzt Züge einer musikalischen Reise in die eigene Vergangenheit, doch Schostakowitschs Sohn Maxim, der 1972 die Uraufführung der Sinfonie leitete, beschreibt, dass es auch in diesem Werk um das Leben in der stalinistischen Sowjetunion geht, wo sich Menschen oft wie Marionetten verhalten müssen.
Fröhlichkeit – wie in dem Zitat von Rossinis Wilhelm-Tell-Ouvertüre, erweist sich vor dem Hintergrund von Schmerz und Resignation als eher grotesk. Gespenstische Züge trägt auch das Scherzo, während ein Motiv aus der »Todesverkündigungsszene« aus Wagners Walküre das Finale einleitet, das nach einer klanglichen Explosion in großer Ruhe endet. Michael Sanderling dirigierte das Werk im Kulturpalast Dresden am 13. Februar 2019, dem Gedenktag der Zerstörung Dresdens durch die Luftangriffe der Alliierten 1945.

Als inoffizielle österreichische Hymne hat es der Walzer »An der schönen blauen Donau« mitsamt seinem Komponisten Johann Strauss (Sohn) zu weltweiter Anerkennung gebracht. Als »Walzerkönig« heiß begehrt reiste der Spross der Strauss-Dynastie auf seinen Tourneen durch ganz Europa und bis nach Amerika. Rechtzeitig zur Ballsaison folgt Karl Hohenlohe dem Takt des Ausnahmekomponisten und ergründet Wien als die Stadt der Musik.

Konzertaufzeichnung in der Hamburger Laieszhalle am 6. und 7. Mai 2007: Das NDR Sinfonieorchester (heute: NDR Elbphilharmonie Orchester) spielt unter der Leitung von Christoph von Dohnányi die Sinfonie op. 73 von Johannes Brahms.
Ergänzt werden die Konzertaufzeichnungen durch persönliche Anmerkungen des Dirigenten von Dohnányi zu seiner Arbeit.

Das Musikmagazin

Einige Jahre war Tenor Jonas Kaufmann am Opernhaus Zürich, bevor er von London, Paris, Mailand, Salzburg, Wien und schließlich auch von seiner Geburtsstadt München entdeckt wurde. Bei seinem Konzert 2010 mit dem Münchner Rundfunkorchester in der Philharmonie im Münchner Gasteig hat er auf eindrucksvolle Weise bestätigt, dass er über seinen Tamino noch nicht hinaus- und in Wagners wichtigste Partien schon längst hineingewachsen ist.
Ein paar Jahre lang war der Tenor Jonas Kaufmann Ensemblemitglied am Opernhaus Zürich, bevor er von London, Paris, Mailand, Salzburg und Wien – und schließlich auch von seiner Geburtsstadt München entdeckt wurde. Einem Galakonzert und einem Liederabend folgte der Lohengrin-Triumph bei den Münchner Opernfestspielen 2009. Als Mozart-Tenor hat Kaufmann angefangen – ohne je wie ein deutscher Mozart-Tenor zu klingen: Sein glutvolles, dunkles Timbre, die baritonale Färbung seiner Stimme und seine perfekte Idiomatik machen ihn zum idealen Vertreter des italienischen und französischen Repertoires. Auf den großen Bühnen der Welt feiert man den charismatischen Sänger inzwischen als Cavaradossi, Don José und Werther. Und doch lockt ihn natürlich das schwerere deutsche Fach: Mit Parsifal, Stolzing und Siegmund hat er sich schon vorgestellt. Bei seinem Konzert mit dem Münchner Rundfunkorchester in der Philharmonie im Münchner Gasteig hat er auf eindrucksvolle Weise bestätigt, dass er über seinen Tamino noch nicht hinaus- und in Wagners wichtigste Partien schon längst hineingewachsen ist.

Jewgeni Kissin gehört zu den führenden Beethoven-Interpreten seiner Generation. Zum 250. Geburtstag des Komponisten spielt der russische Pianist ausgewählte Beethoven-Sonaten. Bei seinem Rezital im Juli 2019 im Rahmen des Verbier Festivals standen Werke für Piano solo auf dem Programm: die Klaviersonaten Nr. 8 und Nr. 21, besser bekannt als »Pathétique« und »Waldstein«.«

In einer mit Spannung erwarteten neuen Produktionbrachte der französische Regisseur Laurent Pelly den »Barbier von Sevilla«, Rossinis berühmteste Oper, die sich durch Witz und Einfallsreichtum auszeichnet, auf die Bühne des Pariser Théâtre des Champs-Elysées.
Die Uraufführung 1816 war ein Fiasko – dafür sorgten schon die zahlreichen Gegner Rossinis –, doch schon bald wurde »Der Barbier von Sevilla« zu einem Riesenerfolg. Rossini war erst 23, als er diese fröhliche Oper nach einem Libretto von Cesare Sterbini komponierte, das wiederum auf einem Theaterstück von de Beaumarchais basierte. Die Handlung: Graf Almaviva hat sich in das junge Waisenmädchen Rosina verliebt. Mit allen Mitteln versucht er, sie ihrem alten Vormund Bartolo zu entreißen – der seinerseits Rosina heiraten möchte. Doch dank der Hilfe seines ehemaligen Dieners Figaro gelingt es dem Grafen, Rosina für sich zu gewinnen … Rossinis »Barbier« erfordert jugendlichen Schwung und Einfallsreichtum. Beides dürfte die neue Produktion des Théâtre des Champs-Elysées zur Genüge mitbringen. Dafür sorgen der Dirigent Jérémie Rhorer mit seinem Orchester Cercle de l’Harmonie und nicht zuletzt die wunderbare, poetische und heitere Regie von Laurent Pelly. Eine virtuose Besetzung mit Florian Sempey als Figaro, Michele Angelini als elegantem Grafen, Catherine Trottmann als rebellischer Rosina und Robert Gleadow als Basilio rundet diesen besonderen Opernabend ab.

Es ist die berühmteste Liebesgeschichte der Welt und auch auf der Ballettbühne ein Klassiker: Kenneth MacMillan schuf in den 60er Jahren eine zeitlose Choreographie zu der Musik von Sergej Prokofjew. Michael Nunn und William Trevitt haben zusammen mit dem Royal Ballet die Choreographie als Spielfilm inszeniert: von der Theaterbühne auf die Straßen Veronas.
Mit voller Leidenschaft werfen sich die jungen Stars des Ensembles in die Geschichte und tanzen bravourös über das Pflaster, als wäre es ein Theaterboden. William Bracewell als Romeo, Francesca Hayward als Julia und Matthew Ball als Tybalt überzeugen auch mit ihrer starken schauspielerischen Präsenz. Film, Musik und Theater verbinden sich in einer völlig neuen Weise miteinander, und so kann die Geschichte von der Feindschaft der Montagues und Capulets, die mit dem tragischen Tod des jungen Liebespaares endet, eine besondere emotionale Wirkung entfalten.
Nunn und Trevitt können selber auf eine Laufbahn als Tänzer zurückblicken und haben dabei sehr eng mit Kenneth MacMillan zusammengearbeitet. Sie können Tanz kongenial in Film verwandeln und wurden dafür international ausgezeichnet, unter anderem mit dem Emmy Award. Die Originalpartitur von Sergej Prokofjew wird gespielt vom Orchestra of the Royal Opera House unter der Leitung von Koen Kessels.

Als inoffizielle österreichische Hymne hat es der Walzer »An der schönen blauen Donau« mitsamt seinem Komponisten Johann Strauss (Sohn) zu weltweiter Anerkennung gebracht. Als »Walzerkönig« heiß begehrt reiste der Spross der Strauss-Dynastie auf seinen Tourneen durch ganz Europa und bis nach Amerika. Rechtzeitig zur Ballsaison folgt Karl Hohenlohe dem Takt des Ausnahmekomponisten und ergründet Wien als die Stadt der Musik.

Mit Daniil Trifonov war einer der meistgefeierten Pianisten unserer Tage beim Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks zu Gast. Unter der Leitung von Mariss Jansons spielte er die »Burleske« von Richard Strauss. Aus Strauss‘ Feder stammten auch die weiteren Werke des Konzerts im Münchner Herkulessaal: »Till Eulenspiegels lustige Streiche« und »Also sprach Zarathustra«.
Daniil Trifonov hat seit der Spielzeit 2010/2011, als er Preise bei gleich drei der renommiertesten Klavierwettbewerbe der Welt gewann, einen kometenhaften Aufstieg hingelegt. Das Publikum stürmt seine Konzerte, die Fachwelt feiert ihn hymnisch.
Zu Gast beim Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks spielt Trifonov im Münchner Herkulessaal die »Burleske« von Richard Strauss. Der legendäre Dirigent und Pianist Hans von Bülow, Strauss‘ Chef und Mentor bei der berühmten Meininger Hofkapelle, kapitulierte vor den technischen Anforderungen des Stücks: »Jeder Takt eine andere Handstellung, glauben Sie, ich setze mich vier Wochen hin, um so ein widerhaariges Stück zu studieren?« Schließlich brachte Eugen d’Albert die »Burleske« zur Uraufführung. Die Komposition fiel in eine Zeit, in der Strauss ganz fasziniert von Johannes Brahms war, den er noch live in Meiningen bei der Uraufführung dessen 4. Symphonie erlebt hatte. Der heitere, temporeiche Dreiviertel-Charakter der »Burleske« hat auch durchaus Ähnlichkeiten mit dem Scherzo aus Brahms‘ 2. Klavierkonzert. Dennoch war sie keine Nachahmerei, sondern vielmehr wegweisend für Strauss‘ weiteres Schaffen: Der Walzer fand im Rosenkavalier seine Vollendung, der Schalk und der Witz in der Tondichtung »Till Eulenspiegels lustige Streiche«.
Strauss fand sich wieder in seinem Helden Till Eulenspiegel und freute sich noch 50 Jahre nach der Uraufführung an seinem »braven Till«.
Ähnlich begeistert war er von »Also sprach Zarathustra«. Seiner Frau teilte er 1896 mit: »Zarathustra ist herrlich – weitaus das bedeutendste, formvollendetste, inhaltsreichste, eigentümlichste meiner Stücke.« Die Faszination, besonders des Sonnenaufgang-Beginns, ist bis heute ungebrochen. Ob in der Bierwerbung, im Fußballstadion oder in Fernsehserien.«

Festivalorchester Mörbisch, Thomas Rösner
Regie: Leonard C. Prinsloo
Unvergessliche Melodien wie »Dein ist mein ganzes Herz« durchziehen Lehárs erfolgreichste Operette.
Mit Elissa Huber, Won Whi Choi, Benno Schollum, Harald Serafin, Gernot Kranner, Koichi Okugawa u.a.

Anlässlich des Beethovenjahres 2020 widmet sich einer der größten Pianisten der Gegenwart noch einmal dem Spätwerk Ludwig van Beethovens: Maurizio Pollini kehrt für die Einspielung der Klaviersonaten Nr. 31 und 32 wieder in den Münchner Herkulessaal zurück. Genau dort entstanden seit den 1970er-Jahren die legendären, scharf konturierten und klaviertechnisch perfekten Studioeinspielungen des Sonatenzyklus. In seiner seit nunmehr rund 60 Jahren andauernden Karriere hat sich Pollini medial stets rar gemacht und ist immer nur mit wenigen ausgewählten Werken vor die Welt getreten, ganz nach dem Vorbild seines Lehrers. Seiner Plattenfirma hat der Perfektionist Pollini bis in die jüngste Zeit nur Studioaufnahmen erlaubt. Dass er jetzt, im Alter von 77 Jahren, doch noch einer Liveaufzeichnung zugestimmt hat, ist eine Sensation, aber auch logisches Resultat seiner Entwicklung als Pianist. Denn wie er selbst sagt: »Meine Beschäftigung mit Beethoven hört ja nicht auf.«
Auf dem Programm stehen die Klaviersonate Nr. 31 in As-Dur op. 110 und die Klaviersonate Nr. 32 in c-Moll op. 111. Die Onlinefassung des Konzertes enthält zusätzlich die Klaviersonate Nr. 30 in E-Dur, op. 109.

Am 6. und 7. Mai 2007 dirigierte Christoph von Dohnányi in der Hamburger Laeiszhalle die vier Sinfonien von Johannes Brahms. Ergänzt werden die Aufzeichnungen durch persönliche Anmerkungen Christoph von Dohnányis zu seiner Arbeit.
Es spielt das NDR Sinfonieorchester (seit 2017 NDR Elbphilharmonie Orchester).

Anlässlich des Beethovenjahres 2020 widmet sich einer der größten Pianisten der Gegenwart noch einmal dem Spätwerk Ludwig van Beethovens: Maurizio Pollini kehrt für die Einspielung der Klaviersonaten Nr. 31 und 32 wieder in den Münchner Herkulessaal zurück. Genau dort entstanden seit den 1970er-Jahren die legendären, scharf konturierten und klaviertechnisch perfekten Studioeinspielungen des Sonatenzyklus. In seiner seit nunmehr rund 60 Jahren andauernden Karriere hat sich Pollini medial stets rar gemacht und ist immer nur mit wenigen ausgewählten Werken vor die Welt getreten, ganz nach dem Vorbild seines Lehrers. Seiner Plattenfirma hat der Perfektionist Pollini bis in die jüngste Zeit nur Studioaufnahmen erlaubt. Dass er jetzt, im Alter von 77 Jahren, doch noch einer Liveaufzeichnung zugestimmt hat, ist eine Sensation, aber auch logisches Resultat seiner Entwicklung als Pianist. Denn wie er selbst sagt: »Meine Beschäftigung mit Beethoven hört ja nicht auf.«
Auf dem Programm stehen die Klaviersonate Nr. 31 in As-Dur op. 110 und die Klaviersonate Nr. 32 in c-Moll op. 111. Die Onlinefassung des Konzertes enthält zusätzlich die Klaviersonate Nr. 30 in E-Dur, op. 109.

Seit der oscarprämierte Film »Shine – Der Weg ins Licht« seine Geschichte erzählte, ist David Helfgott weltberühmt: Eine einzigartige Künstlerpersönlichkeit, dessen Wunderkindkarriere in den 70er Jahren mit dem Auftreten von Symptomen einer schizoaffektiven Störung zu Ende schien. Doch nach einem schweren Nervenzusammenbruch und vielen Jahren in einer psychiatrischen Klinik gelang es ihm, sich durch die heilende Kraft der Musik und seine große Liebe zu seiner zweiten Frau, Gillian Murray, ins Leben und auf die Konzertbühne zurück zu kämpfen. Vor seinem Absturz wurde David Helfgotts Klavierspiel in Witz und Tiefe mit dem von Horowitz verglichen. Für seine Rückkehr ins Klassikleben hatte er sich Rachmaninows 3. Klavierkonzert ausgesucht; für David ein schicksalhaftes Werk. Nach einer Aufführung dieses Konzerts in der Londoner Royal Albert Hall erlitt er 1970 einen Nervenzusammenbruch – und es ist diese Musik, anhand derer »Shine« seine Geschichte erzählte. David ist liebenswert, intelligent und zügellos, in seiner grenzenlosen Offenheit und Herzlichkeit kaum auszuhalten. So wie auf dem Konzertpodium die Musik rasant und virtuos aus ihm heraussprudelt, so kommuniziert er auch im Privaten: Selbst Fremde werden aufs Herzlichste umarmt und mit ununterbrochenem brabbelndem Wortschwall in seine Welt vereinnahmt. Auf David Helfgotts Europatournee mit den Stuttgarter Symphonikern war die Filmemacherin Cosima Lange mit der Kamera immer ganz nah und intim dabei und lässt miterleben, wie Davids »innere Musik« sich Bahn bricht und die Menschen um ihn herum fasziniert. »Das Porträt eines glücklichen Menschen in einem der schönsten Musikfilme seit Langem!««

Gegen Ludwig van Beethovens 7. Sinfonie käme »jede Rock-Nummer wie eine lahme Ente daher«, sagt der Schriftsteller Karl-Heinz Ott in seinem Buch »Rausch und Stille: Beethovens Sinfonien«. Das Publikum der Uraufführung am 8. Dezember 1813 in Wien jubelte vor Begeisterung. Viele verstanden diese 7. Sinfonie im Sinne der freudigen Sieges- und Freiheitsstimmung nach der erfolgreichen Völkerschlacht bei Leipzig gegen Napoleon nur zwei Monate zuvor. Das ausgesprochen tänzerische Werk wird gespielt vom NDR Elbphilharmonie Orchester unter der Leitung von Alan Gilbert in der Elbphilharmonie Hamburg.

Obwohl er als Universitätsmusikdirektor und Kompositionsprofessor am Konservatorium eine geachtete Person des Leipziger Musiklebens war – umworben von den Verlegern, geschmäht von den Kritikern, aber regelmäßig aufgeführt im Gewandhaus – wurde die Uraufführung seines Klavierkonzerts am 15. Dezember 1910 von der Kritik radikal verrissen.
Das Werk wurde von der Pianistin Frieda Kwast-Hodapp unter dem Dirigat von Arthur Nikisch gespielt. Auch wenn die Presse das Werk als »Fehlgeburt« verwarf, war Reger selbst begeistert und titulierte die Solistin mit dem ihm eigenen Humor scherzhaft als »Frau Kwast-Hutab«. Im Februar 1912 schrieb Reger an Herzog Georg II. von Sachsen-Meiningen: »Mein Klavierkonzert wird für Jahre noch unverstanden bleiben; die Tonsprache ist zu herb und zu ernst.«
Dass dies nicht so ist, haben musterhafte Einspielungen dieses »Klaviergebirges« von Rudolf Serkin und Marc-André Hamelin bewiesen. Peter Serkin, der Sohn des Pianisten Rudolf Serkin, ist bis heute ein unermüdlicher Verbreiter des Reger-Konzerts.
Mit der »Pastorale« im zweiten Konzertteil setzt Herbert Blomstedt seinen Beethoven-Zyklus mit dem Gewandhausorchester fort. Mit den »Erinnerungen an das Landleben«, wie der Komponist seine 6. Symphonie untertitelt, ist nicht lautmalerische Detailverliebtheit gemeint, sondern »mehr Ausdruck der Empfindung als Malerei«.
Das Konzert wurde am 19. und 20. Mai 2016 anlässlich des 100. Todestags von Max Reger im Leipziger Gewandhaus für ARTE aufgezeichnet.

Es ist die berühmteste Liebesgeschichte der Welt und auch auf der Ballettbühne ein Klassiker: Kenneth MacMillan schuf in den 60er Jahren eine zeitlose Choreographie zu der Musik von Sergej Prokofjew. Michael Nunn und William Trevitt haben zusammen mit dem Royal Ballet die Choreographie als Spielfilm inszeniert: von der Theaterbühne auf die Straßen Veronas.
Mit voller Leidenschaft werfen sich die jungen Stars des Ensembles in die Geschichte und tanzen bravourös über das Pflaster, als wäre es ein Theaterboden. William Bracewell als Romeo, Francesca Hayward als Julia und Matthew Ball als Tybalt überzeugen auch mit ihrer starken schauspielerischen Präsenz. Film, Musik und Theater verbinden sich in einer völlig neuen Weise miteinander, und so kann die Geschichte von der Feindschaft der Montagues und Capulets, die mit dem tragischen Tod des jungen Liebespaares endet, eine besondere emotionale Wirkung entfalten.
Nunn und Trevitt können selber auf eine Laufbahn als Tänzer zurückblicken und haben dabei sehr eng mit Kenneth MacMillan zusammengearbeitet. Sie können Tanz kongenial in Film verwandeln und wurden dafür international ausgezeichnet, unter anderem mit dem Emmy Award. Die Originalpartitur von Sergej Prokofjew wird gespielt vom Orchestra of the Royal Opera House unter der Leitung von Koen Kessels.

Jewgeni Kissin gehört zu den führenden Beethoven-Interpreten seiner Generation. Zum 250. Geburtstag des Komponisten spielt der russische Pianist ausgewählte Beethoven-Sonaten. Bei seinem Rezital im Juli 2019 im Rahmen des Verbier Festivals standen Werke für Piano solo auf dem Programm: die Klaviersonaten Nr. 8 und Nr. 21, besser bekannt als »Pathétique« und »Waldstein«.«

Am 28. Juni verwandelte sich der Cottbuser Altmarkt in ein Open Air Ballhaus. Die Cottbuser und ihre Besucher tanzten, flanierten und dinierten. Auf großer Bühne musizierte das Philharmonische Orchester des Staatstheaters. rbb Reporter begleiteten Musiker, Tänzer und Gastronomen bei der Vorbereitung auf den großen Abend und berichten von dem stimmungsvollen Ereignis in der Lausitzmetropole.

Obwohl er als Universitätsmusikdirektor und Kompositionsprofessor am Konservatorium eine geachtete Person des Leipziger Musiklebens war – umworben von den Verlegern, geschmäht von den Kritikern, aber regelmäßig aufgeführt im Gewandhaus – wurde die Uraufführung seines Klavierkonzerts am 15. Dezember 1910 von der Kritik radikal verrissen.
Das Werk wurde von der Pianistin Frieda Kwast-Hodapp unter dem Dirigat von Arthur Nikisch gespielt. Auch wenn die Presse das Werk als »Fehlgeburt« verwarf, war Reger selbst begeistert und titulierte die Solistin mit dem ihm eigenen Humor scherzhaft als »Frau Kwast-Hutab«. Im Februar 1912 schrieb Reger an Herzog Georg II. von Sachsen-Meiningen: »Mein Klavierkonzert wird für Jahre noch unverstanden bleiben; die Tonsprache ist zu herb und zu ernst.«
Dass dies nicht so ist, haben musterhafte Einspielungen dieses »Klaviergebirges« von Rudolf Serkin und Marc-André Hamelin bewiesen. Peter Serkin, der Sohn des Pianisten Rudolf Serkin, ist bis heute ein unermüdlicher Verbreiter des Reger-Konzerts.
Mit der »Pastorale« im zweiten Konzertteil setzt Herbert Blomstedt seinen Beethoven-Zyklus mit dem Gewandhausorchester fort. Mit den »Erinnerungen an das Landleben«, wie der Komponist seine 6. Symphonie untertitelt, ist nicht lautmalerische Detailverliebtheit gemeint, sondern »mehr Ausdruck der Empfindung als Malerei«.
Das Konzert wurde am 19. und 20. Mai 2016 anlässlich des 100. Todestags von Max Reger im Leipziger Gewandhaus für ARTE aufgezeichnet.

»Das Wort ‚Klassik` ist altmodisch und völlig unrichtig. Kein Mensch kann das heute mehr erklären«, sagt Christoph Eschenbach, einer der größten Dirigenten unserer Zeit. Und weiter: »Es gibt diese unglaubliche Menge an Musik aus den letzten 500 Jahren in der Welt.«
Dazu gehören unter anderem die Sinfonie Nr. 3 D-Dur op. 29 von Peter Tschaikowsky, auch die »Polnische« genannt, aus dem Jahr 1875, oder die Ouvertüre aus der Oper »Ruslan und Ludmilla« von Michail Glinka, entstanden 1837.
Beides präsentiert Christoph Eschenbach zusammen mit dem NDR Sinfonieorchester (dem heutigen NDR Elbphilharmonie Orchester) beim Abschlusskonzert des Schleswig-Holstein Musik Festivals 2012 mit solcher Hingabe und Leidenschaft, dass die Entstehungsjahre dieser Werke oder die Begrifflichkeit der »Klassik« wahrlich bedeutungslos werden. Was zählt, ist die Musik, die den Raum erfüllt.

In Rotterdam spielt Daniel Müller-Schott zusammen mit dem Rotterdam Philharmonic Orchestra unter der Leitung des britischen Dirigenten Sir Mark Elder das Cellokonzert von Edward Elgar. Elgars Cellokonzert, ein Meisterwerk der Spätromantik, hat den jungen Daniel Müller-Schott schon im Teenageralter zu Tränen bewegt, als er es zum ersten Mal hörte. Für ihn gehört es zum Handwerk eines Musikers, sich mit seinem Instrument auch auf anderen Ebenen auseinanderzusetzen. Wie zum Beispiel, wenn er seinen Cellobauer Dietmar Rexhausen am Schliersee besucht, um weiter am Klang seines Cellos zu arbeiten. Handwerk und Kunst arbeiten hier Hand in Hand; immer wieder verändert der Geigenbauer Kleinigkeiten am Instrument, um dem Cellisten bei der Suche nach dem perfekten Klang zu unterstützen. Daniel Müller-Schott, dessen Konzerte stets ausverkauft sind, tankt die für seine Auftritte notwendige Kraft in München und genießt es, in seiner Heimatstadt zur Ruhe zu kommen. Hier lebt und arbeitet der knapp 39-jährige Cellist, hier lässt er sich gleichermaßen von den Bergen wie von den Museen inspirieren. Wie Ende Juni, wenn er im Rahmen einer Kunst-Aktion des Lenbachhauses München eine Cello-Sonate von J. S. Bach unter freiem Himmel spielt, um anschließend gemeinsam mit dem englischen Street-Art Künstler Daniel Mann einen Pavillon mit Graffiti zu verzieren. In der Auseinandersetzung mit dem Cellokonzert von Elgar verlässt sich Daniel Müller-Schott nicht nur auf seinen Instinkt. Für ihn gilt Edward Elgars Cello Concerto als das letzte große Werk des Komponisten, der zu Beginn des 20. Jahrhunderts nicht nur von Richard Strauss als »erster englischer Moderner« gehandelt wurde. Nostalgie und Abschiedsschmerz, aber auch ein kämpferischer Gestus durchziehen Elgars Cello-Konzert, dessen zentrales Thema Daniel Müller-Schott im Geiste Schumanns begreift und in all seiner Vielschichtigkeit zum Klingen bringt.

Zwischen Zerbrechlichkeit, Empfindsamkeit und Perfektion: Für Freunde wie Charlie Chaplin, aber auch für viele heutige Musiker war und ist die Schweizer Klaviervirtuosin Clara Haskil (1895-1960) eine Interpretin, die wie keine andere Maßstäbe gesetzt hat. Die in Bukarest geborene Rumänin hat als Jüdin zwei Weltkriege überlebt und bewahrte sich trotz ihrer labilen Gesundheit stets ihre Kraft. Die Dokumentation folgt dem umtriebigen Leben der Ausnahmekünstlerin, das von Bukarest über Paris und die Schweiz bis nach London und New York führte. Anhand von unveröffentlichten Klaviereinspielungen, Briefen und Interviews zeigt er die faszinierende Musikerin in neuem Licht, deren zeitlose Modernität bis heute ungebrochen ist.
Clara Haskil gilt als eine der größten Klaviervirtuosinnen des 20. Jahrhunderts. Ihr grenzenlos freies Spiel überzeugte durch eine unglaublich vitale Klangfülle: Dirigenten wie Christian Zacharias, Pianisten wie Michel Dalberto oder Eliane Reyes, Freunde wie Eugène Chaplin und der Maler Michael Garady sowie der Musikkritiker Alain Lompech erinnern sich an ihr Talent und ein Leben, das voller Musik, aber auch voller persönlicher Prüfungen und Drangsal war. Ergänzend zu den Interviews bringen Auszüge aus Clara Haskils Briefen dem Zuschauer ihr bewegtes Leben nahe. Clara Haskil wurde 1895 in Bukarest in eine jüdische Familie geboren und galt bereits als Dreijährige als Wunderkind. In Wien und Paris studierte sie ab 1903 bei Richard Robert, Gabriel Fauré und Alfred Corot. Als 15-Jährige begab sie sich auf Konzerttourneen nach Frankreich, in die Schweiz und Italien. 1913 blockierten ernste gesundheitliche Probleme – aufgrund von Skoliose musste sie vier lange Jahre ein Gipskorsett tragen – zeitweise ihre Karriere. Nach zahlreichen Konzerten in Europa debütierte sie 1924 in den USA in New York und Boston. Ab 1927 lebte sie wieder in Paris. Im Mai 1942 musste ihr ein Tumor entfernt werden, der auf ihren Sehnerv drückte. Kurz vor der Besetzung Marseilles durch die deutsche Wehrmacht konnte sie sich im November 1942 in die Schweiz absetzen. Erst ab den 50er Jahren konnte sie von ihren Einnahmen leben und sich einen eigenen Flügel leisten. Erst in späteren Lebensjahren wurde sie als überragende Mozart-Interpretin ihrer Generation gefeiert. Clara Haskil starb 1960 in Brüssel an den Folgen eines Treppensturzes. Als Hommage an die unbeirrbare Frau und Künstlerin Clara Haskil sagte Charlie Chaplin auf ihrer Beerdigung: »In meinem Leben traf ich drei Genies: Clara Haskil, die beiden anderen waren Einstein und Sir Winston Churchill.«
Obwohl es von ihren Konzerten keine Filmaufnahmen gibt, schöpft der Film aus einem reichen Nachlass. An Clara Haskil erinnern unveröffentlichte Klaviereinspielungen wie etwa von Robert Schumanns »Kinderszenen«, ein reger Briefwechsel, viele Fotos und Kalendereinträge sowie ihr Klavier, ihre Noten und natürlich der renommierte Internationale Klavierwettbewerb Clara Haskil, der nach ihrem Tode im schweizerischen Vevey ins Leben gerufen wurde.

Das 2012 von Laurence Equilbey gegründete Insula Orchestra spielt auf historischen Instrumenten und experimentiert gern mit neuen Konzertformaten. Im Sommer 2018 stellt die französische Dirigentin mit ihrem Ensemble sowie dem Kammerchor accentus im Pariser Kulturzentrum La Seine Musicale ein wenig bekanntes Werk Mozarts vor, das jedoch als Vorläufer der „Zauberflöte“ bezeichnet werden kann: die Bühnenmusik zu „Thamos, König in Ägypten“. Maßgeblich zur Wirkung der Aufführung trägt eine außergewöhnliche Bildgestaltung von Yannis Kokkos bei, der das musikalische Geschehen mit einer reizvollen Mischung aus Video, Grafik und Live-Animation untermalt.

Chor: accentus
Orchester: Insula Orchestra
Dirigent: Laurence Equilbey
Bühnenbild: Yannis Kokkos
Video: Emmanuel Larue
Zeichner, Grafiker: Guillaume Carreau
Regie: Isabelle Soulard
Mit Sandrine Piau (Sopran), Aline Martin (Alt), Reinoud Van Mechelen (Tenor), Andreas Wolf (Bariton)