Klassische Musik im TV

Mit Daniel Hope, Patricia Kopatchinskaja und Anoushka Shankar

Yehudi Menuhin verstand Musik nicht nur als Kunst, sondern als Beitrag zu einer besseren Gesellschaft. Unermüdlich versuchte er Brücken zu bauen und glaubte fest an die verbindende Kraft der Musik, mit der er die Welt verändern wollte. Zu seinem 100. Geburtstag erinnern Daniel Hope, das Konzerthausorchester Berlin, Anoushka Shankar & Ensemble sowie Patricia Kopatchinskaja an den Ausnahmekünstler und großen Humanisten.
Daniel Hope verbindet eine besondere Beziehung mit dem berühmten Geiger: Als Sohn von Menuhins Sekretärin lernte er sein großes Vorbild bereits im Kindesalter kennen und wurde schon früh von ihm gefördert und unterrichtet.
Mit dem Violinkonzert von Edward Elgar spielt Hope nun das Werk, das vielleicht am stärksten mit Menuhin identifiziert wird. Der erst 16-jährige Yehudi nahm es 1932 mit Elgar höchstpersönlich auf und behielt es sein Leben lang im Kernrepertoire.
Außerdem widmet sich das Konzerthaus Menuhins Freundschaft zu Ravi Shankar mit einem Abend voll indischer Musik und klassischen Ragas. 1967 nahmen die beiden die Platte »West meets East« auf, die für 18 Monate die Billboard-Charts der Klassik-LPs anführte. Zum 100. Geburtstag Menuhins lädt nun Ravi Shankars Tochter Anoushka zu einem ihrer seltenen Auftritte in Deutschland ein. Die berühmte Sitar-Spielerin verbindet erfolgreich traditionelle und spirituelle indische Klänge mit Popmusik von heute. Unterstützung erfährt sie dabei von Tanmoy Bose, Pirashanna Thevarajah und Kenji Ota. Und man darf sich auf den Gastauftritt einer weiteren großen Musikerin freuen: der Geigerin Patricia Kopatchinskaja.

Das Musikmagazin

Für einen von ihnen ist es die letzte Tournee, bevor er sich in den Ruhestand verabschiedet: Der Geiger Antonio Spiller ist gebürtiger Argentinier, für ihn ist die Konzertreise des BR-Symphonieorchesters eine Begegnung mit den Orten seiner Kindheit und mit den Mitgliedern seiner argentinischen Familie. Für viele der jüngeren Orchesterkollegen ist Südamerika dagegen Neuland. Entsprechend gespannt sind sie nach ihrer Ankunft aus Deutschland, was sie erwartet.
Sechs Konzerte stehen auf dem Programm dieser Tournee: Gespielt werden Werke von Brahms, Berlioz und Schostakowitsch, außerdem Beethovens 4. Klavierkonzert mit der japanischen Pianistin Mitsuko Uchida. Das Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks war 2014 zum ersten Mal seit fast 20 Jahren wieder zu Gast in Argentinien und Brasilien – und sorgte für Furore: Unter der Leitung ihres Chefdirigenten Mariss Jansons rissen die Musiker ihre südamerikanischen Fans immer wieder zu Begeisterungsstürmen hin.
Filmemacher Eckhart Querner und sein Kameramann Peter Gillemot sind mit den Musikern nach Südamerika gereist. Sie haben das Orchester und seinen Dirigenten bei Proben und Konzerten beobachtet und viel gelernt über Disziplin, Höchstleistung und den Traum vom persönlichen Glück.

Eddy liebt Musik, hat aber im Prinzip keine Ahnung, wie man Musik macht, geschweige denn, was Musik überhaupt ist. Deshalb beschließt er, Musikunterricht zu nehmen – und zwar bei der erfahrenen Klavierlehrerin Anna. Die Serie eröffnet Kindern spielerisch die nicht immer leicht zugängliche Welt der Musik: Welche Instrumente gibt es? Welche Rolle spielten sie in der Geschichte? Und welche Berufe und Musikrichtungen gibt es? Die amüsante Kindersendung führt die Zuschauer in kleinen Schritten und mit viel Humor an die Musiklehre heran.

Ball und Bacchanal, Rausch und Raffinesse – all das steckt in diesem Konzert, obwohl nur ein einziger Name draufsteht: Maurice Ravel. Doch Ravel ist ein Klangmagier par excellence, der den Zuhörer in immer neue musikalische Welten entführt, voller verschiedener Farben, Düfte und Aromen.
Im Dreivierteltakt tanzen sich Riccardo Chailly und das Lucerne Festival Orchestra in ihrem zweiten Programm des Sommers 2018 durch eine Walzerfolge, die wohl nostalgisch auf eine untergegangene Welt zurückblickt. Danach erzählen sie mit »Daphnis et Chloé – Suite Nr. 1« eine antike Liebesgeschichte. Und schließlich führen Orchester und Dirigent mit dem trommelwütigen »Boléro« zur finalen Ekstase.
Das Konzert wurde am 24. August 2018 im Kultur- und Kongresszentrum Luzern für ARTE aufgezeichnet.

Die Bühne des 1792 eröffneten Teatro la Fenice erlebte zahlreiche Erstaufführungen, wie Verdis »Rigoletto« und »La traviata«, im 20. Jahrhundert auch Stravinsky’s »The Rake’s Progress« und Britten’s »The Turn of the Screw«. Maria Callas, die hier zwischen 1947 und 1954 aufgetreten ist, sang in einer Saison sowohl die Brünnhilde in Wagners »Walküre«, als auch die Elvira in »I puritani«. Generalintendant Fortunato Ortombina führt Ioan Holender hinter die Kulissen seines traditionsreichen Hauses und schildert ihm den entsetzlichen Brand des Theatergebäudes im Jahre 1996, das daraufhin erst 2003 neu eröffnet wurde. Nach verschiedenen Einblicken in die, in Originalsprache aufgeführte, »Lustige Witwe« und »Il Barbiere di Siviglia«, präsentiert Ioan Holender auch Fenices Schwesternbühne – das »Teatro Malibran«. Unter anderem besichtigt Ioan Holender noch das Wagner-Museum auf dem Palazzo Vendramin und die San-Rocco-Malereischule, der Sixtinischen Kapelle Venedigs.

Der Dresdner Kreuzchor ist in der sächsischen Hauptstadt eine feste Institution. Als einer der ältesten und bekanntesten Knabenchöre der Welt gehört er zu den touristischen Attraktionen Dresdens – wie die Semperoper, der Zwinger oder das Grüne Gewölbe. Die Ursprünge der singenden Knaben lassen sich über 800 Jahre zurück verfolgen. Aus den Anfangszeiten ist wenig bekannt, vieles lässt sich nur vermuten.
Das Auf und Ab der Stadt- und Weltgeschichte spiegelte sich in der Historie des Chores: Aus einem Dorf wird die pulsierende Stadt Dresden, Kirchen werden gebaut, brennen und stürzen ein, werden wieder errichtet, Könige und Regierungen wechseln, die Reformation hielt mit Verspätung Einzug, gute Jahre folgen, schließlich das Überleben in zwei deutschen Diktaturen und der Neuanfang im wiedervereinten Deutschland.
Wie überdauert ein Chor eine so lange Zeit? Welche Höhepunkte gab es? Wie gelang es den Sängerknaben und ihren Kantoren, Umbrüche und existentielle Bedrohungen zu überwinden? Welche Musik beeinflusst ihn? Welche Gedanken und Menschen prägen ihn? Der Film ist eine Zeitreise durch acht Jahrhunderte – durch Geschichten und Musik – eine Suche nach den Ursprüngen und Wurzeln.
Außerdem gewährt der Film einen ungeschönten Einblick in den heutigen Alltag der Kruzianer. Er zeigt, wie die Jungen im Alumnat mit dem Heimweh fertig werden, wie sie versuchen, den hohen Ansprüchen von Chor und Schule zu entsprechen, wie sie das Miteinander von Jüngeren und Älteren gestalten. Und er erzählt vom Stolz der Kruzianer, zu einer Gemeinschaft zu gehören, die sich ganz in den Dienst der Musik stellt.

Gitarrenmusik, Instrumentenbau und Flamenco sind bedeutende Bestandteile der andalusischen Kultur. So wie die 12-jährige Claudia Calle, möchten viele junge Menschen im Süden Spaniens durch die Musik berühmt werden: Als Tänzer, Musiker oder Instrumentenbauer. Das Zentrum des handwerklichen Gitarrenbaus weltweit ist Granada. Und der dienstälteste von rund 40 Gitarrenbauern in der Stadt ist Francisco Manuel Díaz. In seiner Werkstatt unterhalb der Alhambra baut und repariert der 76-Jährige die wertvollen Instrumente.

Gioacchino Rossini wurde 1792 in Pesaro in der italienischen Provinz Marken geboren. Dort verbrachte Rossini seine Jugendjahre, dort begann auch seine steile Karriere als Opernkomponist. Auch in kulinarischer Hinsicht prägte die Region den Opernkomponisten, der ein großer Gourmet war. Die musikalisch-kulinarische Reise in die Vergangenheit und Gegenwart des Komponisten führt auch zum berühmten Rossini-Opernfestival in Pesaro. »Ich gebe zu, dreimal in meinem Leben geweint zu haben: Als meine erste Oper durchfiel, als ich Paganini die Violine spielen hörte und als bei einem Bootspicknick ein getrüffelter Truthahn über Bord fiel.«

Wiener Staatsoper, 2015
Mit Studierenden der Ballettakademie der Wiener Staatsoper

»Hänsel und Gretel« von Engelbert Humperdinck gehört zu den beliebtesten musikalischen Märchen und hat schon Generationen von Kindern und Jugendlichen die Welt der Oper erschlossen.Seit der Uraufführung durch Richard Strauss im Jahre 1893 im Weimarer Hoftheater wurde das Stück zu einem »Klassiker« der Opernliteratur. – 3sat zeigt eine Inszenierung des britischen Regisseurs Adrian Noble an der Wiener Staatsoper.Die Aufführung des zuletzt 1944 im Haus am Ring gespielten Werks von Engelbert Humperdinck dirigiert Christian Thielemann, der sich damit einen lang gehegten Wunsch erfüllt.

NDR Elbphilharmonie Orchester, Thomas Hengelbrock
Nicolas Altstaedt, Violoncello

Bartók: »Konzert für Orchester«
Wagner: »Lohengrin«, Vorspiel zum 3. Akt
Haydn: Konzert für Violoncello und Orchester, 2. und 3. Satz.

Das Musikmagazin

Zeit seines Lebens war der Oberösterreicher Anton Bruckner ein frommer Katholik und fleißiger Kirchgänger. Auch seine musikalische Ausbildung war von der katholischen Kirchenmusik geprägt. Lange Jahre war er Organist im Stift St. Florian sowie im Linzer Dom. Durch das Schreiben von Messen erhoffte Bruckner, seine Karriere als Komponist voranzutreiben.
Und tatsächlich machten ihn diese Werke über die Grenzen seines Bistums hinaus bekannt. Die 1. Messe d-Moll wurde bald auch in Konzertsälen gespielt, pikanterweise speziell in protestantischen Regionen wie Berlin oder Hamburg, dort sogar unter der Leitung von Gustav Mahler.

Kölner Philharmonie, November 2007

Chor Teatro Regio Turin, NDR Chor, WDR Rundfunkchor Köln
WDR Sinfonieorchester Köln, Semyon Bychkov
Mit Violeta Urmana (Sopran), Olga Borodina (Alt), Ramón Vargas (Tenor) und Ferruccio Furlanetto (Bass)

Guiseppe Verdi komponierte seine »Messa da Requiem« in den Jahren 1872/1873. Das Requiem ist dem Dichter Alessandro Manzoni gewidmet, dem wichtigsten Vertreters der Romantik in Italien.3sat zeigt eine Aufführung des Werks aus der Kölner Philharmonie vom 9. November 2007.Verdi, der versierte Opernkomponist, betrat mit seiner »Messa da Requiem« für ihn kompositorisches Neuland. Am 22. Mai 1874, ein Jahr nach dem Tod Manzonis, leitete Verdi die Uraufführung des Werks in der Kirche San Marco in Mailand. 1875 erfolgte die deutsche Erstaufführung, zwei Jahre später dirigierte Verdi selbst eine Aufführung in Köln.

Orchester: II Pomo d’Oro
Dirigent: Zefira Valova

Krimiautorin und Venedig-Kennerin Donna Leon führt durch die musikalische Karnevalsaison 1729 der Lagunenstadt: Sieben neue Opern gelangten zur Aufführung, und der berühmte Kastrat Farinelli gastierte in jener Saison. Auf einem Privatkonzert im Palazzo Zenobio in Venedig interpretiert die Mezzosopranistin Ann Hallenberg in Begleitung des Orchesters Il Pomo d’Oro unter der musikalischen Leitung von Zefira Valova die großen Arien des Karnevals von 1729.

Konzert von den Osterfestspielen Baden-Baden 2018
Eines der letzten Konzerte von Sir Simon Rattle als Chefdirigent der Berliner Philharmoniker: Der Konzertabend vereint den britischen Charakterkopf und eine großartige Sängerin, die Mezzosopranistin Elina Garanca, mit Jugendwerken von Alban Berg und Maurice Ravel. Die Stücke sind um die vorletzte Jahrhundertwende entstanden, in der Zeit des Jugendstils, als Kunst, Musik und Luxus Hand in Hand gingen. Hauptwerk des Abends ist Igor Strawinskys Ballettmusik »Petruschka«, die 1911 uraufgeführt wurde und zusammen mit »Le Sacre du Printemps« und »Der Feuervogel« seinen Weltruhm begründete.

Das Musikmagazin

Bereits zu den Pfingstfestspielen 2018 hatte die Neuproduktion von Rossinis »Italienerin in Algier« in Salzburg Premiere. Die Intendantin selbst – die große Cecilia Bartoli – verkörpert Isabella mit ihrem unbestechlichen Mezzosopran. Regie führt das Lieblingsteam der Bartoli: das Duo Moshe Leiser und Patrice Caurier. Jean-Christophe Spinosi dirigiert das Originalklangensemble Matheus. In weiteren Solistenrollen sind Edgardo Rocha als Lindoro, Ildar Abdrazakov als Mustafà und Rebeca Olvera als Elvira zu erleben. ARTE zeigt die Wiederaufnahme der »Italienerin in Algier« der Salzburger Festspiele des Sommers 2018.

Noch im Sommer 1941 genießt die 17-jährige Olga Kvade ihre von Musik und Theater geprägte Jugend im traumhaft schönen Leningrad. Doch schon wenige Wochen später steht die deutsche Wehrmacht, unter ihnen Unteroffizier Buff, vor den Toren der Stadt und schließt den Blockadering. Während der folgenden, 872 Tage andauernden Blockade Leningrads werden mehr als eine Million Zivilisten den Tod finden. Mit der Strategie des Aushungerns begeht die deutsche Wehrmacht auf Befehl Adolf Hitlers eines der größten Kriegsverbrechen des Zweiten Weltkriegs.

Eine Quelle des Lebens in diesen schweren Tagen ist das Radio und die Musik von Karl Eliasberg und seines Rundfunkorchesters. Unermüdlich kämpft er mit den Mitteln der Kunst gegen die Grausamkeit des Krieges an. Gerade als Eliasberg verzweifelt aufhören will, bekommt er den Auftrag seines Lebens. Er soll die 7. Symphonie von Dimitri Schostakowitsch aufführen. Als Zeichen des Widerstands soll das Werk den Deutschen und der Welt zeigen, dass Leningrad lebt. Der deutsche Unteroffizier Wolfgang Buff verzweifelt in dieser Zeit zunehmend an der Grausamkeit der Ostfront.

Die Stadt verwandelt sich in eine Hölle aus Hunger, Kälte und Tod. Als endlich die vollständige Partitur von einem tollkühnen Flieger in die Stadt gebracht wird, gelingt Eliasberg und dem Orchester das schier Unmögliche: Für einen kurzen Moment hält im Sommer 1942 der Krieg inne, und die Klänge der »Leningrader Symphonie« bahnen sich ihren Weg durch die Stadt bis hin zu den Stellungen der Deutschen.

Eindrückliche Interviews mit Zeitzeugen, einzigartige Archivaufnahmen aus dem besetzten Leningrad und aufwändig produzierte Spielszenen zeichnen die erschütternde Geschichte einer der berühmtesten Symphonien des vorigen Jahrhunderts. Die Belagerung Leningrads war eines der größten Kriegsverbrechen des Zweiten Weltkriegs und zugleich eine große Propagandaschlacht dieser Zeit: Die Aufführung der »Leningrad Symphonie« gilt in Russland bis heute als ein Wendepunkt des Krieges. »Das Wunder von Leningrad« schildert als packendes Doku-Drama diese Tragödie aus der Perspektive der Belagerten und der Belagerer und zeigt den grausamen Alltag einer Stadt, die dem Tode geweiht scheint. Neben den Interviews mit Zeitzeugen wie Olga Kvade und Joachim Buff, dem Bruder des Wehrmachtssoldaten Wolfgang Buff, wird der Film wissenschaftlich untermauert durch Experteninterviews mit dem Historiker Prof. Dr. Sönke Neitzel und der britischen Journalistin und Schriftstellerin Anna Reid.

Das Tripelkonzert gehört zu Beethovens seltener aufgeführten Werken – wohl auch, weil es gleich drei Solisten benötigt und diese gehörig fordert. Die Kombination eines Klaviertrios mit Orchester war lange Zeit ein Einzelfall der musikalischen Gattungsgeschichte. ARTE präsentiert das Konzert für Violine, Violoncello, Klavier und Orchester in C-Dur im Gewandhaus zu Leipzig, gespielt von einem exzellenten Solistentrio bestehend aus der Violinistin Isabelle Faust, dem Cellisten Jean-Guihen Queyras und dem Pianisten Martin Helmchen, begleitet vom Gewandhausorchester Leipzig unter der Leitung von Herbert Blomstedt.

»My Melodies«
»Um ihr Dasein intensiver zu spüren, fahren die Leute zum Bungee Jumping in die Schweiz – aber im Konzertsaal hocken sie alle in der warmen Badewanne. Da könnte doch ab und zu ein kalter Wasserguss daran erinnern, dass wir lebendige Menschen sind.« Soweit der 82-jährige Helmut Lachenmann im Juni 2018 anlässlich der Uraufführung seines neuen Werks »My Melodies« für acht Hörner und großes Orchester.
Er ruht sich nie auf dem Erreichten aus, obwohl er längst zu den bedeutendsten Komponisten der Gegenwart zählt. Mit seinem neuen Werk sucht er abermals das Neue, kehrt sich ab vom rein geräuschhaften Komponieren und findet einen neuen Klang, der die herkömmliche Art der Tonerzeugung auf klassischen Instrumenten mit den für ihn typischen experimentellen Spielweisen verbindet.
Die Entstehungsgeschichte der Komposition, die im Auftrag der musica viva des Bayerischen Rundfunks entstand, überspannt mehr als 20 Jahre. Fast zehn Jahre wartete das Publikum auf eine neues Werk Lachenmanns. So wurde die Uraufführung im Herkulessaal der Münchner Residenz zu einem zentralen Ereignis der Neuen Musik. Peter Eötvös dirigierte das Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks.

Eddy liebt Musik, hat aber im Prinzip keine Ahnung, wie man Musik macht, geschweige denn, was Musik überhaupt ist. Deshalb beschließt er, Musikunterricht zu nehmen – und zwar bei der erfahrenen Klavierlehrerin Anna. Die Serie eröffnet Kindern spielerisch die nicht immer leicht zugängliche Welt der Musik: Welche Instrumente gibt es? Welche Rolle spielten sie in der Geschichte? Und welche Berufe und Musikrichtungen gibt es? Die amüsante Kindersendung führt die Zuschauer in kleinen Schritten und mit viel Humor an die Musiklehre heran.

Der Dresdner Kreuzchor ist einer der weltberühmtesten Knabenchöre der Welt. Seit über 800 Jahren begeistert er sein Publikum. 2006 begann das Filmteam die Sängerknaben vor und hinter den Kulissen mit der Kamera zu begleiten. In der fünften Staffel erleben die Zuschauer hautnah die vierwöchige, stressige – aber auch sehr emotionale Adventszeit von sechs Kruzianern: Clemens, Tamino, Friedrich, Philipp, Timo und Julius.
In vier Wochen wird das große Adventskonzert im Dresdner Fußballstadion stattfinden. Tamino, Clemens, Friedrich, Philipp, Timo und Julius freuen sich auf dieses Großereignis, denn so ein Stadion ist doch ein ungewohnter Ort zum Singen. Kreuzkantor Roderich Kreile beginnt mit den Gesangsproben zu dem jazzigen Repertoire. Clemens darf sogar bei Dreharbeiten für einen Fernsehtrailer mit dabei sein.
Die Kruzianer packen aber erst einmal die Koffer. Der Chor fährt auf Weihnachtstournee und wird für drei Tage in Berlin im Konzerthaus am Gendarmenmarkt auftreten. Tamino muss mit seinem Heimweh kämpfen. Für ihn ist es die erste Tournee in seinem Kruzianer -Leben. Ohne Eltern, Wohnen im Hotel – alles für ihn ungewohnt. Die Älteren, wie Timo und Julius, sind dagegen erfahren. Sie freuen sich, neben dem Gesang im Konzerthaus, auch auf die vielen Freizeitaktivitäten. So gehen alle Jungs zusammen in einen Schokoladenladen und kreieren ihre eigene Schokolade. Ein süßes Vergnügen und gleichzeitig können die Sängerknaben gleich ein Weihnachtsgeschenk basteln.
Nach langen anstrengenden Proben geht es zum Bowlen. Hier wird sich richtig ausgetobt. Philipp kränkelt auf der Tournee. Er sitzt als Zuhörer bei den Proben und hofft, dass Hustenbonbons und heißer Tee seine Halsschmerzen verschwinden lassen. Ob er es schaffen wird, das Weihnachtskonzert mitzusingen?

Zum 25. Mal findet in der Deutschen Oper Berlin die jährliche Gala zugunsten der Deutschen AIDS-Stiftung statt. 3sat zeigt die Aufzeichnung vom 3. November 2018. Auch in diesem Jahr sorgen gefeierte Stars aus Italien, Russland und den USA für musikalischen Hochgenuss – und das alles ohne Gage und für einen guten Zweck. Den Part des „Opernführers“ übernimmt wieder Max Raabe.Dabei sind auch der Chor und das Orchester der Deutschen Oper Berlin, geleitet von dem italienischen Dirigenten Enrique Mazzola, erster ständiger Gastdirigent der Deutschen Oper Berlin.
Mit Dmitry Belosselskiy, Giorgio Berrugi, Venera Gimadieva, Stefano La Colla, Julia Lezhneva, Alexey Markos, Elena Maximova, Francesco Meli und Olga Peretyatko
Künstlerische Leitung: Jasmin Solfaghari, Alard von Rohr und Uwe Arsand

Regisseur Romeo Castellucci ist berühmt für seine visuell eindringlichen, symbolisch aufgeladenen und avantgardistischen Operninszenierungen. Am Brüsseler Monnaie-Theater inszeniert der italienische Theatermacher und Künstler Mozarts märchenhafte »Zauberflöte«.

Choeur de la Monnaie, Orchestre Symphonique de la Monnaie
Dirigent: Antonello Manacorda
Choreographie: Cindy van Acker
Ausstattung: Romeo Castellucci
Inszenierung: Romeo Castellucci

Mit: Gábor Bretz (Sarastro), Dietrich Henschel (Sprecher), Tineke van Ingelgem (Erste Dame), Angélique Noldus (Zweite Dame), Sophie Karthäuser (Pamina), Sabine Devieihle (Königin der Nacht), Georg Nigl (Papageno), Esther Kuiper (Dritte Dame), Elina Galitskaya (Papagena), Ed Lyon (Tamino), Elmar Gilbertsson (Monostatos), Guillaume Antoine (Erster Priester, Zweiter geharnischter Mann), Yves Saelens (Zweiter Priester, Erster geharnischter Mann)

Igor Strawinsky (1882-1971) – Der Feuervogel

Johannes Brahms – Sinfonie Nr.2 D-Dur, op.73

Kissinger Sommer 2017

Ab der Saison 2017 ist »Die Deutsche Kammerphilharmonie Bremen« für fünf Jahre das »Orchestra in Residence« des Festivals »Kissinger Sommer«. Ein Teil des Auftrags dieses vielseitigen Kammer-Symphonieorchesters ist die Aufführung der Symphonien von Brahms.
Unter der Leitung seines Chefdirigenten Paavo Järvi begann das Orchester die Reihe mit Brahms‘ zweiter Symphonie in D-Dur, op. 73. Brahms, der Beethoven auf das Höchste bewunderte und der Meinung war, nach Beethoven könne man keine Symphonien mehr schreiben, rang sich dennoch dazu durch und komponierte vier Symphonien.
Die zweite schrieb Brahms 1877 als bereits 43-Jähriger unmittelbar nach der Uraufführung der ersten Symphonie 1876.
Zur Interpretation durch Die Deutsche Kammerphilharmonie unter Paavo Järvi schrieb BR-Klassik-Musikredakteur Bernhard Neuhoff in seiner CD-Besprechung: »Järvi setzt auch hier wieder auf sein Markenzeichen, den transparenten, durchsichtigen Klang. Kaum Vibrato in den Streichern, markante Bläsersätze. Aber, und das macht seine Interpretation der Zweiten Symphonie so überzeugend, er gönnt dieser Musik zugleich auch all die Weiträumigkeit und Gefühlstiefe, die sie zu einem der absoluten Höhepunkte der musikalischen Romantik macht. Denn trotz seiner Traditionsverbundenheit war Brahms alles andere als ein trockener Klassizist. Und er hat, bei aller Beethoven-Verehrung, eben doch etwas absolut Neues und Zukunftsweisendes geschaffen, eine eigene symphonische Welt. Järvi, das hört man gleich in den ersten Takten, ist fest entschlossen, sie in ihrer unvergleichlichen Individualität zu erforschen. Vorurteilslos, mit dem Wissen um das kompositorische Niveau der Wiener Klassik, dem sich Brahms verpflichtet fühlte, zugleich aber beseelt von überströmender emotionaler Wärme. (…) Herausragend ist auch die Orchesterleistung der Deutschen Kammerphilharmonie Bremen. Der Klang ist zugleich schlank und warm, durchsichtig und atmend. Die Musiker reagieren mit Sensibilität und größter Präzision. Und im Finale lassen sie sich von Järvi in eine Art kalkulierten Rauschzustand versetzen, der, auf mich zumindest, absolut ansteckend wirkt.«

Teodor Currentzis ist unwidersprochen der aufregendste Dirigent der Gegenwart. Manche halten ihn gar für den zur Zeit »am heißesten gehandelten Dirigenten« – ein Ausnahmetalent, das die Klassikwelt zugleich begeistert und entzweit.
Zurückgezogen in Perm am Ural hat er sich mit seinem Orchester in jungen Jahren den Ruf eines manisch arbeitenden Musikers erworben, dem – obwohl er mit Mozart-Interpretationen berühmt wurde – das Label des »Klassikrebells« angeheftet wurde.

Hamilton Theatre, Ontario, Januar 2012
Gemeinsam mit dem Canadian Ballet Youth Ensemble hat die Tanzkompanie aus Havanna, Kuba, Pjotr Iljitsch Tschaikowskys »Nussknacker« im Januar 2012 im Hamilton Theatre, Ontario, aufgeführt.«Der Nussknacker« ist seit über 100 Jahren das beliebteste Ballett der Weihnachtszeit. Die Choreografie von Alicia Alonso, der über 90-jährigen Direktorin des Nationalballetts Kuba, beruht auf der Uraufführung 1892 von Lev Ivanov.Sie erzählt eine fantastische Geschichte nach E. T. A. Hoffmanns »Nussknacker und Mausekönig«. Tschaikowsky hat dazu eine hinreißende Musik mit Tänzen für Schneeflocken, Puppen und Kuchenkinder geschrieben.

Mit den Berliner Philharmonikern aus dem Festspielhaus Baden-Baden

Die für ihre Virtuosität und ihr Einfühlungsvermögen geschätzte georgische Geigerin Lisa Batiashvili hat mittlerweile enge Beziehungen zu einigen Weltklasse-Orchestern, darunter die Berliner Philharmoniker. Bei den Baden-Badener Osterfestspielen 2017 spielte sie das Violinkonzert von Antonin Dvorak. Der 1814 geborene Dvorak komponierte es in den Jahren 1879/80 und widmete es dem seinerzeit ebenso berühmten Geiger Joseph Joachim. Am Anfang stehen zwei der temperamentvollen »Slawischen Tänze« von Dvorak. Im zweiten Teil spielen die Berliner Philharmoniker Bartoks »Konzert für Orchester«.

Die Kirche, nicht nur Gotteshaus, sondern auch Ort für Versöhnung und Friedensarbeit, ist seit über 15 Jahren Schauplatz des Adventskonzerts. Die Solisten sind diesmal der weltbekannte Geiger Daniel Hope und die junge Sopranistin Hanna-Elisabeth Müller.
Daniel Hope zählt zu den bekanntesten Künstlerpersönlichkeiten in der Klassikszene. Er arbeitete eng mit Yehudi Menuhin, einem der großen Geiger des vergangenen Jahrhunderts, zusammen und war das jüngste Mitglied im legendären Beaux Arts Trio. Als Solist ist er weltweit gefragt. Darüber hinaus ist er als Pädagoge, Schriftsteller und Moderator tätig. Ende des vergangenen Jahres wurde Daniel Hope zum neuen Künstlerischen Leiter der Frauenkirche Dresden ernannt.
Hanna-Elisabeth Müller ist auf dem besten Weg, eine große internationale Karriere zu machen. Von einer Fachzeitschrift 2014 als »Nachwuchskünstlerin des Jahres« ausgezeichnet, hat sich die deutsche Sopranistin seither als Opern-, Konzert- und Liedsängerin einen Namen gemacht. Auftritte an der Bayerischen Staatsoper München, der Metropolitan Opera in New York, der Mailänder Scala oder bei den Salzburger Festspielen belegen dies eindrucksvoll.
Die musikalische Leitung des Adventskonzerts liegt in den Händen von Lorenzo Viotti. Der junge Schweizer zählt zu den besten und vielseitigsten Dirigenten der jungen Generation. Mit dem Orchester des Abends, der Sächsischen Staatskapelle Dresden, hat er bereits zusammengearbeitet.
Beim vorweihnachtlichen Programm wirken außerdem der Sächsische Staatsopernchor und der Kammerchor der Frauenkirche mit.

Obwohl Johann Sebastian Bachs h-Moll-Messe für den lutherischen Gottesdienst nicht vorgesehen war und vom Komponisten aus Werken verschiedener Schaffensperioden zusammengestellt wurde, ist sie doch eines der größten Meisterwerke der Musikgeschichte. Auf besonders berührende Weise drückt sie den ewig-menschlichen Zukunftswunsch aus, der in jeder Messe formuliert wird: dass Himmel und Erde, Gott und die Menschen in Einklang kommen.
Der Chor des Bayerischen Rundfunks unter der Leitung von Peter Dijkstra hat die
h-Moll-Messe zusammen mit dem Originalklang-Ensemble Concerto Köln in der gotischen St. Lorenzkirche Nürnberg aufgeführt. Die Solisten sind Christina Landshamer, Sopran, Anke Vondung, Alt, Maximilian Schmitt, Tenor, und Andreas Wolf, Bass.
Mit einer differenzierten Lichtregie, der Einbeziehung von Detailaufnahmen markanter Kunstwerke aus der Lorenzkirche sowie einer wechselnden räumlichen Anordnung der Mitwirkenden (Szenische Gestaltung: Folkert Uhde, Fernsehregie: Elisabeth Malzer) geht diese Produktion über hergebrachte Konzertdarbietungen weit hinaus. So erstrahlt der Kirchenraum im »Credo« erstmals in voller Höhe und in vollem Glanz, während das Licht im folgenden Teil nach und nach schwindet: das »Cruzifixus« wirkt irdisch und schwer. Mit jedem Paukeneinsatz des Schlusschores »Dona nobis Pacem« kehrt das Licht zurück, bis die Kirche am Ende wieder in aller Schönheit und Feierlichkeit erstrahlt.

Berlin ist nicht nur die Leuchtturm-Metropole der Klassik mit gleich mehreren Weltklasse-Orchestern, drei Opernhäusern und ikonischen Konzertsälen, sondern Berlin ist das Biotop, in dem die Klassik ihr Überleben und ihre Zukunft sichert. Der Film zeigt, wie lebendig, unverstaubt und ideenreich junge Musiker ihre Musik vermitteln. Ihre Konzerte sind ausverkauft, das Publikum begeistert.
Klassische Musik braucht neue Formen der Darbietung, um nicht im Elfenbeinturm stecken zu bleiben. Der Film zeigt, wie lebendig, unverstaubt, leidenschaftlich und ideenreich junge Musiker ihre Musik vermitteln. Ihre Konzerte sind ausverkauft, ihr Publikum ist begeistert.
Berlin ist nicht nur die Leuchtturm-Metropole der Klassik mit gleich mehreren Weltklasse-Orchestern, drei Opernhäusern und ikonischen Konzertsälen, sondern Berlin ist das Biotop, in dem die Klassik ihr Überleben und ihre Zukunft sichert. Denn Berlin zieht wie keine andere Kulturmetropole der Welt Klassik-Künstler an, die von der Idee befeuert sind, dass das klassische Konzert neue Aufführungskonzepte und Formate braucht, wenn es langfristig überleben will. Künstler, die alle Parameter der Klassik-Welt auf den Prüfstand bringen und neu definieren: was ist ein Konzert? Welche alternativen Konzert-Locations gibt es? Wie klingen zeitgemäße moderne Programme? Was heißt es überhaupt, Interpret klassischer Musik zu sein? Und vor allem: wie kommt man raus aus dem Elfenbeinturm, rein ins Leben?
Im Zentrum des Films stehen diese Musiker:
Joolz Gale und sein »Ensemble Mini«: acht bis zehn junge Musiker aus den Spitzenorchestern in Berlin, Leipzig und Dresden. Bekannt geworden durch Kammermusik-Arrangements der großen Sinfonien von Mahler, Bruckner und Co.
Das Stegreif Orchester ist ein Sinfonie-Orchester, das die großen Klassiker im Repertoire hat. Das Einzigartige dabei ist, dass die jungen Musiker in der Lage sind, immer wieder auch aus dem Stegreif zu spielen. Alle spielen auswendig, bewegen sich in teils festgelegten, teils improvisierten Choreografien und fügen in altbekannte Sinfonien immer wieder improvisierte Teile ein, die je nach Kontext alle erdenklichen Genre bedienen: Folklore, Jazz, Klezmer, Blues, Rock etc.- So entstehen eindrückliche Neudeutungen altbekannten Repertoires von performativer und auch visueller Kraft.
Alexeij Gerassimez gehört zu den renommiertesten und erfolgreichsten Schlagzeugern der Klassik-Szene. Er beherrscht Dutzende Perkussion-Instrumente aus aller Welt und ist leidenschaftlicher Klangsucher. Aus allen erdenklichen Alltagsgegenständen – vom Kochtopf bis hin zu Fundstücken vom Schrottplatz – entwickelt er packende rhythmische Landschaften. Seine Konzerte arbeiten mit multimedialen und performativen Elementen, kehren immer wieder aber auch zu den Klassikern zurück, die Gerassimez auf Vibraphon oder Marimbaphon spielt – von Bach über Tschaikowsky bis Pink Floyd.

Ball und Bacchanal, Rausch und Raffinesse – all das steckt in diesem Konzert, obwohl nur ein einziger Name draufsteht: Maurice Ravel. Doch Ravel ist ein Klangmagier par excellence, der den Zuhörer in immer neue musikalische Welten entführt, voller verschiedener Farben, Düfte und Aromen.
Im Dreivierteltakt tanzen sich Riccardo Chailly und das Lucerne Festival Orchestra in ihrem zweiten Programm des Sommers 2018 durch eine Walzerfolge, die wohl nostalgisch auf eine untergegangene Welt zurückblickt. Danach erzählen sie mit »Daphnis et Chloé – Suite Nr. 1« eine antike Liebesgeschichte. Und schließlich führen Orchester und Dirigent mit dem trommelwütigen »Boléro« zur finalen Ekstase.
Das Konzert wurde am 24. August 2018 im Kultur- und Kongresszentrum Luzern für ARTE aufgezeichnet.

Das Tripelkonzert gehört zu Beethovens seltener aufgeführten Werken – wohl auch, weil es gleich drei Solisten benötigt und diese gehörig fordert. Die Kombination eines Klaviertrios mit Orchester war lange Zeit ein Einzelfall der musikalischen Gattungsgeschichte. ARTE präsentiert das Konzert für Violine, Violoncello, Klavier und Orchester in C-Dur im Gewandhaus zu Leipzig, gespielt von einem exzellenten Solistentrio bestehend aus der Violinistin Isabelle Faust, dem Cellisten Jean-Guihen Queyras und dem Pianisten Martin Helmchen, begleitet vom Gewandhausorchester Leipzig unter der Leitung von Herbert Blomstedt.

Irgendwann ist es vorbei. Aber keiner will sich den Tag vorstellen, an dem es wirklich soweit ist, den Tag, an dem sie zum letzten Mal in der Garderobe ihre Muskeln wärmen, in den Kulissen stehen, gemeinsam warten, den Einsatz der Musik hören, und endlich auf die Bühne federn: zum allerletzten Mal.
Sie haben meist schon als kleine Kinder mit dem Tanzen begonnen und alles ihrer Leidenschaft geopfert. Wer professioneller Balletttänzer werden will, darf an nichts Anderes denken, ein ganzes Berufsleben lang. Nur ist dieses Berufsleben äußerst kurz. Für viele ist mit Ende Zwanzig die Karriere schon wieder vorbei.
Der Film begleitet den holländischen Tänzer Jaimy van Overeem an seinem letzten Abend auf die Bühne der Wiener Staatsoper, zeigt hautnah, wie er seinen Abschied vom Tanzen erlebt: Einen berührenden, höchst emotionalen Moment, denn kein Tänzer sieht dem Leben abseits der Bühne kühl und rational entgegen.
In München und Wien begegnet ein Filmteam Tänzerinnen und Tänzer, die den Wechsel in ein neues Leben, die Transition, schon bewältigt haben: eine Investmentberaterin, einen Physiotherapeuten, eine Kostümdesignerin, einen Tanzschulenleiter. Das Ballett hat sie stark gemacht – für eine neue Rolle.
Und es zeigt sich, dass das Thema dieses Films ein sehr existenzielles, ja universelles ist – die Liebe zum Beruf, die Opfer, die man dafür erbringen muss, und dann der Punkt, an dem alles zu Ende zu sein scheint, man sich neu erfinden muss: die große Wende im Leben.

Das Musikmagazin

Das erste Werk dieses Konzerts, das im April 1998 in der Münchner Philharmonie am Gasteig aufgezeichnet wurde, ist Maurice Ravels Rhapsodie espagnole. Maurice Ravel (1875 – 1937) wurde im Baskenland nahe der spanischen Grenze geboren. Viele seiner Werke zeigen den Einfluss spanischen Kolorits, insbesondere die frühen Orchesterwerke. Die 1907 entstandene Rhapsodie espagnole ist eine stimmungsvolle kleine Orchestersuite, deren vier Tanzsätze mit den Titeln »Vorspiel zur Nacht«, »Malaguena«, »Habanera« und »Feria« ein faszinierendes Klangfarbenspiel zu den typisch spanischen Tanzcharakteren entfalten.
Igor Strawinsky (1882 – 1971), dessen Bedeutung für die Musik des 20. Jahrhunderts man oft mit Pablo Picassos Werk in der bildenden Kunst verglichen hat, wurde mit drei großen Ballettkompositionen, die er für das Russische Ballett des Ballett-Impresarios Serge Diaghilew schrieb, berühmt: Der Feuervogel (1910), Petruschka (1911) und Le Sacre du printemps (1913). Von diesen Werken war und blieb Le Sacre du printemps das spektakulärste, nicht zuletzt, weil es bei der Uraufführung 1913 in Paris mit seinen »barbarischen Klangmassierungen und wilden Rhythmen« den größten Musikskandal aller Zeiten verursachte.

Eddy liebt Musik, hat aber im Prinzip keine Ahnung, wie man Musik macht, geschweige denn, was Musik überhaupt ist. Deshalb beschließt er, Musikunterricht zu nehmen – und zwar bei der erfahrenen Klavierlehrerin Anna. Die Serie eröffnet Kindern spielerisch die nicht immer leicht zugängliche Welt der Musik: Welche Instrumente gibt es? Welche Rolle spielten sie in der Geschichte? Und welche Berufe und Musikrichtungen gibt es? Die amüsante Kindersendung führt die Zuschauer in kleinen Schritten und mit viel Humor an die Musiklehre heran.

Auf die Frage, was Glück bedeutet, gibt es keine allgemeingültige Antwort. Der italienische Regisseur Diego Pascal Panarello begibt sich auf die Spuren eines kleinen, unscheinbaren Musikinstruments, das, wie es scheint, für ein ganzes Volk im tiefsten Sibirien der Schlüssel zum persönlichen Glück ist: die Maultrommel. Im Italienischen trägt das faszinierende Instrument den Namen Scacciapensieri – was wörtlich übersetzt so viel wie »Vertreibe die Gedanken« bedeutet. Stets dem Klang der Maultrommel folgend, möchte dieser Dokumentarfilm vor allem eines: für eine kurze Zeit jene Erfüllung und Zufriedenheit wiedergeben, die Diego auf seiner Reise gespürt hat.

Heute braucht der Checker ordentlich Puste! An der Musikhochschule München trifft Can die Musiker vom Blechbläserquintett Harmonic Brass. Sie checken mit Can die Posaune, das Horn, verschiedene Trompeten und das größte Blasinstrument überhaupt: die Tuba.
Wie aufwendig es ist, ein Blechblasinstrument zu bauen, probiert Can mit Trompetenbauer Peter aus. Anschließend trifft der Checker Alphornbläserin Johanna. Ihr über drei Meter langes Alphorn ist kilometerweit zu hören!
Richtig abgefahrene Blasinstrumente hat Musiker Toni. Er hat sich weit über hundert Tröten, Trompeten und Hupen aus Schrott gebaut – zum Beispiel eine Handschuhpumpe. Wie die wohl klingt?

Die Spielzeit 2018/2019 eröffnet die Mailänder Scala mit Giuseppe Verdis »Attila«.

Coro del Teatro alla Scala, Orchestra del Teatro alla Scala
Dirigent: Riccardo Chailly
Inszenierung: Davide Livermore
Ausstattung: Giò Forma e Davide Livermore

Foresto – Fabio Sartori
Attila – Ildar Abdrazakov
Odabella – Saioa Hernandez
Ezio – Simone Piazzola
Leone – Gianluca Buratto
Uldino – Francesco Pittari

Wiener Konzerthaus, 2018
Die große Gala der Filmmusik im Großen Saal des Wiener Konzerthauses widmet sich 2018 dem Schaffen von Hans Zimmer. Die unterschiedlichsten Filmgenres sind bei »Hollywood in Vienna« vertreten.Darunter Thriller wie »Der Da Vinci Code«, Sandalen- und Piratenfilme von »Gladiator« bis »Fluch der Karibik«, Komödien wie »Liebe braucht keine Ferien«, das Geschichtsepos »King Arthur«, Animationsfilme à la »Kung Fu Panda« und der Kriegsfilm »Pearl Harbor«.Vielseitig kann man auch die Kunst des deutschen Komponisten, einer der größten Hollywoods, nennen: Oscar-, Golden-Globe- und Grammy-Gewinner Hans Zimmer.
Mit Hans Zimmer, Lisa Gerrard, Martin Gellner, Aleksey Igudesman, Valentina Nafornita, Pedro Eustache, Rusanda Panfili, Marie Spaemann, Amir John Haddad »El Amir«, Eliane Correa, Anna Baulina, Monika Ballwein u. a.

Konzertaufzeichnung, August 2018
Zum 100. Geburtstag Leonard Bernsteins präsentiert das Boston Symphonie Orchestra ein Gedenkkonzert. Weltklasse-Dirigenten führen durch Werke Bernsteins, Mahlers und weiterer Komponisten.Musikalische Leiter sind Andris Nelsons, John Williams, Keith Lockhart, Christoph Eschenbach und Michael Tilson Thomas. Als Solisten wirkten unter anderen Thomas Hampson, Midori und Yo Yo Ma mit.Kaum ein Musiker des 20. Jahrhunderts hat gleichermaßen als Komponist und Dirigent dies- und jenseits des Atlantiks eine vergleichbare Popularität und Wirkkraft in der amerikanischen wie der europäische Musikwelt entfaltet wie Leonard Bernstein.

Mit Audra McDonald (Sängerin), Midori (Geige), Yo-Yo Ma (Cello), Kian Soltani (Cello), Jessica Zhou (Harfe), Nadine Sierra (Sopran) Susan Graham (Mezzosopran), Thomas Hampson (Bariton), Isabel Leonard, Jessica Vosk, Tony Yazbeck und andere Broadway-Künstler (»West Side Story«), James Darrah (Regie), Joshua Bergasse (Choreograf Tanglewood Festival Chorus) und James Burton (Dirigent).

Gerade Brahms‘ Sinfonien sind eine Fundgrube an musikgeschichtlichen Quellen. Darum nimmt Hengelbrock auch Teile aus den vier Sinfonien des Komponisten in den Fokus, denn diese sind für ihn »Resonanzräume der Brahms`schen Seele«. In kurzen Konzert- und Probenausschnitten, live im Gespräch eingespielt, werden Abschnitte aus dem Leben von Johannes Brahms, seine Art zu komponieren, seine musikalischen Themen und die Instrumentation für die Zuschauer verdeutlicht. Natürlich kommt auch zur Sprache, warum sich Brahms so schwer getan hat, seine erste Sinfonie zu komponieren, ob die Sinfonien etwas über die reine musikalische Aussage hinaus »bedeuten« und welche Interpretationen diese durch Zeitgenossen wie zum Beispiel Clara und Robert Schumann, Eduard Hanslick und anderen Kritikern erhielten.

Die NDR Radiophilharmonie spielt Joseph Haydn, Konzert für Trompete und Orchester Es-
Dur, Solist Wolfgang Bauer, aus dem Jahr 1998.

In einem Konzertfilm des Filmregisseurs Henri-Georges Clouzot spielen Yehudi Menuhin und die Wiener Symphoniker unter der Leitung Herbert v. Karajans das Violinkonzert Nr. 5 A-Dur von Mozart.Der 1965 entstandene Film ist ein bedeutendes Dokument aus der Pionierzeit der Visualisierung klassischer Musik. Die Aufnahme des Mozart-Konzerts wird eingeleitet von einem Gespräch zwischen Herbert von Karajan und Yehudi Menuhin.Es folgen Probenausschnitte mit Karajan, Menuhin und den Wiener Symphonikern.

Anton Bruckner: Symphonie Nr. 9 d-Moll
Alban Berg: Konzert für Violine und Orchester

Das Musikmagazin

Bei dieser Aufführung erklingen zwei der bewegendsten Melodien des Kirchenmusikrepertoires: das berühmte »Agnus Dei« aus Mozarts Krönungsmesse und das »Laudate Dominum« aus den »Vesperae solennes de Confessore«. Mitwirkende sind der Kammerchor Accentus und das Insula Orchestra unter der Leitung der französischen Dirigentin Laurence Equilbey. Als Sopranistin ist die Opernsängerin Sandrine Piau zu erleben. Schauplatz des herausragenden Konzerts ist die gotische Kathedrale von Saint-Omer im nordfranzösischen Pas-de-Calais.

Mit den Berliner Philharmonikern aus dem Festspielhaus Baden-Baden

Die für ihre Virtuosität und ihr Einfühlungsvermögen geschätzte georgische Geigerin Lisa Batiashvili hat mittlerweile enge Beziehungen zu einigen Weltklasse-Orchestern, darunter die Berliner Philharmoniker. Bei den Baden-Badener Osterfestspielen 2017 spielte sie das Violinkonzert von Antonin Dvorak. Der 1814 geborene Dvorak komponierte es in den Jahren 1879/80 und widmete es dem seinerzeit ebenso berühmten Geiger Joseph Joachim. Am Anfang stehen zwei der temperamentvollen »Slawischen Tänze« von Dvorak. Im zweiten Teil spielen die Berliner Philharmoniker Bartoks »Konzert für Orchester«.

Sweet Spot, das ist die akustische Komfortzone, der Ort mit dem optimalen Sound-Erlebnis. »SWEET SPOT« ist auch das junge Klassik-Magazin im BR-Fernsehen, im Radio und auf br-klassik.de. Hier treffen sich junge Musiker aus Klassik und Jazz: Stars und solche, die es noch werden wollen, kreative Köpfe, die die Musikwelt neu denken.

Im August und September 2013 ging Mariss Jansons mit 220 Musikern von Chor und Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks auf Reisen. 17 Tage lang waren sie auf Tournee quer durch Deutschland, in Österreich, England, Schottland und der Schweiz, traten bei den renommiertesten europäischen Musikfestivals auf, konzertierten in Salzburg, London, Luzern, Berlin, Edinburgh und Hamburg.
Wie leben und arbeiten Musiker, wenn sie fast jeden Tag in einer anderen Stadt auftreten? Wie reisen die vielen Instrumente?
Filmemacher Eckhart Querner und sein Kameramann Peter Gillemot haben Chor und Orchester zweieinhalb Wochen auf der Europa-Tournee begleitet, die Strapazen einer Konzertreise kennengelernt, aber auch die Leidenschaft in Proben und Konzerten hautnah gespürt und dann die Euphorie der Musiker und Sänger erlebt, wenn das Publikum wieder einen Auftritt umjubelt. Sie haben Mariss Jansons kurz vor und kurz nach einem Auftritt beobachtet und einen Chefdirigenten kennengelernt, der seinen Musikern Höchstleistung abverlangt, ihnen aber auch vertraut und dadurch höchste Klangkultur entstehen lässt.

Eddy liebt Musik, hat aber im Prinzip keine Ahnung, wie man Musik macht, geschweige denn, was Musik überhaupt ist. Deshalb beschließt er, Musikunterricht zu nehmen – und zwar bei der erfahrenen Klavierlehrerin Anna. Die Serie eröffnet Kindern spielerisch die nicht immer leicht zugängliche Welt der Musik: Welche Instrumente gibt es? Welche Rolle spielten sie in der Geschichte? Und welche Berufe und Musikrichtungen gibt es? Die amüsante Kindersendung führt die Zuschauer in kleinen Schritten und mit viel Humor an die Musiklehre heran.

In einem Konzertfilm des Filmregisseurs Henri-Georges Clouzot spielen Yehudi Menuhin und die Wiener Symphoniker unter der Leitung Herbert v. Karajans das Violinkonzert Nr. 5 A-Dur von Mozart.Der 1965 entstandene Film ist ein bedeutendes Dokument aus der Pionierzeit der Visualisierung klassischer Musik. Die Aufnahme des Mozart-Konzerts wird eingeleitet von einem Gespräch zwischen Herbert von Karajan und Yehudi Menuhin.Es folgen Probenausschnitte mit Karajan, Menuhin und den Wiener Symphonikern.

Bei dieser Aufführung erklingen zwei der bewegendsten Melodien des Kirchenmusikrepertoires: das berühmte »Agnus Dei« aus Mozarts Krönungsmesse und das »Laudate Dominum« aus den »Vesperae solennes de Confessore«. Mitwirkende sind der Kammerchor Accentus und das Insula Orchestra unter der Leitung der französischen Dirigentin Laurence Equilbey. Als Sopranistin ist die Opernsängerin Sandrine Piau zu erleben. Schauplatz des herausragenden Konzerts ist die gotische Kathedrale von Saint-Omer im nordfranzösischen Pas-de-Calais.

Die zweiteilige Doku »Tanzwelten« geht der Seele des Tanzes auf den Grund: Sie begibt sich zu den Ursprüngen weltweit tradierter Tanzformen. In Teil eins geht es um Flamenco und Capoeira.
Tanz fasziniert und fesselt das Auge. Doch Tanz ist viel mehr als nur ein visuelles Feuerwerk – es ist eine der ältesten Ausdrucksformen des Menschen. So erzählt jeder Stil auch Geschichten von der Kultur einer Region, von Menschen und ihren Leidenschaften.
Viele Tänze entstanden dort, wo sich Menschen gegen Unterdrückung auflehnten. Was offenbaren diese Tanzformen über die Mentalität und die Kultur eines Landes? Welche gesellschaftlichen und politischen Themen spielen eine Rolle? Und welche Bedeutung hat Tanz auch heute noch für die Menschen?
Flamenco begann einst mit Gesang und Klatschen, bevor erst später der Tanz hinzukam. Die Entstehung des Tanzes ist untrennbar mit der historischen, sozialen und kulturellen Entwicklung Andalusiens verbunden. Auf seinem Weg aus den kleinen Dörfern auf die großen Bühnen dieser Welt wird der Flamenco Symbol spanischer Lebensart.
Capoeira ist als der brasilianische Kampftanz ebenso eng mit der Geschichte seines Landes verbunden. Der Tanz entstand in der Kolonialzeit und wurde von den aus Afrika verschleppten Sklaven praktiziert. In ihm vermischen sich Elemente afrikanischer Tänze und brasilianischer Kampfkunst. Heute unterscheiden sich die Formen Capoeira Regional und Capoeira Angola.
Annabelle Mandeng macht sich für »Tanzwelten« auf den Weg nach Spanien und Brasilien, wo Flamenco und Capoeira entstanden sind. Dort trifft sie Menschen, die sich diesen Tänzen verschrieben haben. Außerdem tanzt die leidenschaftliche Tänzerin den Flamenco und Capoeira auch selbst, um diesen beiden Tanzstilen auf den Grund zu gehen und deren Seele am eigenen Leib zu erfahren.

Programm:
– W. A. Mozart: »Klavierkonzert No. 24«
– Richard Strauss: »Die Frau ohne Schatten« (Symhonic Fantasy)
– Johann Strauss jr.: Walzer »Wiener Blut« (op. 354)
– Maurice Ravel: »La Valse««

Mit Yasuhisa Toyota (Akustiker), Martijn
Vercammen (Akustiker),Valery Gergiev, Daniel
Barenboim, Anastasia Kobekina (Cellistin) u.a.
Wie schafft man einen Raum, dessen Klang Publikum und Musiker gleichermaßen begeistert? Einen Saal, der Architektur mit Klang verwebt – und damit selbst zum Instrument wird?
Star-Akustiker feilen auf der Suche nach dem perfekten Sound mit Hightech am Raumklang von Konzertsälen in aller Welt. Sounddesign bestimmt auch unser Erleben im Alltag. In dem Film gewähren einige der besten Akustiker Einblick in ihre Hexenküche der »Klangwunder«.
Bei der Eröffnung der Elbphilharmonie in Hamburg wurde neben der spektakulären Architektur auch ihre herausragende Akustik gefeiert – und der japanische Akustiker Yasuhisa Toyota wurde zum Liebling der Medien. Von der »ZEIT« zum »Dr. Sound« geadelt, ist der sympathische Japaner einer der weltweit gesuchten Stars unter den Akustikern. Neben Yasuhisa Toyota zählt dazu vor allem auch Martijn Vercammen. In der im Oktober 2017 wiedereröffneten Berliner Staatsoper hat er Daniel Barenboims Herzenswunsch nach einer besseren Akustik des prachtvollen Gebäudes Wirklichkeit werden lassen.
Filmemacher Günter Atteln lässt sich von den Raumakustikern in einigen der bedeutendsten Konzert- und Opernhäusern die Besonderheiten – und Probleme – dieser Räume erklären, besucht mit Valery Gergiev den Rohbau der neuen Philharmonie in Moskau und beobachtet die Maßnahmen zur Klang-Korrektur in der ehrwürdigen Mailänder Scala. Die Cellistin Anastasia Kobekina demonstriert, wie sich die unterschiedlichen Akustiken von Konzerträumen nicht nur auf den Klang ihres Instruments, sondern auch auf sie selbst und ihre Spielweise auswirken.
Wie sehr uns Klangeindrücke nicht nur im Konzertsaal, sondern auch in alltäglichsten Situationen beeinflussen, zeigen Exkurse in das weite Feld des Produkt-Klangdesigns: vom »fetten« Sound einer schließenden Autotür und dem satten Klicken eines Blinkerhebels bis zum richtigen »Crunch« von Cornflakes und dem knackig klingenden Biss von Würstchen: Psychoakustik und Sounddesign bestimmen unser oft unterbewusstes Erleben – und unsere Emotionen.

Sweet Spot, das ist die akustische Komfortzone, der Ort mit dem optimalen Sound-Erlebnis. »SWEET SPOT« ist auch das junge Klassik-Magazin im BR-Fernsehen, im Radio und auf br-klassik.de. Hier treffen sich junge Musiker aus Klassik und Jazz: Stars und solche, die es noch werden wollen, kreative Köpfe, die die Musikwelt neu denken.

Ein musikalisches Märchen von Sergei Prokofieff

Dirigent: Rafael Kubelik

Sinfonie Nr. 39 Es-Dur, Sinfonie Nr. 40 g-Moll KV und Sinfonie Nr. 41 C-Dur »Jupiter«

Drei Meisterwerke der Klassik sind von herausragender Bedeutung: die Sinfonien Nr. 39, 40 und 41 von Wolfgang Amadeus Mozart. Als ihr Schöpfer sich im Frühsommer 1788 in seiner Wiener Wohnung zum Komponieren zurückzog, entstand etwas, das zur Krone seines sinfonischen Schaffens werden sollte. In nur wenigen Wochen komponierte Mozart die ES-Dur-Sinfonie KV 543, die g-Moll-Sinfonie KV 550 und die C-Dur-Sinfonie KV 551, die als »Jupiter-Sinfonie« bekannt wurde. Drei Werke von sehr unterschiedlichem Charakter, die dennoch eine Einheit bilden und die unglaubliche Bandbreite des Meisters eindrucksvoll unter Beweis stellen. Diese Vielfalt wird an einem einzigen Konzertabend in der Hamburger Laeiszhalle vom NDR Sinfonieorchester unter der Leitung von Thomas Hengelbrock präsentiert.

Sweet Spot, das ist die akustische Komfortzone, der Ort mit dem optimalen Sound-Erlebnis. »SWEET SPOT« ist auch das junge Klassik-Magazin im BR-Fernsehen, im Radio und auf br-klassik.de. Hier treffen sich junge Musiker aus Klassik und Jazz: Stars und solche, die es noch werden wollen, kreative Köpfe, die die Musikwelt neu denken.

Von den Nazis und Kommunisten verboten, vom Papst mit einem Bann belegt: das Saxophon und seine Geschichte.
Dieses Instrument kann schmeichelnd säuseln, ebenso kraftvoll röhren und wurde damit für die einen zum Inbegriff der Musik des 20. Jahrhunderts und für andere wegen seiner Verführungskraft zu einem gefährlichen Ding, das es zu bekämpfen galt: Für sie ist das Saxophon »The Devil’s Horn«. Mitte des 19. Jahrhunderts – entwickelt von Adolphe Sax, diesem ebenso genialen wie besessenen Instrumentenbauer mit einer unglaublichen Biografie voll von Rückschlägen und Todesgefahren – trat das Saxophon innerhalb weniger Jahre seinen weltweiten Siegeszug sowohl in der klassischen Musik als auch in Unterhaltungs- und Militärkapellen an. Was vielen Komponisten und Arrangeuren so verlockend schien, war für andere aber ein Grund, das Saxophon zu verbannen: Das »wollüstige« Instrument war bei Nazis und Kommunisten verboten, im zaristischen Russland ebenso wie im imperialistischen Japan und wurde schließlich sogar vom Papst verurteilt. In den 50er Jahren kam das Saxophon selbst in der Traumfabrik Hollywood wegen seiner »offensichtlichen Sexualität« auf die schwarze Liste. Larry Weinstein erzählt die Geschichte des »Devil’s Horn« von der Werkstatt des Adolphe Sax über die legendären Jazz- und Bebop-Zeiten bis zu den »geheiligten« Konzertbühnen der klassischen Musikwelt als modernes Märchen im Mix von Doku- und Spielelementen. Mit faszinierendem Archivmaterial und bildstark inszenierten Erzählblöcken knüpft er an die Erfolge seiner vielfach preisgekrönten Filme wie »Ravel’s Brain« (2001), »Beethoven’s Hair« (2005) oder »The War Symphonies: Shostakovich Against Stalin« (1997) an.

Jordi Savall gilt als einer der Weltstars in Sachen der Alten Musik. Mit einem großen internationalen Ensemble und Chorsängern hat Savall nun die Geschichte Jerusalems als musikalisches Feuerwerk auf die Bühne gebracht. ARTE zeigt die Höhepunkte des Konzerts, das im Dezember 2017 in Berlin aufgezeichnet wurde.

Orchester: II Pomo d’Oro
Dirigent: Zefira Valova

Krimiautorin und Venedig-Kennerin Donna Leon führt durch die musikalische Karnevalsaison 1729 der Lagunenstadt: Sieben neue Opern gelangten zur Aufführung, und der berühmte Kastrat Farinelli gastierte in jener Saison. Auf einem Privatkonzert im Palazzo Zenobio in Venedig interpretiert die Mezzosopranistin Ann Hallenberg in Begleitung des Orchesters Il Pomo d’Oro unter der musikalischen Leitung von Zefira Valova die großen Arien des Karnevals von 1729.

Bei dieser Aufführung erklingen zwei der bewegendsten Melodien des Kirchenmusikrepertoires: das berühmte »Agnus Dei« aus Mozarts Krönungsmesse und das »Laudate Dominum« aus den »Vesperae solennes de Confessore«. Mitwirkende sind der Kammerchor Accentus und das Insula Orchestra unter der Leitung der französischen Dirigentin Laurence Equilbey. Als Sopranistin ist die Opernsängerin Sandrine Piau zu erleben. Schauplatz des herausragenden Konzerts ist die gotische Kathedrale von Saint-Omer im nordfranzösischen Pas-de-Calais.

Das Musikmagazin

Aus der Allerheiligen Hofkirche München

Windsbacher Knabenchor
Leitung: Karl-Friedrich Beringer
Silke Aichhorn, Harfe
Erzählerin: Cornelia Froboess
»Lasst uns das Kindlein wiegen«, ein Weihnachtskonzert aus der Münchner Allerheiligen Hofkirche mit Liedern, Gedichten und Erzählungen. Der Windsbacher Knabenchor unter der Leitung von Karl-Friedrich Beringer singt Weihnachtslieder aus aller Welt. Die Schauspielerin Cornelia Froboess liest Gedichte und Geschichten zur Weihnachtszeit, u. a. von Clemens von Brentano, Hans Christian Andersen und Conrad Ferdinand Meyer.

Eddy liebt Musik, hat aber im Prinzip keine Ahnung, wie man Musik macht, geschweige denn, was Musik überhaupt ist. Deshalb beschließt er, Musikunterricht zu nehmen – und zwar bei der erfahrenen Klavierlehrerin Anna. Die Serie eröffnet Kindern spielerisch die nicht immer leicht zugängliche Welt der Musik: Welche Instrumente gibt es? Welche Rolle spielten sie in der Geschichte? Und welche Berufe und Musikrichtungen gibt es? Die amüsante Kindersendung führt die Zuschauer in kleinen Schritten und mit viel Humor an die Musiklehre heran.

Der Chor Easo y Maitea die Misa Criolla (»Kreolische Messe«) von Ariel Ramirez in einer Studio-Aufzeichnung aus dem Jahr 1967 – dank Begleitband mit Mandolinen, Gitarren und Percussion eine schwungvolle Variante der Christmette.
Die Misa criolla Der Chor Easo y Maitea singt in einer Aufzeichnung aus dem Jahr 1967 argentinische Weihnachtslieder und Auszüge aus der Misa Criolla (»Kreolische Messe«) von Ariel Ramirez. Das Zweite Vatikanische Konzil erlaubte im Dezember 1963, als Liturgiesprache der Heiligen Messe auch die jeweilige Landessprache zuzulassen – der Komponist packte die Gelegenheit frisch beim Schopf und stellte 1964 diese spanischsprachige Messe vor. Mit ihren argentinischen Rhythmen sowie einer instrumentalen Begleitung mit traditionellen Instrumenten der Andenregion (Mandolinen, Hirtenflöte, Gitarren und Perkussion) schuf er eine schwungvolle Variante der Christmette – zum Zeitpunkt dieser Aufzeichnung 1967 für das deutsche Fernsehpublikum noch eine ungewohnte Erfahrung.

Die zweiteilige Doku »Tanzwelten« geht der Seele des Tanzes auf den Grund: Sie begibt sich zu den Ursprüngen weltweit tradierter Tanzformen. In Teil eins geht es um Flamenco und Capoeira.
Tanz fasziniert und fesselt das Auge. Doch Tanz ist viel mehr als nur ein visuelles Feuerwerk – es ist eine der ältesten Ausdrucksformen des Menschen. So erzählt jeder Stil auch Geschichten von der Kultur einer Region, von Menschen und ihren Leidenschaften.
Viele Tänze entstanden dort, wo sich Menschen gegen Unterdrückung auflehnten. Was offenbaren diese Tanzformen über die Mentalität und die Kultur eines Landes? Welche gesellschaftlichen und politischen Themen spielen eine Rolle? Und welche Bedeutung hat Tanz auch heute noch für die Menschen?
Flamenco begann einst mit Gesang und Klatschen, bevor erst später der Tanz hinzukam. Die Entstehung des Tanzes ist untrennbar mit der historischen, sozialen und kulturellen Entwicklung Andalusiens verbunden. Auf seinem Weg aus den kleinen Dörfern auf die großen Bühnen dieser Welt wird der Flamenco Symbol spanischer Lebensart.
Capoeira ist als der brasilianische Kampftanz ebenso eng mit der Geschichte seines Landes verbunden. Der Tanz entstand in der Kolonialzeit und wurde von den aus Afrika verschleppten Sklaven praktiziert. In ihm vermischen sich Elemente afrikanischer Tänze und brasilianischer Kampfkunst. Heute unterscheiden sich die Formen Capoeira Regional und Capoeira Angola.
Annabelle Mandeng macht sich für »Tanzwelten« auf den Weg nach Spanien und Brasilien, wo Flamenco und Capoeira entstanden sind. Dort trifft sie Menschen, die sich diesen Tänzen verschrieben haben. Außerdem tanzt die leidenschaftliche Tänzerin den Flamenco und Capoeira auch selbst, um diesen beiden Tanzstilen auf den Grund zu gehen und deren Seele am eigenen Leib zu erfahren.

Vom Meistertenor zur Pop-Ikone: Am 6. September 2017 gedachte die Musikwelt des 10. Todestags von Luciano Pavarotti, dem populärsten aller Opern-Tenöre. Was war das Geheimnis seines Erfolgs? Wie schaffte es Pavarotti, die Oper volkstauglich zu machen? Freunde, Wegbegleiter und Kollegen des Stimmwunders aus Modena kommen zu Wort. Mit dabei: Plácido Domingo, Ruggero Raimondi und Sting.

Mit Domsingschulen oder Ensembles, die an Schulen und Konservatorien gegründet wurden, hat der Pariser Kinder- und Jugendchor Sotto Voce wenig gemein. Er vereint 60 Kinder und Jugendliche zwischen 10 und 18 Jahren, deren gemeinsame Leidenschaft das Singen ist. Ihre Arbeit lässt sich nicht in ein einziges Genre einordnen, denn ihr breites Repertoire umspannt Melodien aus amerikanischen Musicals über Jazz und Klassik bis hin zu französischen Chansons. Dabei sind sie stets mit vollem Körpereinsatz dabei. Das Team um den Kinderchorspezialisten und Dirigenten Scott Alan Prouty lehrt die jungen Choristen Gesang, Stimmtechnik, Körperausdruck, Tanz und Theater – schließlich wird die Stimme durch den gesamten Körper transportiert.
Ob in Frankreich oder im Ausland, seit seiner Gründung im Jahr 1992 hat Sotto Voce über 600 Konzerte gegeben und die Zuschauer in aller Welt verzaubert.
Seit Jahren residiert der Chor regelmäßig im Pariser Théâtre du Châtelet und beteiligt sich an zahlreichen Produktionen. Jährlich gibt er ein Konzert auf der großen Bühne und verleiht klassischen Weihnachtsliedern auch schon mal einen jazzigen Touch.
Da das Pariser Châtelet wegen Renovierungsarbeiten geschlossen ist, wird »Singing in the Rain« unter der beeindruckenden Glaskuppel des Grand Palais aufgeführt. Den Jugendlichen bietet sich von dieser improvisierten Bühne ein ganz besonderer Blick in das Publikum, das sie unter Leitung ihres Dirigenten zum Mitsingen einladen. Der Chor sprüht förmlich vor positiver Energie, und ihre mitreißende Version von »Jingle Bells« würde sogar den Weihnachtsmann zum Mitsingen verleiten.

Der 1818 geborene französische Tänzer Marius Petipa ging Mitte des 19. Jahrhunderts ins Exil nach Russland, wo er Ballettmeister am Zarenhof wurde. Über fünf Jahrzehnte – bis zu seiner Absetzung im Jahr 1903 – feierte er Erfolge mit einer der angesehensten Kunstform des 20. und 21. Jahrhunderts: dem klassischen Tanz. Regisseur Denis Sneguirev lässt berühmte Choreographen, Tänzer und Dirigenten zu Wort kommen, die mit ihren Neuaufführungen von Petipas Choreographien sein Werk dem heutigen Publikum nahebringen.

Vor fünf Jahren beleuchtete die Dokumentationsreihe „Die Tanzschüler der Pariser Oper“ den intensiven Arbeitsalltag der Ballettschüler im Pariser Palais Garnier. Nun kehrt die Regisseurin Françoise Marie dorthin zurück und besucht die ehemaligen Schüler in der begehrtesten Ballettkompanie Frankreichs. Was ist aus Alice, Antonio, Clémence, Pablo, Roxane und den anderen geworden? Die fünfteilige Fortsetzung der Doku-Serie erzählt von ihren Herausforderungen, Zweifeln und Hoffnungen als junge Erwachsene und wirft einen Blick zurück auf ihre Schulzeit.

Dirigent: Mariss Jansons
Chor: Choeur de Saint-Pétersbourg, Choeur de chambre de Saint-Pétersbourg, Choeur du Théâtre Mikhailovsky
Orchester: Philharmonie de Saint-Pétersbourg
Mit: Vadim Repin, Yuri Bashmet, Denis Matsuev, Nikolai Lugansky, Paata Burchladze, Julian Rachlin, Matthias Goerne, Dinara Alieva, Arseny Alexeev, Karen Slack

An diesem Galaabend steht der renommierte, aus Riga stammende Dirigent Mariss Jansons am Pult des ältesten Symphonieorchesters Russlands: der weltberühmten Sankt Petersburger Philharmoniker. Zur Feier des 80. Geburtstags des langjährigen Leiters der Philharmoniker, Juri Temirkanow, gestaltet das Orchester ein fulminantes Spektakel, bei dem sowohl Werke des russischen Repertoires interpretiert werden, als auch Kompositionen von Mahler, Lehár, Milhaud und Gershwin. Weitere Mitwirkende des erlesenen Programms sind der Chor des Michailowski-Theaters und berühmte Solisten aus aller Welt.

Dirigent: Valery Gergiev
Kostüme: Simon Virsaladze
Choreographie: Marius Petipa
Komponist: Alexander Glazunow
Libretto: Lidia Pashkova, Marius Petipa
Mit: Viktoria Tereshkina (Raymonda), Konstantin Zverev (Abderakhman), Nadezhda Batoeva (Henrietta), Yekaterina Chebykina (Clémence), Xander Parish (Jean de Brienne), Orchester und Ballett des Mariinski-Theaters

Der Choreograph Marius Petipa gilt als Vater des klassischen Balletts. Mehr als sechzig Werke schuf der französische Ballettmeister, der zu Zarenzeiten in Sankt Petersburg wirkte und von dem einige der berühmtesten Choreographien des klassischen Repertoires stammen – so auch das Ballett »Raymonda«. In diesem Spätwerk vermischt Marius Petipa Tanz und Schauspiel, klassische Schrittfolgen und Einflüsse aus dem Volkstanz. Ein bunter Bilderreigen, der als eines der letzten Ballettmeisterwerke des zaristischen Russlands gilt und im prachtvollen Ambiente des Mariinski-Theaters seine ganze romantische Schönheit entfaltet.

Mit seinen 89 Jahren ist der Ausnahmekomponist Oleg Nikolajewitsch Karawaitschuk bis heute aktiv. Dieser kontroversen und gleichzeitig rätselhaften Persönlichkeit der russischen Kulturszene widmet der Filmemacher Andrés Duque dieses faszinierende Porträt. Der exzentrische Künstler spielt auf dem prächtigen Flügel von Zar Nikolaus II. in der Eremitage und erzählt vom verschneiten Weg ins Museum, von der Schönheit der Kunst und vom heutigen Russland. Worte und Musik verschmelzen zu einem poetischen Gesamtkunstwerk. Mit seiner Kunst hält Oleg Russland einen Spiegel vor und fordert die Identität des sich ständig wandelnden Landes heraus.

Der 1818 geborene französische Tänzer Marius Petipa ging Mitte des 19. Jahrhunderts ins Exil nach Russland, wo er Ballettmeister am Zarenhof wurde. Über fünf Jahrzehnte – bis zu seiner Absetzung im Jahr 1903 – feierte er Erfolge mit einer der angesehensten Kunstform des 20. und 21. Jahrhunderts: dem klassischen Tanz. Regisseur Denis Sneguirev lässt berühmte Choreographen, Tänzer und Dirigenten zu Wort kommen, die mit ihren Neuaufführungen von Petipas Choreographien sein Werk dem heutigen Publikum nahebringen.

Chor der Sixtinischen Kapelle, Massimo Palombella

Das Weihnachtskonzert des Chores der Sixtinischen Kapelle – aufgezeichnet 2017 in der einmaligen Atmosphäre dieses besonderen Ortes. Gesungen werden Werke von Palestrina, Desprez und anderen Meistern polyphoner Vokalmusik. Die Stücke entstammen der Musik-Bibliothek des Vatikans, der weltweit größten und bedeutendsten Sammlung von Manuskripten geistlicher Musik.

Ballett am Rhein Düsseldorf Duisburg
Düsseldorfer Symphoniker, Axel Kober
Choreographie: Martin Schläpfer
Kostüme: Florian Etti
Licht: Stefan Bolliger
Regie: Peter Schönhofer
Mit: Marcos Menha (Siegfried), Marlúcia do Amaral (Odette), Camille Andriot (Odile), Virginia Segarra Vidal (Siegfrieds Mutter), Chidozie Nzerem (Zeremonienmeister), Alexandre Simões (Benno), Claudine Schoch, Julie Thirault (Hofdamen), Brice Asnar, Rubén Cabaleiro Campo, Daniel Vizcayo (Siegfrieds Freunde), Aleksandra Liashenko, Feline van Dijken, Sonia Dvořák (Prinzessinnen), Alexandra Inculet, Irene Vaqueiro (Hofstaat), Young Soon Hue (Odettes Stiefmutter), Sonny Locsin (Rotbart), Boris Randzio (Odettes Großvater )

»Schwanensee« ist wohl das berühmteste Ballett aller Zeiten. Der vielfach preisgekrönte Schweizer Choreograph Martin Schläpfer erzählt die märchenhafte Geschichte über das Erwachsenwerden in seiner hochexpressiven Tanzsprache und entführt in eine Welt, in welche die Schwarze Romantik mit all ihren Geheimnissen, Träumen, Sehnsüchten und dunklen Wesen hereinbricht. In der bildstarken Verfilmung Peter Schönhofers ist das im Juni 2018 mit dem Ballett am Rhein und den Düsseldorfer Symphonikern unter der Leitung von Axel Kober uraufgeführte Werk nun im Fernsehen zu erleben.«

Chor der Sixtinischen Kapelle, Massimo Palombella

Das Weihnachtskonzert des Chores der Sixtinischen Kapelle – aufgezeichnet 2017 in der einmaligen Atmosphäre dieses besonderen Ortes. Gesungen werden Werke von Palestrina, Desprez und anderen Meistern polyphoner Vokalmusik. Die Stücke entstammen der Musik-Bibliothek des Vatikans, der weltweit größten und bedeutendsten Sammlung von Manuskripten geistlicher Musik.

Wiener Singakademie, Wiener Sängerknaben
ORF Radio-Symphonieorchester Wien, Christian Arming
Mit: Valentina Naforniţă (Sopran), Angela Denoke (Sopran), Dmitry Korchak (Tenor), Adrian Eröd (Bariton), José Feliciano (Gesang, Gitarre)

Das traditionelle Weihnachtskonzert aus dem Wiener Konzerthaus versammelt auch in diesem Jahr nationale und internationale Sängergrößen. Angela Denoke, Valentina Nafornita, Adrian Eröd und Dmitry Korchak singen Weihnachtslieder aus aller Welt. Special Guest in diesem Jahr: José Feliciano. Neben der Wiener Singakademie sind auch die Wiener Sängerknaben wieder mit dabei.

Seit 1984 ist Musik ein wesentlicher Bestandteil der Shows des Cirque du Soleil. Aus Anlass seines 30. Geburtstags organisierte der Cirque du Soleil im Dezember 2014 eine Reihe von Konzerten in der Kirche Saint-Jean-Baptiste in Montréal und stellte die Musik zum ersten Mal in den Mittelpunkt einer Show. Sechs Solisten interpretierten, begleitet von einem Chor und einem Orchester, die schönsten Stücke aus den bisher 35 Shows des Cirque du Soleil. Aufwendige Licht- und Videoinstallationen, die außergewöhnliche Architektur der Kirche sowie deren besondere Akustik machen die Musik zum Star der Show.

Eddy liebt Musik, hat aber im Prinzip keine Ahnung, wie man Musik macht, geschweige denn, was Musik überhaupt ist. Deshalb beschließt er, Musikunterricht zu nehmen – und zwar bei der erfahrenen Klavierlehrerin Anna. Die Serie eröffnet Kindern spielerisch die nicht immer leicht zugängliche Welt der Musik: Welche Instrumente gibt es? Welche Rolle spielten sie in der Geschichte? Und welche Berufe und Musikrichtungen gibt es? Die amüsante Kindersendung führt die Zuschauer in kleinen Schritten und mit viel Humor an die Musiklehre heran.

Vor fünf Jahren beleuchtete die Dokumentationsreihe „Die Tanzschüler der Pariser Oper“ den intensiven Arbeitsalltag der Ballettschüler im Pariser Palais Garnier. Nun kehrt die Regisseurin Françoise Marie dorthin zurück und besucht die ehemaligen Schüler in der begehrtesten Ballettkompanie Frankreichs. Was ist aus Alice, Antonio, Clémence, Pablo, Roxane und den anderen geworden? Die fünfteilige Fortsetzung der Doku-Serie erzählt von ihren Herausforderungen, Zweifeln und Hoffnungen als junge Erwachsene und wirft einen Blick zurück auf ihre Schulzeit.

Mit Domsingschulen oder Ensembles, die an Schulen und Konservatorien gegründet wurden, hat der Pariser Kinder- und Jugendchor Sotto Voce wenig gemein. Er vereint 60 Kinder und Jugendliche zwischen 10 und 18 Jahren, deren gemeinsame Leidenschaft das Singen ist. Ihre Arbeit lässt sich nicht in ein einziges Genre einordnen, denn ihr breites Repertoire umspannt Melodien aus amerikanischen Musicals über Jazz und Klassik bis hin zu französischen Chansons. Dabei sind sie stets mit vollem Körpereinsatz dabei. Das Team um den Kinderchorspezialisten und Dirigenten Scott Alan Prouty lehrt die jungen Choristen Gesang, Stimmtechnik, Körperausdruck, Tanz und Theater – schließlich wird die Stimme durch den gesamten Körper transportiert.
Ob in Frankreich oder im Ausland, seit seiner Gründung im Jahr 1992 hat Sotto Voce über 600 Konzerte gegeben und die Zuschauer in aller Welt verzaubert.
Seit Jahren residiert der Chor regelmäßig im Pariser Théâtre du Châtelet und beteiligt sich an zahlreichen Produktionen. Jährlich gibt er ein Konzert auf der großen Bühne und verleiht klassischen Weihnachtsliedern auch schon mal einen jazzigen Touch.
Da das Pariser Châtelet wegen Renovierungsarbeiten geschlossen ist, wird »Singing in the Rain« unter der beeindruckenden Glaskuppel des Grand Palais aufgeführt. Den Jugendlichen bietet sich von dieser improvisierten Bühne ein ganz besonderer Blick in das Publikum, das sie unter Leitung ihres Dirigenten zum Mitsingen einladen. Der Chor sprüht förmlich vor positiver Energie, und ihre mitreißende Version von »Jingle Bells« würde sogar den Weihnachtsmann zum Mitsingen verleiten.

Hervé Niquet und das Ensemble Concert Spirituel im Park von Schloss Chambord mit einem erlesenen Programm. Vor einem Publikum von über 4.000 Personen interpretieren sie das weltberühmte „Te Deum“ von Marc-Antoine Charpentier – dessen Präludium zur Kennmelodie für die Eurovision wurde – und zwei der berühmtesten Werke von Georg Friedrich Händel: die Suiten der Wasser- und der Feuerwerksmusik. Als Bouquet final gibt es ein echtes Feuerwerk parallel zur Musik.

Salzburger Bachchor, Alois Glassner
Les Musiciens du Louvre Grenoble, Marc Minkowski
Choreographie: Bartabas
Kostüme: Sophie Manach
Licht: Bertrand Couderc
Mit: Christiane Karg (Sopran), Académie Equestre de Versailles (Pferde und Reiter der Académie Equestre de Versailles), Stanislas de Barbeyrac (Tenor), Marianne Crebassa (Mezzosopran)

Der große Erfolg der Salzburger Mozartwoche 2015 ist ein Ereignis für alle Sinne. „Davide penitente“ vereint Mozart-Tradition mit der szenischen Umsetzung einer Choreographie für Pferde des einzigartigen Meisters seines Fachs, Bartabas, mit Mitgliedern der Académie Equestre de Versailles. Im deutschsprachigen Raum bisher kaum zu erleben, sind Bartabas und sein Team in Frankreich gefeierte Theaterkünstler. Er stellt in der Felsenreitschule jene ins Rampenlicht, für die diese einzigartige Stätte vor über drei Jahrhunderten errichtet worden ist: die Pferde.