Klassische Musik im TV

Mit Beginn der Spielzeit 2018/19 wird Teodor Currentzis der erste Chefdirigent des neuen SWR Symphonieorchesters. Er zählt zu den vielseitigsten und interessantesten Dirigenten seiner Generation, dessen Repertoire mit Werken von der Barockzeit bis zur Avantgarde sämtliche Epochen umfasst. Teodor Currentzis ist vor allem für seine intensive Probenarbeit bekannt; für seine richtungsweisenden Interpretationen wurde er vielfach von der Fachwelt ausgezeichnet.

Teodor Currentzis gilt als einer der aufregendsten Dirigenten der Gegenwart. Ein Ausnahmetalent, das die Klassikwelt zugleich begeistert und entzweit. Der Film begleitet ihn acht Monate lang.Currentzis ist berühmt für seine extreme Ausgestaltung klassischer Werke, sein exzentrisches Verhalten und seinen Musikgeschmack. Seit September 2018 ist er der erste Chefdirigent des SWR Symphonieorchesters.

Thomas Hengelbrock begibt sich mit dem NDR Elbphilharmonie Orchester auf Entdeckungsreise in die Musikwelt. Im Nachtasyl des Thalia Theaters in Hamburg befragt Moderatorin Janin Ullmann den Chefdirigenten charmant in einer kleinen Gesprächsrunde zum Konzertmarathon mit den vier Sinfonien von Johannes Brahms.
»Brahms schafft wie kein anderer romantischer Komponist diese unglaubliche Balance zwischen Expressivität und Gefühl und einer wahnsinnig konstruktiven Kraft der Kompositionstechnik. In seinen Werken kulminieren alle Errungenschaften der Musikgeschichte von Heinrich Schütz bis zu seinen Zeitgenossen und finden zu einer neuen romantischen Einheit«, so Thomas Hengelbrock.
Gerade Brahms‘ Sinfonien sind eine Fundgrube an musikgeschichtlichen Quellen. Darum nimmt Hengelbrock auch Teile aus den vier Sinfonien des Komponisten in den Fokus.

Die NDR Radiophilharmonie spielt Joseph Haydn, Konzert für Trompete und Orchester Es-Dur, Solist Wolfgang Bauer, aus dem Jahr 1998.

Das Kammerorchester Concerto Constanz (ehemals Junges Kammerorchester Konstanz) wurde 1971 von Wolfgang Mettler gegründet und wird von ihm bis heute – beinahe 50 Jahre lang – geleitet. Engagierte Amateurmusikerinnen und – musiker aus Konstanz und Umgebung erarbeiten unter seiner Führung mehrere Konzertprogramme pro Jahr. Als ausschließliches Streichorchester greift es auf ein spezielles Repertoire zurück, das in den Konzertsälen der Bodenseeregion sonst nur selten zu hören ist. Die Spanne reicht von Werken des Frühbarocks bis zur neuesten Moderne.
Die Aufzeichnung fand im Weißen Saal des Schlosses Bernadotte auf der Insesel Mainau statt.

Sweet Spot, das ist die akustische Komfortzone, der Ort mit dem optimalen Sound-Erlebnis. »SWEET SPOT« ist auch das junge Klassik-Magazin im BR-Fernsehen, im Radio und auf br-klassik.de. Hier treffen sich junge Musiker aus Klassik und Jazz: Stars und solche, die es noch werden wollen, kreative Köpfe, die die Musikwelt neu denken.

In der Musik lebt die Donaumonarchie auch ein Jahrhundert nach ihrem Zerfall fort. Die letzte Glanzzeit des Weltreiches wird von der Bläserphilharmonie Mozarteum Salzburg in deren Dreikönigskonzert 2019 zum Klingen und Leuchten gebracht.
Chefdirigent Hansjörg Angerer suchte Meisterwerke jener führenden Komponisten aus, die während der letzten hundert Jahre der Habsburgermonarchie wirkten und zu ihren musikalischen Chronisten wurden.
Aus der ebenso imposanten und schwungvollen wie gefühlvollen und wehmütig angehauchten Musik ersteht ein mondänes Klangreich. Die politisch längst nicht mehr realen Ausdehnungen der einstigen Donaumonarchie und deren ethnische Vielfalt kommen in den Kompositionen des Dreikönigskonzerts 2019 auf eindrucksvolle Weise zur Geltung.
Der Klang der Donaumonarchie: Das sind der Walzer und der Marsch ebenso wie der Czárdás, die Polka, die Mazurka, der Skocná-Springtanz oder die Sousedská. So wurde von den polnischen Randgebieten über Böhmen, Mähren, Ungarn und Österreich bis zum Balkan getanzt, musiziert, gefühlt – und alles in den Werken musikalischer Meister verewigt.
Im Wechsel von schnellen und langsameren Tänzen, heiterer und schwermütiger sowie triumphaler und tragisch umflorter Musik entwickelt die Bläserphilharmonie eine spannende Dramaturgie, mit der die Donaumonarchie noch einmal erlebbar wird und aufblüht. Ergänzt wird der musikalische Reigen durch eine mitreißende Percussion Suite mit dem internationalen Schlagwerk-Starsolisten Martin Grubinger.

Vor fünf Jahren beleuchtete die Dokumentationsreihe »Die Tanzschüler der Pariser Oper« den intensiven Arbeitsalltag der Ballettschüler im Pariser Palais Garnier. Nun kehrt die Regisseurin Françoise Marie dorthin zurück und besucht die ehemaligen Schüler in der begehrtesten Ballettkompanie Frankreichs. Was ist aus Alice, Antonio, Clémence, Pablo, Roxane und den anderen geworden? Die fünfteilige Fortsetzung der Doku-Serie erzählt von ihren Herausforderungen, Zweifeln und Hoffnungen als junge Erwachsene und wirft einen Blick zurück auf ihre Schulzeit.

Musikalischer Streifzug durch das deutsch-französische Operetten-Repertoire: Am 8. Juni 2017 wurde in der Philharmonie de Paris ein besonderes Konzertprogramm geboten: Nach dem Vorbild der berühmten Londoner Proms stellte der Dirigent Thomas Hengelbrock ein unterhaltsames Programm zusammen, das einen leichten Zugang zur klassischen Werken bietet. Gemeinsam mit zwei wunderbaren Solisten – der Sopranistin Annette Dasch und dem Tenor Cyrille Dubois – spielt das Orchestre de Paris die beliebtesten Walzer aus berühmten Operetten. Der Zuschauerraum der Philharmonie verwandelte sich in einen Ballsaal, als Thomas Hengelbrock das Publikum mit Klängen von Strauss-Walzern vor die Bühne lockte und zum Tanzen animierte. Anschließend traten die beiden Sänger abwechselnd auf die Bühne und gaben mal solo, mal im Duett Operettenlieder von Franz Lehár, Emmerich Kálmán und Jacques Offenbach zum Besten.

Die »Bilder einer Ausstellung« von Modest Mussorgsky sind ein Stück, das bei Valery Gergiev in kundigsten und berufensten Händen ist. Diese herausragende Interpretation mit den Münchner Philharmonikern ist der beste Beweis dafür. Ursprünglich waren die »Bilder einer Ausstellung« ein reines Klavierstück. Der Titel ist hierbei wörtlich zu nehmen. Tatsächlich bezieht sich das Werk auf eine Ausstellung in St. Petersburg im Jahr 1874, welche der Komponist nachweislich besucht hat. Gewidmet war die Vernissage Mussorgskys engem Freund und Vertrauten Viktor Hartmann, ein russischer Maler und Architekt, der kurz zuvor gestorben war. Mussorgsky traf dieser Verlust schmerzlich und mit den 10 Bildern wollte er Hartmann ein künstlerisches Denkmal setzen. Heute ist das Werk in erster Linie in der Orchesterfassung von Maurice Ravel bekannt. Dieser ging aber darüber hinaus, Note für Note einfach zu transkribieren. Eine Bearbeitung ist immer auch eigene Interpretation. So verwandte Ravel dynamische Kniffe und griff tief in seine impressionistische Farbpalette. Dadurch gewann Mussorgskys Original an Ausdruck und Intensität, Eigenschaften, die diese Musik auch für uns heute so reizvoll macht.
Diese gleißende Orchesterversion kommt auf dem Odeonsplatz, wenn die Sonne hinter den Fassaden von Residenz, Feldherrnhalle und Theatinerkirche malerisch untergeht, einmalig zur Geltung!

Sweet Spot, das ist die akustische Komfortzone, der Ort mit dem optimalen Sound-Erlebnis. »SWEET SPOT« ist auch das junge Klassik-Magazin im BR-Fernsehen, im Radio und auf br-klassik.de. Hier treffen sich junge Musiker aus Klassik und Jazz: Stars und solche, die es noch werden wollen, kreative Köpfe, die die Musikwelt neu denken.

Shanghai Symphony Orchestra, Long Yu
Mari Samuelsen (Violine)

Die geheimnisvolle Atmosphäre der Verbotenen Stadt in Peking, in der einst die chinesischen Kaiser lebten, ist die perfekte Kulisse für ein Konzertevent der Extraklasse: das berühmte 2. Klavierkonzert von Sergej Rachmaninow. Die Uraufführung von Rachmaninows Klavierkonzert Nr. 2 in c-Moll 1901 in Moskau war ein durchschlagender Erfolg. Trotz seines melancholischen Grundtons ist das Konzert äußerst publikumswirksam und verlangt vom Interpreten ein Äußerstes an Virtuosität. Solist in Peking ist der überragende junge russische Pianist Daniil Trifonov. Das Stück wurde im Rahmen der Jubiläumsfeier des Schallplattenlabels Deutsche Grammophon auf die Bühne gebracht.

Sie wird als monumental beschrieben, als Grenzen sprengend – Bruckner selbst nannte seine Achte Symphonie »ein Mysterium«. Das Werk umfasst zwar in klassischer Tradition vier Sätze, doch diese sind zu einem grandiosen Werk von über 80 Minuten Spieldauer ausgebaut.
Die Uraufführung 1892 in Wien war ein triumphaler Erfolg, und Bruckners Achte gilt heute als ein Gipfelwerk der romantischen Symphonik.
Das Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks hatte die Symphonie anlässlich seines Gastspiels im November 2017 in der Philharmonie Luxembourg im Gepäck. Die Leitung hatte Chefdirigent Mariss Jansons.

Spielfilm Deutschland 2011
Ein geheimnisvoller Umschlag konfrontiert Star-Geigerin Hanna Reich kurz vor ihrem Abschiedskonzert mit lange zurückliegenden Erinnerungen: Es sind die Noten zur »Freundschaftspartitur«. Tief bewegt erzählt Hanna ihrer Enkelin Nina von den Ereignissen um diese Partitur im Kriegsjahr 1941: Eine Geschichte, die von Freundschaft, Todesgefahr, Zivilcourage und der leidenschaftlichen Liebe zur Musik handelt. Hanna lebte damals mit ihren Eltern, dem Brauereidirektor Max Reich und dessen Frau Helga, in Poltava in der Ukraine. Dort gab es nur ein Thema: die jüdischen Wunderkinder Abrascha und Larissa, Stars an Violine und Klavier.

Bevor zum Jahreswechsel 2014/2015 die Sektkorken knallten, luden die Berliner Philharmoniker mit ihrem Chefdirigenten Sir Simon Rattle zum traditionellen Silvesterkonzert in die Philharmonie Berlin. Solist war der Pianist Menahem Pressler, 50 Jahre lang Herz und Kopf des legendären, weltberühmten Beaux Arts Trios. Sein Vortrag des A-Dur-Konzerts von Mozart ist eingebettet in die blitzenden Farben und den tänzerischen Schwung der Musik von Zoltán Kodály und Johannes Brahms.
* Wolfgang Amadeus Mozart: Klavierkonzert, A-Dur KV, 488
* Zoltán Kodály: Háry János Suite
* Johannes Brahms: Ungarischer Tanz Nr.

Eine Metal-Lovestory umgesetzt in romantischen Melodien: Zwei Musiker der finnischen Heavy-Metal-Band Apocalyptica haben ein Werk für die Opernbühne geschrieben. „Indigo“ – die Oper von Perttu Kivilaakso und Eicca Toppinen wurde im Januar 2016 in Helsinki uraufgeführt. Illustriert wird in der Oper die folgende Hardrock-Attitüde: Man sollte den Wagemut haben, alles zu machen, das einem in den Sinn kommt, ohne sich darum zu kümmern, was andere darüber denken.
Regie: Tiina Siniketo
Dirigent: Jaakko Kuusisto
Choreographie: Reija Wäre
Ausstattung: Sampo Pyhälä
Inszenierung: Vilppu Kiljunen
Mitwirkende: Suomen Kansallisoopperan orkesteri, Sami Parkkinen, Kalle Kuusela, Perttu Kivilaakso, Eicca Toppinen

Personen:
Daniel: Markus Nykänen
Aurelia: Marjukka Tepponen
Myrna: Mari Palo
Carl: Christian Juslin
Hackert: Jaakko Kortekangas
Swanson: Päivi Nisula
Propagandaminister: Koit Soasepp
General: Petri Bäckström
und andere
Original mit Untertiteln

Mit Werken u. a. von Cole Porter, Irving Berlin, George Gershwin und Kurt Weill
Mit Tibor Kovác (Violine), Roman Janoska (Violine), Thilo Fechner (Viola), Stephan Koncz (Violoncello), Ödön Rácz (Kontrabass), Daniel Ottensamer (Klarinette) und Frantisek Janoska (Klavier).

Aus der Stille in die Musik
»Musik bedeutet alles!« In diesem einfachen Satz spiegelt sich die Lebensgeschichte des Dirigenten Christoph Eschenbach. Nach den traumatischen Erlebnissen seiner frühen Kindheit war er verstummt, und erst durch die Musik fand er die Sprache wieder. Für das Porträt kehrte er zurück in seine Geburtsstadt Breslau, an die Orte seiner Kindheit und Jugend in Schleswig-Holstein und in seine Wahlheimat Paris. Besonders am Herzen liegt Christoph Eschenbach die Förderung junger Talente. Zu den von ihm entdeckten Künstlern gehören heutige Stars wie der Pianist Lang Lang.

Ausschnitte aus: Junge Klassik-Version 4.0

Ein fiktiver Erzähler berichtet von einer Szene, die er zur Zeit des Aufstandes im Warschauer Ghetto beobachten musste: Jüdische Bewohner werden misshandelt, geschlagen, zum Abtransport ins Vernichtungslager abgezählt.
«Ein Überlebender aus Warschau«, ein relativ kurzes Werk für Stimme, Orchester und Männerchor von Arnold Schönberg, gipfelt in dem gemeinsamen Gesang der Gefangenen, die wie auf ein unausgesprochenes Signal das hebräische Gebet »Schma Jisrael« anstimmen.
Thomas Quasthoff übernimmt in dieser Aufführung von Chor und Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks den Part des Erzählers, die musikalische Leitung hat Chefdirigent Mariss Jansons.
Dieses späte Werk Schönbergs ist in der Dramaturgie des Konzerts von Chor und Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks dem berühmten Requiem d-Moll von Wolfgang Amadeus Mozart vorangestellt.
Das Requiem sollte das letzte – unvollendet gebliebene – Werk des Komponisten sein, der über der Komposition im Alter von 35 Jahren verstarb. Bis heute ist die komplettierte Fassung von Franz Xaver Süßmayr gebräuchlich, der im Auftrag von Mozarts Witwe Constanze die Orchestrierung weiterführte und drei fehlende Teile neu komponierte.
Zu Chor und Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks unter der Leitung von Mariss Jansons gesellt sich ein hochkarätiges Solistenquartett mit Genia Kühmeier, Elisabeth Kulman, Mark Padmore und Adam Plachetka.

Im Rahmen des Osterfestivals von Aix-en-Provence haben sich Dirigent Michail Pletnjow und sein angesehenes Russisches Nationalorchester mit dem aufsteigenden Stern am französischen Klavierhimmel Lucas Debargue zusammengetan, um das Klavierkonzert G-Dur von Maurice Ravel aufzuführen. Die Komposition für Klavier und Orchester in drei Sätzen entstand zwischen Sommer 1929 und November 1931 und ist das vorletzte vollendete Werk des Franzosen, der zwei Jahre später durch eine Erkrankung seine Fähigkeit, Musik zu schreiben, verlor. Das nach klassischem Vorbild komponierte und nach Auskunft Ravels von Mozart und Saint-Saëns inspirierte Klavierkonzert G-Dur verbindet Ironie, Poesie und Virtuosität. Mit dem zeitgleich entstandenen Klavierkonzert D-Dur für die linke Hand teilt es zahlreiche Anleihen aus dem Jazz. Bei seiner Premiere wurde es von Publikum und Kritikern gleichermaßen bejubelt und 1932 erstmalig aufgenommen. Heute zählt es zu den meistgespielten und -erforschten Stücken Ravels. Die Briefwechsel und Aussagen des Komponisten zu diesem Werk offenbaren, dass er zwar anfangs hoffte, es selbst spielen zu können, sich aber schließlich den technischen Anforderungen der Partitur geschlagen geben musste. Nach monatelangem Üben überließ er der Pianistin Marguerite Long die Uraufführung des Konzerts am 14. Januar 1932 im Pariser Salle Pleyel. Mehr als 85 Jahre später bietet diese Konzertaufzeichnung vom 7. April 2018 im Grand Théâtre de Provence dem jungen Pianovirtuosen Lucas Debargue, der beim namhaften Tschaikowsky-Wettbewerb 2015 in der Kategorie Klavier den vierten Platz erreichte, die Gelegenheit, seine technischen Fähigkeiten und seine spielerische Präzision unter Beweis zu stellen.

Daniel Barenboim kennt das Klavier-Oeuvre von Ludwig van Beethoven wie kaum ein Zweiter. All sein Wissen und seine Erfahrung mit den Sonaten, Klaviertrios und -quartetten fließen auch in die Gestaltung der Beethovenschen Klavierkonzerte ein. Das Fünfte hat im angelsächsischen Raum den Beinamen »The Emperor« (ebenso im sprachlichen Äquivalent in Italien und Frankreich). Viel wurde darüber spekuliert, wo diese Bezeichnung ihren Ursprung hat. Wollte Beethoven am Ende Kaiser Napoleon ein Denkmal setzen? Wohl kaum, die Bewunderung des Komponisten für den Feldherren war zur Zeit der Entstehung des 5. Klavierkonzerts 1808/09 lange erkaltet. Auch eine Verherrlichung des Krieges, die diesem Werk mehrfach angedichtet wurde, kann ausgeschlossen werden. Briefe des kriegsmüden Beethoven, in der er seine Klage über die marodierenden Truppen zum Ausdruck bringt, sind der Gegenbeweis. Vielmehr liegt der Grund für den nicht zeitgenössischen Zusatz »Emperor« wohl in der Widmung: »Dédié à Son Altesse Imperiale Roudolphe Archi-Duc d’Autriche«. Die kaiserliche Hoheit Erzherzog Rudolph war Schüler und Gönner Beethovens, dem dieser eine ganze Reihe seiner Schöpfungen zueignete. Die verheerenden Eindrücke des Krieges können eine empfindsame Künstlernatur aber nicht ganz unberührt gelassen haben, weswegen durchaus zeithistorische Anklänge im 5. Klavierkonzert durscheinen. Wie sehr man sie betont oder nicht betont ist individuelle Entscheidung des jeweiligen Künstlers. Und zwar keine leichte. Denn, wie Barenboim klarstellt: »Mit Beethoven muss man ringen.«

Noch im Sommer 1941 genießt die 17-jährige Olga Kvade ihre von Musik und Theater geprägte Jugend im traumhaft schönen Leningrad. Doch schon wenige Wochen später steht die deutsche Wehrmacht, unter ihnen Unteroffizier Buff, vor den Toren der Stadt und schließt den Blockadering. Während der folgenden, 872 Tage andauernden Blockade Leningrads werden mehr als eine Million Zivilisten den Tod finden. Mit der Strategie des Aushungerns begeht die deutsche Wehrmacht auf Befehl Adolf Hitlers eines der größten Kriegsverbrechen des Zweiten Weltkriegs.

Eine Quelle des Lebens in diesen schweren Tagen ist das Radio und die Musik von Karl Eliasberg und seines Rundfunkorchesters. Unermüdlich kämpft er mit den Mitteln der Kunst gegen die Grausamkeit des Krieges an. Gerade als Eliasberg verzweifelt aufhören will, bekommt er den Auftrag seines Lebens. Er soll die 7. Symphonie von Dimitri Schostakowitsch aufführen. Als Zeichen des Widerstands soll das Werk den Deutschen und der Welt zeigen, dass Leningrad lebt. Der deutsche Unteroffizier Wolfgang Buff verzweifelt in dieser Zeit zunehmend an der Grausamkeit der Ostfront.

Die Stadt verwandelt sich in eine Hölle aus Hunger, Kälte und Tod. Als endlich die vollständige Partitur von einem tollkühnen Flieger in die Stadt gebracht wird, gelingt Eliasberg und dem Orchester das schier Unmögliche: Für einen kurzen Moment hält im Sommer 1942 der Krieg inne, und die Klänge der »Leningrader Symphonie« bahnen sich ihren Weg durch die Stadt bis hin zu den Stellungen der Deutschen.

Eindrückliche Interviews mit Zeitzeugen, einzigartige Archivaufnahmen aus dem besetzten Leningrad und aufwändig produzierte Spielszenen zeichnen die erschütternde Geschichte einer der berühmtesten Symphonien des vorigen Jahrhunderts. Die Belagerung Leningrads war eines der größten Kriegsverbrechen des Zweiten Weltkriegs und zugleich eine große Propagandaschlacht dieser Zeit: Die Aufführung der »Leningrad Symphonie« gilt in Russland bis heute als ein Wendepunkt des Krieges. »Das Wunder von Leningrad« schildert als packendes Doku-Drama diese Tragödie aus der Perspektive der Belagerten und der Belagerer und zeigt den grausamen Alltag einer Stadt, die dem Tode geweiht scheint. Neben den Interviews mit Zeitzeugen wie Olga Kvade und Joachim Buff, dem Bruder des Wehrmachtssoldaten Wolfgang Buff, wird der Film wissenschaftlich untermauert durch Experteninterviews mit dem Historiker Prof. Dr. Sönke Neitzel und der britischen Journalistin und Schriftstellerin Anna Reid.

Daniel Hope, Musikdirektor des renommierten Zürcher Kammerorchesters und einer der gefragtesten Violinisten der Gegenwart, wurde 1973 in Südafrika geboren. Als regimekritischer Schriftsteller bekam sein Vater hier die Härte des Apartheidsystems zu spüren: Die Familie wurde beschattet, Telefone wurden abgehört, Briefe konfisziert. 1975 wanderten Eleanor und Christopher Hope mit ihren beiden Söhnen deshalb nach London aus. Ihre deutsch-irischen Wurzeln ermöglichten das Exil, doch die erste Zeit blieb ohne Perspektive – bis Eleanor eine Anstellung als Sekretärin bei Yehudi Menuhin fand, dem berühmtesten Geiger des 20. Jahrhunderts.
Als Sprössling begleitete Daniel Hope seine Mutter täglich bei der Arbeit, und so wurde die Villa der Menuhins schnell ein zweites Zuhause für ihn. Alle Größen der klassischen Musik gingen in diesen Jahren bei Menuhin ein und aus, und für Daniel war es der Beginn seiner Faszination für die Geige. Später nahm Yehudi Menuhin Daniel Hope in seine Musikakademie auf.
Auch die Begegnung mit dem Pianisten Menahem Pressler wurde für Daniel Hope prägend. Dieser bot dem jungen Geiger 2002 einen Platz in seinem Beaux Arts Trio an, dem weltweit renommierten Kammermusik-Ensemble. Als sich das Trio 2008 trennte, wagte Daniel Hope den Schritt zur Solo-Karriere.
Die Dokumentation zeigt, wie er unermüdlich im Einsatz ist, nicht nur als Musiker, sondern auch beim Erforschen der Geschichte seiner weit verzweigten Vorfahren. Neben Daniel Hope selbst kommen auch seine Eltern und Wegbegleiter wie etwa sein Lehrer Zakhar Bron sowie Menahem Pressler zu Wort.

Das Jahr 2018 war für das Gewandhausorchester Leipzig in zweierlei Hinsicht bedeutungsvoll: Nicht nur feierte das geschichtsträchtige Orchester sein 275-jähriges Bestehen, es empfing im März auch offiziell seinen neuen Kapellmeister – den lettischen Stardirigenten Andris Nelsons, der bereits seit der Spielzeit 2016/2017 mit dem Ensemble zusammenarbeitet. Seinen Amtsantritt beging Nelsons unter anderem mit einem Anton-Bruckner-Zyklus. ARTE zeigt die 7. Sinfonie in E-Dur des österreichischen Romantikers, die im März 2018 beim Festkonzert im Großen Saal des Gewandhauses aufgezeichnet wurde.

Musikalischer Streifzug durch das deutsch-französische Operetten-Repertoire: Am 8. Juni 2017 wurde in der Philharmonie de Paris ein besonderes Konzertprogramm geboten: Nach dem Vorbild der berühmten Londoner Proms stellte der Dirigent Thomas Hengelbrock ein unterhaltsames Programm zusammen, das einen leichten Zugang zur klassischen Werken bietet. Gemeinsam mit zwei wunderbaren Solisten – der Sopranistin Annette Dasch und dem Tenor Cyrille Dubois – spielt das Orchestre de Paris die beliebtesten Walzer aus berühmten Operetten. Der Zuschauerraum der Philharmonie verwandelte sich in einen Ballsaal, als Thomas Hengelbrock das Publikum mit Klängen von Strauss-Walzern vor die Bühne lockte und zum Tanzen animierte. Anschließend traten die beiden Sänger abwechselnd auf die Bühne und gaben mal solo, mal im Duett Operettenlieder von Franz Lehár, Emmerich Kálmán und Jacques Offenbach zum Besten.

Das Musikmagazin

Zum fünften Mal ist Sir Simon Rattle Gast beim Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks und erarbeitet in dieser Spielzeit Mahlers »Lied von der Erde“.
Die Mahler-Aufführungspraxis des Orchesters begleitet Rattle schon seit Jugendtagen. In Liverpool erlebte der Chefdirigent der Berliner Philharmoniker als junger Zuhörer beinahe alle Mahler-Interpretationen des BR Symphonieorchesters live unter der Leitung von Rafael Kubelik. Diese Art des Musizierens sei prägend und unvergesslich für ihn gewesen, so Rattle.
Für die erste Mahler-Zusammenarbeit zwischen Dirigent und Orchester steht das monumentale Werk »Das Lied von der Erde“ auf dem Programm. Die Symphonie für eine Tenor- und eine Alt- (oder Bariton-) Stimme und großes Orchester beschwört in sechs Sätzen vom »Trinklied vom Jammer der Erde“ bis zum »Abschied“ die Schönheit und Zerrissenheit des Kosmos des menschlichen Lebens in vielfältigsten Farben.
In den beiden Gesangspartien sind die tschechische Mezzosopranistin Magdalena Kožená und der australische Tenor Stuart Skelton zu erleben.

Das Jahr 2018 war für das Gewandhausorchester Leipzig in zweierlei Hinsicht bedeutungsvoll: Nicht nur feierte das geschichtsträchtige Orchester sein 275-jähriges Bestehen, es empfing im März auch offiziell seinen neuen Kapellmeister – den lettischen Stardirigenten Andris Nelsons, der bereits seit der Spielzeit 2016/2017 mit dem Ensemble zusammenarbeitet. Seinen Amtsantritt beging Nelsons unter anderem mit einem Anton-Bruckner-Zyklus. ARTE zeigt die 7. Sinfonie in E-Dur des österreichischen Romantikers, die im März 2018 beim Festkonzert im Großen Saal des Gewandhauses aufgezeichnet wurde.

Shanghai Symphony Orchestra, Long Yu
Mari Samuelsen (Violine)

Die geheimnisvolle Atmosphäre der Verbotenen Stadt in Peking, in der einst die chinesischen Kaiser lebten, ist die perfekte Kulisse für ein Konzertevent der Extraklasse: das berühmte 2. Klavierkonzert von Sergej Rachmaninow. Die Uraufführung von Rachmaninows Klavierkonzert Nr. 2 in c-Moll 1901 in Moskau war ein durchschlagender Erfolg. Trotz seines melancholischen Grundtons ist das Konzert äußerst publikumswirksam und verlangt vom Interpreten ein Äußerstes an Virtuosität. Solist in Peking ist der überragende junge russische Pianist Daniil Trifonov. Das Stück wurde im Rahmen der Jubiläumsfeier des Schallplattenlabels Deutsche Grammophon auf die Bühne gebracht.

Für den Auftakt der Geburtstagssaison der Pariser Oper könnte es keine bessere Wahl als »Les Troyens« von Hector Berlioz geben: 1990 wurde die an Vergils »Aeneis« angelehnte Tragédie Lyrique bereits zur Einweihung der Opéra Bastille aufgeführt. 30 Jahre später inszeniert nun Dmitri Tcherniakov dieses Meisterwerk der französischen Oper. Die musikalische Leitung übernimmt an diesem Abend Philippe Jordan. Für die Hauptrollen konnten die lettische Mezzosopranistin Elina Garanca, der amerikanischen Tenor Brandon Jovanovich sowie die Mezzosopranistin Stéphanie d’Oustrac und Bariton Stéphane Degout aus Frankreich gewonnen werden.

Daniel Hope, Musikdirektor des renommierten Zürcher Kammerorchesters und einer der gefragtesten Violinisten der Gegenwart, wurde 1973 in Südafrika geboren. Als regimekritischer Schriftsteller bekam sein Vater hier die Härte des Apartheidsystems zu spüren: Die Familie wurde beschattet, Telefone wurden abgehört, Briefe konfisziert. 1975 wanderten Eleanor und Christopher Hope mit ihren beiden Söhnen deshalb nach London aus. Ihre deutsch-irischen Wurzeln ermöglichten das Exil, doch die erste Zeit blieb ohne Perspektive – bis Eleanor eine Anstellung als Sekretärin bei Yehudi Menuhin fand, dem berühmtesten Geiger des 20. Jahrhunderts.
Als Sprössling begleitete Daniel Hope seine Mutter täglich bei der Arbeit, und so wurde die Villa der Menuhins schnell ein zweites Zuhause für ihn. Alle Größen der klassischen Musik gingen in diesen Jahren bei Menuhin ein und aus, und für Daniel war es der Beginn seiner Faszination für die Geige. Später nahm Yehudi Menuhin Daniel Hope in seine Musikakademie auf.
Auch die Begegnung mit dem Pianisten Menahem Pressler wurde für Daniel Hope prägend. Dieser bot dem jungen Geiger 2002 einen Platz in seinem Beaux Arts Trio an, dem weltweit renommierten Kammermusik-Ensemble. Als sich das Trio 2008 trennte, wagte Daniel Hope den Schritt zur Solo-Karriere.
Die Dokumentation zeigt, wie er unermüdlich im Einsatz ist, nicht nur als Musiker, sondern auch beim Erforschen der Geschichte seiner weit verzweigten Vorfahren. Neben Daniel Hope selbst kommen auch seine Eltern und Wegbegleiter wie etwa sein Lehrer Zakhar Bron sowie Menahem Pressler zu Wort.

Nach seiner internationalen Karriere als Pianist etablierte sich Christoph Eschenbach zu einem der bekanntesten Dirigenten weltweit. Sein Konzertkalender ist prall gefüllt. Die Schauplätze seines Wirkens sind nach wie vor die allerersten Adressen weltweit.
Jung hält ihn nicht nur seine Neugier, sondern sein unermüdlicher Einsatz für junge Musiker. Als Mentor und Ratgeber hat er vielen heutigen Stars der klassischen Musikszene zur Seite gestanden und ihnen so zum Durchbruch verholfen.
Das Gastspiel der Sopranistin Michaela Kaune ist daher kein Zufall, hat Eschenbach doch auch ihre Karriere maßgeblich begleitet und gefördert. Das hochkarätig besetzte Konzert zu Ehren des Meisters spielt Tschaikowsky: Briefszene der Tatjana aus »Eugen Onegin« und Richard Strauss: Rosenkavalier-Suite.

Das Lübecker Cello Ensemble spielt Peter Tschaikowsky: Andante aus »Quartett für zwei Violinen, Viola und Klarinette, D-Dur, op. 11 für fünf Celli«.
Das Joachim Quartett spielt Ludwig van Beethoven: Streichquartett op. 59, 4. Satz.

Symphonie Nr.5 e-Moll op. 64
Der Nußknacker op.71: Pas de Deux (Intrada)
SWR Symphonieorchester Konzert vom 14.12.2018
Dirigent: Teodor Currentzis
Tschaikowsky versieht seine drei letzten Sinfonien mit persönlichen Kommentaren, psychologische Programme. Wie bereits bei der 4. stellt er auch seiner 5. Sinfonie ein tönendes Signum des Schicksals voran, das alle vier Sätze durchzieht. Gleich zu Beginn intonieren die Klarinetten das fahle Schicksalsmotiv, das in immer neuen Gestalten daran erinnert, dass die Geschicke des Individuums im Buch des Lebens und des Todes längst festgeschrieben sind. Ein unausweichliches Schicksal, vor dem es kein Entrinnen gibt. Und wenn der Komponist im Finale nicht von der Stelle kommt, was Kritiker ihm gelegentlich ankreiden, dann ist das kein Unvermögen, sondern der kongeniale Ausdruck dieses fatalistischen Gefangenseins, von dem diese Sinfonie erzählt.

Das Musikmagazin

Ein melancholisches Cellosolo steht am Anfang von Gioachino Rossinis Ouvertüre zur Oper »Guillaume Tell«. Danach: Sturm über dem Vierwaldstättersee, Kampf gegen die Elemente, Wilhelm Tell entkommt seinen Entführern. Schließlich eröffnen Bläserfanfaren den letzten Abschnitt: ein galoppierender Ohrwurm, bei dem das Orchester seiner Virtuosität und Spielfreude unter Beweis stellt.

Die Folle Journée de Nantes steht dieses Jahr ganz im Zeichen des Themas Reisen. Beim Abschlusskonzert, das am Sonntag, dem 3. Februar 2019, live auf ARTE übertragen wird, kommen unter anderem berühmte Werke von Grieg, Saint-Saëns, Glasunow, de Sarasate, Bellini und Puccini zur Aufführung. Zu den herausragenden Interpreten zählen die Geigerin Diana Tishchenko, die Cellistin Anastasia Kobekina, die Pianistin Alice Sara Ott, die Sopranistin Raquel Camarinha und das Tatarische Nationalorchester unter der Leitung von Alexander Sladkovsky

Irgendwann ist es vorbei. Aber keiner will sich den Tag vorstellen, an dem es wirklich soweit ist, den Tag, an dem sie zum letzten Mal in der Garderobe ihre Muskeln wärmen, in den Kulissen stehen, gemeinsam warten, den Einsatz der Musik hören, und endlich auf die Bühne federn: zum allerletzten Mal.
Sie haben meist schon als kleine Kinder mit dem Tanzen begonnen und alles ihrer Leidenschaft geopfert. Wer professioneller Balletttänzer werden will, darf an nichts Anderes denken, ein ganzes Berufsleben lang. Nur ist dieses Berufsleben äußerst kurz. Für viele ist mit Ende Zwanzig die Karriere schon wieder vorbei.
Der Film begleitet den holländischen Tänzer Jaimy van Overeem an seinem letzten Abend auf die Bühne der Wiener Staatsoper, zeigt hautnah, wie er seinen Abschied vom Tanzen erlebt: Einen berührenden, höchst emotionalen Moment, denn kein Tänzer sieht dem Leben abseits der Bühne kühl und rational entgegen.
In München und Wien begegnet ein Filmteam Tänzerinnen und Tänzer, die den Wechsel in ein neues Leben, die Transition, schon bewältigt haben: eine Investmentberaterin, einen Physiotherapeuten, eine Kostümdesignerin, einen Tanzschulenleiter. Das Ballett hat sie stark gemacht – für eine neue Rolle.
Und es zeigt sich, dass das Thema dieses Films ein sehr existenzielles, ja universelles ist – die Liebe zum Beruf, die Opfer, die man dafür erbringen muss, und dann der Punkt, an dem alles zu Ende zu sein scheint, man sich neu erfinden muss: die große Wende im Leben.

Alte Archivfilme heute gesehen: Die Ballettschule

Das Musikmagazin

Das von Hans Werner Henze komponierte Oratorium »Das Floß der Medusa« basiert auf einer historischen Tragödie aus dem Jahr 1816, die schon Théodore Géricault zu seinem berühmten Gemälde »Le radeau de la méduse« inspirierte. Henze vertonte das Schicksal der 150 Schiffbrüchigen in einem radikalen Werk, das zwischen Hoffnung und Resignation, Dahinsiechen und aufbäumendem Lebenswillen schwankt.

Regie: Julien Condemine
Dirigent: Ingo Metzmacher, Ching-Lien Wu
Inszenierung: Romeo Castellucci
Mitwirkende:
Netherlands Philharmonic Orchestra, Nieuw Amsterdams Kinderkoor, Cappella Amsterdam, Chorus of Dutch National Opera, Hans Werner Henze

Das Symphonieorchester des BR führte im November 2018 mit dem Solisten Leonidas Kavakos das Violinkonzert Nr. 1 a-Moll, op. 77 von Dmitri Schostakowitsch im Münchner Gasteig auf.

In diesem Werk werden die politischen Umstände, unter denen Dmitri Schostakowitsch das Werk geschrieben hat, hörbar. Kaum ein Komponist oder Künstler kann sich den aktuellen gesellschaftlichen Lebens- und Arbeitsbedingungen entziehen, doch bei Schostakowitsch wurde das Werk geradezu zum Spiegel der sowjetischen Ära.

Das von Hans Werner Henze komponierte Oratorium »Das Floß der Medusa« basiert auf einer historischen Tragödie aus dem Jahr 1816, die schon Théodore Géricault zu seinem berühmten Gemälde »Le radeau de la méduse« inspirierte. Henze vertonte das Schicksal der 150 Schiffbrüchigen in einem radikalen Werk, das zwischen Hoffnung und Resignation, Dahinsiechen und aufbäumendem Lebenswillen schwankt.

Regie: Julien Condemine
Dirigent: Ingo Metzmacher, Ching-Lien Wu
Inszenierung: Romeo Castellucci
Mitwirkende:
Netherlands Philharmonic Orchestra, Nieuw Amsterdams Kinderkoor, Cappella Amsterdam, Chorus of Dutch National Opera, Hans Werner Henze

Australien 2009
China, Anfang der 1970er Jahre. Der elfjährige Bauernsohn Li wird von Regierungsvertretern dazu ausgewählt, eine Ballettausbildung im fernen Peking anzutreten. Obwohl der Junge zunächst wenig Interesse zeigt, entwickelt er sich im Lauf der Jahre zu einem der bekanntesten Tänzer seines Jahrgangs. Ein Aufenthalt in Amerika verändert schließlich sein Leben: Li beschließt, nicht in seine Heimat zurückzukehren. Doch für seine künstlerische und private Freiheit muss er einen hohen Preis zahlen.

Christoph von Dohnányi dirigierte am 6. und 7. Mai 2007 in der Hamburger Laeiszhalle die vier Sinfonien von Johannes Brahms. Ergänzt werden die Konzertaufzeichnungen durch persönliche Anmerkungen Christoph von Dohnányis zu seiner Arbeit. Es spielt das NDR Sinfonieorchester (heute: NDR Elbphilharmonie Orchester).

Es ist beim Chor des Bayerischen Rundfunks zur Tradition geworden, regelmäßig wichtige Werke Georg Friedrich Händels in der eigenen Konzertreihe in Kooperation mit Originalklang-Ensembles zu präsentieren. Nach Werken wie Belshazzar, Alexanders Feast, dem Utrechter Te Deum oder Messiah stand in diesem Konzert mit Occasional Oratorio ein großes abendfüllendes Werk auf dem Programm.
Howard Arman ist ein ausgewiesener Händel-Experte. Er wurde unter anderem mit dem Händel-Preis der Stadt Halle für seine Verdienste um Händels Werk geehrt.
Mit Julia Doyle, Ben Johnson und Peter Harvey steht dem Chor des BR ein exzellentes englisches Solistenensemble zur Seite. Die Akademie für Alte Musik Berlin zählt zu den international herausragenden Spezial-Ensembles für historische Aufführungspraxis.

Der arbeitslose Komponist Clément Mathieu erhält 1949 eine Anstellung als Aufseher in einem französischen Internat für schwer erziehbare Jungen. Dessen Direktor, ein unfähiger Pädagoge, der sich zu Höherem berufen fühlt, traktiert seine Schüler nur mit Prügel und Arrest. Gegen den Widerstand des Direktors gründet Mathieu einen Chor und gewinnt bei den regelmäßigen Proben allmählich das Vertrauen seiner widerspenstigen Schützlinge. Die Kraft der Musik, die Mathieu nachts komponiert, erreicht die Herzen der verstockten Schüler, deren Lerneifer und Disziplin sich merklich bessern. Allein der Direktor ist von dieser Entwicklung, die seine rückständigen Methoden infrage stellen, nicht begeistert.
Arthur Cohn und Jacques Perrin zeichneten für die Produktion des brillant inszenierten Musikfilms »Die Kinder des Monsieur Mathieu« verantwortlich. Die Hauptrolle spielte Gérard Jugnot.

Sergej Rachmaninow verbrachte nur eine kurze, jedoch prägende Zeit seines Lebens in Dresden: Als er im November 1906 in seine sächsische Residenz kommt, hatte er auf dem internationalen Parkett gerade mit seinem Klavierkonzert Nr. 2 für Aufsehen gesorgt. In Russland jedoch ist sein Stern dabei zu sinken. Er leidet unter der Häme der Kritiker und stürzt in eine tiefe Lebenskrise. Im beschaulichen Dresden kommt der Komponist und Virtuose zur Ruhe, sucht in anfänglicher Zurückgezogenheit Kraft. »Dresden gefällt mir sehr: sehr sauber, sympathisch und viel Grün. […] Wir leben hier wie Einsiedler: Wir sehen keinen und kennen niemanden. Ich arbeite sehr viel und wie gewöhnlich gelingt mir alles sehr schwer«, schreibt er kurz nach seiner Ankunft 1906 an einen Freund in der Heimat. Doch die Schreibblockade ist überwunden. Zahlreiche neue Werke entstehen, darunter die 2. Symphonie e-Moll op. 27, die 1. Klaviersonate d-Moll op. 28 sowie die symphonische Dichtung »Die Toteninsel« op. 29 nach einem Gemälde Arnold Böcklins.
Beim Dirigenten Antonio Pappano ist Rachmaninows Zweite in den besten Händen. In der Nähe von London als Sohn italienischer Eltern geboren und in Connecticut aufgewachsen, gilt Pappano als technisch vollendeter Handwerker, der auch abseits der Bühne für seine Arbeit brennt: Wie nur wenige beherrscht er es, auf der Klaviatur der Neuen Medien zu spielen. ARTE zeigt Pappanos Interpretation von Rachmaninows 2. Symphonie zusammen mit der Sächsischen Staatskapelle. Zwischen den Sätzen bringt Pappano dem Zuschauer im Gespräch an seinem Flügel Rachmaninows Komposition näher.

Nach seiner Gründung 1949 entwickelte sich das Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks rasch und beständig zu einem international hoch angesehenen Klangkörper. Erheblichen Anteil daran hatten stets seine fünf Chefdirigenten. Über die Jahrzehnte konnte jeder Einzelne das Orchester weiterentwickeln, klanglich prägen und künstlerisch zu neuen Ufern führen. Ein Geburtshelfer in den Jahren nach dem zweiten Weltkrieg war Eugen Jochum (Chef von 1949-1960). Er legte bei der Auswahl der Musiker von Beginn an besonderen Wert auf höchste Qualität. Bis heute unvergessen sind seine Bruckner-Interpretationen.

Das SWR Symphonieorchester spielt unter der Leitung von David Afkham »Lumière et Pesanteur« von Kaija Saariaho, das Violinkonzert Nr. 1 a-Moll von Dmitri Schostakowitsch und die Symphonie Nr. 2 D-Dur von Johannes Brahms. Solist an der Violine ist Renaud Capuçon. Der Echo-Klassik-Preisträger tritt regelmäßig als Solist in allen großen Konzertsälen auf, konzertiert aber auch mit seinem Bruder, dem Cellisten Gautier Capuçon, sowie Frank Braley in Kammermusikprojekten. Aufzeichnung eines Konzertes aus der Stuttgarter Liederhalle vom 17. Februar 2017.

Musikalischer Streifzug durch das deutsch-französische Operetten-Repertoire: Am 8. Juni 2017 wurde in der Philharmonie de Paris ein besonderes Konzertprogramm geboten: Nach dem Vorbild der berühmten Londoner Proms stellte der Dirigent Thomas Hengelbrock ein unterhaltsames Programm zusammen, das einen leichten Zugang zur klassischen Werken bietet. Gemeinsam mit zwei wunderbaren Solisten – der Sopranistin Annette Dasch und dem Tenor Cyrille Dubois – spielt das Orchestre de Paris die beliebtesten Walzer aus berühmten Operetten. Der Zuschauerraum der Philharmonie verwandelte sich in einen Ballsaal, als Thomas Hengelbrock das Publikum mit Klängen von Strauss-Walzern vor die Bühne lockte und zum Tanzen animierte. Anschließend traten die beiden Sänger abwechselnd auf die Bühne und gaben mal solo, mal im Duett Operettenlieder von Franz Lehár, Emmerich Kálmán und Jacques Offenbach zum Besten.

Das Musikmagazin

Daniel Hope, Musikdirektor des renommierten Zürcher Kammerorchesters und einer der gefragtesten Violinisten der Gegenwart, wurde 1973 in Südafrika geboren. Als regimekritischer Schriftsteller bekam sein Vater hier die Härte des Apartheidsystems zu spüren: Die Familie wurde beschattet, Telefone wurden abgehört, Briefe konfisziert. 1975 wanderten Eleanor und Christopher Hope mit ihren beiden Söhnen deshalb nach London aus. Ihre deutsch-irischen Wurzeln ermöglichten das Exil, doch die erste Zeit blieb ohne Perspektive – bis Eleanor eine Anstellung als Sekretärin bei Yehudi Menuhin fand, dem berühmtesten Geiger des 20. Jahrhunderts.
Als Sprössling begleitete Daniel Hope seine Mutter täglich bei der Arbeit, und so wurde die Villa der Menuhins schnell ein zweites Zuhause für ihn. Alle Größen der klassischen Musik gingen in diesen Jahren bei Menuhin ein und aus, und für Daniel war es der Beginn seiner Faszination für die Geige. Später nahm Yehudi Menuhin Daniel Hope in seine Musikakademie auf.
Auch die Begegnung mit dem Pianisten Menahem Pressler wurde für Daniel Hope prägend. Dieser bot dem jungen Geiger 2002 einen Platz in seinem Beaux Arts Trio an, dem weltweit renommierten Kammermusik-Ensemble. Als sich das Trio 2008 trennte, wagte Daniel Hope den Schritt zur Solo-Karriere.
Die Dokumentation zeigt, wie er unermüdlich im Einsatz ist, nicht nur als Musiker, sondern auch beim Erforschen der Geschichte seiner weit verzweigten Vorfahren. Neben Daniel Hope selbst kommen auch seine Eltern und Wegbegleiter wie etwa sein Lehrer Zakhar Bron sowie Menahem Pressler zu Wort.

Vor fünf Jahren beleuchtete die Dokumentationsreihe »Die Tanzschüler der Pariser Oper« den intensiven Arbeitsalltag der Ballettschüler im Pariser Palais Garnier. Nun kehrt die Regisseurin Françoise Marie dorthin zurück und besucht die ehemaligen Schüler in der begehrtesten Ballettkompanie Frankreichs. Was ist aus Alice, Antonio, Clémence, Pablo, Roxane und den anderen geworden? Die fünfteilige Fortsetzung der Doku-Serie erzählt von ihren Herausforderungen, Zweifeln und Hoffnungen als junge Erwachsene und wirft einen Blick zurück auf ihre Schulzeit.

Christoph von Dohnányi dirigierte am 6. und 7. Mai 2007 in der Hamburger Laeiszhalle die vier Sinfonien von Johannes Brahms. Ergänzt werden die Konzertaufzeichnungen durch persönliche Anmerkungen Christoph von Dohnányis zu seiner Arbeit. Es spielt das NDR Sinfonieorchester (heute: NDR Elbphilharmonie Orchester).

Große Ereignisse werfen ihre Schatten voraus: Offiziell wird Kirill Petrenko erst 2019 das Amt des Chefdirigenten bei den Berliner Philharmonikern antreten. 2018 jedoch feiern die »Berliner« beim Lucerne Festival in der Schweiz ihr 60-jähriges Bühnenjubiläum. Zu diesem Anlass schicken der charismatische Pultstar und das Ausnahmeorchester eine musikalische Kostprobe voraus. Solistin in diesem Konzert mit Dreifach-Starkult ist Yuja Wang, die durch technische Brillanz, eigenwillige Interpretationen und modische Kompromisslosigkeit seit Jahren die Klavierwelt in Atem hält.

Nicolas Baldeyrou (Klarinette), Eric Levionnois (Violoncello), Bertrand Chamayou (Klavier)

Im Februar 2018 führte das Orchestre Philharmonique de Radio France unter der Leitung von Mikko Franck zusammen mit hochkarätigen Solisten sämtliche Klavierkonzerte von Ludwig van Beethoven auf. Den krönenden Abschluss bildete das auch unter dem Titel »Emperor Concerto« bekannte Klavierkonzert Nr. 5 mit dem Pianisten Bertrand Chamayou, das ARTE nun ausstrahlt.
Beethoven selbst lehnte den Namen »Emperor Concerto« ab; er akzeptierte lediglich den Untertitel »Grand Concerto«. Der Grund ist verständlich: Beethoven schrieb das Werk praktisch im Kanonendonner, denn im Entstehungsjahr 1809 standen die napoleonischen Truppen vor den Toren Wiens. Der Komponist wählte eine für das Genre ungewöhnliche neue Form, in der sich Solist und Orchester ein virtuoses Wechselspiel liefern, das alle musikalischen Register von heroischen bis hin zu intimen, kammermusikalischen Momenten zieht.
Nach der explosiven Einleitung schlägt das Klavier gleich im ersten Satz sehr leise Töne an, während das Orchester beinahe martialisch auftritt. Nach diesem Klavier-Pianissimo mit massivem orchestralem Gegenpart fügen sich beide Stränge zu einem ausgeglichenen epischen Fluss. Das Klavier gewinnt an Stärke. In seinem Donnern entspricht sich ein stimmungsreicher Dialog zwischen Orchester und Instrumentalstimmen. Verspielte Motive wechseln jäh mit Kampfszenen, die wiederum einer versöhnlichen Stimmung weichen. Bertrand Chamayou überzeugt hier als einer der großen Pianisten der Gegenwart. Auch optisch ist das Konzert eine Augenweide. Vor allem die Nahaufnahmen machen die enge Verbindung von Interpreten und Werk nachvollziehbar.

Im Rahmen des Osterfestivals von Aix-en-Provence haben sich Dirigent Michail Pletnjow und sein angesehenes Russisches Nationalorchester mit dem aufsteigenden Stern am französischen Klavierhimmel Lucas Debargue zusammengetan, um das Klavierkonzert G-Dur von Maurice Ravel aufzuführen. Die Komposition für Klavier und Orchester in drei Sätzen entstand zwischen Sommer 1929 und November 1931 und ist das vorletzte vollendete Werk des Franzosen, der zwei Jahre später durch eine Erkrankung seine Fähigkeit, Musik zu schreiben, verlor. Das nach klassischem Vorbild komponierte und nach Auskunft Ravels von Mozart und Saint-Saëns inspirierte Klavierkonzert G-Dur verbindet Ironie, Poesie und Virtuosität. Mit dem zeitgleich entstandenen Klavierkonzert D-Dur für die linke Hand teilt es zahlreiche Anleihen aus dem Jazz. Bei seiner Premiere wurde es von Publikum und Kritikern gleichermaßen bejubelt und 1932 erstmalig aufgenommen. Heute zählt es zu den meistgespielten und -erforschten Stücken Ravels. Die Briefwechsel und Aussagen des Komponisten zu diesem Werk offenbaren, dass er zwar anfangs hoffte, es selbst spielen zu können, sich aber schließlich den technischen Anforderungen der Partitur geschlagen geben musste. Nach monatelangem Üben überließ er der Pianistin Marguerite Long die Uraufführung des Konzerts am 14. Januar 1932 im Pariser Salle Pleyel. Mehr als 85 Jahre später bietet diese Konzertaufzeichnung vom 7. April 2018 im Grand Théâtre de Provence dem jungen Pianovirtuosen Lucas Debargue, der beim namhaften Tschaikowsky-Wettbewerb 2015 in der Kategorie Klavier den vierten Platz erreichte, die Gelegenheit, seine technischen Fähigkeiten und seine spielerische Präzision unter Beweis zu stellen.

Sergej Rachmaninow verbrachte nur eine kurze, jedoch prägende Zeit seines Lebens in Dresden: Als er im November 1906 in seine sächsische Residenz kommt, hatte er auf dem internationalen Parkett gerade mit seinem Klavierkonzert Nr. 2 für Aufsehen gesorgt. In Russland jedoch ist sein Stern dabei zu sinken. Er leidet unter der Häme der Kritiker und stürzt in eine tiefe Lebenskrise. Im beschaulichen Dresden kommt der Komponist und Virtuose zur Ruhe, sucht in anfänglicher Zurückgezogenheit Kraft. »Dresden gefällt mir sehr: sehr sauber, sympathisch und viel Grün. […] Wir leben hier wie Einsiedler: Wir sehen keinen und kennen niemanden. Ich arbeite sehr viel und wie gewöhnlich gelingt mir alles sehr schwer«, schreibt er kurz nach seiner Ankunft 1906 an einen Freund in der Heimat. Doch die Schreibblockade ist überwunden. Zahlreiche neue Werke entstehen, darunter die 2. Symphonie e-Moll op. 27, die 1. Klaviersonate d-Moll op. 28 sowie die symphonische Dichtung »Die Toteninsel« op. 29 nach einem Gemälde Arnold Böcklins.
Beim Dirigenten Antonio Pappano ist Rachmaninows Zweite in den besten Händen. In der Nähe von London als Sohn italienischer Eltern geboren und in Connecticut aufgewachsen, gilt Pappano als technisch vollendeter Handwerker, der auch abseits der Bühne für seine Arbeit brennt: Wie nur wenige beherrscht er es, auf der Klaviatur der Neuen Medien zu spielen. ARTE zeigt Pappanos Interpretation von Rachmaninows 2. Symphonie zusammen mit der Sächsischen Staatskapelle. Zwischen den Sätzen bringt Pappano dem Zuschauer im Gespräch an seinem Flügel Rachmaninows Komposition näher.

Das von Hans Werner Henze komponierte Oratorium »Das Floß der Medusa« basiert auf einer historischen Tragödie aus dem Jahr 1816, die schon Théodore Géricault zu seinem berühmten Gemälde »Le radeau de la méduse« inspirierte. Henze vertonte das Schicksal der 150 Schiffbrüchigen in einem radikalen Werk, das zwischen Hoffnung und Resignation, Dahinsiechen und aufbäumendem Lebenswillen schwankt.

Regie: Julien Condemine
Dirigent: Ingo Metzmacher, Ching-Lien Wu
Inszenierung: Romeo Castellucci
Mitwirkende:
Netherlands Philharmonic Orchestra, Nieuw Amsterdams Kinderkoor, Cappella Amsterdam, Chorus of Dutch National Opera, Hans Werner Henze

Große Ereignisse werfen ihre Schatten voraus: Offiziell wird Kirill Petrenko erst 2019 das Amt des Chefdirigenten bei den Berliner Philharmonikern antreten. 2018 jedoch feiern die »Berliner« beim Lucerne Festival in der Schweiz ihr 60-jähriges Bühnenjubiläum. Zu diesem Anlass schicken der charismatische Pultstar und das Ausnahmeorchester eine musikalische Kostprobe voraus. Solistin in diesem Konzert mit Dreifach-Starkult ist Yuja Wang, die durch technische Brillanz, eigenwillige Interpretationen und modische Kompromisslosigkeit seit Jahren die Klavierwelt in Atem hält.

Kammerorchester Basel, Giovanni Antonini
Sabine Meyer (Klarinette)

Sabine Meyer hat als führende Klarinettistin unserer Zeit den Triumphzug ihres Instruments erst möglich gemacht. Mozarts legendäres Klarinettenkonzerts war ihr dabei ein treuer Begleiter. Rund um das Konzert in der Hamburger Laeiszhalle mit dem Kammerorchester Basel unter der Leitung von Giovanni Antonini wird erfahrbar, was es bedeutet, ein so oft gespieltes Stück immer wieder neu zu erfinden, welche speziellen Herausforderungen das Instrument in sich trägt und wie es Sabine Meyer gelang, ihren ganz eigenen Ton zu finden.

Sergej Rachmaninow verbrachte nur eine kurze, jedoch prägende Zeit seines Lebens in Dresden: Als er im November 1906 in seine sächsische Residenz kommt, hatte er auf dem internationalen Parkett gerade mit seinem Klavierkonzert Nr. 2 für Aufsehen gesorgt. In Russland jedoch ist sein Stern dabei zu sinken. Er leidet unter der Häme der Kritiker und stürzt in eine tiefe Lebenskrise. Im beschaulichen Dresden kommt der Komponist und Virtuose zur Ruhe, sucht in anfänglicher Zurückgezogenheit Kraft. »Dresden gefällt mir sehr: sehr sauber, sympathisch und viel Grün. […] Wir leben hier wie Einsiedler: Wir sehen keinen und kennen niemanden. Ich arbeite sehr viel und wie gewöhnlich gelingt mir alles sehr schwer«, schreibt er kurz nach seiner Ankunft 1906 an einen Freund in der Heimat. Doch die Schreibblockade ist überwunden. Zahlreiche neue Werke entstehen, darunter die 2. Symphonie e-Moll op. 27, die 1. Klaviersonate d-Moll op. 28 sowie die symphonische Dichtung »Die Toteninsel« op. 29 nach einem Gemälde Arnold Böcklins.
Beim Dirigenten Antonio Pappano ist Rachmaninows Zweite in den besten Händen. In der Nähe von London als Sohn italienischer Eltern geboren und in Connecticut aufgewachsen, gilt Pappano als technisch vollendeter Handwerker, der auch abseits der Bühne für seine Arbeit brennt: Wie nur wenige beherrscht er es, auf der Klaviatur der Neuen Medien zu spielen. ARTE zeigt Pappanos Interpretation von Rachmaninows 2. Symphonie zusammen mit der Sächsischen Staatskapelle. Zwischen den Sätzen bringt Pappano dem Zuschauer im Gespräch an seinem Flügel Rachmaninows Komposition näher.

Kammerorchester Basel, Giovanni Antonini
Sabine Meyer (Klarinette)

Sabine Meyer hat als führende Klarinettistin unserer Zeit den Triumphzug ihres Instruments erst möglich gemacht. Mozarts legendäres Klarinettenkonzerts war ihr dabei ein treuer Begleiter. Rund um das Konzert in der Hamburger Laeiszhalle mit dem Kammerorchester Basel unter der Leitung von Giovanni Antonini wird erfahrbar, was es bedeutet, ein so oft gespieltes Stück immer wieder neu zu erfinden, welche speziellen Herausforderungen das Instrument in sich trägt und wie es Sabine Meyer gelang, ihren ganz eigenen Ton zu finden.