Klassische Musik im TV

Regelmäßig gastiert Daniel Harding beim Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks. Dabei überrascht der britische Dirigent nicht selten mit ungewöhnlichen Programmen – so auch im Juni 2019, als er vier Instrumentalsätze aus der Vokalsymphonie »Roméo et Juliette« aufführte. In diesen vier Stücken zeichnet der Shakespeare-Enthusiast Berlioz die tragische Liebesgeschichte in ihren Grundzügen nach. Am Anfang des Abends stand die Suite aus Béla Bartóks atemberaubender Ballett-Pantomime »Der wunderbare Mandarin«. Nicht nur wegen der aufpeitschenden, rhythmisch getriebenen Musik, sondern auch wegen des brutalen Sujets, das um Prostitution, Raub und Mord im Großstadtmilieu kreist, provozierte Bartóks erotische Raserei bei ihrer Kölner Uraufführung 1926 einen handfesten Skandal.

Spricht man über Zubin Mehta, so ist seine überragende Leistung im klassischen Konzert und in der Oper nur ein Thema – das andere ist sein Engagement für eine bessere Welt. Immer wieder hat er politische Zeichen gesetzt, so als er 1967 im Sechstagekrieg nach Israel eilte und das in Gasmasken spielende Israel Philharmonic Orchestra dirigierte. Oder als er mit dem Bayerischen Staatsorchester in die Krisenregion Kaschmir reiste, als Versöhnungsappell an Indien und Pakistan. Dieses Verantwortungsbewusstsein teilt er mit Daniel Barenboim. Beide verbindet eine lebenslange Freundschaft.
Die Dokumentation begleitet Zubin Mehta an Orte, die eng mit seinem Leben verbunden sind, Mumbai, Israel, Berlin und Florenz – und wirft einen Blick zurück auf eine große Karriere zwischen Europa und Nordamerika. Einer weiten Öffentlichkeit bekannt wurde Zubin Mehta 1990, als er anlässlich der Fußball-Weltmeisterschaft in Italien das erste Konzert der drei Tenöre Carreras, Domingo und Pavarotti dirigierte. Sein Gespür für publikumswirksame Großereignisse führte zu der Idee, Operndramen wie »Tosca« oder »Turandot« live an den Orten ihrer Handlung zu verfilmen – in Rom und Peking. Damit schrieb er Fernsehgeschichte.
Zubin Mehta, 1936 in Indien geboren, ist besonders mit dem deutschsprachigen Raum verbunden: 1961 dirigierte er als damals jüngster Dirigent die Berliner Philharmoniker, ist Ehrendirigent des Bayerischen Staatsorchesters sowie der Münchner und der Wiener Philharmoniker.

Anne-Sophie Mutter und Herbert von Karajan machen ihre vielleicht bedeutendste Aufnahme – und keiner bekommt es mit? Zweimal nehmen die beiden Beethovens Violinkonzert auf, beim zweiten Mal nur für die Filmkameras. Der Mitschnitt wird erst nach Karajans Tod veröffentlicht – weitgehend unbemerkt. Anne-Sophie Mutter, Musiker der Berliner Philharmoniker und Stars von heute kommentieren diese Sternstunde der Musik.
In der legendären Zusammenarbeit zwischen Herbert von Karajan und Anne-Sophie Mutter nimmt das Violinkonzert von Beethoven eine Sonderstellung ein. Mit keinem Werk traten die beiden häufiger gemeinsam auf als mit diesem berühmtesten aller Violinkonzerte. 16 Jahre alt war die junge Geigerin bei ihrem Beethoven-Debüt unter Karajan – und 20 beim letzten Durchlauf. Beide Male war kein Publikum im Saal. Während sich das aufsehenerregende Debüt auf Schallplatte in aller Welt verbreitete, blieb die filmisch dokumentierte letzte Aufführung bis über Karajans Tod hinaus unveröffentlicht und anschließend auf Video Disc weitestgehend unbeachtet. Dabei war das die eigentliche Sternstunde! Musiker von heute, darunter die Geigerin Lisa Batiashvili, sowie damals an der Aufnahme beteiligte Musiker der Berliner Philharmoniker und Anne-Sophie Mutter selbst schauen und hören sich das Konzert an. Sie kommentieren die Musik und das menschlich-künstlerische Verhältnis von Dirigent und Solistin, von Herbert von Karajan und Anne-Sophie Mutter. Auch heute, bald vier Jahrzehnte danach, ist Anne-Sophie Mutter mit dem Beethoven-Konzert auf den Konzertpodien der Welt unterwegs. Mit dem Zuschauer erlebt sie diese Sternstunde der Musik nach, deren Geheimnis in der einzigartigen Chemie zwischen dem Jahrhundertdirigenten und dem jungen Ausnahmetalent Anne-Sophie Mutter zu liegen scheint.

Rachmaninows zweite Sinfonie mit Antonio Pappano und der Sächsischen Staatskapelle Dresden

Es war nur eine kurze Zeit, die Sergej Rachmaninow in Dresden verbrachte. Als er im November 1906 in die sächsische Residenz kommt, hatte er auf dem internationalen Parkett gerade mit seinem Klavierkonzert Nr. 2 für Aufsehen gesorgt. In Russland jedoch ist sein Stern am Sinken. Er leidet unter der Häme der Kritiker und stürzt in eine tiefe Lebenskrise. Im beschaulichen Dresden kommt der Komponist und Virtuose zur Ruhe, sucht in anfänglicher Zurückgezogenheit Kraft.
«Wir leben hier still und bescheiden […] wir sehen keinen und kennen niemanden. Und auch selbst lassen wir uns nirgends sehen und wollen auch niemanden kennenlernen. Alle Russen, scheint es, leben jenseits der Grenze. Und die Familie fühlt sich wohl in der Stadt an der Elbe: Die Stadt selbst gefällt mir sehr: sehr sauber, sympathisch und viel Grün in den Gärten«, schreibt er kurz nach seiner Ankunft 1906 an einen Freund in der Heimat. Die Schreibblockade ist überwunden.
Zahlreiche neue Werke entstehen, darunter die 2. Sinfonie e-Moll op. 27, die 1. Klaviersonate d-Moll op. 28 sowie die sinfonische Dichtung »Die Toteninsel« op. 29 nach einem Gemälde Arnold Böcklins.
Bei Antonio Pappano ist Rachmaninows Zweite in den besten Händen. In London, als Sohn italienischer Eltern geboren und in Connecticut aufgewachsen, gilt Pappano als technisch vollendeter Handwerker, der auch abseits der Bühne für seine Arbeit brennt: Wie nur wenige beherrscht es Pappano, auf der Klaviatur der Neuen Medien zu spielen. Operneinführungen, Werbespots und Interviews, amüsant und lehrreich, geben davon Kunde.

Die neu gegründete Barenboim-Said Musikakademie in Berlin ist ein Experiment. Sie soll vor allem junge Musiker aus dem Nahen Osten zusammenbringen: Juden, Moslems und Christen. Daniel Barenboim wollte für sie einen geschützten Raum schaffen, einen Ort der Begegnung, fernab von Krieg und Krisenalltag. Die Dokumentation porträtiert die Hochschule, in der humanistische Ideale, Musik und Philosophie zu Hause sind.

Die Erzählung beginnt Anfang der 1970er Jahre. Der elfjährige Li (Huang Wen Bin), wächst in einem chinesischen Dorf in ärmlichen Verhältnissen auf. Der Besuch einer Delegation von Regierungsvertretern verändert eines Tages für immer sein Leben: Der Junge wird ausgewählt, eine jahrelange Ballettausbildung im fernen Peking anzutreten. Eine Wahl hat Li nicht, er wird von seinen Eltern (Joan Chen, Wang Shuang Bao) getrennt und muss sich in der Metropole dem strengen Regiment seiner Ausbilder beugen. Obwohl der Junge zunächst vor allem durch sein Desinteresse auffällt, erkennt man sein außerordentliches Talent.

Australien 2009

Der russische Pianist Daniil Trifonov (geboren 1991) hat seine herausragende musikalische Begabung bereits vielfach unter Beweis gestellt. Schon mit 20 Jahren hat er sowohl den Rubinstein-Wettbewerb als auch den legendären Tschaikowsky-Wettbewerb in einem Jahr gewonnen. Kritiker und berühmte Musikerkollegen sind sich einig, dass der junge Pianist ein Ausnahmetalent ist: brillante Technik, gefühlvoller Anschlag, vielfältiger und farbenreicher musikalischer Ausdruck.
Der Regisseur Christopher Nupen hat mit seinem Film, der bereits mit drei internationalen Preisen ausgezeichnet wurde, ein sehr persönliches Porträt des hochtalentierten jungen Pianisten und Komponisten geschaffen. Die Dokumentation enthält nicht nur offene Gespräche über Musik, sondern auch zahlreiche Ausschnitte aus Konzerten mit vollständigen Werken von Chopin, Ausschnitten aus Werken von Ravel und der Uraufführung einer eigenen Komposition von Daniil Trifonov.

Eine Aufzeichnung aus der Liederhalle Stuttgart: Die Ouvertüre aus Händels Feuerwerkmusik, gespielt vom SWR Radio-Sinfonieorchester Stuttgart und dirigiert von Sir Roger Norrington anlässlich seines 75. Geburtstages im Jahr 2009.

Bad Ems an der Lahn, ein malerisches Städtchen, eingebettet in die Hügelketten des Naturparks Nassau. Im 19. Jahrhundert gehörte es zu den beliebtesten Badeorten der gehobenen Gesellschaft. Könige, Kaiser und Zaren sowie (Geld-) Adel und bedeutende Künstler aus ganz Europa trafen sich hier zur Kur und Sommerfrische. Zu den illustren Gästen des Bades gehört von 1858 bis 1870 auch ein Franzose deutscher Herkunft: Jacques Offenbach.
Der Film zeigt, welche Beziehung Offenbach zum Ort und zur Region hatte. Die Werke, die er in Ems geschrieben und uraufgeführt hat und seine Wirkungsstätten – auch im Bezug und in Einordnung zum Gesamtwerk – sind Thema der Dokumentation. Gleichzeitig spielt auch Bad Ems eine wichtige Rolle, nicht nur der musikinteressierte Zuschauer soll Lust bekommen, sich diese Region einmal anzusehen und auf Offenbachs Spuren zu wandeln.

Er gilt als einer der bedeutendsten Musiker des 20. Jahrhunderts. Sein Name ist auch jenen ein Begriff, die noch nie ein Sinfoniekonzert besucht haben: Herbert von Karajan. 2019 jährt sich sein Todestag zum 30. Mal. Anlass für ein Porträt des Maestros, das Höhepunkte und Brüche seines Lebens beleuchtet. Wer war dieser Herbert von Karajan? Welche Klischees über ihn stimmen, welche nicht? Der Film befragt langjährige Weggefährten wie Anne Sophie Mutter und Christa Ludwig, Wiener und Berliner Philharmoniker und zeigt bislang unbekanntes oder vergessenes Archivmaterial.

Leoš Janácek: Glagolitische Messe für Soli, Chor, Orgel und Orchester

Mariss Jansons präsentierte dieses emphatische Meisterwerk von Leoš Janácek mit dem Chor und Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks im Rahmen des Lucerne Festivals zu Ostern 2012.

Mit Juan Diego Flórez (Tenor) und Vincenzo Scalera (Klavier)
Programm:
– Ruggero Leoncavallo (»Aprile«, »Vieni, amor mio«, »Mattinata«)
– Francesco Paolo Tosti (»Malìa«, »L’alba separa dalla luce l’ombra«, »Marechiare«)
– Gioachino Rossini (»Intesi, ah tutto intesi … Tu seconda«, Rezitativ und Arie des Don Narciso aus der Oper «Il Turco in Italia«)
– Gaetano Donizetti (»Partir deggio … T’amo qual s’ama«, Rezitativ und Arie des Gennaro aus der Oper »Lucrezia Borgia«)
– Henri Duparc (»Chanson triste«, »Phidylé«, «L’invitation au voyage«, »Le Manoir de Rosemonde«)
– Charles Gounod (»Salut, demeure chaste et pure«, Arie des Faust aus der Oper »Faust«)

Maria Callas: Diva und Stilikone. Eine der größten Opernsängerinnen aller Zeiten. 1964 scheint ihre Karriere am Ende: Nicht mehr ihr Gesang beherrscht die Schlagzeilen, sondern Skandale um die Affäre mit dem Milliardär Aristoteles Onassis. Doch ein epochaler Auftritt straft alle Kritiker Lügen. Die Dokumentation stellt das Konzert in den Mittelpunkt und kommentiert die Ereignisse mit dem Blick von heute.
Zu Beginn des Jahres 1964 erlebt die Musikwelt etwas völlig Unerwartetes. Maria Callas kehrt als Primadonna auf die Opernbühne zurück. Ihre »Tosca« am Royal Opera House wird zu einer Sensation. Nicht einmal die Beatles haben mehr Presse. Dabei scheint Maria Callas‘ ruhmreiche Karriere längst am Ende, sie selbst zum Mythos geworden zu sein. Nicht mehr ihre Stimme, sondern Skandale beherrschen die Schlagzeilen. Enttäuscht von ihrer Liebe zu dem Multimilliardär und Playboy Aristoteles Onassis will Maria Callas noch einmal allen zeigen, dass sie den Titel »Primadonna assoluta« zurecht trägt. Unter der Bedingung, dass Starregisseur Franco Zeffirelli die Regie übernimmt, erklärt sich die Ausnahmesängerin dazu bereit, die Rolle der Floria Tosca zu singen. Ihre Fans stellen sich vier, fünf Tage am Londoner Opernhaus in Covent Garden an, verbringen die kalten Winternächte in Schlafsäcken und auf Klappstühlen, um eine der begehrten Karten zu bekommen. Die BBC hat den zweiten Akt der Oper für das Fernsehen aufgezeichnet. Es ist einer der dramatischsten Akte der Operngeschichte: Um den Maler Cavaradossi aus den Händen der Folterer zu befreien, wird Floria Tosca schließlich den Polizeichef Scarpia ermorden. Die Filmaufnahmen gehören zu den ganz seltenen Möglichkeiten, Maria Callas in einer Opernaufführung zu sehen und ihre hoch emotionale Darstellungskunst und ihre stimmlichen Fähigkeiten zu erleben.

Opernfans verehren sie, selbst Kritiker sprechen von ihr in Superlativen: Anja Harteros. »Die Opernkönigin«, »Die Stradivari unter den Stimmen«, manche gehen sogar so weit und schreiben: »Die beste Sängerin der Welt«. Die 44-jährige Sopranistin, die in Bergneustadt geboren wurde und einen griechischen Vater hat, macht mit ihrer Ausnahmestimme und Bühnenpräsenz kontinuierlich Karriere, die sie auf alle wichtigen Bühnen dieser Welt führt.

Im März dieses Jahres fand in der Alten Oper Frankfurt ein noch nie dagewesenes Großprojekt statt. Die Künstlerin Marina Abramović bereitete eine Woche lang 2.000 Menschen in speziellen Workshops darauf vor, Musik »anders« zu hören. Angetrieben von dem Zweifel, dass die ständige Reizüberflutung der Gegenwart verhindert, die einfachen und wichtigen Dinge wahrzunehmen, hat sie eine Reihe von Übungen zur Besinnung und Bewusstseinsschärfung entwickelt – die Abramović-Methode. Ausdauer und Aushalten – das sind zwei Grundpfeiler der Arbeiten von Marina Abramović. Die weltberühmte Performancekünstlerin nutzt die Übungen ihrer Methode selbst, um sich auf ihre Langzeit-Performance-Arbeiten vorzubereiten. So wie bei »The Artist Is Present«, als sie 720 Stunden lang im New Yorker Museum of Modern Art insgesamt 750.000 Besuchern schweigend gegenübersaß. Die Dokumentation zeigt, wie die schonungslose Künstlerin ihre Methode auf das Publikum eines klassischen Konzerts angewendet hat. Die Teilnehmer folgten ihr durch mehrstündige Übungen und bereiteten sich so auf den krönenden Konzertabschluss in der Alten Oper mit der Geigerin Carolin Widmann, dem Cellisten Nicolas Altstaedt, dem Pianisten Fazil Say und vielen anderen vor. Der Film schaut aber auch auf die lange Karriere von Marina Abramović zurück, die spätestens seit »The Artist Is Present« ein popkulturelles Phänomen ist.

Das grandiose Requiem von Hector Berlioz gilt als Werk der Superlative und der Extravaganz. Es bedarf einer außergewöhnlichen Besetzung: zwei Orchester und zwei Chöre. Unter der Leitung von Pablo Heras-Casado vereint das Event-Konzert in der Pariser Philharmonie das Orchestre de Paris und das Orchestre du Conservatoire de Paris, den Chor des Orchestre de Paris und den Chor Orféon Donostiarra sowie den Tenor Frédéric Antoun.
Das Requiem von Hector Berlioz hat nur wenig von der bedrückenden Stimmung einer Totenmesse und trägt vielmehr die Züge eines Heldenepos. Schon die Uraufführung dieses Auftragswerks im Pariser Invalidendom war ein großer Erfolg: »Die Wirkung war vernichtend (…), beim Jüngsten Gericht erzeugten die fünf Orchester und die acht Paar Becken zum Tuba mirum ein unbeschreibliches Entsetzen (…), es war von grandioser Gewalt«, so der begeisterte Berlioz. Diese »große Totenmesse« – die Partitur erfordert mindestens 500 Musiker – ist ein Kunstwerk mit hohem emotionalem Gehalt. Der avantgardistische Künstler und unermüdliche Forscher Berlioz will den rein musikalischen Rahmen verlassen und neue Klangwelten schaffen, die stärkere, offensichtlichere Gefühle zu transportieren vermögen. Er will die Zuhörer im wahrsten Sinn des Wortes beeindrucken. Der Gefühlstiefe seiner Musik zu entrinnen und sich vom emotionalen Strudel, den er im Publikum erzeugen will, nicht mitreißen zu lassen, scheint unmöglich. Die in den vier Ecken der Philharmonie verborgenen Trompeten des Jüngsten Gerichts klingen wie der übernatürliche Widerhall der 16 Becken – effektvoll und virtuos beherrscht!
Für dieses Ausnahmekonzert in der Pariser Philharmonie im Februar 2019 holte sich das Orchestre de Paris die Verstärkung der jungen Musiker des Orchestre du Conservatoire de Paris, und der Chor des Orchestre de Paris steht gemeinsam mit dem spanischen Chor Orféon Donostiarra auf der Bühne. Das Sanctus interpretiert der Tenor Frédéric Antoun, am Dirigentenpult steht der für seinen Eklektizismus bekannte Spanier Pablo Heras-Casado.

Die Erzählung beginnt Anfang der 1970er Jahre. Der elfjährige Li (Huang Wen Bin), wächst in einem chinesischen Dorf in ärmlichen Verhältnissen auf. Der Besuch einer Delegation von Regierungsvertretern verändert eines Tages für immer sein Leben: Der Junge wird ausgewählt, eine jahrelange Ballettausbildung im fernen Peking anzutreten. Eine Wahl hat Li nicht, er wird von seinen Eltern (Joan Chen, Wang Shuang Bao) getrennt und muss sich in der Metropole dem strengen Regiment seiner Ausbilder beugen. Obwohl der Junge zunächst vor allem durch sein Desinteresse auffällt, erkennt man sein außerordentliches Talent.

Australien 2009

Maria Callas: Diva und Stilikone. Eine der größten Opernsängerinnen aller Zeiten. 1964 scheint ihre Karriere am Ende: Nicht mehr ihr Gesang beherrscht die Schlagzeilen, sondern Skandale um die Affäre mit dem Milliardär Aristoteles Onassis. Doch ein epochaler Auftritt straft alle Kritiker Lügen. Die Dokumentation stellt das Konzert in den Mittelpunkt und kommentiert die Ereignisse mit dem Blick von heute.
Zu Beginn des Jahres 1964 erlebt die Musikwelt etwas völlig Unerwartetes. Maria Callas kehrt als Primadonna auf die Opernbühne zurück. Ihre »Tosca« am Royal Opera House wird zu einer Sensation. Nicht einmal die Beatles haben mehr Presse. Dabei scheint Maria Callas‘ ruhmreiche Karriere längst am Ende, sie selbst zum Mythos geworden zu sein. Nicht mehr ihre Stimme, sondern Skandale beherrschen die Schlagzeilen. Enttäuscht von ihrer Liebe zu dem Multimilliardär und Playboy Aristoteles Onassis will Maria Callas noch einmal allen zeigen, dass sie den Titel »Primadonna assoluta« zurecht trägt. Unter der Bedingung, dass Starregisseur Franco Zeffirelli die Regie übernimmt, erklärt sich die Ausnahmesängerin dazu bereit, die Rolle der Floria Tosca zu singen. Ihre Fans stellen sich vier, fünf Tage am Londoner Opernhaus in Covent Garden an, verbringen die kalten Winternächte in Schlafsäcken und auf Klappstühlen, um eine der begehrten Karten zu bekommen. Die BBC hat den zweiten Akt der Oper für das Fernsehen aufgezeichnet. Es ist einer der dramatischsten Akte der Operngeschichte: Um den Maler Cavaradossi aus den Händen der Folterer zu befreien, wird Floria Tosca schließlich den Polizeichef Scarpia ermorden. Die Filmaufnahmen gehören zu den ganz seltenen Möglichkeiten, Maria Callas in einer Opernaufführung zu sehen und ihre hoch emotionale Darstellungskunst und ihre stimmlichen Fähigkeiten zu erleben.

Wie kein Zweiter beherrscht der Improvisationskünstler Bobby McFerrin die Technik seines »Instruments«, der Stimme: Mit einem Tonumfang von vier Oktaven und der Fähigkeit, zwei Stimmen gleichzeitig zu singen, ersetzt er eine komplette Orchestrierung vom Bass bis zur führenden Stimme. Dabei imitiert er den Klang verschiedenster Instrumente und gibt mit Body Percussion und Beatboxing selbst den Rhythmus vor.
McFerrin, Spezialist für A-cappella-Kompositionen und Arrangements diverser Genres von Jazz über Pop bis Klassik, verwischt stilistische Grenzen. Er geht mit Bach-Präludien ebenso souverän um wie mit Beatles-Melodien oder Gospel-Songs.
Mit seinen Stimmexperimenten und dem Welthit »Don’t Worry, Be Happy«– hat der zehnfache Grammy-Preisträger den Gesang neu erfunden und A-cappella-Gruppen, Beatboxer sowie Sängerinnen und Sänger aller Stilrichtungen inspiriert.
Mit seiner Technik und seinem Innovationsgeist begeistert er die Welt des Jazz ebenso wie die Klassikszene. Davon zeugen zahlreiche Kooperationen – legendär sind etwa seine Bühnenauftritte mit dem Cellisten Yo-Yo Ma, den Pianisten Chick Corea und Herbie Hancock oder den Wiener und den New Yorker Philharmonikern.
2018 stand Bobby McFerrin in der Pariser Salle Pleyel mit seiner A-cappella-Band auf der Bühne. Beim einzigen Frankreichauftritt ihrer Europatour brachten die Meister der Improvisation »Circlesongs« zu Gehör: Melodien und Rhythmen wandern von einer Stimme zur anderen und unterliegen dabei ständigem Wandel. Mit großer musikalischer Freiheit und einem immer wieder neuen Repertoire liefert McFerrin Bühnenauftritte, die im Gedächtnis bleiben.

Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks, Chor des Bayerischen Rundfunks

Mit der »Funeral Music of Queen Mary« führen das Symphonieorchester und der Chor des Bayerischen Rundfunks unter der Leitung von Daniel Harding ein bedeutendes Werk des Barockkomponisten Henry Purcell auf. Als Hauptwerk erklingt Gustav Mahlers Symphonie Nr. 6, die auch als »Tragische« bezeichnet wird.
Media vita in morte sumus – mitten im Leben den Tod vor Augen haben. Das verbindet die Symphonie Nr. 6 von Gustav Mahler und Purcells »Funeral Music of Queen Mary« programmatisch miteinander. Unter der Stabführung des britischen Dirigenten Daniel Harding führten das Symphonieorchester und der Chor des Bayerischen Rundfunks diese Werke im März 2014 in der Münchner Philharmonie im Gasteig auf. Purcell komponierte die Trauermusik zum Begräbnis der Königin Mary II. Stuart, die im Alter von nur 32 Jahren an einer Pockenerkrankung starb. Purcell war damals Organist an der Westminster Abbey und der Königin sehr verbunden. So wurden auch auf seiner eigenen Beerdigung diese geistlichen Gesänge gespielt.
Gustav Mahler hatte sein Ableben beim Verfassen der »Tragischen« wohl noch nicht vorausgeahnt, möglicherweise aber die kommenden Schicksalsschläge wie den Tod seiner geliebten Tochter. Als einzige Mahlersche Symphonie endet die Sechste in Moll, und nicht zuletzt die Wucht der finalen Hammerschläge deutet auf die Unausweichlichkeit des Schicksals hin.

Jos van Immerseel und sein Ensemble Anima Eterna überraschen immer wieder mit ihren Interpretationen beliebter Meisterwerke des Repertoires. Nun haben sie sich Beethovens Symphonien vorgenommen. Ihre CD-Einspielungen wurden einhellig von Kritikern und Musikliebhabern gelobt. Heute bringt ARTE eine Kostprobe.
Im September 2009 führten Anima Eterna unter Jos van Immerseel im Brüssler Concert Noble die fünfte Symphonie auf. Immerseel dirigierte nicht nur, er erzählte auch, wie er zu Beethoven und insbesondere zu seiner fünften Symphonie steht. Als Zugabe steht Beethovens Prometheus-Ouverture auf dem Programm.

1986 kehrt Vladimir Horowitz, der bekannteste Pianist der Welt, nach gut 60 Jahren Exil in seine russische Heimat zurück und gibt ein bewegendes Konzert in Moskau. Es ist ein internationales Medienereignis, ganz im Zeichen der beginnenden Perestroika, der Öffnung des Ostens zum Westen hin. Stars wie Martha Argerich und Beteiligte von damals kommentieren das Konzert aus heutiger Sicht.

Für alle, die das Horowitz-Konzert in Moskau in ganzer Länge nacherleben wollen: Nach der Fernsehausstrahlung auf ARTE ist es im Internet unter arteconcert.com abrufbar.

Bella Italia am Elbufer in Wittenberge. Die große Jubiläumsgala mit den schönsten Evergreens, den beliebtesten Opernarien und neuesten Popsongs made in Italy – mit Hits von Adriano Celentano bis Giuseppe Verdi.
Mit einer großen »Italienischen Nacht« feiern die Elblandfestspiele in Wittenberge ihren 20. Geburtstag. Zur großen Jubiläumsgala gibt es einen Streifzug durch das musikalische Italien mit den schönsten Evergreens, den berühmtesten Opernarien und den neuesten Popsongs made in Italy. Eindrucksvoll wird an der Alten Ölmühle in Wittenberge die Vielfalt der italienischen Musikkultur gezeigt: vom Gassenhauer »Funiculi, Funicula« bis zu Verdis »La donna è mobile«, vom Sehnsuchtsschlager »Marina, Marina« bis zu Laura Pausinis Mega Pophit »E.STA.A.TE«.
Zum Gratulieren kommen ans Elbufer in Wittenberge: Star Sopranistin Eva Lind aus Österreich, der Berliner Entertainer Lars Redlich, das Berliner Gesangsduo Alenka Genzel & Frank Matthias, Tenor Martin Shalita aus Miami sowie Star Tenor Assaf Kacholi aus Israel, der mit seinem Erfolgsquartett Adoro die Herzen des Publikums im Sturm eroberte.
Ein Heimspiel haben die ehemaligen Absolventinnen der Perleberger Lotte Lehmann Akademie Julia Schuhmacher, Mirjam Miesterfeldt und Sandra Borgarts. Als besonderer Gast wird Entertainer Heiko Reissig erwartet, der vor 20 Jahren in seiner Heimatstadt Wittenberge die Elblandfestspiele ins Leben gerufen hat. Begleitet wird die »Italienische Nacht« vom Deutschen Filmorchester Babelsberg unter der Leitung von Dirigent Robert Reimer.

Mit Juan Diego Flórez (Tenor), Pablo Rojas (Klavier), Carlos Pino-Quintana (Kontrabass), Carlos Ayala (Gitarre), Algy Wu (Bandoneon), Dominik Fuss (Trompete), Markus Pechmann (Trompete), Hidan Mamudov (Klarinette), Laura Valbuena (Klarinette), Gustavo Ovalles (Perkussion), Leonardo »Gigio« Parodi (Perkussion), Victor Fuentes (Perkussion) und Jonathan Bolivar (Gitarre)
Musikalische Leitung: Jonathan Bolivar

Romantisch wie dramatisch, zutiefst persönlich und zum Mitsingen: Der gefeierte Startenor Juan Diego Flórez interpretiert lateinamerikanische Popularmusik. Auf dem Programm stehen Welthits wie »Guantanamera«, »Volver« und natürlich »Bésame mucho«. Es sind die Klänge seiner Kindheit und eine musikalische Reise durch Lateinamerika.

Mit der Solistin Diana Damrau
Orchester: Symphonieorchester des, Bayerischen Rundfunks
Musikalische Leitung: Mariss Jansons

Die Weltklasse-Sopranistin Diana Damrau interpretiert zusammen mit dem Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks und Chefdirigent Mariss Jansons sechs Lieder von Richard Strauss.
Mit einigen der schönsten Melodien aus dem kostbaren Liederschatz von Strauss bezaubert Diana Damrau das Publikum, mal hymnisch aufrauschend, mal zärtlich verträumt, mal tragisch umflort. 3sat zeigt eine Aufzeichnung vom Oktober 2019.
Ihre Auswahl beschließt sie mit dem bekannten »Morgen« – das verzückte Liebeslied gehört zu jenem kleinen Zyklus, den Strauss 1894 seiner Frau, der Sopranistin Pauline de Ahna, als Hochzeitsgeschenk überreichte.

Und den Schlusspunkt setzt die »Vierte Symphonie« von Johannes Brahms, in der dieser die Summe seines Schaffens zog und die er mit einer Passacaglia von geradezu niederschmetternder Gewalt krönte.

Hélène Grimaud und Thomas Hengelbrock mit dem NDR Elbphilharmonie Orchester eröffnen im Jahr 2017 das Schleswig-Holstein Musik Festival wie schon zuvor 2013. Auf dem Programm: Maurice Ravels Klavierkonzert in G-Dur.

Richard Wagner besuchte Karlsruhe zwischen 1861 und 1872 insgesamt sieben Mal und baute dabei eine intensive Beziehung zum Musikleben der Stadt auf. Der in ganz Europa umherreisende Komponist sehnte sich nach künstlerischer Entfaltung und finanzieller Sicherheit und suchte dementsprechend Kontakte zum Adel, denn er war sich bewusst, dass sein Schaffen nur unter der »Gnadensonne« eines fürstlichen Mäzens gedeihen konnte. Das Karlsruher Schloss, seinerzeit Residenz des badischen Großherzogs Friedrich I., übte eine große Faszination auf Wagner aus. Er widmete dessen junger Frau, Fürstin Luise, eine Klavierkomposition und erhielt prompt eine freundliche Antwort des Großherzogs. Die Fürstin kannte Wagners Kunst bereits aus ihrem Elternhaus und hatte Klavierunterricht bei Wagners Freund Hans von Bülow. Ein Anfang war gemacht.

Janine Jansen, eine großartige niederländische Geigerin und seit 2003 regelmäßiger Gast bei den BBC-«Proms« – spielt die berühmte Es-Dur-Symphonie KV 543von Wolfgang Amadeus Mozart.
In der Saison 2018/19 führte das Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks unter der Leitung des ungarischen Dirigenten Iván Fischer Werke von Wolfgang Amadeus Mozart auf. Die preisgekrönte niederländische Violin-Solistin Janine Jansen spielte zwei Mozart-Symphonien, im Zentrum des Konzerts stand die berühmte, majestätische Es-Dur-Symphonie KV 543. Zum Auftakt dirigiert Fischer die letzte in Salzburg entstandene, aber erst nach Mozarts Ankunft in Wien 1781 uraufgeführte C-Dur-Symphonie KV 338 – ein ausgesprochen festliches und schwungvolles Präsentierstück!

Die »Messa da Requiem« ist Giuseppe Verdis persönlichstes Werk. Der Opernkomponist setzte die volle Palette seiner kompositorischen Mittel ein, um den in sich gefangenen Menschen darzustellen: seine Ängste vor dem Tod ebenso wie seinen Wunsch nach Erlösung. Mit den Berliner Philharmonikern unter Riccardo Muti und einem erstklassigen Solistenensemble, unter anderem mit Elina Garanca.

Das Reformationsjahr 2017 war sowohl für Protestanten als auch für Katholiken ein Anlass, Geschlossenheit zu zeigen, Gemeinsamkeiten hervorzuheben, Ökumene zu stärken. Zu diesem Anliegen passend, machte der evangelisch-lutherische Windsbacher Knabenchor der katholischen Erzdiözese München und Freising ein ganz besonderes Geschenk: am Pfingstfest sangen die Buben und jungen Männer aus Mittelfranken unter der musikalischen Leitung von Martin Lehmann ein Konzert im Münchner Liebfrauendom mit Musik aus der Zeit der Reformation. Die aufgeführten Werke stammen von Komponisten wie Johann Staden, Hans Leo Haßler oder Johann Pachelbel. Und natürlich spielten auch Melodien und Texte Martin Luthers ein große Rolle, allen voran der berühmte Choral »Ein feste Burg ist unser Gott«. Musikalisch unterstützt wurde der Windsbacher Knabenchor vom Ensemble Wunderkammer und einem namhaften Solistenquartett.
Zum Reformationstag zeigt BR Fernsehen eine Aufzeichnung des Konzerts mit »Musik der Reformation«, gesungen vom Windsbacher Knabenchor unter der Leitung von Martin Lehmann.

Klavier spielt man mit zwei Händen. Normalerweise. Aber was ist schon normal? Schon im 19. Jahrhundert haben Komponisten mit einhändigem Klavierspiel experimentiert: Sie komponierten Werke für die linke Hand – für die vermeintlich »schlechtere«, weil motorisch nicht so trainierte Hand.
Im Ersten Weltkrieg verliert der Wiener Industriellensohn Paul Wittgenstein seinen rechten Arm. Er hatte sich in den Kopf gesetzt, Pianist zu werden, um jeden Preis. Also gab er bei den großen Komponisten seiner Zeit Werke für seine linke Hand in Auftrag. Entstanden sind Werke, die klanglich, technisch und musikalisch so brillant sind, dass sie mittlerweile viele Pianist*innen faszinieren.
So außergewöhnlich Wittgensteins Geschichte klingen mag – sie schreibt sich fort bis heute. Sein Schicksal ist kein Einzelfall: Auch Pianisten wie Leon Fleisher oder Antoine Rebstein waren in ihrer Karriere gezwungen, einhändig zu spielen. Sie haben das Repertoire populär und die Geschichte des linkshändigen Spiels berühmt gemacht. So auch der Neurophysiologe Prof. Eckart Altenmüller, der auf Musiker*innen spezialisiert ist, denen in ihrer Karriere der Körper versagt.
Dass Musik immer dann besonders ist und uns berührt, wenn sie etwas Neuartiges eröffnet, zeigt der französische Pianist Pierre-Laurent Aimard: Er spielt das Klavierkonzert für die linke Hand und schreibt als zweihändiger Pianist die Geschichte Wittgensteins auf brillante Weise fort.

Das Musikmagazin

Der französische Pianist Jean-Yves Thibaudet spielte im Juni 2019 das Klavierkonzert G-Dur von Maurice Ravel mit dem Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks unter der Leitung von Daniel Harding.
Der Komponist selbst charakterisierte sein Klavierkonzert G-Dur als »im Geiste der Konzerte von Mozart und Saint-Saens geschrieben«. Womit gleichwohl ein weiter Raum abgesteckt ist, in dem Maurice Ravel seine gänzlich überraschende Komposition ausbreitet. Hell und brillant, Jazz-inspiriert, aber auch doppelbödig – im ersten Satz treten träumerische Episoden in Konkurrenz zum beherrschenden rhythmischen Esprit, gewinnen im Verlauf des Satzes die Überhand und münden in einen seltsam verschwimmenden Dialog zwischen Soloklavier und Harfe.
Dieser Kontrast zwischen rhythmischem, perkussivem Duktus und einer faszinierend ausgesungenen, in ihrer Schönheit stets gefährdet wirkenden Melodik prägt dieses Klavierkonzert.

Anne-Sophie Mutter und Herbert von Karajan machen ihre vielleicht bedeutendste Aufnahme – und keiner bekommt es mit? Zweimal nehmen die beiden Beethovens Violinkonzert auf, beim zweiten Mal nur für die Filmkameras. Der Mitschnitt wird erst nach Karajans Tod veröffentlicht – weitgehend unbemerkt. Anne-Sophie Mutter, Musiker der Berliner Philharmoniker und Stars von heute kommentieren diese Sternstunde der Musik.
In der legendären Zusammenarbeit zwischen Herbert von Karajan und Anne-Sophie Mutter nimmt das Violinkonzert von Beethoven eine Sonderstellung ein. Mit keinem Werk traten die beiden häufiger gemeinsam auf als mit diesem berühmtesten aller Violinkonzerte. 16 Jahre alt war die junge Geigerin bei ihrem Beethoven-Debüt unter Karajan – und 20 beim letzten Durchlauf. Beide Male war kein Publikum im Saal. Während sich das aufsehenerregende Debüt auf Schallplatte in aller Welt verbreitete, blieb die filmisch dokumentierte letzte Aufführung bis über Karajans Tod hinaus unveröffentlicht und anschließend auf Video Disc weitestgehend unbeachtet. Dabei war das die eigentliche Sternstunde! Musiker von heute, darunter die Geigerin Lisa Batiashvili, sowie damals an der Aufnahme beteiligte Musiker der Berliner Philharmoniker und Anne-Sophie Mutter selbst schauen und hören sich das Konzert an. Sie kommentieren die Musik und das menschlich-künstlerische Verhältnis von Dirigent und Solistin, von Herbert von Karajan und Anne-Sophie Mutter. Auch heute, bald vier Jahrzehnte danach, ist Anne-Sophie Mutter mit dem Beethoven-Konzert auf den Konzertpodien der Welt unterwegs. Mit dem Zuschauer erlebt sie diese Sternstunde der Musik nach, deren Geheimnis in der einzigartigen Chemie zwischen dem Jahrhundertdirigenten und dem jungen Ausnahmetalent Anne-Sophie Mutter zu liegen scheint.

Klavier spielt man mit zwei Händen. Normalerweise. Aber was ist schon normal? Schon im 19. Jahrhundert haben Komponisten mit einhändigem Klavierspiel experimentiert: Sie komponierten Werke für die linke Hand – für die vermeintlich »schlechtere«, weil motorisch nicht so trainierte Hand.
Im Ersten Weltkrieg verliert der Wiener Industriellensohn Paul Wittgenstein seinen rechten Arm. Er hatte sich in den Kopf gesetzt, Pianist zu werden, um jeden Preis. Also gab er bei den großen Komponisten seiner Zeit Werke für seine linke Hand in Auftrag. Entstanden sind Werke, die klanglich, technisch und musikalisch so brillant sind, dass sie mittlerweile viele Pianist*innen faszinieren.
So außergewöhnlich Wittgensteins Geschichte klingen mag – sie schreibt sich fort bis heute. Sein Schicksal ist kein Einzelfall: Auch Pianisten wie Leon Fleisher oder Antoine Rebstein waren in ihrer Karriere gezwungen, einhändig zu spielen. Sie haben das Repertoire populär und die Geschichte des linkshändigen Spiels berühmt gemacht. So auch der Neurophysiologe Prof. Eckart Altenmüller, der auf Musiker*innen spezialisiert ist, denen in ihrer Karriere der Körper versagt.
Dass Musik immer dann besonders ist und uns berührt, wenn sie etwas Neuartiges eröffnet, zeigt der französische Pianist Pierre-Laurent Aimard: Er spielt das Klavierkonzert für die linke Hand und schreibt als zweihändiger Pianist die Geschichte Wittgensteins auf brillante Weise fort.

hr-Sinfonieorchester, Dresdner Kammerchor, Robert Trevino
Amanda Pabyan (Sopran), Justina Gringyte (Mezzosopran), Corby Welch (Tenor), Mika Kares (Bass)

In Fulda wird das ganze Jahr 2019 hindurch gefeiert. Neben dem 1275. Jahrestag der Gründung von Kloster Fulda – und damit der Keimzelle der späteren Bischofsstadt – wird unweit der ehemaligen innerdeutschen Grenze offiziell an den Mauerfall vor 30 Jahren erinnert. Auch das hr-Sinfonieorchester Frankfurt feiert das Jubiläum mit einem besonderen Projekt: einem großen Open-Air-Konzert auf dem Domplatz der osthessischen Barockstadt unter der Leitung des US-amerikanischen Dirigenten Robert Trevino. Es erklingt Ludwig van Beethovens 9. Sinfonie, die längst zu einem Symbol des europäischen Einheits- und Freiheitsgedankens geworden ist.

Wiener Singakademie, Shanghai Spring Children’s Choir
Shanghai Symphony Orchestra, Long Yu
Mit: Toby Spence (Tenor), Ludovic Tézier (Bariton), Aida Garifullina (Sopran)

Erstmals seit vielen Jahren fand wieder ein klassisches Konzert auf dem Platz vor dem berühmten Kaiserlichen Ahnentempel Taimiao statt. Mit »Carmina Burana« in Peking präsentierte sich die Wiener Singakademie einmal mehr einem internationalen Publikum.
Die Solopartien übernahm ein internationales Starensemble mit der russischen Sopranistin Aida Garifullina, dem britischen Tenor Toby Spence sowie dem französischen Bariton Ludovic Tézier. Long Yu dirigiert das Shanghai Symphony Orchestra. »Carmina Burana« in der Verbotenen Stadt – das ist die Verbindung von chinesischer und europäischer Kultur zu einem umfassenden visuellen und musikalischen Erlebnis.
Orffs Kantate beruht auf den Texten einer mittelalterlichen Liedersammlung, die 1803 im Kloster Benediktbeuern entdeckt wurden. Sie erzählen von den fundamentalen Themen, die über alle Zeiten und Kulturkreise hinweg ewig aktuell bleiben: von Liebe und Lebensfreude, von Glück und Leid. Orff hat dazu eine Musik komponiert, die sich aufs Beste mit dem archaischen Duktus der lateinischen und mittelhochdeutschen Texte verbindet. Nicht umsonst gehört »Carmina Burana« heute zu den bekanntesten Werken der Musik des 20. Jahrhunderts überhaupt.
Für die monumentalen Chorpartien zeichnete die Wiener Singakademie verantwortlich. Der Chor des Wiener Konzerthauses wurde 1858 gegründet und war bei den großen Maestros immer schon beliebt. Johannes Brahms leitete ihn, Gustav Mahler und Richard Strauss schätzten die Zusammenarbeit, Edvard Grieg und Anton Rubinstein traten ans Dirigierpult, um ihre Werke gemeinsam in Erstaufführungen dem Wiener Publikum zu präsentieren.

Cecilia Bartoli bringt Kritiker und Publikum ins Schwärmen. Die Leuchtkraft ihres Mezzosoprans wurde hundertfach gefeiert. Der Film begleitet die Wahlschweizerin eine Saison lang. Eines zeichnet Cecilia Bartoli besonders aus: die Fähigkeit, ihre ganze Persönlichkeit in jedes Wort zu legen, das sie singt. Cecilia Bartoli, so beschreibt es der Dirigent Antonio Pappano, hat die Gabe, ein Orchester während der gemeinsamen Probe zu verändern. Sie tut alles, um eine Rolle möglichst gemäß der Idealvorstellung des Komponisten auszufüllen.
Der Film von Fabio de Luca dokumentiert die wichtigsten Auftritte Cecilia Bartolis, die im Januar 2019 ihr 30-jähriges Jubiläum am Opernhaus Zürich feierte. In dem Film stehen ihre Kollegen Schlange, um ihr Loblied zu singen: Daniel Barenboim, Gustavo Dudamel, Martha Argerich sowie die Opernregisseure Moshe Leiser und Patrice Caurier.

In einem Internat für schwer erziehbare Jungen gründet der arbeitslose Musiker Clément Mathieu gegen den Widerstand des Direktors einen Chor und lehrt die Schüler Disziplin und Zusammenhalt. Der emotional anrührende Film von Christophe Barratier ist mit über acht Millionen französischen und einer Million deutschen Zuschauern völlig unerwartet zum Blockbuster aufgestiegen.
Anlässlich des Todes seiner Mutter kehrt der berühmte Dirigent Pierre Morhange nach Jahrzehnten erstmals in sein französisches Heimatdorf zurück. Ein Schulfreund überreicht ihm das Tagebuch seines früheren Musiklehrers, und als Pierre darin zu lesen beginnt, erwachen die Erinnerungen an seine Schulzeit wieder zum Leben: Im Jahr 1949 findet der arbeitslose Musiker Clément Mathieu eine Anstellung als Aufseher in einem Internat für schwer erziehbare Jungen. Dessen hartherziger Direktor Rachin hat die Kinder, meist Kriegswaisen oder Söhne lediger Mütter, längst abgeschrieben. Gnadenlos traktiert er seine Schützlinge mit Prügeln und Arrest.
Mathieu aber hat eine andere Idee: Als die wilden Jungs mal wieder außer Rand und Band sind, lässt er sie vorsingen und motiviert sie dazu, einen gemeinsamen Chor zu gründen. Getrieben von dem Wunsch, seine eigenen Kompositionen vertonen zu können, scheint für Mathieu der erzieherische Mehrwert der Gesangsstunden zunächst eher unwichtig. Doch instinktiv vermittelt der rundliche, flinke Mann bei seinem Bemühen um einen wohlklingenden Chor auch Disziplin und Zusammenhalt. Mit besonderer Hingabe widmet Mathieu sich dem jungen Pierre Morhange, dessen großes Talent er erkennt und mit viel Umsicht fördert. So ermutigt er auch Pierres alleinerziehende Mutter, den Sohn aufs Konservatorium zu schicken. Direktor Rachin indes sieht die zart erblühende Lebensfreude der Schüler und ihre beachtliche Kunstfertigkeit nur mit kritischen Augen. Als ein besonders schwer erziehbarer Junge, der fälschlich des Diebstahls bezichtigt und somit der Schule verwiesen wurde, sich rächt, indem er das Haus anzündet, sieht sich der Zyniker Rachin in seinen rückständigen Methoden bestätigt und entlässt Mathieu. Traurig packt Mathieu seine Sachen, doch beim Verlassen des Internats erwartet ihn eine wunderbare Überraschung.
Das bewegende Drama über die Schattenseiten von Schule und Kindheit verzichtet auf pädagogische Zeigefinger und lässt die Lieder sprechen, deren lyrische Metaphern für Ferne, Frühling und Freiheit Sänger und Zuhörer in eine imaginäre glücklichere Welt entführen: Eine Million Mal wurde bis jetzt allein der Soundtrack verkauft. In Anlehnung an den französischen Film »La Cage Aux Rossignols« von 1945 schreibt dieser anrührende Musikfilm die Erfolgsgeschichte des Produzenten Arthur Cohn fort, der bereits sechs Oscars erhielt und für seine Produktion »Die Kinder des Monsieur Mathieu«, die allein in den USA fünf Millionen Zuschauer erreichte, mit einer Oscar-Nominierung geehrt wurde.

Der Onkel von Felix Mendelssohn Bartholdy besaß ein großes Weingut in Koblenz-Horchheim. Regelmäßig besuchte der Komponist das idyllische Fleckchen Erde und fand dort Inspiration und Erholung von seinen teils strapaziösen Konzertreisen. Das Anwesen mit ausgedehnten Weinbergen reichte von der Horchheimer Höhe bis hinunter an den Rhein. Es vereinte die Familie Mendelssohn und viele Gäste, darunter Alexander von Humboldt und Georg Friedrich Hegel.
Mendelssohn Bartholdy besuchte Horchheim am häufigsten während seiner Amtszeit als Musikdirektor in Düsseldorf (1833 bis 1835) und konnte auch seiner Arbeit nachgehen: 1837 beendete dort sein 2. Klavierkonzert und komponierte zudem einige Hymnen.

Sinfonie Nr. 5, D-Dur, op. 107, Reformations-Sinfonie. In einer Aufzeichnung aus dem Dom zu Lübeck spielt das NDR Sinfonieorchester (heute: NDR Elbphilharmonie Orchester) unter der Leitung von John Eliot Gardiner die Sinfonie Nr. 5, D-Dur, op. 107 von Felix Mendelssohn-Bartholdy. Im letzten Satz dieser so genannten »Reformations-Sinfonie« hat der Komponist den Choral »Ein feste Burg« verarbeitet.

Das Musikmagazin

Konzert vom 20.09.2019 in der Liederhalle Stuttgart
Dmitrij Schostakowitsch (1906-1975) schrieb seine beiden Cellokonzerte für den russischen Cellisten Mstislaw Rostropowitsch. Die Komposition des zweiten Cellokonzerts vollendete er im April 1966. Das zweite Konzert wird nur selten gespielt, was wohl an dem rauen, introvertierten Gestus des Stückes liegt, das sich durch eine fast karge, manchmal sogar bizarre Instrumentation auszeichnet. Schostakowitsch übt sich hier in der Reduktion auf das Wesentliche: kein überflüssiges Figurenwerk, kein Schwelgen in melodischen Linien oder harmonischen Wendungen. Faszinierend an diesem Konzert sind seine kompromisslose Strenge und die Fülle an musikalischen Details.
Es folgt die persönliche Apokalypse Gustav Mahlers (1860-1911): das Adagio seiner unvollendeten zehnten Sinfonie.

Kurz vor seinem 90. Geburtstag leitete der niederländische Dirigent Bernard Haitink eine Aufführung der Neunten Symphonie von Ludwig van Beethoven mit dem Chor und Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks: Höhepunkt einer über 60-jährigen musikalischen Freundschaft und Musterbeispiel musikalischer Disziplin und Intensität.
Am 22. Februar 2019 betrat der fast neunzigjährige Dirigent Bernard Haitink das Pult des Symphonieorchesters des Bayerischen Rundfunks, um eines der berühmtesten Werke der klassischen Musik zu dirigieren: Beethovens Neunte Symphonie mit der Ode »An die Freude«, gesungen vom Chor des Bayerischen Rundfunks. Seit über 60 Jahren pflegen der niederländische Dirigent und das BRSO eine musikalische Freundschaft, die sich immer wieder in außergewöhnlichen Konzertabenden manifestiert. Ein Höhepunkt auf dem gemeinsamen künstlerischen Weg ist diese Aufführung der allumfassenden »Neunten« mit ihrem revolutionären Chorfinale der Symphonik. Beethovens symphonische Reise führt durch tiefe Täler und düstere Regionen, bevor sich am Ende der hymnische Jubel von Schillers »Ode an die Freude« Bahn bricht.

In einem Internat für schwer erziehbare Jungen gründet der arbeitslose Musiker Clément Mathieu gegen den Widerstand des Direktors einen Chor und lehrt die Schüler Disziplin und Zusammenhalt. Der emotional anrührende Film von Christophe Barratier ist mit über acht Millionen französischen und einer Million deutschen Zuschauern völlig unerwartet zum Blockbuster aufgestiegen.
Anlässlich des Todes seiner Mutter kehrt der berühmte Dirigent Pierre Morhange nach Jahrzehnten erstmals in sein französisches Heimatdorf zurück. Ein Schulfreund überreicht ihm das Tagebuch seines früheren Musiklehrers, und als Pierre darin zu lesen beginnt, erwachen die Erinnerungen an seine Schulzeit wieder zum Leben: Im Jahr 1949 findet der arbeitslose Musiker Clément Mathieu eine Anstellung als Aufseher in einem Internat für schwer erziehbare Jungen. Dessen hartherziger Direktor Rachin hat die Kinder, meist Kriegswaisen oder Söhne lediger Mütter, längst abgeschrieben. Gnadenlos traktiert er seine Schützlinge mit Prügeln und Arrest.
Mathieu aber hat eine andere Idee: Als die wilden Jungs mal wieder außer Rand und Band sind, lässt er sie vorsingen und motiviert sie dazu, einen gemeinsamen Chor zu gründen. Getrieben von dem Wunsch, seine eigenen Kompositionen vertonen zu können, scheint für Mathieu der erzieherische Mehrwert der Gesangsstunden zunächst eher unwichtig. Doch instinktiv vermittelt der rundliche, flinke Mann bei seinem Bemühen um einen wohlklingenden Chor auch Disziplin und Zusammenhalt. Mit besonderer Hingabe widmet Mathieu sich dem jungen Pierre Morhange, dessen großes Talent er erkennt und mit viel Umsicht fördert. So ermutigt er auch Pierres alleinerziehende Mutter, den Sohn aufs Konservatorium zu schicken. Direktor Rachin indes sieht die zart erblühende Lebensfreude der Schüler und ihre beachtliche Kunstfertigkeit nur mit kritischen Augen. Als ein besonders schwer erziehbarer Junge, der fälschlich des Diebstahls bezichtigt und somit der Schule verwiesen wurde, sich rächt, indem er das Haus anzündet, sieht sich der Zyniker Rachin in seinen rückständigen Methoden bestätigt und entlässt Mathieu. Traurig packt Mathieu seine Sachen, doch beim Verlassen des Internats erwartet ihn eine wunderbare Überraschung.
Das bewegende Drama über die Schattenseiten von Schule und Kindheit verzichtet auf pädagogische Zeigefinger und lässt die Lieder sprechen, deren lyrische Metaphern für Ferne, Frühling und Freiheit Sänger und Zuhörer in eine imaginäre glücklichere Welt entführen: Eine Million Mal wurde bis jetzt allein der Soundtrack verkauft. In Anlehnung an den französischen Film »La Cage Aux Rossignols« von 1945 schreibt dieser anrührende Musikfilm die Erfolgsgeschichte des Produzenten Arthur Cohn fort, der bereits sechs Oscars erhielt und für seine Produktion »Die Kinder des Monsieur Mathieu«, die allein in den USA fünf Millionen Zuschauer erreichte, mit einer Oscar-Nominierung geehrt wurde.

Warum ist der Mensch musikalisch? Eine Frage, die schon Charles Darwin einst als großes Rätsel der Natur bezeichnete. Musik bewegt und begeistert uns, macht glücklich oder wahnsinnig, rührt zu Tränen, jagt Schauer über den Rücken und mobilisiert Massen. Sie ist ein Phänomen aller Zeiten und Kulturen und ein scheinbar selbstverständlicher Teil unseres Alltags. Für die Naturwissenschaft jedoch ist Musik eines der großen Geheimnisse: Wie kam der Mensch zur Musik? Warum haben Melodien und Rhythmen so eine starke Wirkung auf die Psyche und den Körper?
Auf der Spur unserer musikalischen Ursprünge führt der Film in den Konzertsaal, auf die Opernbühne und in Forschungslabors. Dirigent Enoch zu Guttenberg muss auch bei seiner dreiundsechzigsten Aufführung der Matthäus-Passion immer noch mit den Tränen kämpfen und erlebt an bestimmten Stellen unwillkürlich einen Schauer. Der Neurowissenschaftler Eckart Altenmüller hat das Phänomen der Gänsehaut beim Musikhören erforscht. In unserer Evolution hatte der Sinn für Melodie und Rhythmus wichtige Funktionen – und doch sind nicht alle Menschen musikalisch: Die Hirnforscherin Isabelle Peretz in Montreal hat unerwartete Erkenntnisse darüber gewonnen, warum manche Menschen immer falsche Töne singen. Der Rapper Kool Savas schließlich entdeckt verblüffende Parallelen zwischen dem Battle-Rap und einer uralten Tradition eines Indianervolkes am Amazonas.
Der Film »Wiegenlied & Schlachtgesang« nimmt uns mit auf eine ungewöhnliche Expedition zu den Wurzeln der menschlichen Musikalität.

»Nabucco« ist die Erfolgsoper des jungen Giuseppe Verdi. Ausgehend vom Konflikt zwischen den Babyloniern und den Hebräern entwickelten der Regisseur Andreas Homoki und der Dirigent Fabio Luisi in ihrer Bearbeitung ein Familiendrama mit der Königstochter Abigaille im Zentrum, das bei seiner Premiere im Juni 2019 in Zürich vom Publikum frenetisch gefeiert wurde.

Inszenierung: Andreas Homok
Philharmonia Zürich, Chor der Oper Zürich, Fabio Luisi
Mit Michael Volle (Nabucco), Benjamin Bernheim (Ismaele), Georg Zeppenfeld (Zaccaria), Anna Smirnova (Abigaille, vermeintliche erstgeborene Tochter Nabuccos), Veronica Simeoni (Fenena), Stanislav Vorobyov (Oberpriester des Baal), Omer Kobilijak (Abdallo), Ania Jeruc (Anna).

»Nabucco« ist die Erfolgsoper des jungen Giuseppe Verdi. Ausgehend vom Konflikt zwischen den Babyloniern und den Hebräern entwickelten der Regisseur Andreas Homoki und der Dirigent Fabio Luisi in ihrer Bearbeitung ein Familiendrama mit der Königstochter Abigaille im Zentrum, das bei seiner Premiere im Juni 2019 in Zürich vom Publikum frenetisch gefeiert wurde.

Chor der Oper Zürich, Philharmonia Zürich, Fabio Luisi
Mit: Michael Volle (Nabucco), Benjamin Bernheim (Ismaele), Georg Zeppenfeld (Zaccaria), Anna Smirnova (Abigaille, vermeintliche erstgeborene Tochter Nabuccos), Veronica Simeoni (Fenena), Stanislav Vorobyov (Oberpriester des Baal), Omer Kobilijak (Abdallo), Ania Jeruc (Anna)

Das Musikmagazin

Lucerne Festival Orchestra, Riccardo Chailly

Chefdirigent Riccardo Chailly widmet sich mit dem Lucerne Festival Orchestra zur Eröffnung des Sommerfestivals 2019 dem russischen Komponisten Sergej Rachmaninow. Den Solistenpart in Rachmaninows 3. Klavierkonzert übernimmt Denis Matsuev. In diesem Konzert erklingen außerdem die Orchesterfassung der »Vocalise« op. 34 Nr. 14 und die 3. Symphonie, die der Komponist 1936 in seiner Villa Senar in Hertenstein bei Luzern vollendete.

Das Musikmagazin

Felix Mendelssohn Bartholdy komponierte für die Vierhundertjahrfeier der Erfindung der Buchdruckerkunst in Leipzig im Jahr 1840 seine 2. Symphonie, eine Symphoniekantate nach Worten der Heiligen Schrift mit dem Untertitel »Lobgesang«. Das Werk, das aus drei symphonischen Sätzen und einem großen mehrteiligen Vokalfinale besteht, ist Ausdruck der tiefen Frömmigkeit Mendelssohns. Es ist Beleg für seine Auseinandersetzung mit der Vokalmusik Händels und mit Ludwig van Beethovens Kompositionsmodell der 9. Symphonie. Und schließlich ist es auch eine Huldigung der Buchdruckerkunst, in der Mendelssohn den Sieg des menschlichen Geistes über die Finsternis der Unbildung sah.

Maria Callas: Diva und Stilikone. Eine der größten Opernsängerinnen aller Zeiten. 1964 scheint ihre Karriere am Ende: Nicht mehr ihr Gesang beherrscht die Schlagzeilen, sondern Skandale um die Affäre mit dem Milliardär Aristoteles Onassis. Doch ein epochaler Auftritt straft alle Kritiker Lügen. Die Dokumentation stellt das Konzert in den Mittelpunkt und kommentiert die Ereignisse mit dem Blick von heute.
Zu Beginn des Jahres 1964 erlebt die Musikwelt etwas völlig Unerwartetes. Maria Callas kehrt als Primadonna auf die Opernbühne zurück. Ihre »Tosca« am Royal Opera House wird zu einer Sensation. Nicht einmal die Beatles haben mehr Presse. Dabei scheint Maria Callas‘ ruhmreiche Karriere längst am Ende, sie selbst zum Mythos geworden zu sein. Nicht mehr ihre Stimme, sondern Skandale beherrschen die Schlagzeilen. Enttäuscht von ihrer Liebe zu dem Multimilliardär und Playboy Aristoteles Onassis will Maria Callas noch einmal allen zeigen, dass sie den Titel »Primadonna assoluta« zurecht trägt. Unter der Bedingung, dass Starregisseur Franco Zeffirelli die Regie übernimmt, erklärt sich die Ausnahmesängerin dazu bereit, die Rolle der Floria Tosca zu singen. Ihre Fans stellen sich vier, fünf Tage am Londoner Opernhaus in Covent Garden an, verbringen die kalten Winternächte in Schlafsäcken und auf Klappstühlen, um eine der begehrten Karten zu bekommen. Die BBC hat den zweiten Akt der Oper für das Fernsehen aufgezeichnet. Es ist einer der dramatischsten Akte der Operngeschichte: Um den Maler Cavaradossi aus den Händen der Folterer zu befreien, wird Floria Tosca schließlich den Polizeichef Scarpia ermorden. Die Filmaufnahmen gehören zu den ganz seltenen Möglichkeiten, Maria Callas in einer Opernaufführung zu sehen und ihre hoch emotionale Darstellungskunst und ihre stimmlichen Fähigkeiten zu erleben.

Programm:
– Sergej Rachmaninow: Konzert für Klavier Nr. 3 d-Moll op. 30
– Antonín Dvorák: Symphonie Nr. 9 e-Moll op. 95
«Aus der neuen Welt«
Orchester: Wiener Philharmoniker
Musikalische Leitung: Andrés Orozco-Estrada

Anfang der 60er Jahre standen sich am Potsdamer Platz zwei Bauwerke als konkurrierende Visionen für die Zukunft gegenüber: die Berliner Philharmonie, ein Zeichen der Offenheit und des Aufbruchs, und die Berliner Mauer, ein Symbol der Angst und Unterdrückung. Ein halbes Jahrhundert später steht im Herzen von Berlins kulturellem Zentrum, in der einst vom Krieg verwüsteten Stadtlandschaft, nur noch Hans Scharouns legendäre Philharmonie, eine atemberaubende Ikone der Moderne.In Wim Wenders‘ »Die Berliner Philharmonie« erlebt der Zuschauer das Gebäude durch die Augen etlicher Besucher und Mitarbeiter, die alle auf ihre Art tief mit ihm verbunden sind. ARTE lauscht den Orchesterproben im Konzertsaal, wo Scharoun die Bühne radikal neu erfand, indem er es wagte, sie mitten im Publikum zu platzieren. Die Dokumentation erlaubt Blicke und Einblicke in das Innenleben des legendären Hauses. Debussys »Jeux« bildet den Soundtrack für die bis heute wegweisende Architektur der Philharmonie.

2008 etablierte sich ein elegantes neues Bauwerk in dem von Problemen belasteten Hafen im Zentrum von Oslo. Das vom Architekturbüro Snøhetta gestaltete Opernhaus erwächst aus dem Fjord und beherbergt die Norwegische Oper und das Ballett. Sein scheinbar endloses, schneeweißes Marmordach und das elegante Interieur ziehen gleichermaßen Besucher an. Die Architektur lässt hier die üblicherweise strikte Trennung zwischen innen und außen verschwimmen – und bietet so eine einzigartige Mischung aus Hochkultur und Naherholung. Margareth Olins Film »Das Opernhaus Oslo« dokumentiert die zahllosen Menschen, die das schneeweiße Dach täglich überqueren, und Hunderte von Mitarbeitern und Performern des Hauses, die das Leben »dort oben« auf die Bühne übertragen. Er zeigt, wie sehr dieses Gebäude eine Symbiose von Kunst und Leben darstellt.

Der Film erzählt Mozarts große Liebe zu Mannheim nach, ohne Anspruch auf Vollständigkeit, indem er die Orte und Personen wieder zum Leben erweckt, die für Mozart wichtig waren. Gesprächspartner dafür sind weltberühmte Mozartkenner wie Dirigenten, darunter Nikolaus Harnoncourt, die ihre Leidenschaft für das musikalische Genie aus Salzburg bekunden.
Viermal war Wolfgang Amadeus Mozart in der kurpfälzischen Residenzstadt Mannheim, insgesamt waren es 176 Tage. Hier hörte er zum ersten Mal das beste Orchester seiner Zeit und schloss enge Freundschaften mit den Ausnahmemusikern der berühmten »Mannheimer Schule«. Und vor allem begegnete er seiner ersten großen und unglücklichen Liebe: der damals 16-jährigen Sängerin Aloysia Weber. Ihre Schwester Konstanze wurde später seine Frau. Mannheim war also weit mehr als nur eine Episode in Mozarts Leben, aber auch mehr als eine Episode in seinem Werk. Zwar entstanden hier keine seiner großen Opern und Sinfonien, aber, nicht zuletzt wohl Aloysias wegen, einige der schönsten Konzertarien, sein berühmtes Flötenkonzert und viele Sonaten für Klavier und Violine. In keiner Stadt hatte Mozart sich bis dahin so wohl und in seinem musikalischen Genie so verstanden gefühlt wie in Mannheim. Das beweist ein Brief an seinen Vater, in dem er schreibt, »Mit einem Wort: wie ich Mannheim liebe, so liebt auch Mannheim mich.«
Wo ist Mozart heute in Mannheim? Was ist davon geblieben? Wie setzen sich junge Menschen heute mit ihm und seiner Musik auseinander? Das ist die zweite Spurensuche dieses Films. Sie führt in die Musikhochschule des Landes, zum hochbegabten Nachwuchs in der Städtischen Musikschule und zu ganz normalen Kindern der »Mozartschule«. Es gibt ein Gespräch mit der legendären Primaballerina bei John Cranko und der Professorin an der Akademie des Tanzes, Birgit Keil, die eine Choreografie zu einer Mannheimer Liebesarie von Mozart für diesen Film schaffen ließ. Und es wird der Frage nachgegangen, ob Hip-Hop und Klassik sich versöhnen lassen. Nicht zuletzt wird gezeigt, wie Mannheim sich im Laufe der Jahrhunderte zu einer Stadt mit vielen Kulturen entwickelt hat. Der Film zeigt auch, dass es nicht immer ein »Zusammenprall der Kulturen« sein muss, wenn junge Türken sich mit Mozart und seiner Musik befassen.

Robert Schumann ist gerade 19 Jahre alt als er im Mai 1829 nach Heidelberg kommt. Er ist ein ehrgeiziger junger Mann, hat ein hervorragendes Abitur gemacht und bereits ein Semester in Leipzig studiert. Das Studium der Rechtswissenschaften führt ihn jetzt in die kleine Universitätsstadt am Neckar, so die offizielle Begründung. Die Juristerei betreibt Schumann jedoch mit wenig Leidenschaft, ihn zieht es viel mehr zur Poesie und zur Musik. Im Heidelberger Rechtsgelehrten Thibaut findet er nicht nur einen Gleichgesinnten, sondern auch einen Förderer seiner musikalischen Ambitionen. So verbringt er die meiste Zeit am Klavier, übt seine Fingerfertigkeit und studiert die Werke anderer Komponisten.
Schumanns Tagebüchern lässt sich entnehmen, dass er ständig unter Geldnot leidet und ganz offenkundig zu viel trinkt. Weit weg von Vormund und Mutter genießt er diese Freiheit des Studentenlebens, die Schönheit der Stadt und ihrer Umgebung. Nach einem Jahr Aufenthalt in Heidelberg entscheidet sich Schumann jedoch gegen die ungeliebte Juristerei. Er will Musiker werden. Sein Klavierlehrer Wieck in Leipzig unterstützt diesen Wunsch, auch gegenüber der skeptischen Mutter.
Schumann bricht auf in ein neues Leben, voller Enthusiasmus kehrt er im September 1830 nach Leipzig zurück. Dort will er sich fortan ganz der Musik widmen und Klaviervirtuose werden. Ein Leben lang behält er den Aufenthalt in Heidelberg in guter Erinnerung und kommt 21 Jahre später mit seiner Frau Clara noch einmal zu Besuch: in die Stadt seiner wilden Studentenjahre und der wichtigsten Entscheidung seines Lebens.

Das Musikmagazin

Johannes Brahms: Sinfonie Nr. 1 c-Moll, op. 68
Unter der Leitung des deutschen Dirigenten Markus Poschner spielt das Orchestra della Svizzera italiana die Sinfonie Nr. 1 c-Moll von Brahms in der neuen Konzerthalle in Lugano (LAC).
Johannes Brahms wurde schon zu Lebzeiten gelegentlich als »legitimer Nachfolger Beethovens« bezeichnet. Hans von Bülow bemerkte, die erste Sinfonie von Brahms sei »die Zehnte« von Beethoven.
Es brauchte 14 Jahre, bis Johannes Brahms die erste Sinfonie in C-Moll zur Uraufführung brachte. Zu mächtig schien ihm der Übervater Beethoven. In Sassnitz auf Rügen schließlich vollendete Brahms sein Werk.

Zu ihrem Debüt konzert am 31. Januar 2017 in der Philharmonie de Paris brachten Mariss Jansons und das Symphonie orchester des Bayerischen Rundfunks das Werk eines Komponisten auf die Bühne, zu dem das Orchester seit Rafael Kubeliks Mahler-Zyklus eine besonders enge Beziehung hat: Gustav Mahler. Solistin in den »Kindertotenliedern« ist die Mezzosopranistin Gerhild Romberger. Die Tragik, aber auch das tröstliche Moment, das Mahler in diesem Werk nach Texten von Friedrich Rückert in Klang gießt, wirkt unmittelbar in seiner entwaffnenden Direktheit. Den symphonischen Auftakt bildet ein Werk, das nur äußerst selten auf Konzertprogrammen zu finden sein dürfte: die furiose, hochdramatische Konzertouvertüre »Antigone« des tschechischen Komponisten Vladimir Sommer aus dem Jahr 1957.

Johannes Brahms: Sinfonie Nr. 2 D-Dur, op. 73
Während Brahms sich die erste Sinfonie über Jahre geradezu abgerungen hat, fiel ihm das Komponieren der Zweiten umso leichter. Seine zweite Sinfonie gilt eigentlich als seine Heiterste.
Am schönen Wörthersee, meinte Brahms, flögen die Melodien geradezu in der Luft herum. Trotzdem schrieb er an seinen Verleger: »Die neue Sinfonie ist so melancholisch, dass Sie es nicht aushalten. Ich habe noch nie so was Trauriges, Molliges geschrieben.«
Unter der Leitung von Markus Poschner macht das Orchestra della Svizzera italiana die komplexe Variationstextur dieser Sinfonie hörbar.

Johannes Brahms: Sinfonie Nr. 3 F-Dur, op. 90
Die beliebteste der Brahms-Sinfonien ist auch die kürzeste. In nur vier Monaten hat er sie komponiert. Ein Werk, das die Leichtigkeit einatmet, die diese Periode seines Lebens kennzeichnete.
Johannes Brahms hat sie 1883 in seinen Sommerferien in Wiesbaden fertiggestellt. Kritiker und Musikerkollegen lobten sie als das Beste, was Brahms bisher geschaffen hatte. Antonín Dvořák sagte über Brahms‘ 3. Sinfonie: »Das Herz geht einem dabei auf«.
Der Dirigent Markus Poschner brachte dieses innovative Werk zusammen mit dem Orchestra della Svizzera italiana in der Konzerthalle in Lugano (LAC) zur Aufführung.

Gewandhausorchester Leipzig, Andris Nelsons
»Nach jeder Aufführung komme ich immer mehr zu der Überzeugung, dass meine letzte Symphonie ein misslungenes Werk ist.« Dies schrieb der 48-jährige Peter Tschaikowsky an seine Freundin und Gönnerin Nadeschda von Meck. Dabei war die Uraufführung seiner »Schicksalssymphonie« im November 1888 in Sankt Petersburg durchaus kein Misserfolg. Die Begeisterung über das Werk wuchs sogar mit jeder weiteren Darbietung. Vermutlich lag es an der grüblerischen, von Selbstzweifeln geplagten Natur des Komponisten, die es ihm fast unmöglich machte, eine selbstbewusste Haltung zur eigenen Schöpferkraft zu entwickeln. So verlegte er sich in seinen letzten Lebensjahren zunehmend aufs Dirigieren.
Andris Nelsons, in dessen Interpretation das Werk zu erleben ist, äußerte einmal: »Ich denke, es ist ein unerfülltes Finale. Es steht in E-Dur, trotzdem empfinde ich es so, dass der vierte Satz vom Anfang bis zur Apotheose der Tanz des Bösen ist. Das klingt jetzt sehr einfach, natürlich, die Idee ist der Sieg des Schicksals, aber am Schluss gibt es einen Konflikt. Wir wissen nicht, wie er sich entscheidet. Soll er weiterkomponieren? Soll er sterben? Dieser letzte Satz reflektiert die Konflikte seines Lebens.«

Das Musikmagazin

Georgien: Vielvölkerstaat im Kaukasus, Land zwischen Orient und Okzident, zwischen Gestern und Morgen. Auf einer Anhöhe hoch über der Hauptstadt Tiflis steht die Zakaria-Paliashvili-Musikschule für hochbegabte Kinder. Der Putz bröckelt, die Treppen haben Löcher. Kaum ein Instrument ist unbeschädigt, und viele Lehrer sind so alt, dass sie die Urgroßeltern der Schüler sein könnten. Wer nach der strengen Aufnahmeprüfung durch die zerschrammte Eingangstür treten darf, tut es voller Stolz, denn regelmäßig erobern ehemalige Paliashvili-Schüler die Bühnen der Welt. So wurden hier die Geigerin Lisa Batiashvili und die Pianistin Khatia Buniatishvili unterrichtet.
Von diesem Erfolg träumen die Kinder und ihre Eltern oft noch mehr. Nicht selten ziehen ganze Familien aus entlegenen Regionen in die Hauptstadt, um ihrem Kind den Unterricht zu ermöglichen. Der Film begleitet die Schüler der Paliashvili-Musikschule und ihre Lehrer über den Zeitraum eines Schuljahres. Wer schafft es, dem Druck standzuhalten? Was lässt sie hadern, woran verzweifeln sie? Und was treibt die Schüler und Lehrer immer wieder aufs Neue an?

Klavier spielt man mit zwei Händen. Normalerweise. Aber was ist schon normal? Schon im 19. Jahrhundert haben Komponisten mit einhändigem Klavierspiel experimentiert: Sie komponierten Werke für die linke Hand – für die vermeintlich »schlechtere«, weil motorisch nicht so trainierte Hand.
Im Ersten Weltkrieg verliert der Wiener Industriellensohn Paul Wittgenstein seinen rechten Arm. Er hatte sich in den Kopf gesetzt, Pianist zu werden, um jeden Preis. Also gab er bei den großen Komponisten seiner Zeit Werke für seine linke Hand in Auftrag. Entstanden sind Werke, die klanglich, technisch und musikalisch so brillant sind, dass sie mittlerweile viele Pianist*innen faszinieren.
So außergewöhnlich Wittgensteins Geschichte klingen mag – sie schreibt sich fort bis heute. Sein Schicksal ist kein Einzelfall: Auch Pianisten wie Leon Fleisher oder Antoine Rebstein waren in ihrer Karriere gezwungen, einhändig zu spielen. Sie haben das Repertoire populär und die Geschichte des linkshändigen Spiels berühmt gemacht. So auch der Neurophysiologe Prof. Eckart Altenmüller, der auf Musiker*innen spezialisiert ist, denen in ihrer Karriere der Körper versagt.
Dass Musik immer dann besonders ist und uns berührt, wenn sie etwas Neuartiges eröffnet, zeigt der französische Pianist Pierre-Laurent Aimard: Er spielt das Klavierkonzert für die linke Hand und schreibt als zweihändiger Pianist die Geschichte Wittgensteins auf brillante Weise fort.

Im Mai 2019 widmete sich John Eliot Gardiner am Pult des Symphonieorchesters des Bayerischen Rundfunks Werken von Joseph Haydn. Die Symphonien Nr. 52 c-Moll und die »Trauersymphonie« Nr. 44 e-Moll wurden ergänzt durch die Kantate »Berenice, che fai?« mit der Sopranistin Anna Prohaska.
Der britische Dirigent John Eliot Gardiner gastiert regelmäßig beim Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks und stets gelingt es ihm, Musiker und Publikum mit Ausflügen in Repertoirebereiche zu begeistern, die in symphonischen Programmen eher selten erschlossen werden. Bei seinem Konzert im Mai 2019 im Herkulessaal der Münchner Residenz widmete sich Gardiner zwei der raren Moll-Symphonien von Joseph Haydn: Sowohl die Nummer 52 in c-Moll als auch die Nummer 44 in e-Moll spiegeln mit ihrer lodernden Dramatik das Zeitalter des »Sturm und Drang«. Das überirdisch schwebende Adagio aus der e-Moll-Symphonie hatte Haydn für sein eigenes Begräbnis bestimmt, was dem Werk den Beinamen »Trauersymphonie« eingebracht hat. Anna Prohaska ist die Solistin in Haydns Solo-Kantate »Berenice, che fai?«, die einer tragischen Opernszene gleicht: In einem Verzweiflungsausbruch befürchtet die ägyptische Königin den Selbstmord ihres Geliebten.

Gewandhausorchester Leipzig, Andris Nelsons
»Nach jeder Aufführung komme ich immer mehr zu der Überzeugung, dass meine letzte Symphonie ein misslungenes Werk ist.« Dies schrieb der 48-jährige Peter Tschaikowsky an seine Freundin und Gönnerin Nadeschda von Meck. Dabei war die Uraufführung seiner »Schicksalssymphonie« im November 1888 in Sankt Petersburg durchaus kein Misserfolg. Die Begeisterung über das Werk wuchs sogar mit jeder weiteren Darbietung. Vermutlich lag es an der grüblerischen, von Selbstzweifeln geplagten Natur des Komponisten, die es ihm fast unmöglich machte, eine selbstbewusste Haltung zur eigenen Schöpferkraft zu entwickeln. So verlegte er sich in seinen letzten Lebensjahren zunehmend aufs Dirigieren.
Andris Nelsons, in dessen Interpretation das Werk zu erleben ist, äußerte einmal: »Ich denke, es ist ein unerfülltes Finale. Es steht in E-Dur, trotzdem empfinde ich es so, dass der vierte Satz vom Anfang bis zur Apotheose der Tanz des Bösen ist. Das klingt jetzt sehr einfach, natürlich, die Idee ist der Sieg des Schicksals, aber am Schluss gibt es einen Konflikt. Wir wissen nicht, wie er sich entscheidet. Soll er weiterkomponieren? Soll er sterben? Dieser letzte Satz reflektiert die Konflikte seines Lebens.«

Vor der Traumkulisse von Schloss Schönbrunn laden die Wiener Philharmoniker bei freiem Eintritt zu einem besonderen Open-Air-Ereignis ein: zum »Sommernachtskonzert Schönbrunn 2019«.

Programm:
– Leonard Bernstein, Ouvertüre zu »Candide«
– Johann Strauss (Sohn), »Jubilee Waltz«, o.op.
– George Gershwin, »Rhapsody in Blue« (Fassung für Klavier und Orchester 1942)
– Max Steiner, »Casablanca-Suite«
– John Philipp Sousa, »Stars and Stripes Forever«
– Samuel Barber, »Adagio for Strings«
– Carl Michael Ziehrer, »Sternenbanner-Marsch«, op. 460
– Antonín Dvorák, Symphonie Nr. 9 in e-Moll, op. 95 «Aus der Neuen Welt«, 4. Satz, Allegro con fuoco

Orchester: Wiener Philharmoniker
Musikalische Leitung: Gustavo Dudamel

Die Geigerin Patricia Kopatchinskaja und der Dirigent Teodor Currentzis sind mitnichten nur die »jungen Wilden«. Hier treffen zwei musikalisch gereifte Persönlichkeiten aufeinander. Risikobereit, voller Energie und ausgestattet mit dem Mut, klassische Schönheit infrage zu stellen. Getragen werden diese beiden Ausnahmekünstler von einem Orchester – einer wahren Klassik-Band – das nicht reagiert, sondern aktiv mitgestaltet. So hat man Mendelssohns berühmtes Violinkonzert noch nicht gehört.
Das Konzert wurde 2015 in der Bremer »Glocke« im Rahmen des »Musikfestes Bremen« aufgezeichnet.

Josef Protschka, Tenor – Helmut Deutsch, Klavier
Mendelssohn: Eichendorff-Lieder

Dass der »Operettenkönig« Franz von Suppé auch Komponist geistlicher Musik war, ist weitgehend unbekannt. Umso bedeutender war die Wiederaufführung seines Requiems in d-Moll für Soli, Chor und Orchester beim Klangfest Ebrach 2012. Die Philharmonia Festiva und der Philharmonische Chor München unter der Leitung von Gerd Schaller überzeugen mit einer bewegenden Interpretation des 1855 entstandenen Werks, in dem Franz von Suppé zu einer ganz eigenen romantischen Klangsprache findet. Hochkarätige Solisten runden das Gesamtbild dieser »Aufführung mit Kultstatus« (Nürnberger Nachrichten) ab.

Es singen Marie Fajtová (Sopran), Franziska Gottwald (Alt), Tomislav Muzek (Tenor) und Albert Pesendorfer (Bass). Den prächtigen Rahmen für das Konzert bietet die Kathedralkirche des ehemaligen Zisterzienserklosters Ebrach aus dem 12. Jahrhundert, ein mitten im Steigerwald gelegenes architektonisches Kleinod. Die barocke Schönheit des Innenraums korrespondiert auf eindrucksvolle Weise mit der Musik. Darüber hinaus bezieht die Bildregie (Elisabeth Malzer) auch Außenaufnahmen aus dem Markt Ebrach und seiner Umgebung mit ein.

»Ein Überlebender aus Warschau«, Arnold Schönbergs eindringliches Melodram über eine Schreckensszene des Holocaust, geht in diesem Konzert vom Mai 2017 dem Requiem d-Moll von Wolfgang Amadeus Mozart voraus. Thomas Quasthoff in der Rolle des Erzählers sowie ein hochkarätiges Solistenquartett trafen im Herkulessaal der Münchner Residenz auf den Chor und das Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks unter der Leitung von Mariss Jansons.

Zürich 2016. Das Opernhaus Zürich bringt in einer groß besetzten Gemeinschaftsproduktion von Ballett und Oper eines der berühmtesten Werke des klassischen Repertoires auf die Bühne, Giuseppe Verdis »Messa da Requiem«. Christian Spuck, der Direktor des Balletts Zürich, ist Choreograph und Regisseur dieses außergewöhnlichen Unternehmens aus Musiktheater und Tanz. Die musikalische Leitung hat der Generalmusikdirektor der Oper Zürich inne, Fabio Luisi. Das Requiem ist ein Meisterwerk des oratorischen Konzertrepertoires. Verdi vertonte den lateinisch liturgischen Text der Messe und beschwört mit der musikalischen Dramatik, die man aus seinen Opern kennt, gigantische Bilder verschiedenster Gefühle herauf wie Angst, Zorn, Schmerz, Trauer und die Sehnsucht nach Erlösung.

Chor und Zusatzchor der Oper Zürich, Philharmonia Zürich, Fabio Luisi
Choreographie: Christian Spuck
Mit Veronica Simeoni (Mezzosopran), Krassimira Stoyanova (Sopran), Georg Zeppenfeld (Bass), Francesco Meli (Tenor)

Das Musikmagazin

Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks

Johann Sebastian Bach: Brandenburgisches Konzert Nr. 6
Paul Hindemith: Symphonie »Mathis der Maler«

Als Johann Sebastian Bach im Jahre 1717 zum »Capellmeister und Director der Cammermusiken« des Fürsten Leopold zu Anhalt-Köthen ernannt wurde, wandte er sich – seiner neuen Aufgabe entsprechend – vor allem der weltlichen Instrumentalmusik zu. In dieser Köthener Zeit entstanden auch die sechs Concerti grossi, die er am 24. März 1721 dem Markgrafen Christian Ludwig von Brandenburg widmete, und die später dessen Namen tragen sollten. Der Originaltitel dieser Konzerte »Six concerts avec plusieurs instruments«, die als Gipfelwerke der frühen Orchestermusik anzusehen sind, gibt einen Hinweis auf die Vielfalt der Soloinstrumente, die Bach damals zur Verfügung standen.
Ein großer Bachverehrer war Paul Hindemith (1895-1963), dessen Symphonie »Mathis der Maler« als zweites Werk des Konzertes mit dem Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks unter der Leitung seines damaligen Chefdirigenten Lorin Maazel im Herkulessaal der Münchner Residenz aufgeführt wurde. Inhalt und Titel der dreisätzigen Komposition, in der Hindemith betont auf Bachsche Fugen- und Imitationstechniken sowie auf das Stilmittel des gregorianischen Chorals zurückgreift, beziehen sich auf drei ausgewählte Bildtafeln des Isenheimer Altars: I. Engelskonzert, II. Grablegung, III. Versuchung des heiligen Antonius.

Bomi Song konnte mit eineinhalb Jahren lesen, machte mit 16 die Matura und studierte Musik. Ihre jüngere Schwester Hani stand ihr in nichts nach. »Reporter« hat beide in München getroffen. «Ich fühlte mich immer als eine Extrawurst«: Bomi Song denkt mit gemischten Gefühlen an ihre Kindheit zurück. Die heute 25-Jährige erstaunte Fachleute mit ihrer Virtuosität an der Geige und Lehrer mit ihrer raschen Auffassungsgabe. Drei Schuljahre übersprang sie. Als 16-Jährige machte sie die Matura an der Zürcher Kantonsschule für Kunst und Sport. Kurze Zeit später wagte sie, gerade 17 Jahre alt, ganz allein den Schritt an die Universität nach Berlin.
Auch Hani, die jüngere der zwei Song-Schwestern, fühlte sich unwohl mit ihren Talenten. »Ich habe oft extra langsamer gemacht oder versteckt, dass ich schneller oder besser war, als die anderen in meiner Klasse«, erzählt Hani. Sie habe nicht als Streberin gelten wollen und wäre am liebsten wie alle anderen gewesen. Besonders gestört hat die beiden Schwestern das Vorurteil, ihre koreanischen Eltern hätten sie zu Höchstleistungen getrieben. »Unsere Eltern haben uns nicht gepusht, wir wollten selber üben«, sagen die zwei.
Reporterin Nathalie Rufer begleitet die Schwestern seit 13 Jahren und hat sie für die »Reporter«-Reihe über Wunderkinder in München getroffen, wo die beiden inzwischen leben. Dem Geigenspielen sind sie treu geblieben: Hani macht in einem Jahr den Master an der Musikhochschule, Bomi hat eben angefangen, im Orchester des Nationaltheaters zu arbeiten.«

Dem Opernkapellmeister Arthur Nikisch ist zu verdanken, dass die Uraufführung der 7. Sinfonie des »hier noch gänzlich unbekannten« Anton Bruckner in Leipzig stattfinden und vor allem: dass sie zum Erfolg mit großer Strahlkraft über Leipzig und über das Jahr 1884 hinaus werden konnte. Im Gewandhaus, das damals unter der Ägide von Carl Reinecke stand und in dem ein konservativerer Geschmack vorherrschte, wäre dieses mutige Projekt kaum zu realisieren gewesen. Doch an der Oper, wo Wagners Gesamtkunstwerk Begeisterung auslöste, konnte Bruckners sinfonisches Pendant zum Musikdrama auf fruchtbaren Boden fallen.
Anton Bruckner nutzte die Leipzig-Residenz anlässlich der Uraufführung seiner 7. Sinfonie in erster Linie, um die Drucklegung seines neuen Werks einzufädeln. Glaubt man den Anekdoten, die sich um Bruckners Aufwartungen bei den Leipziger Verlegern ranken, ging er dabei wenig diplomatisch vor. Dem einflussreichen Peters-Editor Geheimrat Alfred Dörffel soll Bruckner auf die Feststellung, der letzte Satz sei doch etwas verworren, entgegnet haben: »Sehen S‘, dös hab’ns auch in Wien g’sagt, wie der Beethoven seine erste Symphonie aufg’führt hat – die Viechkerln!« Besseren Eindruck hinterließ das Spiel auf der Walcker-Orgel im soeben eröffneten neuen Gewandhaus.
Das Konzert wurde in den Gewandhausfestwochen im März 2018 aufgezeichnet. Gefeiert wurde der 275. Geburtstag des Leipziger Konzerthauses. Die eigentliche Geschichte des Gewandhaus-Orchesters beginnt am 11. März 1743. An diesem Tag gründete sich die Gesellschaft »Großes Concert«, mit der die Geschichte der regelmäßigen Konzerte des Orchesters ihren Anfang nimmt. Nirgendwo sonst in der Welt haben die Bürger einer Stadt so früh und so selbstbewusst ein öffentlich zugängliches Musikleben geschaffen. Zur Geschichte des Orchesters gehört auch seine einmalige Aufgabenfülle in der Stadt als Orchester in Kirche, Oper und Konzertsaal.

Bomi Song konnte mit eineinhalb Jahren lesen, machte mit 16 die Matura und studierte Musik. Ihre jüngere Schwester Hani stand ihr in nichts nach. »Reporter« hat beide in München getroffen. «Ich fühlte mich immer als eine Extrawurst«: Bomi Song denkt mit gemischten Gefühlen an ihre Kindheit zurück. Die heute 25-Jährige erstaunte Fachleute mit ihrer Virtuosität an der Geige und Lehrer mit ihrer raschen Auffassungsgabe. Drei Schuljahre übersprang sie. Als 16-Jährige machte sie die Matura an der Zürcher Kantonsschule für Kunst und Sport. Kurze Zeit später wagte sie, gerade 17 Jahre alt, ganz allein den Schritt an die Universität nach Berlin.
Auch Hani, die jüngere der zwei Song-Schwestern, fühlte sich unwohl mit ihren Talenten. »Ich habe oft extra langsamer gemacht oder versteckt, dass ich schneller oder besser war, als die anderen in meiner Klasse«, erzählt Hani. Sie habe nicht als Streberin gelten wollen und wäre am liebsten wie alle anderen gewesen. Besonders gestört hat die beiden Schwestern das Vorurteil, ihre koreanischen Eltern hätten sie zu Höchstleistungen getrieben. »Unsere Eltern haben uns nicht gepusht, wir wollten selber üben«, sagen die zwei.
Reporterin Nathalie Rufer begleitet die Schwestern seit 13 Jahren und hat sie für die »Reporter«-Reihe über Wunderkinder in München getroffen, wo die beiden inzwischen leben. Dem Geigenspielen sind sie treu geblieben: Hani macht in einem Jahr den Master an der Musikhochschule, Bomi hat eben angefangen, im Orchester des Nationaltheaters zu arbeiten.«

Den Beinamen »Ägyptisches Konzert« bekam das 5. Klavierkonzert, weil es während eines Aufenthalts von Camille Saint-Saëns in Luxor entstand. Saint-Saëns, der bis in seine späten Jahre ständig auf Reisen war, verarbeitet hier vornehmlich ägyptische, aber auch weitergefasste Reiseeindrücke. Tatsächlich enthält dieses Werk nicht nur von Ägypten inspirierte orientalische, sondern namentlich im zweiten Satz auch fernöstliche Klänge.
Saint-Saëns selbst schrieb zum Konzert: »Eine Art Orientreise, die in der Episode in Fis-Dur sogar bis zum Fernen Osten vordringt. Die Passage in G-Dur ist ein nubisches Liebeslied, das ich von Schiffern auf dem Nil singen gehört habe, als ich auf einer Dahabieh den Strom hinuntersegelte.«
Der französische Pianist Lucas Debargue kam scheinbar aus dem Nichts, hatte kein eigenes Klavier, brachte sich das Spielen selbst bei. Dann wurde Lucas Debargue beim gefürchteten Tschaikowsky-Wettbewerb 2015 zum Star. Seitdem spielt er überall auf der Welt. Im Gespräch mit Debargue erfährt der Zuschauer von seiner Vorliebe für Saint-Saëns »Ägyptisches Konzert«, aber auch seine besondere persönliche Geschichte: die Story eines scheuen Jungen, der Klavier durch Ausprobieren lernt, einfach weil es ihm Spaß macht, angetrieben von niemandem.

Vor 100 Jahren wurde mit dem Los Angeles Philharmonic ein Orchester gegründet, das musikalische Exzellenz mit einer besonderen Programmauswahl zu verbinden wusste. Die Musikdokumentation »100 Jahre Los Angeles Philharmonic« gibt Einblicke in das musikalische Spektrum des Klangkörpers an der Westküste der USA. und in seine Geschichte. Mit den amtierenden und ehemaligen Chefdirigenten Gustavo Dudamel, Zubin Mehta, Esa-Pekka Salonen und Frank Gehry, dem Architekten der Walt Disney Concert Hall. Darüber hinaus kommen zu Wort: Zachary Woolfe, Musikkritiker der »New York Times«, Mark Swed, Musikkritiker der »Los Angeles Times«, sowie Mitarbeiter des Los Angeles Philharmonic.

Vor 100 Jahren wurde mit dem Los Angeles Philharmonic ein Orchester gegründet, das musikalische Exzellenz mit einer besonderen Programmauswahl zu verbinden wusste. Als Auftakt zum Jubiläumjahr gab das Orchester für alle Bewohner seiner Heimat Los Angeles eine Riesenparty mit Jubiläumsprogramm und zahlreichen Premieren von Auftragswerken. Die Musikdokumentation »LA Phil 100 – Jubiläumskonzert aus der Walt Disney Concert Hall« gibt Einblicke in das musikalische Spektrum des Klangkörpers an der Westküste der USA und in seine Geschichte. Vor allem aber verdeutlicht der Film die Öffnung des Orchesters gegenüber der vielfältigen Bevölkerung von Los Angeles und das Engagement für die Jugend mit seinen Bildungsinitiativen.
Mit den amtierenden und ehemaligen Chefdirigenten Gustavo Dudamel, Zubin Mehta, Esa-Pekka Salonen und Frank Gehry, dem Architekten der Walt Disney Concert Hall. Darüber hinaus kommen zu Wort: Zachary Woolfe, Musikkritiker der »New York Times«, Mark Swed, Musikkritiker der »Los Angeles Times«, sowie Mitarbeiter des Los Angeles Philharmonic.

Auch 2014 sorgte »Christmas in Vienna« für Weihnachtsstimmung mit großen Werken aus der Klassik und mit Weihnachtsliedern aus aller Welt. Es singen Vesselina Kasarova (Sopran), Natalia Ushakova (Mezzosopran), Dmitry Korchak (Tenor) und Artur Rucinski (Bariton). Neben der Wiener Singakademie sind auch die Wiener Sängerknaben wieder mit dabei. Begleitet werden sie vom ORF Radiosymphonieorchester Wien unter der Leitung von Sascha Goetzel. ARTE sendet die Höhepunkte dieses Konzerts, das am 19. und 20. Dezember 2014 im Wiener Konzerthaus gegeben wurde.

Vor 100 Jahren wurde mit dem Los Angeles Philharmonic ein Orchester gegründet, das musikalische Exzellenz mit einer besonderen Programmauswahl zu verbinden wusste. Die Musikdokumentation »100 Jahre Los Angeles Philharmonic« gibt Einblicke in das musikalische Spektrum des Klangkörpers an der Westküste der USA. und in seine Geschichte. Mit den amtierenden und ehemaligen Chefdirigenten Gustavo Dudamel, Zubin Mehta, Esa-Pekka Salonen und Frank Gehry, dem Architekten der Walt Disney Concert Hall. Darüber hinaus kommen zu Wort: Zachary Woolfe, Musikkritiker der »New York Times«, Mark Swed, Musikkritiker der »Los Angeles Times«, sowie Mitarbeiter des Los Angeles Philharmonic.

Den Beinamen »Ägyptisches Konzert« bekam das 5. Klavierkonzert, weil es während eines Aufenthalts von Camille Saint-Saëns in Luxor entstand. Saint-Saëns, der bis in seine späten Jahre ständig auf Reisen war, verarbeitet hier vornehmlich ägyptische, aber auch weitergefasste Reiseeindrücke. Tatsächlich enthält dieses Werk nicht nur von Ägypten inspirierte orientalische, sondern namentlich im zweiten Satz auch fernöstliche Klänge.
Saint-Saëns selbst schrieb zum Konzert: »Eine Art Orientreise, die in der Episode in Fis-Dur sogar bis zum Fernen Osten vordringt. Die Passage in G-Dur ist ein nubisches Liebeslied, das ich von Schiffern auf dem Nil singen gehört habe, als ich auf einer Dahabieh den Strom hinuntersegelte.«
Der französische Pianist Lucas Debargue kam scheinbar aus dem Nichts, hatte kein eigenes Klavier, brachte sich das Spielen selbst bei. Dann wurde Lucas Debargue beim gefürchteten Tschaikowsky-Wettbewerb 2015 zum Star. Seitdem spielt er überall auf der Welt. Im Gespräch mit Debargue erfährt der Zuschauer von seiner Vorliebe für Saint-Saëns »Ägyptisches Konzert«, aber auch seine besondere persönliche Geschichte: die Story eines scheuen Jungen, der Klavier durch Ausprobieren lernt, einfach weil es ihm Spaß macht, angetrieben von niemandem.

Gewandhausorchester Leipzig, Andris Nelsons
»Nach jeder Aufführung komme ich immer mehr zu der Überzeugung, dass meine letzte Symphonie ein misslungenes Werk ist.« Dies schrieb der 48-jährige Peter Tschaikowsky an seine Freundin und Gönnerin Nadeschda von Meck. Dabei war die Uraufführung seiner »Schicksalssymphonie« im November 1888 in Sankt Petersburg durchaus kein Misserfolg. Die Begeisterung über das Werk wuchs sogar mit jeder weiteren Darbietung. Vermutlich lag es an der grüblerischen, von Selbstzweifeln geplagten Natur des Komponisten, die es ihm fast unmöglich machte, eine selbstbewusste Haltung zur eigenen Schöpferkraft zu entwickeln. So verlegte er sich in seinen letzten Lebensjahren zunehmend aufs Dirigieren.
Andris Nelsons, in dessen Interpretation das Werk zu erleben ist, äußerte einmal: »Ich denke, es ist ein unerfülltes Finale. Es steht in E-Dur, trotzdem empfinde ich es so, dass der vierte Satz vom Anfang bis zur Apotheose der Tanz des Bösen ist. Das klingt jetzt sehr einfach, natürlich, die Idee ist der Sieg des Schicksals, aber am Schluss gibt es einen Konflikt. Wir wissen nicht, wie er sich entscheidet. Soll er weiterkomponieren? Soll er sterben? Dieser letzte Satz reflektiert die Konflikte seines Lebens.«

Barbara Hannigan ist alles andere als eine konventionelle Orchesterchefin: Die kanadische Sängerin und Dirigentin präsentiert klassische Musik weitab vom Klischee des Maestros mit Frack und Fliege.
Die vielseitige und talentierte Künstlerin hat sich zum Ziel gesetzt, ihren guten Ruf in den Dienst besonders anspruchsvoller Musikrepertoires zu stellen. Für das Konzert »Rêve de Hongrie«, zu Deutsch »Traum von Ungarn«, führt sie das französische Rundfunkorchester Orchestre Philharmonique de Radio France durch die ungarische Musik des 20. Jahrhunderts. Dabei brilliert sie als Dirigentin ebenso wie als Sängerin.
Das Programm entspricht dem facettenreichen Wesen der Dirigentin: Es beginnt mit dem mitreißenden Ungestüm der Orchesterwerke von Bartók und Ligeti, dem Hannigan fast schon trotzig Einhalt gebietet, um alleine, nur in Begleitung des Zymbals, zwei Stücke von György Kurtág aus den 70er und 80er Jahren vorzutragen.
Hier schenkt sie dem Publikum einen Moment von geradezu verstörender Intensität: Klänge, Atemzüge, Friktionen und Soundcluster scheinen aus der Stille aufzusteigen und wieder dahin zu entschwinden. Dabei wirkt die Künstlerin, die im ersten Teil noch so stark und stolz erschien, fast zerbrechlich, wenn sie den Zuschauern direkt in die Augen blickt.
Den Höhepunkt bildet »Der wunderbare Mandarin« von Bartók, ein zugleich stürmisches und zauberhaftes Werk, bei dem die besondere Energie zwischen dem Orchester und der vielseitigen Ausnahmedirigentin besonders zum Tragen kommt.
Barbara Hannigan zeigt stets vollen Einsatz bei ihren Konzerten, die sie als eine Art persönliche Opfergabe an die Musik empfindet. »Rêve de Hongrie« bildet da keine Ausnahme.