Klassische Musik im TV

Vier der insgesamt zwölf Finalisten des diesjährigen Königin-Elisabeth-Wettbewerbs kamen aus Frankreich: Aurélien Pascal, Bruno Philippe, Yan Levionnois und Victor Julien-Laferrière. Der Jury-Favorit Julien-Laferrière überzeugte im Finale mit Dmitri Schostakowitschs Cellokonzert Nr. 1 op. 107. Begleitet wurde er von den Brüsseler Philharmonikern unter Leitung von Stéphane Denève. Der Cellist wurde am 25. Juni 1990 in Paris als Sohn einer Klarinettisten-Familie geboren. Mit vier Jahren bekam er ersten Musikunterricht. Als Siebenjähriger begann er das Cellospiel bei René Benedetti, mit 13 Jahren ging er an das Pariser Konservatorium, das er 2008 mit dem ersten Preis abschloss. Von 2009 bis 2014 war er zudem Schüler von Heinrich Schiff an der Universität für Musik und Darstellende Kunst in Wien, bis 2016 lernte er bei Clemens Hagen am Salzburger Mozarteum. Von 2005 bis 2011 nahm er an der Seiji Ozawa International Music Academy Switzerland teil. Im Jahr 2012 gewann er den ersten Preis sowie zwei Sonderpreise beim internationalen Wettbewerb Prager Frühling. 2013 wurde er bei den französischen Victoires de la Musique Classique in der Kategorie »Entdeckung Instrumentalsolist« ausgezeichnet. Der versierte Musiker interessiert sich auch für Kammermusik. 2012 gründete er mit der Violinistin Mi-Sa Yang und dem Pianisten Adam Laloum das Trio Les Esprits, eine Anspielung auf Beethovens Geister-Trio op. 70 Nr. 1. Ihr erstes Album erschien 2014 bei Mirare und umfasst unter anderem Beethovens Trio Nr. 6 und Schumanns Trio Nr. 3. Beim gleichen Label erschien ein Sonatenalbum mit Adam Laloum, das 2016 mit dem französischen Musikpreis Diapason d’Or ausgezeichnet wurde.

Dirigent: Elias Grandy
Orchester: Junge Sinfonie Berlin
Moderation: Rolando Villazón
Mit: Aida Garifullina (Sopran), Iurii Samoilov (Bariton), Felix Klieser (Horn), Elodie Baile (Harfe)

In einer neuen, außergewöhnlichen Location, dem ehemaligen Stummfilmkino Delphi, begrüßt Rolando Villazón sein Publikum zu vier neuen Folgen »Stars von morgen«. In dieser Folge sind die Sopranistin Aida Garifullina, der Bariton Iurii Samoilov, der Hornist Felix Klieser und die Harfenistin Elodie Baile zu Gast.
Mit dem Gewinn von Plácido Domingos Operalia-Wettbewerb begann die steile Karriere der russischen Sopranistin Aida Garifullina. Zu ihren Förderern zählt neben Plácido Domingo auch der Dirigent Waleri Gergijew. Inzwischen gehört Garifullina zum Ensemble der Wiener Staatsoper und ist dort bereits ein Publikumsliebling.
Als jüngster Finalist hat der ukrainische Bariton Iurii Samoilov 2009 beim Wettbewerb »Neue Stimmen« in der Opernwelt auf sich aufmerksam gemacht. Seit der Spielzeit 2014/2015 feiert er an der Frankfurter Oper große Erfolge und ist auf dem Sprung zu einer internationalen Karriere.
Mit Mitte 20 zählt Felix Klieser bereits zu den weltbesten Hornisten. Trotz seines Handicaps – er kam ohne Arme auf die Welt – spielt er sein Instrument äußerst virtuos und entlockt ihm Klänge, die das Publikum und die Fachwelt gleichermaßen begeistern. Bei den »Stars von morgen« spielt Felix Klieser einen Satz aus dem dritten Hornkonzert von Mozart.
Einen Flamenco der besonderen Art präsentiert die junge französische Harfenistin Elodie Baile, die damit in Rolando Villazóns Sendung ihre musikalische Kreativität unter Beweis stellt. Wie in den Staffeln zuvor ist das Orchester bei den »Stars von morgen« die Junge Sinfonie Berlin unter der Leitung von Elias Grandy.

»Die Kinder des Monsieur Jae-Chang Kim«: Der koreanische Opernsänger errichtete in den Slums der indischen Stadt Pune den Banana Children’s Choir. Von seinen Schülern wird er auch liebevoll »Angry Bird« genannt. Die Idee dahinter: spielerische Musikerziehung der Kinder und eine Auszeit vom tristen Alltag. Die Kinder nehmen ihre Aufgabe ernst, sie arbeiten hart, um sich zu verbessern. Die Töne schallen klar durch den kargen Raum, aufrichtig und ehrlich klingen ihre Stimmen. Lautes Lachen über falsche Töne erfüllt den Raum. Doch in den fünf Jahren seit Gründung des Chors war es für Jae-Chang Kim immer wieder eine Herausforderung, die Kinder zum Singen zu animieren – ein Großteil der Eltern sah darin keine sinnvolle, praktische Tätigkeit, die sie auf ein Leben in den Slums vorbereitete. Daher setzte Kim Hoffnung in ein gemeinsames Silvesterkonzert der Eltern und Kinder. Die Menschen wirken verändert. Fischverkäufer, die plötzlich rhythmisch summend ihre Fische entschuppen. Vater und Sohn stimmen zu Hause wie selbstverständlich ein Duett an. Und der geschiedenen Mutter, deren Tag 48 Stunden zu haben scheint, gibt der Gesang Energie. Über ein Jahr begleitet die Dokumentation dieses hoch emotionale Projekt, bis zum Abschlusskonzert. Sie zeigt Augenblicke der Verzweiflung, Entmutigung und Freude bis hin zu Ohnmacht und Erschöpfung. Unsicherheit, Überzeugung und Engagement – widersprüchliche Gefühle, die Eltern und Kinder teilen. Die Musik bringt Farbe und Lebensfreude in das harte Leben der Familien. Es offenbart sich: die Macht eines gemeinsamen Zieles und der kollektiven Schöpfung.

Dass die Orgel im Mittelpunkt eines symphonischen Abonnementkonzerts steht, ist außergewöhnlich. Im März 2019 war die lettische Organistin Iveta Apkalna zu Gast beim Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks. Sie zählt derzeit zu den populärsten Solistinnen an diesem Instrument. Die in Riga, Stuttgart und London ausgebildete Organistin gewann mehrere Wettbewerbe, darunter den Orgelwettbewerb im kanadischen Calgary. Sie machte sich auch einen Namen als Grenzgängerin mit einem ausgesprochen breit gefächerten Repertoire. In der Münchner Philharmonie im Gasteig spielte sie Francis Poulencs schillerndes »Konzert für Orgel, Streicher und Pauken«. Zum Konzert-Auftakt dirigierte Mariss Jansons die Ouvertüre »Carnaval Romain« von Hector Berlioz.

Dirigent: Elias Grandy
Orchester: Junge Sinfonie Berlin
Moderation: Rolando Villazón
Mit: Lucienne Renaudin-Vary (Trompete), Musica Sequenza, Valentina Nafornita (Sopran), Claire Huangci (Piano)

In einer neuen, außergewöhnlichen Location, dem ehemaligen Stummfilmkino Delphi, begrüßt der französisch-mexikanische Tenor Rolando Villazón sein Publikum zu vier neuen Folgen »Stars von morgen«. In dieser Folge hat er drei junge Solisten und ein außergewöhnliches Ensemble zu Gast: die Trompeterin Lucienne Renaudin Vary, die Sopranistin Valentina Nafornita, die Pianistin Claire Huangci und das Ensemble Musica Sequenza. Die Junge Sinfonie Berlin spielt unter der Leitung von Elias Grandy.
Lucienne Renaudin Vary ist erst 16 Jahre alt und wird in ihrer französischen Heimat auch als »Trompetenprinzessin« bezeichnet. Tatsächlich beherrscht sie mit einer virtuosen Selbstverständlichkeit bereits alle gängigen Trompetenkonzerte – wie etwa das Konzert in Es-Dur von Johann Nepomuk Hummel, das sie bei den »Stars von morgen« zum Besten gibt.
Die im moldauischen Glodeni geborene Sopranistin Valentina Nafornita ist auf dem besten Weg zu einer großen Gesangskarriere: Mit Ende 20 gehört sie zum Ensemble der Wiener Staatsoper und hat schon in der Mailänder Scala, den Staatsopern in Berlin und München sowie bei den Salzburger Festspielen gesungen.
Claire Huangci hat zahlreiche internationale Wettbewerbe gewonnen. Die amerikanische Pianistin chinesischer Abstammung verfügt über eine atemberaubende Virtuosität, begeistert ihr Publikum aber vor allem mit ihrer großen Musikalität. Das gelingt ihr auch in Rolando Villazóns Sendung eindrucksvoll.
Barockmusik im neuen Sounddesign spielt das Ensemble Musica Sequenza. Der in Istanbul geborene Fagottist und Leiter des Ensembles, Burak Özdemir, schafft durch moderne Instrumentierung neue Verbindungen zwischen unterschiedlichen musikalischen Welten.

Kinder aus ärmsten Verhältnissen werden an der Gandhi Ashram School im indischen Kalimpong am Rande des Himalaya unterrichtet. Die Schule wurde 1993 von dem kanadischen Jesuiten Edward McGuire gegründet und hat heute mehr als 200 Schüler im Alter von 6 bis 14 Jahren. Das Besondere: ein schuleigenes Orchester, mit dem die Kinder regelmäßig auf Tournee gehen. Einige schaffen es später sogar, als professionelle Musiker Karriere zu machen.

Jos van Immerseel und sein Ensemble Anima Eterna überraschen immer wieder mit ihren Interpretationen beliebter Meisterwerke des Repertoires. Nun haben sie sich Beethovens Symphonien vorgenommen. Ihre CD-Einspielungen wurden einhellig von Kritikern und Musikliebhabern gelobt. Heute bringt ARTE eine Kostprobe.
Im September 2009 führten Anima Eterna unter Jos van Immerseel im Brüssler Concert Noble die fünfte Symphonie auf. Immerseel dirigierte nicht nur, er erzählte auch, wie er zu Beethoven und insbesondere zu seiner fünften Symphonie steht. Als Zugabe steht Beethovens Prometheus-Ouverture auf dem Programm.

Sein Herz schlägt sicher für seine Heimatstadt Maastricht, aber verloren hat er es, dieses Mal jedenfalls, in Heidelberg. Auf dem wunderschönen Kornmarkt mit Blick auf das weltbekannte Heidelberger Schloss spielt der Maestro mit seinem Johann Strauss Orchester berühmte wie beliebte Melodien unter dem Motto »Ich hab mein Herz in Heidelberg verloren«. Die Fans erwartet ein herrlicher musikalischer Abend.
Zu den Mitwirkenden zählen u. a. Carla Maffioletti, The Platin Tenors, Die neuen Comedian Harmonists sowie, einmal mehr, Mirusia Louwerse.

Vor der Traumkulisse von Schloss Schönbrunn laden die Wiener Philharmoniker bei freiem Eintritt zu einem besonderen Open-Air-Ereignis ein: zum „Sommernachtskonzert Schönbrunn 2019“.Es dirigiert Gustavo Dudamel. Solistin ist Yuja Wang. Die chinesische Pianistin verbindet große Virtuosität mit charismatischer Bühnenpräsenz. Mit Bernsteins „Rhapsody in Blue“ in der Fassung für Klavier und Orchester bringt sie einen Publikumsliebling mit.Auf dem Programm stehen unter anderem Werke von Leonard Bernstein, George Gershwin, Anton Dvorák und Johann Strauß (Sohn). Mit Yuja Wang (Klavier)

Dirigenten, Musiker, Komponisten und Sänger aus Litauen, Lettland und Estland gibt es auffallend viele, die seit geraumer Zeit international Karriere machen: Mariss Jansons, die Järvi-Familie, Andris Nelsons, Mirga Grazinytė-Tyla, Gidon Kremer, Peteris Vasks, Arvo Pärt, Erkki-Sven Tüür, Elīna Garanca oder Kristīne Opolais – um nur einige zu nennen. Woher rührt das große musikalische Potential, was verbindet und unterscheidet die Musikkulturen der drei baltischen Länder?
Abgesehen von der gemeinsamen Geschichte und der Leidenschaft des Singens – die den Unabhängigkeitskampf der Balten beflügelte – verbindet diese Länder wenig, behauptet die in Hamburg lebende lettische Komponistin Ruta Paidere. Ist dem wirklich so? Komponisten wie Raminta Serksnytė, Peteris Vasks, Jekabs Jansevskis, Erkki-Sven Tüür, Musiker wie Iveta Apkalna, Laima Jansone und Tõnu Kaljuste sowie Mitglieder der international erfolgreichen Kremerata Baltica, die sich aus den begabtesten Musikern Lettlands, Litauens und Estlands zusammensetzt, setzen sich in Beziehung zu den eigenen Wurzeln und denen ihrer Nachbarländer und zu den traumhaft schönen Naturlandschaften des Baltikums.
Die Filmemacher besuchten auf einer frühsommerlichen Reise die großen Sängerfeste in Vilnius, Riga und Tallin und bekannte Volksmusiker, die tradierte Instrumente spielen und bewahren. Mit Witz und Charme zeigen die Musiker dabei Gemeinsamkeiten und Unterschiede ihrer Musikkultur, führen auf dem Landweg und zu Wasser von den großen Städten in die musikalische Provinz, zaubern spontane Sessions und stellen so ganz nebenbei auch die bewegte Geschichte des Baltikums vor. Es entsteht ein facettenreiches und unterhaltsames Bild der drei kleinen Ostseeländer mit ihrem riesigen musikalischen Potential.

Weltstar André Rieu ist einer der populärsten Musiker unserer Zeit. 2018 bereiste er mit seinem Johann Strauss Orchester 21 Länder auf fünf Kontinenten. Doch am schönsten ist es zu Hause und so zieht es ihn jährlich für seine riesigen Sommerkonzerte auf den wunderschönen mittelalterlichen Vrijthof in seiner Heimatstadt Maastricht. Dabei begeisterte André Rieu über 150.000 Fans aus mehr als 80 Ländern. Ein neuer Rekord. Die Zuschauer erwarten weltbekannte, romantische und gefühlvolle Melodien, Überraschungen, viel Humor und zahlreiche internationale Solisten.

Im Sommer 2019 jährt sich zum zehnten Mal der Todestag von Pina Bausch. Jo Ann Endicott, Tänzerin und Weggefährtin Pinas, erinnert sich an die Choregrafie-Legende. Der Film zeigt Jo Ann Endicott und ihr Leben beim Tanztheater Wuppertal und wirft zugleich einen intimen Blick auf Pina Bausch. Jo Ann Endicott hat über 45 Jahre in ihrem Ensemble getanzt – beide ergänzten einander auf geniale, aber auch tragische Weise.
Film von Birgit Adler-Conrad

Mehr Infos zu diese Sendung hier…

Das Lucerne Festival ist legendär: Seit über 75 Jahren lockt es international renommierte Dirigenten und Musiker an. Das zweite Programm im Sommer 2018 stand ganz im Zeichen von Ravel.
Im Dreivierteltakt tanzen sich Riccardo Chailly und das Lucerne Festival Orchestra durch zwei Walzerfolgen, die auf eine untergegangene Welt zurückblicken. Mit »Daphnis und Chloé« erzählen sie eine antike Liebesgeschichte und führen mit dem »Boléro« zur finalen Ekstase.
Ball und Bacchanal, Rausch und Raffinesse – all das steckt in diesem Konzert, obwohl nur ein einziger Name auf dem Programmzettel steht: Maurice Ravel. Doch Ravel ist ein Klangmagier par excellence, der das Publikum in immer neue musikalische Welten entführt, voller verschiedener Farben, Düfte und Aromen.

Als Goethe seine Ballade »Die erste Walpurgisnacht« im Mai 1799 schrieb, war sein Wunsch, dass das Werk umgehend als Chorkantate vertont werden sollte. Doch nach mehr als 15 Jahren gab der auserwählte Komponist und Freund Goethes, Carl Friedrich Zelter, die Aufgabe ab. Er fühlte sich ihr nicht gewachsen und beauftragte damit seinen Schüler Felix Mendelssohn. Der hatte nach eigener Aussage »ein besonderes Faible für den Hexenspuk« und machte daraus ein Meisterwerk für Soli, Chor und Orchester.

Pausenfilm im Rahmen des Schleswig-Holstein-Musikfestival aus dem Jahre 2000. Es spielt das NDR Elbphilharmonie Orchester (vormals NDR Sinfonieorchester) unter der Leitung von Christoph Eschenbach.

Brillante, unbestechliche, atemraubende pianistische Technik hat einen Namen: Yuja Wang! Die schiere Geschwindigkeit, mit der die Pianistin halsbrecherische Läufe zu spielen vermag, versetzte 2017 bei »Klassik am Odeonsplatz« auch das Publikum in Staunen und Jubel. Vor allem, als die chinesische Pianistin als Zugabe ihr eigenes Arrangement von Mozarts »Rondo alla turca« zum Besten gab. Aber im Zentrum stand an diesem Abend ein anderes Werk, ein besonderer Favorit von Wang: das 1. Klavierkonzert von Johannes Brahms. Als dieser die ersten Ideen dazu hatte, stand er noch ganz unter dem schockierenden Erlebnis des frühen, tragischen Todes seines Mentors Robert Schumann. Fünf Jahre, in langwierigen Prozessen, arbeitete er sein erstes Klavierkonzert aus, das 1859 uraufgeführt wurde – als sein erstes Orchesterwerk überhaupt. Ein Meilenstein für den lange mit seinem musikalischen Talent hadernden Brahms und sicher auch Frucht der Freundschaft mit Robert Schumann. Auch wenn die Uraufführung ein Misserfolg war. Dass das Orchester das Soloinstrument nicht nur begleitet, sondern eine eigenständige, gleichwertige musikalische Funktion hat, war damals noch sehr ungewohnt und sollte in Brahms‘ 2. Klavierkonzert noch deutlicher zum Ausdruck kommen.
Auf dem Odeonsplatz waren die Münchner Philharmoniker die Partner von Yuja Wang, dirigiert von ihrem Chefdirigenten Valery Gergiev.

Die Berliner Philharmoniker und Sir Simon Rattle luden 2017 mit der der US-amerikanischen Mezzosopranistin Joyce DiDonato zum Silvesterkonzert. DiDonato sang Lieder von Richard Strauss, darunter so berühmte wie das »Wiegenlied« und »Zueignung«. Umrahmt wurden die Lieder von Antonín Dvoráks feuriger Ouvertüre »Karneval« und der Suite aus Dimitri Schostakowitschs Ballettmusik »Das goldene Zeitalter«. Außerdem gab es eine kleine Hommage an Leonard Bernstein, dessen Geburtstag sich 2018 zum 100. Mal jährte, mit Tänzen aus seinem jazzigen Musical »On the Town«.

Seiji Ozawa ist einer der letzten Vertreter der großen Pult-Legenden des 20. Jahrhunderts und der bekannteste Dirigent des Landes der aufgehenden Sonne. Den größten Teil seiner Karriere hat er im Ausland verbracht, in den USA und in Europa. Der langjährige Musikdirektor des Boston Symphony Orchestra und der Wiener Staatsoper hat aber auch in seinem Heimatland viel für die klassische Musik getan – als Dirigent, Pädagoge und Initiator. Zu seinen großen Verdiensten gehört so auch das Saito Kinen Festival Matsumoto. Seit 1992 wird es in Matsumoto abgehalten, einer Stadt auf Japans Hauptinsel Honshu. Im Jahr 2015 wurde es in Seiji Ozawa Matsumoto Festival umbenannt.
In Matsumoto residiert auch das Saito Kinen Orchestra, das alljährlich japanische Orchestermusiker aus der ganzen Welt unter Seiji Ozawas Leitung vereint, das erste Mal 1984. Im August 2016 setzte Seiji Ozawa zwei Symphonien von Ludwig van Beethoven auf das Programm, Nr. 2 und 7.
ARTE zeigt die Symphonie Nr. 7 A-Dur op. 92, die Beethoven in den Jahren 1811/12 zeitgleich mit seiner 8. Symphonie komponierte und die am 8. Dezember 1813 bei der Uraufführung in Wien unter Beethovens Leitung auf große Begeisterung stieß. Das hatte musikalische, aber auch patriotische Gründe. Kurz zuvor wurde Napoleon bei Leipzig vernichtend geschlagen, und die Befreiungskriege waren in vollem Gange. Aufgezeichnet wurde das Konzert mit Seiji Ozawa an der Spitze des Saito Kinen Orchestra in der Kissei Bunka Hall.

Aus der Bayerischen Staatsoper

Chor der Bayerischen Staatsoper
Bayerisches Staatsorchester
Musikalische Leitung: Constantinos Carydis
Inszenierung: Richard Jones
Olympia – Diana Damrau
Giulietta – Diana Damrau
Antonia – Diana Damrau
Andreas – Kevin Conners
Cochenille – Kevin Conners
Pitichinacci – oKevin Conners
Franz – Kevin Conners
Lindorf – John Relyea
Coppelius – John Relyea
Dapertutto – John Relyea
Mirakel – John Relyea
Nikolaus – Angela Brower
Stimme der Mutter – Okka von der Damerau
Hoffmann – Rolando Villazón
Spalanzani – Ulrich Reß
Nathanael – Dean Power
Wilhelm N.N.
Crespel – Christoph Stephinger
Luther – Christoph Stephinger
Hermann N.N.
Schlemihl – Levente Molnár
Stella – Diana Damrau

Les Talens Lyriques, Christophe Rousset
Werke von Georg Friedrich Hændel, Henry Purcell, Carl Heinrich Graun, Francesco Maria Veracini.
Ende Juni 2016 wurde im nordfranzösischen Département Pas-de-Calais eine weltweite architektonische Rarität eingeweiht: das elisabethanische Theater von Schloss Hardelot. Sein historisches Vorbild ist das Londoner Globe Theatre, das Shakespeare-Theater aus dem Jahr 1599, das 1613 abbrannte und 1997 unter dem Namen „Shakespeare’s Globe“ wiedereröffnet wurde. Das elisabethanische Theater von Schloss Hardelot knüpft an die Rundbautradition an, die ab dem 17. Jahrhundert allmählich verloren ging. Die überwiegend aus Holz und Bambus bestehende Konstruktion, für die der britische Architekt Andrew Todd verantwortlich zeichnet, bietet knapp 400 Zuschauern Platz. Der maximale Abstand zwischen Bühne und Zuschauerraum beträgt lediglich zehn Meter. Die Sopranistin Maria Grazia Schiavo und das Ensemble Les Talens Lyriques unter der Leitung von Christophe Rousset gestalteten das Eröffnungsprogramm. Ihr Konzert „Tribute to Shakespeare“ passte hervorragend in den neo-Shakespeare’schen Theaterbau. Die Werke des englischen Dramatikers inspirierten Komponisten durch die Jahrhunderte hindurch zu immer neuen Tonschöpfungen. Aus der beinahe unüberschaubaren Anzahl und Vielfalt der Opernlibretti, die nach Shakespearestücken entstanden, stellte Christophe Rousset eine kleine Auswahl zusammen. Unter seiner Leitung spielen Les Talens Lyriques Werke von Purcell und Händel sowie von zwei Zeitgenossen Händels: des Deutschen Carl Heinrich Graun und des Florentiners Francesco Maria Veracini.

Das Musikmagazin

Der Dirigent Sir John Eliot Gardiner nimmt sich der mittlerweile in Deutschland selten gespielten Werke Emmanuel Chabriers an. Das Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks bringt in der Ouvertüre zu »Gwendoline«, der Rhapsodie »España« und anderen Werken den überbordenden Schwung dieses Komponisten eindrucksvoll zu Gehör.
Bevor er der Berufung des Komponisten und Musikers professionell nachging, hatte Emmanuel Chabrier einen ganz profanen Beruf: Er war Beamter. Erst 1881, nach dem großen Erfolg seiner Opéra bouffe »L’étoile«, widmete er sich ganz dem Komponieren. Stark beeinflusst wurde er dabei durch die Musik Richard Wagners, besonders durch dessen Oper »Tristan und Isolde«. Vielleicht war auch das ein Grund, warum Chabriers Bühnenwerke Ende des 19. Jahrhunderts gerade in Deutschland äußerst populär waren. Mit den berühmten Wagnerdirigenten Hermann Levi und Felix Mottl hatte er zwei wichtige Verbündete für die Verbreitung seiner Musik. Mit »Gwendoline« nahm Chabrier Bezug auf den »Fliegenden Holländer« und »Lohengrin«, was in der Kompositionsweise auch hörbar durchscheint.
Ganz anders präsentiert sich die »Suite pastorale«. Hier schuf Chabrier pittoreske Stimmungen ländlicher Idylle, durchaus mit Bezügen zum Geist der französischen Barockkomponisten. »Le Roi malgré lui« ist ein Werk voll schäumender, effektvoller Rhythmik, die mitreißt und zum Tanz auffordert. Dieses Werk ist beispielhaft für den humorvollen Schmiss, mit dem Chabrier zu seinen Lebzeiten so großen Erfolg beim Publikum hatte.
Die Rhapsodie »España« ist bis heute das bekannteste Werk von Emmanuel Chabrier. Es lebt ebenfalls vom sprudelnden Rhythmus, der seine Inspiration aus den Tänzen Spaniens bezieht. Damit ist die Komposition Vorläufer und Inspirationsquelle für Maurice Ravels Vertonungen mit spanischem Flair, wie seine »Rhapsodie espagnole« oder den weltberühmten »Bolero«. Gustav Mahler sah in »España« gar den Anfang der modernen Musik.

Claudio Monteverdi komponierte 1607 zum Auftakt des Karnevals von Mantua seine erste Oper, die allererste Oper der Geschichte. »Stravaganza d’amore« ist eine musikalische Zeitreise in diese Epoche. Im Spiegelsaal von Schloss Versailles präsentieren Raphaël Pichon und das Ensemble Pygmalion Werke von Monteverdi und heute fast vergessenen Zeitgenossen wie Malvezzi und Da Gagliano.

Ein Kammerorchester aus Topsolisten spielt das wohl beliebteste Stück des französischen Komponisten Camille Saint-Saëns, den »Karneval der Tiere«. Am Klavier sind Martha Argerich und Antonio Pappano zu hören, an der Geige Kyoko Takezawa und Mischa Maisky am Cello. Begleitet werden sie von Solisten der Accademia Nazionale di Santa Cecilia. «Antonio Pappano führt mit hintergründigen Anekdoten durch das Werk.

»Die Kinder des Monsieur Jae-Chang Kim«: Der koreanische Opernsänger errichtete in den Slums der indischen Stadt Pune den Banana Children’s Choir. Von seinen Schülern wird er auch liebevoll »Angry Bird« genannt. Die Idee dahinter: spielerische Musikerziehung der Kinder und eine Auszeit vom tristen Alltag. Die Kinder nehmen ihre Aufgabe ernst, sie arbeiten hart, um sich zu verbessern. Die Töne schallen klar durch den kargen Raum, aufrichtig und ehrlich klingen ihre Stimmen. Lautes Lachen über falsche Töne erfüllt den Raum. Doch in den fünf Jahren seit Gründung des Chors war es für Jae-Chang Kim immer wieder eine Herausforderung, die Kinder zum Singen zu animieren – ein Großteil der Eltern sah darin keine sinnvolle, praktische Tätigkeit, die sie auf ein Leben in den Slums vorbereitete. Daher setzte Kim Hoffnung in ein gemeinsames Silvesterkonzert der Eltern und Kinder. Die Menschen wirken verändert. Fischverkäufer, die plötzlich rhythmisch summend ihre Fische entschuppen. Vater und Sohn stimmen zu Hause wie selbstverständlich ein Duett an. Und der geschiedenen Mutter, deren Tag 48 Stunden zu haben scheint, gibt der Gesang Energie. Über ein Jahr begleitet die Dokumentation dieses hoch emotionale Projekt, bis zum Abschlusskonzert. Sie zeigt Augenblicke der Verzweiflung, Entmutigung und Freude bis hin zu Ohnmacht und Erschöpfung. Unsicherheit, Überzeugung und Engagement – widersprüchliche Gefühle, die Eltern und Kinder teilen. Die Musik bringt Farbe und Lebensfreude in das harte Leben der Familien. Es offenbart sich: die Macht eines gemeinsamen Zieles und der kollektiven Schöpfung.

Es wird eine Gemeinschaft entstehen – eine Gemeinschaft aus zweihundert jungen Leuten und Erwachsenen. Sie werden auf der großen Bühne des hr-Sendesaals stehen und Tanztheater aufführen. Es werden Bildungsbürger mitmachen und Menschen, die noch nie ein Theater besucht haben. Es werden Rollstuhlfahrer, Gehörlose und Menschen mit Down-Syndrom mitmachen. Der mexikanische Choreograf und Tanzpädagoge Miguel Angel Zermeño probt seit gut einem Jahr mit Gruppen aus dem Rhein-Main-Gebiet. In den Wochen vor der Premiere kommen sie zum ersten Mal zusammen, lernen sich kennen, proben miteinander und sollen zu einem Ensemble werden – dokumentiert in einer Reportage des hr-fernsehens. Die 16 Jahre alte Sara L’Harrak geht auf eine Gesamtschule in Frankfurt. Lena Schachner ist 23 Jahre alt, sitzt im Rollstuhl und arbeitet in einer Werkstatt für Menschen mit Behinderung in Hattersheim am Main. Das Projekt »Arche Noah – gemeinsam die Welt bewegen« führt die beiden jungen Frauen zusammen. Für Sara L’Harrak und Lena Schachner wird es eine Erfahrung fürs Leben. Die moderierte Tanzperformance ist die Initiative der Stiftung des Frankfurter Unternehmers Hans-Jürgen Lorenz, die Menschen unterschiedlicher Milieus zusammenbringen möchte. Schulen, Tanzgruppen und Tanzschulen, ein Flamenco-Verein und ein Gebärdenchor machen mit. Choreograf Zermeño hat Anspruch. Er fördert Leistung. Schon das erste Tanzprojekt vor vier Jahren war überzeugend. Dieses Jahr ist das hr-Sinfonieorchester dabei.

Jos van Immerseel und sein Ensemble Anima Eterna überraschen immer wieder mit ihren Interpretationen beliebter Meisterwerke des Repertoires. Nun haben sie sich Beethovens Symphonien vorgenommen. Ihre CD-Einspielungen wurden einhellig von Kritikern und Musikliebhabern gelobt. Heute bringt ARTE eine Kostprobe.
Im September 2009 führten Anima Eterna unter Jos van Immerseel im Brüssler Concert Noble die fünfte Symphonie auf. Immerseel dirigierte nicht nur, er erzählte auch, wie er zu Beethoven und insbesondere zu seiner fünften Symphonie steht. Als Zugabe steht Beethovens Prometheus-Ouverture auf dem Programm.

Musik verbindet Menschen, bringt sie in Bewegung und spricht Gefühle an. Musik ist eine besondere Form der Kommunikation, die auch auf physikalischen Phänomenen beruht. Die von den Instrumenten ausgehenden Schallwellen erreichen das Ohr und werden im Gehirn zu einem Hörerlebnis verarbeitet. Wie das geschieht, wird im Rahmen eines Open Air Konzerts gezeigt, bei dem die Gruppe »Juli« jede Menge Klänge produziert. Welche akustischen Vorgänge dabei im Spiel sind, zeigen Experimente des Komikerduos »Physikanten«.

Musik verbindet Menschen, bringt sie in Bewegung und spricht Gefühle an. Musik ist eine besondere Form der Kommunikation, die auch auf physikalischen Phänomenen beruht. Die von den Instrumenten ausgehenden Schallwellen erreichen das Ohr und werden im Gehirn zu einem Hörerlebnis verarbeitet. Wie das geschieht, wird im Rahmen eines Open Air Konzerts gezeigt, bei dem die Gruppe »Juli« jede Menge Klänge produziert. Welche akustischen Vorgänge dabei im Spiel sind, zeigen Experimente des Komikerduos »Physikanten«.

»Die Kinder des Monsieur Jae-Chang Kim«: Der koreanische Opernsänger errichtete in den Slums der indischen Stadt Pune den Banana Children’s Choir. Von seinen Schülern wird er auch liebevoll »Angry Bird« genannt. Die Idee dahinter: spielerische Musikerziehung der Kinder und eine Auszeit vom tristen Alltag. Die Kinder nehmen ihre Aufgabe ernst, sie arbeiten hart, um sich zu verbessern. Die Töne schallen klar durch den kargen Raum, aufrichtig und ehrlich klingen ihre Stimmen. Lautes Lachen über falsche Töne erfüllt den Raum. Doch in den fünf Jahren seit Gründung des Chors war es für Jae-Chang Kim immer wieder eine Herausforderung, die Kinder zum Singen zu animieren – ein Großteil der Eltern sah darin keine sinnvolle, praktische Tätigkeit, die sie auf ein Leben in den Slums vorbereitete. Daher setzte Kim Hoffnung in ein gemeinsames Silvesterkonzert der Eltern und Kinder. Die Menschen wirken verändert. Fischverkäufer, die plötzlich rhythmisch summend ihre Fische entschuppen. Vater und Sohn stimmen zu Hause wie selbstverständlich ein Duett an. Und der geschiedenen Mutter, deren Tag 48 Stunden zu haben scheint, gibt der Gesang Energie. Über ein Jahr begleitet die Dokumentation dieses hoch emotionale Projekt, bis zum Abschlusskonzert. Sie zeigt Augenblicke der Verzweiflung, Entmutigung und Freude bis hin zu Ohnmacht und Erschöpfung. Unsicherheit, Überzeugung und Engagement – widersprüchliche Gefühle, die Eltern und Kinder teilen. Die Musik bringt Farbe und Lebensfreude in das harte Leben der Familien. Es offenbart sich: die Macht eines gemeinsamen Zieles und der kollektiven Schöpfung.

Man kennt sie, die großen Stars der Opernwelt, von Anna Netrebko bis Cecilia Bartoli, von Jonas Kaufmann bis Rolando Villazón. Doch wie wird man zumOpernstar?Sie alle haben mal klein angefangen, irgendwann studiert und dann den großen Sprung geschafft auf die Weltbühnen der Opern- und Konzerthäuser. Doch warum schaffen es die einen, und andere nicht? Der Filmautor Stefan Braunshausen ist diesen Fragen nachgegangen.Er hat Sängerinnen und Sänger in verschiedenen Stadien ihrer Karriere getroffen, aber auch Regisseure, Dirigenten und Intendanten. Und er hat herausgefunden: Eine gute Stimme allein reicht längst nicht mehr aus.

Mit einer »märchenhaften Nacht« beschließen die Berliner Philharmoniker die Konzertsaison. Tugan Sokhiev dirigiert Prokofjew und Ravel in der Waldbühne.
Die Berliner Philharmoniker haben für ihren Saisonabschluss den musikalischen Leiter des Moskauer Bolschoi-Theaters, Tugan Sokhiev, gewonnen. Er hat für das traditionsreiche Open-Air-Konzert in der Waldbühne Prokofjews Musik zur Filmsatire »Leutnant Kijé« gewählt.
Mit Maurice Ravels »Sheherazade«-Liedern wird es orientalisch. Sie werden von der Mezzosopranistin Marianne Crebassa interpretiert. Auf dem Programm steht mit Prokofjews Ballettmusik »Romeo und Julia« auch eine Liebesgeschichte.

Der Musikproduzent Matthias Arfmann hat sich der ambitionierten Mission verschrieben, die Klassiker der europäischen Ballettmusik ins Hier und Jetzt zu holen. Sein Ziel: Die Klassiker der europäischen Ballettmusik neu zu arrangieren, sie so zu bearbeiten, dass sie für ein junges Publikum, das bisher wenig oder kaum Berührung mit klassischer Musik hatte, zugänglich und erlebbar werden. Die Idee des »Ballet Jeunesse« war geboren.
Begleitend an seiner Seite in diesem jahrelangen kreativen Prozess: der Komponist, Musiker und Musikwissenschaftler Peter Imig, Produzent und Breakbeat-Künstler Sebastian Maier, Filmmusikkomponist und Produzent Milan Meyer-Kaya sowie die in Kenia geborene und in Wanne-Eickel aufgewachsene Musikerin, Sängerin, Diplom-Geografin und Aktivistin Onejiru Schindler.
Gemeinsam haben sie Klassiker von Aram Chatschaturjan, George Bizet, Sergej Prokofjew, Gustav Holst, Peter Tschaikowsky, Igor Strawinsky und Claude Debussy ins 21. Jahrhundert geholt, die orchestralen Originale mit aktuellen elektronischen Eigenkompositionen durchwoben, verschiedensten Genres aktueller Popmusik von Dance, Pop, Hip-Hop und Reggae eingeflochten oder Textdichtungen eingestreut.
Aus Klassikern mit zum Teil über 100-jähriger Geschichte sind so Songs entstanden, die ihre Kraft und Stärke in einer faszinierenden Balance zwischen alt und neu, zwischen Konzertsaal und Tanzfläche, zwischen Sonate und Breakbeat entfalten. Zusammen mit der NDR Radiophilharmonie präsentierte Ballet Jeunesse das spannende und ungewöhnliche Projekt im Großen Sendesaal (NDR) in Hannover.

Sommerliche Picknickatmosphäre im Park der Villa Hammerschmidt: Anlässlich 70 Jahren Grundgesetz hat sich die Staatskanzlei NRW unter Ministerpräsident Laschet für den 22. Juni 2019 wieder eine ganz besondere Kulisse für das Sommerkonzert ausgesucht.
Unter der Leitung ihres Generalmusikdirektors Rasmus Baumann entführt darin die Neue Philharmonie Westfalen das Publikum mit bekannten und beliebten Stücken in die Welt der Klassik und verbreitet mit brillanten Orchesterwerken sommerliches Flair.
Für weitere musikalische Höhepunkte sorgen international gefeierte Solistinnen und Solisten.
Die Sopranistin Dongmin Lee und der Tenor Leonardo Caimi singen die schönsten Arien aus Giuseppe Verdis »Simon Boccanegra«, Jacques Offenbachs »Hoffmanns Erzählungen«, Johann Strauss‘ »Fledermaus« und Giacomo Puccinis »Turandot«.
Die Saxofonistin Asya Fateyeva und der Geiger Kirill Troussov steuern virtuose Paradestücke für ihre Instrumente bei: Das Finale aus Peter Tschaikowskys Violinkonzert, Darius Milhauds »Brazileira« für Saxofon und Orchester und berühmte Tangos von Carlos Gardel und Astor Piazzolla.

Ein Feuerwerk aus klingenden Kostbarkeiten präsentieren Mariss Jansons und das Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks bei ihrem Galakonzert im Münchner Herkulessaal. Die musikalische Reise führt durch Europa, Amerika und Asien und spannt den Bogen von Brahms und Dvorák über Mascagni bis zum letztjährigen Jubilar Leonard Bernstein und dessen »Candide«-Ouvertüre. Stargast des Konzerts ist der Pianist Lang Lang. Er bringt die Zuschauer mit dem Andante aus Mozarts Klavierkonzert KV 467 zum Träumen, hat dann aber auch die mitreißende Kostprobe eines populären Klavierkonzerts aus seiner chinesischen Heimat mit dabei.
Auch anschließend bleiben Jansons und die Musiker und Musikerinnen des Symphonieorchesters des BR in Fernost und spielen einen japanischen Männertanz. Weitere Programm-Highlights sind ein melodienseliges Intermezzo von Mascagni, der Ungarische Tanz von Brahms sowie eine spanische Zarzuela von Chapi und rumänische Folklore von Ligeti.

Seit ihrer Eröffnung fasziniert die Elbphilharmonie Hamburger und Touristen. Der Film gibt exklusive Einblicke und begleitet Menschen, die das Konzerthaus am Laufen halten.Damit auf der Bühne alles reibungslos läuft, arbeiten unzählige Mitarbeiter hinter den Kulissen des Konzerthauses. Ein Jahr lang haben die Orchesterwarte und Musiker die Anordnung der Instrumente in der Elbphilharmonie immer wieder verändert, um den besten Klang zu finden. Der Film gibt exklusive Einblicke und begleitet Menschen, die das neue Konzerthaus am Laufen halten.

Große Gefühle von einer großartigen Künstlerin: Die amerikanische Mezzosopranistin Joyce DiDonato ist eine der charismatischsten und vielversprechendsten Sängerinnen unserer Zeit, die nicht nur durch stimmliche Brillanz, sondern auch aufgrund ihrer unglaublichen Wandlungsfähigkeit überzeugt. ARTE zeigt sie in einem Rezital mit barocken Arien von unter anderem Purcell, Händel, Leo und Jommelli. In diesem Konzert mit berühmten und weniger bekannten Barockstücken, das sie im Gran Teatre del Liceu in Barcelona gab, tritt sie mit dem Ensemble Il Pomo d’Oro unter der Leitung des jungen und talentierten Dirigenten Maxim Emelyanychev auf. Inhaltlich folgt das Programm ihrem neuen Album »In War & Peace – Harmony through Music«, das sich als engagierte Antwort auf Hass und Terror versteht.

Martin Grubinger vereint mitreißende Musikalität mit atemberaubender Virtuosität. Der gebürtige Salzburger sorgte schon im Jahr 2013 bei »Klassik am Odeonsplatz« für wahre Begeisterungsstürme. Dieses Jahr hat er Auszüge aus zwei seiner »Paradekonzerte« gespielt: »The Tears of Nature« von Tan Dun und das Konzert für Schlagzeug und Orchester des Wiener Komponisten Bruno Hartl. Das Schlagzeugkonzert des chinesischen, in New York lebenden Komponisten Tan Dun erlebte seine Uraufführung im Jahr 2012 durch Martin Grubinger mit Tan Dun am Dirigentenpult.
Bruno Hartl kennt die Möglichkeiten des Schlagzeugs bestens: Er ist im Hauptberuf Solo-Pauker bei den Wiener Philharmonikern. Sein Konzert entstand im Auftrag des damals 17-jährigen Martin Grubinger. Die Partitur eröffnete dem Solisten mit einer breiten Palette von Schlaginstrumenten das Spielfeld für ein wahres Feuerwerk der Percussion.
Manfred Honeck feierte 2017 sein Debüt am Pult zwischen den Löwen der Feldherrnhalle. Dabei trat er nicht nur als Dirigent, sondern auch als Arrangeur in Erscheinung. Aus Höhepunkten von Antonín Dvoráks beliebter Oper »Rusalka« hat er eine eigene Orchestersuite zusammengestellt, die »Rusalka-Fantasie«.
Außerdem spielte das Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks mit der »Suite für Varieté-Orchester« ein weltberühmtes und dennoch kaum bekanntes Werk von Dmitri Schostakowitsch. Unbekannt deshalb, weil es lange Zeit für ein anderes gehalten wurde, nämlich für die »Suite für Jazzorchester Nr. 2«. Erst 1999 tauchte ein Klavierauszug der im 2. Weltkrieg verschollenen »Jazzsuite« auf. Seitdem ist klar: Die »Suite für Varieté-Orchester« mit dem weltberühmten »Walzer Nr. 2« ist ein eigenständiges Werk, auch wenn sie auf älteren CD-Covern oder als Melodie im Film »Eyes Wide Shut« von Stanley Kubrick unter anderem Namen firmiert.

Das Musikmagazin

Beim internationalen Sir Georg Solti Dirigentenwettbewerb in der Alten Oper Frankfurt traten 24 junge Dirigenten gegeneinander an. Fünf von ihnen hat der Filmemacher Götz Schauders durch die Auswahlrunden bis ins Finale begleitet. Seine empathische filmische Beobachtung ist dabei den Musikern, der Jury und dem Geheimnis des Dirigierens so nahe wie kaum ein Film zuvor.
Zwei Dutzend junge Dirigenten haben ein Ziel: Beim Internationalen Sir Georg Solti Dirigentenwettbewerb wollen sie vor einem etablierten Orchester und einer hochkarätigen Jury ihr Können und ihr Talent zu beweisen. Wer nach drei spannungsreichen Ausscheidungsrunden das Finale in der Alten Oper Frankfurt gewinnt, dem steht das Tor zu einer internationalen Karriere weit offen. Fünf Dirigenten stehen im Mittelpunkt der Dokumentation: Neben dem Deutschen Andreas Hotz und dem Engländer James Lowe will der erst 20-jährige aus Usbekistan angereiste Aziz Shokhakimov beweisen, dass er zu den Besten seines Fachs zählt. Sein Durchsetzungswille prallt auf die Vorstellungen erfahrener Orchestermusiker. Alondra de la Parra ist zum Zeitpunkt des Wettbewerbs in den USA bereits ein Star. Sie fragt sich schließlich, warum sie sich den Stress in Frankfurt antut. Shizuo Z Kuwahara ist ohne Taktstock angereist, um mit bloßen Händen Momente größter Magie zu erzeugen. Alle fünf Dirigenten haben in Frankfurt Herausforderungen zu meistern, die nicht nur zur Probe Ihres musikalischen Könnens, sondern auch ihres Charakters werden. Dank genauer Beobachtungen mit der Kamera und ungeschönter Kommentare durch die Musiker dokumentiert »Dirigenten – Jede Bewegung zählt!« das Wechselspiel von Dirigent und Orchester mit großer Authentizität. Dabei entfaltet sich ein vielschichtiges Drama um Konkurrenz und Freundschaft, Talent und Reife, Erfolge und Niederlagen.

Claudio Monteverdi komponierte 1607 zum Auftakt des Karnevals von Mantua seine erste Oper, die allererste Oper der Geschichte. »Stravaganza d’amore« ist eine musikalische Zeitreise in diese Epoche. Im Spiegelsaal von Schloss Versailles präsentieren Raphaël Pichon und das Ensemble Pygmalion Werke von Monteverdi und heute fast vergessenen Zeitgenossen wie Malvezzi und Da Gagliano.

Köstliches und z.T. ironisches Feature über die »Festspiel-Inflation« in Bayern. Angefangen hat selbstverständlich alles auf dem Grünen Hügel in Bayreuth. Heute – das heißt, im Jahr 1963! – gibt es die Opernfestspiele in München, die Europäischen Wochen in Passau usw. Theater unter freiem Himmel wird ebenfalls überall gespielt: auf der Luisenburg, in Trebgast usw. Historische Spiele unter freiem Himmel wiederum gibt es ebenfalls, und das schon sehr lange: z. B. die »Kinderzeche« in Dinkelsbühl. Aber Gerhard von Ledebur reist mit seinem Team auch nach Feuchtwangen, nach Waal, nach Kiefersfelden, nach Ansbach und auf Schloss Leitheim. Überall gibt es etwas zu sehen, was unter den Titel »Bayerischer Festspielsommer« passt: ein herrliches Zeitdokument.

Am zweiten Abend von »Klassik am Odeonsplatz 2018« waren die Münchner Philharmoniker unter der Leitung ihres Chefdirigenten Valery Gergiev zu erleben. Der Startenor Juan Diego Flórez präsentierte bekannte Arien aus deutschen, italienischen und französischen Opern. Die zweite Konzerthälfte tauchte den Odeonsplatz in Farben aus Tausendundeiner Nacht: Valery Gergiev dirigierte »Scheherazade« von Nikolaï Rimsky-Korsakov.

Am 30. Juni 2009 stirbt Pina Bausch überraschend. In der internationalen Tanzszene gilt sie als Kultfigur. Die Ballettdirektorin und Choreographin hinterlässt ein Tanztheater von internationalem Renommee, das sich neu finden muss. Wie kann Pinas Schaffen weitergegeben, wie ihr Erbe wachgehalten werden? Zehn Jahre später wagen das Ensemble, die neue Intendantin und wichtige Wegbegleiter einen Blick in die Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft des Wuppertaler Tanztheaters.

Seiji Ozawa ist einer der letzten Vertreter der großen Pult-Legenden des 20. Jahrhunderts und der bekannteste Dirigent des Landes der aufgehenden Sonne. Den größten Teil seiner Karriere hat er im Ausland verbracht, in den USA und in Europa. Der langjährige Musikdirektor des Boston Symphony Orchestra und der Wiener Staatsoper hat aber auch in seinem Heimatland viel für die klassische Musik getan – als Dirigent, Pädagoge und Initiator. Zu seinen großen Verdiensten gehört so auch das Saito Kinen Festival Matsumoto. Seit 1992 wird es in Matsumoto abgehalten, einer Stadt auf Japans Hauptinsel Honshu. Im Jahr 2015 wurde es in Seiji Ozawa Matsumoto Festival umbenannt.
In Matsumoto residiert auch das Saito Kinen Orchestra, das alljährlich japanische Orchestermusiker aus der ganzen Welt unter Seiji Ozawas Leitung vereint, das erste Mal 1984. Im August 2016 setzte Seiji Ozawa zwei Symphonien von Ludwig van Beethoven auf das Programm, Nr. 2 und 7.
ARTE zeigt die Symphonie Nr. 7 A-Dur op. 92, die Beethoven in den Jahren 1811/12 zeitgleich mit seiner 8. Symphonie komponierte und die am 8. Dezember 1813 bei der Uraufführung in Wien unter Beethovens Leitung auf große Begeisterung stieß. Das hatte musikalische, aber auch patriotische Gründe. Kurz zuvor wurde Napoleon bei Leipzig vernichtend geschlagen, und die Befreiungskriege waren in vollem Gange. Aufgezeichnet wurde das Konzert mit Seiji Ozawa an der Spitze des Saito Kinen Orchestra in der Kissei Bunka Hall.

»Move – The Danube Experience!« – unter diesem Motto stand die diesjährige vierte Ausgabe des Festivals Musiq’3. Und wie man in kreativer Dynamik bleibt, das stellten die Organisatoren diesmal erneut unter Beweis. Auf sieben Bühnen wurden 60 Konzerte mit insgesamt 250 Musikern präsentiert und ließen damit erkennen, wie sehr sich das Festival weiterentwickelt hat.Das Programm ist so vielfältig wie eine Kreuzfahrt auf der Donau. Aufgeführt wurden Mozart, Beethoven und Brahms ebenso wie Komponisten des 20. Jahrhunderts wie Bartók, Enescu, Kodály, Ligeti oder Schönberg. Daneben wurde Gypsy-Musik und Balkanfolklore dargeboten. Künstler waren unter anderem die Pianisten Louis Lortie und Alexei Lubimov, die Sopranistin Sophie Karthäuser, die Brüsseler Philharmoniker, das Ensemble Vox Luminis und das Festivalorchester.

Nicht nur mit schwingenden Saiten, sondern auch mit schwingenden Luftsäulen lässt sich musizieren. Als vielseitigstes Instrument, das aus Luft Töne macht, gilt die Orgel. Eine der größten findet sich im Dom zu Passau. Ludwig Ruckdeschel zieht alle Register, um den Klangreichtum der Pfeifen zu Gehör zu bringen. Was dabei im Innern vor sich geht, verrät ein erstaunliches Experiment der »Physikanten«. Luftmoleküle schwingen auch in Blasinstrumenten wie der Trompete und der Posaune. Die Virtuosen des »Rennquintetts« machen vor, wie es funktioniert.

Fast jede Band, fast jedes Orchester setzt auf den typischen Sound von Saiteninstrumenten. Zu den bekanntesten Vertretern dieser Gattung gehört die Violine. Jazzgeiger Valentin Gregor demonstriert, wie aus den Saitenschwingungen mit Hilfe des Korpus hörbare Töne entstehen. Geigenbauer Peter Greiner und Heinrich Dünnwald gewähren einen Blick in ihre Werkstatt. Sie bauen Violinen, deren Klangqualität nahe an die der großen Meister wie Stradivari oder Guarneri heranreichen. Dabei helfen ihnen akustische Erkenntnisse, die von den »Physikanten« auf unterhaltsame Weise vorgeführt werden.

Das Isango Ensemble aus Kapstadt, Südafrika, ist weltweit erfolgreich mit seinen Adaptionen europäischer Opern. »Isango Ensemble: La Bohème« verlegt die Handlung und die Musik von Giacomo Puccinis Klassiker »La Bohème« in die Townships Südafrikas. Das Schicksal der an Schwindsucht leidenden Mimi bekommt hier, wo Tuberkulose immer noch die tödlichste Infektionskrankheit ist, eine besondere Aktualität.

Antonín Dvorák: »Stabat Mater« für Soli, Chor und Orchester, op. 58
MDR Rundfunkchor, hr-Sinfonieorchester, Andrés Orozco-Estrada
Mit Gerhild Romberger (Alt) und Benjamin Bruns (Tenor)«

Zur Eröffnung des »Rheingau Musik Festival 2019« präsentieren Andrés Orozco-Estrada und das hr-Sinfonieorchester ein eindrucksvolles Chor-Orchester-Werk: Antonín Dvoráks »Stabat Mater«.
Eigene schmerzvolle Erfahrungen – der Verlust mehrerer Kinder – haben die Beschäftigung Dvoráks mit dem Leid der Gottesmutter, die weinend unter dem Kreuz ihres Sohnes steht, mit veranlasst und geprägt.
Das Werk des böhmischen Komponisten für Soli, Chor und Orchester op. 58 gehört zu den bekanntesten Vertonungen des gleichnamigen mittelalterlichen Gedichtes.
Mit großer Sensibilität geht die Musik von Dvorák auf die unterschiedlichen Stimmungsgehalte des liturgischen Textes ein. Neun Sätze im langsamen bis gemäßigten Tempo dienen als eine Art Passionsmeditation, ehe am Ende des zehnten Satzes die wirkungsstarke Ekstase einer Auferstehungsvision erscheint.

Kölner Philharmonie, Juni 2019

– Edvard Grieg: Konzert a-Moll für Klavier und Orchester, op. 16
– Gustav Mahler: Sinfonie Nr. 6 a-Moll »Tragische«
Orchester: WDR Sinfonieorchester
Musikalische Leitung: Jukka-Pekka Saraste
Romantik pur! Boris Giltburg spielt Edvard Griegs Klavierkonzert mit dem WDR Sinfonieorchester, dirigiert von Jukka-Pekka Saraste. Außerdem erklingt Gustav Mahlers »Tragische« 6. Sinfonie.
2018/19 ist für Jukka-Pekka Saraste die letzte Saison als Chefdirigent des WDR Sinfonieorchesters. Der Finne schließt nach acht Jahren seinen eigenen kleinen Mahler-Zyklus ab, nachdem er bereits die Sinfonien 3, 4, 5 und 9 mit dem Orchester erarbeitet hat.
Griegs nordische Stimmungsmalerei und romantische Virtuosität liegen bei Piano-Star Boris Giltburg in besten Händen. Der 1984 in Moskau geborene israelische Pianist hatte 2013 seinen internationalen Durchbruch mit dem Gewinn des »Concours Reine Elisabeth«, dem Königin-Elisabeth-Wettbewerb in Brüssel. Giltburg hat tatsächlich »Musik im Blut«: Mutter, Großmutter und Urgroßmutter waren bereits Pianistinnen. Gefeiert wird er für seine tief verwurzelte Musikalität und stupende Technik einerseits und für seine zahlreichen Texte über Musik, die er in seinem eigenen Blog veröffentlicht oder für die BBC und den Guardian schreibt.
Nach der Uraufführung des Klavierkonzerts a-Moll op. 16 im Jahr 1869 hat Edvard Grieg seine Komposition mindestens siebenmal überarbeitet. Eine Stufe der Weiterentwicklung geht auf Franz Liszt zurück, dem er in Rom begegnet war. Auf der einen Seite klingt Griegs Musik ein wenig nach dem verehrten Robert Schumann und auf der anderen unzweifelhaft nordisch. Griegs Heimat Norwegen – ein Gefühl von Weite, heller Farbe und hellem Himmel.
Gustav Mahlers 6. Sinfonie von 1904 klingt tragisch, manchmal sogar verzweifelt. Im letzten Satz gibt es drei kurze, finale Hammerschläge, laut Mahlers Anmerkung in den Noten sollten es dumpf hallende Schläge sein – »wie ein Axthieb«. Heute heißt es, Gustav Mahler hätte hier dreinschlagendes Schicksal vertont: Die Musik in besonders großer Orchesterbesetzung wird oft als Vorausahnung des Todes seiner Tochter oder des Ersten Weltkriegs gedeutet.

Antonín Dvorák: »Stabat Mater« für Soli, Chor und Orchester, op. 58
MDR Rundfunkchor, hr-Sinfonieorchester, Andrés Orozco-Estrada
Mit Gerhild Romberger (Alt) und Benjamin Bruns (Tenor)«

Zur Eröffnung des »Rheingau Musik Festival 2019« präsentieren Andrés Orozco-Estrada und das hr-Sinfonieorchester ein eindrucksvolles Chor-Orchester-Werk: Antonín Dvoráks »Stabat Mater«.
Eigene schmerzvolle Erfahrungen – der Verlust mehrerer Kinder – haben die Beschäftigung Dvoráks mit dem Leid der Gottesmutter, die weinend unter dem Kreuz ihres Sohnes steht, mit veranlasst und geprägt.
Das Werk des böhmischen Komponisten für Soli, Chor und Orchester op. 58 gehört zu den bekanntesten Vertonungen des gleichnamigen mittelalterlichen Gedichtes.
Mit großer Sensibilität geht die Musik von Dvorák auf die unterschiedlichen Stimmungsgehalte des liturgischen Textes ein. Neun Sätze im langsamen bis gemäßigten Tempo dienen als eine Art Passionsmeditation, ehe am Ende des zehnten Satzes die wirkungsstarke Ekstase einer Auferstehungsvision erscheint.

»Das Klavierkonzert a-Moll op. 54 von Robert Schumann ist vermutlich das empfindlichste, heikelste, speziellste aller Klavierkonzerte«, sagt Hélène Grimaud. Und sie muss es wissen. Die berühmte französische Pianistin präsentierte dieses Werk bei der Eröffnung des Schleswig-Holstein Musik Festivals 2013. Grimaud machte es zu einem Erlebnis für alle Sinne – zusammen mit dem NDR Sinfonieorchester unter der Leitung von Thomas Hengelbrock. Für ihn ist Schumann der größte aller romantischen Komponisten. Ein Konzert der Extraklasse, das beim Publikum für große Begeisterung sorgte.

Konzert vom 28.06.19 aus der Liederhalle Stuttgart

870 Tage dauerte die Belagerung Leningrads durch deutsche Truppen. Noch bevor die Blockade am 8. September 1941 begann, arbeitete Dmitrij Schostakowitsch an einer Sinfonie, die er der Stadt und ihren Bewohnern widmete. Uraufgeführt am 5. März 1942 in Kuibyschew (Wolga) machte die »Leningrader« bald ihren Weg nicht nur durch die damalige UdSSR, sondern auch in der übrigen »freien« Welt: Allein in den USA wurde sie noch im gleichen Jahr 60 mal aufgeführt.

Carmen, Violetta und Mimὶ sind die Heldinnen der drei meistaufgeführten romantischen Opern der Welt: »Carmen«, »La Traviata« und »La Bohème«. Alle drei sind Modelle der Emanzipation: Carmen – die Schöne und Begehrte, die ihren unbändigen Drang nach Freiheit mit dem Leben bezahlt; Violetta – die umschwärmte Kurtisane aus »La Traviata«, die sich aus Liebe opfert, eine Art »weltliche Heilige«; und schließlich die liebliche und bedauernswerte Mimì, die einfache Stickerin aus »La Bohème«, die schon in jungen Jahren von der Schwindsucht hinweggerafft wird.
Wie nahmen diese literarischen Figuren Form an? Wurden sie Frauen nachempfunden, die tatsächlich lebten? Anhand eines gelungenen Zusammenschnitts von Archivmaterial, musikalisch untermalt mit weltberühmten Arien, begibt sich die Dokumentation auf die Suche nach den realen Vorbildern für diese Opernheldinnen.
Die Spur führt ins Paris des mittleren 19. Jahrhunderts, als die Schriftsteller Alexandre Dumas Fils, Prosper Mérimée und Henry Murger neue schillernde Romanfiguren schufen. Den Stoff für ihre Prosa schöpfen die Autoren aus dem eigenen Leben. Drei große Komponisten – Giuseppe Verdi, Georges Bizet und Giacomo Puccini – arbeiteten die Psychologie dieser Figuren für ihre Opernwerke schließlich noch weiter heraus, bis daraus die berühmten Frauenfiguren entstanden, die bis heute das Ewig-Weibliche verkörpern.
Wer sich auf ihre Spur begibt, dem erschließt sich das gesamte 19. Jahrhundert mit seiner Mode, Literatur und Musik vor dem Hintergrund der Entstehung des Bürgertums im Nachgang an die Industrielle Revolution.

Der jährliche Höhepunkt der Münchner Open-Air-Saison wird für Klassikfreunde durch »Klassik am Odeonsplatz« markiert. Für zwei Abende wird der Platz zwischen Residenz und Theatinerkirche, an dessen Kopf die imposante Feldherrenhalle die Bühne für die Musiker bietet, zu Münchens größtem – und schönstem – Konzertsaal. Am Freitag, 13. Juli, empfängt das Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks dieses Jahr eine der derzeit gefragtesten Sängerinnen, die Sopranistin Diana Damrau.
Ein Heimspiel ist ihr Auftritt auf dem Münchner Odeonsplatz auf jeden Fall, ist sie doch nicht nur gebürtige Bayerin, aus dem schwäbischen Günzburg stammend, sondern trägt seit 2007 auch den Titel »Bayerische Kammersängerin«. An der Bayerischen Staatsoper, nur wenige Meter vom Odeonsplatz entfernt, ist sie regelmäßig in großen Opernrollen zu Gast.
Beim diesjährigen »Klassik am Odeonsplatz« singt Diana Damrau eine Arie aus der Oper »Manon« von Jules Massenet sowie die berühmte »Juwelenarie« von Charles Gounod. Die ganz besondere Atmosphäre französischer Musik zieht sich weiter durch die erste Konzerthälfte mit der beliebten Violin-Adaption der »Méditation« aus Massenets Oper »Thaïs« sowie zwei der »Gymnopédies« von Erik Satie.
Den Auftakt bildet eine Referenz an Leonard Bernstein, dessen 100. Geburtstag die Musikwelt in diesem Jahr feiert: Wenn der Dirigent des Abends, Cristian Macelaru, den Taktstock zum ersten Mal hebt, eröffnet Bernsteins Candide-Ouvertüre schwungvoll den sommerlichen Konzertabend.
Nach der Pause geht es über den Atlantik: Antonín Dvorák schrieb seine Symphonie »Aus der Neuen Welt« während seines Amerika-Aufenthalts. Das Werk des tschechischen Komponisten, das auf so einzigartige Weise böhmische Musiktradition mit dem typischen Charakter von Negro Spirituals und indianischer Volksmusik verbindet, sucht bis heute an Popularität seines Gleichen und wird den Odeonsplatz im letzten Licht des Sommerabends in symphonische Klangpracht tauchen.

Programm:
Leonard Bernstein: Candide-Ouvertüre
Jules Massenet: »Suis je gentille ainsi? Je marche sur tous les chemins …« aus der Oper »Manon«
Jules Massenet: Thaïs: Méditation
Erik Satie: Gymnopédies Nr. 1 und 3 (Orchester-Fassung von Debussy)
Charles Gounod: »Un bouquet..Ah, je ris de …« Juwelenarie aus der Oper »Faust«
Antonín Dvorák: Symphonie Nr. 9 e-Moll, op. 95, »Aus der Neuen Welt«

Mitwirkende:
Diana Damrau, Sopran
Radoslaw Szulc, Violine
Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks
Leitung: Cristian Macelaru, Dirigent

Gemeinsam mit dem NDR Elbphilharmonie Orchester und dem NDR Chor eröffnen Violinistin Janine Jansen und Krzysztof Urbański das Schleswig-Holstein Musik Festival 2019.

– Johann Sebastian Bach: Chor (Ciaccona) »Meine Tage in dem Leide« aus der Kantate »Nach dir, Herr, verlanget mich« BWV 150
– Johannes Brahms: Violinkonzert d-Dur op. 77,
– Johannes Brahms: Sinfonie Nr. 4 e-Moll op. 98

Vom Internationalen Opernfestival in Aix-en-Provence: Bizets »Carmen” bildgewaltig inszeniert von Dmitri Tcherniakov, der bereits im Jahr 2010 für seine Inszenierung von Mozarts »Don Giovanni” von Publikum und Kritik gefeiert wurde. Tcherniakov ist bekannt für seine ausgefallenen dramaturgischen Ideen und so bietet er dem Publikum auch den Klassiker »Carmen« in einer ganz eigenen, unverwechselbaren Lesart. Es spielt das Orchestre de Paris unter der musikalischen Leitung des spanischen Dirigenten Pablo-Heras Casado, der schon 2014 mit einer viel beachteten »Zauberflöte« in Aix-en-Provence von sich reden machte.
Inszenierung: Dmitri Tcherniakov
Dirigent: Pablo Heras-Casado
Orchester: Orchestre de Paris
Chor: Chœur Aedes, Maîtrise des Bouches-du-Rhône
Libretto: Henri Meilhac, Ludovic Halévy
Kostüme: Elena Zaitseva
Licht: Gleb Filshtinsky
Mit Stéphanie d’Oustrac (Carmen), Michael Fabiano (Don José), Elsa Dreisig (Micaëla), Michael Todd Simpson (Escamillo), Gabrielle Philiponet (Frasquita), Virginie Verrez (Mercédès), Christian Helmer (Zuniga), Pierre Doyen (Moralès), Guillaume Andrieux (Dancairo), Mathias Vidal (Remendado)

Große Gefühle von einer großartigen Künstlerin: Die amerikanische Mezzosopranistin Joyce DiDonato ist eine der charismatischsten und vielversprechendsten Sängerinnen unserer Zeit, die nicht nur durch stimmliche Brillanz, sondern auch aufgrund ihrer unglaublichen Wandlungsfähigkeit überzeugt. ARTE zeigt sie in einem Rezital mit barocken Arien von unter anderem Purcell, Händel, Leo und Jommelli. In diesem Konzert mit berühmten und weniger bekannten Barockstücken, das sie im Gran Teatre del Liceu in Barcelona gab, tritt sie mit dem Ensemble Il Pomo d’Oro unter der Leitung des jungen und talentierten Dirigenten Maxim Emelyanychev auf. Inhaltlich folgt das Programm ihrem neuen Album »In War & Peace – Harmony through Music«, das sich als engagierte Antwort auf Hass und Terror versteht.

Bauen für den perfekten Ton

Wie schafft man einen Raum, dessen Klang Publikum und Musiker gleichermaßen begeistert? Einen Saal, der Architektur mit Klang verwebt – und damit selbst zum Instrument wird?
Star-Akustiker feilen auf der Suche nach dem perfekten Sound mit Hightech am Raumklang von Konzertsälen in aller Welt. Sounddesign bestimmt auch unser Erleben im Alltag. In dem Film gewähren einige der besten Akustiker Einblick in ihre Hexenküche der »Klangwunder«.
Bei der Eröffnung der Elbphilharmonie in Hamburg wurde neben der spektakulären Architektur auch ihre herausragende Akustik gefeiert – und Yasuhisa Toyota wurde zum Liebling der Medien. Von der »ZEIT« zum »Dr. Sound« geadelt, ist der sympathische Japaner einer der weltweit gesuchten Stars unter den Akustikern. Neben Yasuhisa Toyota zählen dazu vor allem Jürgen Reinhold oder auch Martijn Vercammen, der in der soeben wiedereröffneten Berliner Staatsoper Daniel Barenboims Herzenswunsch nach einer besseren Akustik des prachtvollen Gebäudes hat Wirklichkeit werden lassen.
Filmemacher Günter Atteln lässt sich von den Raumakustikern in einigen der bedeutendsten Konzert- und Opernhäusern die Besonderheiten – und Probleme – dieser Räume erklären, besucht mit Valery Gergiev den Rohbau der neuen Philharmonie in Moskau und beobachtet die Maßnahmen zur Klang-Korrektur in der ehrwürdigen Mailänder Scala. Die Cellistin Anastasia Kobekina demonstriert, wie sich die unterschiedlichen Akustiken von Konzerträumen nicht nur auf den Klang ihres Instruments, sondern auch auf sie selbst und ihre Spielweise auswirken.
«Wie sehr uns Klangeindrücke nicht nur im Konzertsaal, sondern auch in alltäglichsten Situationen beeinflussen, zeigen Exkurse in das weite Feld des Produkt-Klangdesigns: vom »fetten« Sound einer schließenden Autotür über das satte Klicken eines Blinkerhebels bis zum richtigen »Crunch« von Cornflakes und dem knackig klingenden Biss von Würstchen: Psychoakustik und Sounddesign bestimmen unser oft unterbewusstes Erleben – und unsere Emotionen.

Eugene Isaye: Sonate Nr. 3 opus 27 d-Moll
Johann Sebastian Bach: Partita d-Moll für Violine solo

Frank Peter Zimmermann wurde 1965 in Duisburg geboren. Bereits als Fünfjähriger bekam er den ersten Violinunterricht von seiner Mutter. An der Folkwang-Musikhochschule Essen studierte er bei Walerie Gradow und anschließend bei Saschko Gawriloff an der Hochschule der Künste in Berlin. Die letzte Station seiner Ausbildung war das Sweelinck-Konservatorium Amsterdam, wo ihn ab 1980 Herman Krebbers unterrichtete.
Nachdem er 1977 den ersten Preis im Wettbewerb „Jugend musiziert“ gewonnen hatte, gab Frank Peter Zimmermann bald die ersten Konzerte in Deutschland und im Ausland. Die Aufnahmen zu diesem Konzert entstanden 1995 im oberbayerischen Kloster Andechs.

Vier der insgesamt zwölf Finalisten des diesjährigen Königin-Elisabeth-Wettbewerbs kamen aus Frankreich: Aurélien Pascal, Bruno Philippe, Yan Levionnois und Victor Julien-Laferrière. Der Jury-Favorit Julien-Laferrière überzeugte im Finale mit Dmitri Schostakowitschs Cellokonzert Nr. 1 op. 107. Begleitet wurde er von den Brüsseler Philharmonikern unter Leitung von Stéphane Denève. Der Cellist wurde am 25. Juni 1990 in Paris als Sohn einer Klarinettisten-Familie geboren. Mit vier Jahren bekam er ersten Musikunterricht. Als Siebenjähriger begann er das Cellospiel bei René Benedetti, mit 13 Jahren ging er an das Pariser Konservatorium, das er 2008 mit dem ersten Preis abschloss. Von 2009 bis 2014 war er zudem Schüler von Heinrich Schiff an der Universität für Musik und Darstellende Kunst in Wien, bis 2016 lernte er bei Clemens Hagen am Salzburger Mozarteum. Von 2005 bis 2011 nahm er an der Seiji Ozawa International Music Academy Switzerland teil. Im Jahr 2012 gewann er den ersten Preis sowie zwei Sonderpreise beim internationalen Wettbewerb Prager Frühling. 2013 wurde er bei den französischen Victoires de la Musique Classique in der Kategorie »Entdeckung Instrumentalsolist« ausgezeichnet. Der versierte Musiker interessiert sich auch für Kammermusik. 2012 gründete er mit der Violinistin Mi-Sa Yang und dem Pianisten Adam Laloum das Trio Les Esprits, eine Anspielung auf Beethovens Geister-Trio op. 70 Nr. 1. Ihr erstes Album erschien 2014 bei Mirare und umfasst unter anderem Beethovens Trio Nr. 6 und Schumanns Trio Nr. 3. Beim gleichen Label erschien ein Sonatenalbum mit Adam Laloum, das 2016 mit dem französischen Musikpreis Diapason d’Or ausgezeichnet wurde.

Bauen für den perfekten Ton

Wie schafft man einen Raum, dessen Klang Publikum und Musiker gleichermaßen begeistert? Einen Saal, der Architektur mit Klang verwebt – und damit selbst zum Instrument wird?
Star-Akustiker feilen auf der Suche nach dem perfekten Sound mit Hightech am Raumklang von Konzertsälen in aller Welt. Sounddesign bestimmt auch unser Erleben im Alltag. In dem Film gewähren einige der besten Akustiker Einblick in ihre Hexenküche der »Klangwunder«.
Bei der Eröffnung der Elbphilharmonie in Hamburg wurde neben der spektakulären Architektur auch ihre herausragende Akustik gefeiert – und Yasuhisa Toyota wurde zum Liebling der Medien. Von der »ZEIT« zum »Dr. Sound« geadelt, ist der sympathische Japaner einer der weltweit gesuchten Stars unter den Akustikern. Neben Yasuhisa Toyota zählen dazu vor allem Jürgen Reinhold oder auch Martijn Vercammen, der in der soeben wiedereröffneten Berliner Staatsoper Daniel Barenboims Herzenswunsch nach einer besseren Akustik des prachtvollen Gebäudes hat Wirklichkeit werden lassen.
Filmemacher Günter Atteln lässt sich von den Raumakustikern in einigen der bedeutendsten Konzert- und Opernhäusern die Besonderheiten – und Probleme – dieser Räume erklären, besucht mit Valery Gergiev den Rohbau der neuen Philharmonie in Moskau und beobachtet die Maßnahmen zur Klang-Korrektur in der ehrwürdigen Mailänder Scala. Die Cellistin Anastasia Kobekina demonstriert, wie sich die unterschiedlichen Akustiken von Konzerträumen nicht nur auf den Klang ihres Instruments, sondern auch auf sie selbst und ihre Spielweise auswirken.
«Wie sehr uns Klangeindrücke nicht nur im Konzertsaal, sondern auch in alltäglichsten Situationen beeinflussen, zeigen Exkurse in das weite Feld des Produkt-Klangdesigns: vom »fetten« Sound einer schließenden Autotür über das satte Klicken eines Blinkerhebels bis zum richtigen »Crunch« von Cornflakes und dem knackig klingenden Biss von Würstchen: Psychoakustik und Sounddesign bestimmen unser oft unterbewusstes Erleben – und unsere Emotionen.

Bauen für den perfekten Ton

Wie schafft man einen Raum, dessen Klang Publikum und Musiker gleichermaßen begeistert? Einen Saal, der Architektur mit Klang verwebt – und damit selbst zum Instrument wird?
Star-Akustiker feilen auf der Suche nach dem perfekten Sound mit Hightech am Raumklang von Konzertsälen in aller Welt. Sounddesign bestimmt auch unser Erleben im Alltag. In dem Film gewähren einige der besten Akustiker Einblick in ihre Hexenküche der »Klangwunder«.
Bei der Eröffnung der Elbphilharmonie in Hamburg wurde neben der spektakulären Architektur auch ihre herausragende Akustik gefeiert – und Yasuhisa Toyota wurde zum Liebling der Medien. Von der »ZEIT« zum »Dr. Sound« geadelt, ist der sympathische Japaner einer der weltweit gesuchten Stars unter den Akustikern. Neben Yasuhisa Toyota zählen dazu vor allem Jürgen Reinhold oder auch Martijn Vercammen, der in der soeben wiedereröffneten Berliner Staatsoper Daniel Barenboims Herzenswunsch nach einer besseren Akustik des prachtvollen Gebäudes hat Wirklichkeit werden lassen.
Filmemacher Günter Atteln lässt sich von den Raumakustikern in einigen der bedeutendsten Konzert- und Opernhäusern die Besonderheiten – und Probleme – dieser Räume erklären, besucht mit Valery Gergiev den Rohbau der neuen Philharmonie in Moskau und beobachtet die Maßnahmen zur Klang-Korrektur in der ehrwürdigen Mailänder Scala. Die Cellistin Anastasia Kobekina demonstriert, wie sich die unterschiedlichen Akustiken von Konzerträumen nicht nur auf den Klang ihres Instruments, sondern auch auf sie selbst und ihre Spielweise auswirken.
«Wie sehr uns Klangeindrücke nicht nur im Konzertsaal, sondern auch in alltäglichsten Situationen beeinflussen, zeigen Exkurse in das weite Feld des Produkt-Klangdesigns: vom »fetten« Sound einer schließenden Autotür über das satte Klicken eines Blinkerhebels bis zum richtigen »Crunch« von Cornflakes und dem knackig klingenden Biss von Würstchen: Psychoakustik und Sounddesign bestimmen unser oft unterbewusstes Erleben – und unsere Emotionen.

Der italienische Theaterregisseur Romeo Castellucci bietet eine originelle und leidenschaftliche Lesart von Mozarts letztem Meisterwerk. Sein Requiem ist ein Ritual zu Ehren der Toten und gleichermaßen eine Feier des Lebens. Erstmalig wird es nun auf der Bühne des Erzbischöflichen Palais inszeniert. Die mit Spannung erwartete Aufführung verspricht eine verstörende szenische Meditation, in der das Originalwerk um zahlreiche, noch unbekannte Klangfarben erweitert wird. Die musikalische Interpretation des Werks übernehmen der Dirigent Raphaël Pichon sowie die Solisten Siobhán Stagg (Sopran), Sara Mingardo (Mezzosopran), Martin Mitterrutzner (Tenor) und Luca Tittoto (Bass).

»Schwanensee Reloaded« katapultiert den Tschaikowsky-Klassiker auf die Höhe der Zeit. »Ich wollte die Geschichte in einen modernen Kontext stellen, so dass sich die Leute dazu in Beziehung setzen können«, erklärt der Choreograph Fredrik Rydman. Bei der bekannten Geschichte um Prinz Siegfried und die schöne Odette versucht der finstere Rotbart die Liebe zwischen den beiden zu vereiteln. Rydman übersetzt den klassischen Stoff in ein modernes Märchen. Die energiegeladene, temporeiche Tanzchoreographie beeindruckt mit roboterartig-mechanischen Tanzbewegungen der Schwäne, atemberaubenden Headspins während der Ballszene und Breakdance-Einlagen statt Pirouetten.
Auch die klassische Musik Tschaikowskys erhält durch Hip-Hop-Beats, Electro-Remixe und Samples völlig neue Facetten. Künstler wie Moneybrother, Salem Al Fakir oder auch Adiam Dymott komponierten eigene Songs für die Soundkulisse. »Es stehen viel mehr tänzerische Ausdrucksmöglichkeiten zur Verfügung, wenn man die Musikstile mischt«, so Rydman.
Durch ein aufwendiges Lichtdesign von Linus Fellbom und Emma Westerberg, die schon für internationale Stars wie Björk und Rufus Wainwright gearbeitet haben, wird »Schwanensee Reloaded« für den Zuschauer zu einem audiovisuellen Gesamtkunstwerk. Fredrik Rydman feierte bereits als Mitglied der Streetdance-Kompanie Bounce europaweit Erfolge. Er kreierte verschiedene Shows, die berühmteste ist »Insane in the Brain«, eine getanzte Version von »Einer flog über das Kuckucksnest«. Sein jüngstes Projekt nach dem Erfolg von »Swan Lake Reloaded« und einer Neuauflage von Shakespeares »Macbeth« ist die moderne Tanzinszenierung »Stop. Play. Rewind – The Monopoly Game«, die in Stockholm Ende 2014 Premiere feierte. Er choreographierte auch die Performance des Gewinners beim Eurovision Song Contest 2015, des schwedischen Sängers Måns Zelmerlöw.

Casa di riposo – zu Deutsch »Haus der Ruhe«. Doch ruhig geht es in dem Altersheim nur selten zu. Für den besonderen Klang sorgen in dem neogotischen Bau in Mailand rund 60 Musiker, Sänger und Komponisten, die hier ihren Lebensabend verbringen. Zu verdanken haben sie das Giuseppe Verdi. Er gründete 1896 das Haus, um den Künstlern im Ruhestand unabhängig von ihren finanziellen Mittel einen Zufluchtsort unter Gleichgesinnten zu schaffen – sein »liebstes Werk«, wie der berühmte Gönner die »Casa Verdi« einmal nannte. Eine großartige Idee zu einer Zeit, in der es noch keine Altersvorsorge gab. Doch wie funktioniert das Zusammenleben solch unterschiedlicher künstlerischer Charaktere? Die Aufmerksamkeit, die den Stars während ihrer aktiven Zeit entgegen gebracht wurde, haben sich die Musiker hart erarbeitet. Gilt nun auch im Ruhestand das Motto: einmal Diva, immer Diva? Seit den 1990er Jahren dürfen auch Studenten zeitweise mit ihnen zusammen wohnen. Besonders freut sich darüber die 94-jährige Bissy Roman. Ursprünglich aus Rumänien stammend, hat Bissy an den großen Bühnen der Welt als Gesangslehrerin gearbeitet. Noch heute bildet sie, die sieben Sprachen spricht, den Nachwuchs aus. Musik ist in der »Casa Verdi« nicht nur Lebensgefühl, sondern Alltag. 15 Klaviere, eine Orgel, Harfen und Schlaginstrumente stehen den Bewohnern zur Verfügung. Die Bühnen der Welt, vereint unter einem Dach in Mailand.

Jeder Mensch verfügt über ein natürliches Instrument: die Stimme. Sprechen und Singen ist ein perfektes Zusammenspiel von Kehlkopf, Stimmlippen und Rachenraum. Wie das funktioniert, lässt sich per Videoendoskop sichtbar machen. Sänger der Kölner »Wise Guys« waren bereit, sich bei der Ausübung ihrer Kunst tief in den Mund schauen zu lassen. Erhellendes dazu haben auch die »Physikanten« beizusteuern.

Ein Krimi ohne Musik ist wie eine Suppe ohne Salz. Doch die Tage, in denen große Filmorchester für die nötige Spannung sorgten, sind gezählt. Komponist Christian Kardeis setzt wie viele seiner Kollegen auf digitalisierte Klänge aus dem Computer. Die Kamera beobachtet ihn bei der Vertonung eines Tatorts, sie zeigt, wie die Samples der verschiedenen Instrumente zuvor aufgenommen wurden. Die »Physikanten« geben einen Einblick in die elektronische Klangerzeugung. Sie ist die Grundlage des Synthesizers, der die Musikwelt revolutioniert hat.

Casa di riposo – zu Deutsch »Haus der Ruhe«. Doch ruhig geht es in dem Altersheim nur selten zu. Für den besonderen Klang sorgen in dem neogotischen Bau in Mailand rund 60 Musiker, Sänger und Komponisten, die hier ihren Lebensabend verbringen. Zu verdanken haben sie das Giuseppe Verdi. Er gründete 1896 das Haus, um den Künstlern im Ruhestand unabhängig von ihren finanziellen Mittel einen Zufluchtsort unter Gleichgesinnten zu schaffen – sein »liebstes Werk«, wie der berühmte Gönner die »Casa Verdi« einmal nannte. Eine großartige Idee zu einer Zeit, in der es noch keine Altersvorsorge gab. Doch wie funktioniert das Zusammenleben solch unterschiedlicher künstlerischer Charaktere? Die Aufmerksamkeit, die den Stars während ihrer aktiven Zeit entgegen gebracht wurde, haben sich die Musiker hart erarbeitet. Gilt nun auch im Ruhestand das Motto: einmal Diva, immer Diva? Seit den 1990er Jahren dürfen auch Studenten zeitweise mit ihnen zusammen wohnen. Besonders freut sich darüber die 94-jährige Bissy Roman. Ursprünglich aus Rumänien stammend, hat Bissy an den großen Bühnen der Welt als Gesangslehrerin gearbeitet. Noch heute bildet sie, die sieben Sprachen spricht, den Nachwuchs aus. Musik ist in der »Casa Verdi« nicht nur Lebensgefühl, sondern Alltag. 15 Klaviere, eine Orgel, Harfen und Schlaginstrumente stehen den Bewohnern zur Verfügung. Die Bühnen der Welt, vereint unter einem Dach in Mailand.

»La Bohème im Hochhaus« transportiert die Handlung von Giacomo Puccinis Oper vom Beginn des 19. Jahrhunderts in unsere Zeit, in ein Hochhaus im Berner Gäbelbachquartier.Nach monatelangen Vorbereitungen ging am 29. September 2009 das mediale Opernereignis des Schweizer Fernsehens live über die Bühne. Für die Titelrollen von »La Bohème im Hochhaus« verpflichtete das Schweizer Fernsehen international renommierte Sängerinnen und Sänger.Die ursprüngliche Geschichte der Oper »La Bohème« spielt zu Beginn des 19. Jahrhunderts in Paris. »La Bohème im Hochhaus« transportiert sie in unsere Zeit, in ein Hochhaus im Gäbelbachquartier.

Carmen, Violetta und Mimὶ sind die Heldinnen der drei meistaufgeführten romantischen Opern der Welt: »Carmen«, »La Traviata« und »La Bohème«. Alle drei sind Modelle der Emanzipation: Carmen – die Schöne und Begehrte, die ihren unbändigen Drang nach Freiheit mit dem Leben bezahlt; Violetta – die umschwärmte Kurtisane aus »La Traviata«, die sich aus Liebe opfert, eine Art »weltliche Heilige«; und schließlich die liebliche und bedauernswerte Mimì, die einfache Stickerin aus »La Bohème«, die schon in jungen Jahren von der Schwindsucht hinweggerafft wird.
Wie nahmen diese literarischen Figuren Form an? Wurden sie Frauen nachempfunden, die tatsächlich lebten? Anhand eines gelungenen Zusammenschnitts von Archivmaterial, musikalisch untermalt mit weltberühmten Arien, begibt sich die Dokumentation auf die Suche nach den realen Vorbildern für diese Opernheldinnen.
Die Spur führt ins Paris des mittleren 19. Jahrhunderts, als die Schriftsteller Alexandre Dumas Fils, Prosper Mérimée und Henry Murger neue schillernde Romanfiguren schufen. Den Stoff für ihre Prosa schöpfen die Autoren aus dem eigenen Leben. Drei große Komponisten – Giuseppe Verdi, Georges Bizet und Giacomo Puccini – arbeiteten die Psychologie dieser Figuren für ihre Opernwerke schließlich noch weiter heraus, bis daraus die berühmten Frauenfiguren entstanden, die bis heute das Ewig-Weibliche verkörpern.
Wer sich auf ihre Spur begibt, dem erschließt sich das gesamte 19. Jahrhundert mit seiner Mode, Literatur und Musik vor dem Hintergrund der Entstehung des Bürgertums im Nachgang an die Industrielle Revolution.

Opernhaus Düsseldorf, Juli 2018

Dramaturgie: Anne do Paço
Bühnenbild: Florian Etti
Kostüme: Florian Etti
Choreografie: Martin Schläpfer
Musikalische Leitung: Axel Kober
Die Kritiker-Umfrage der »Deutschen Bühne« kürte Martin Schläpfer für seinen »Schwanensee« zum Choreographen des Jahres 2018. 3sat zeigt die bildstarke Aufzeichnung Peter Schönhofers.
Das Ballett am Rhein wird von den Düsseldorfer Symphonikern unter Leitung von Axel Kober begleitet. Florian Etti zeichnet für die Bühne und die Kostüme, Stefan Bolliger für das Lichtdesign verantwortlich.

Ein letztes Mal kam Sir Simon Rattle 2017 als Chefdirigent der Berliner Philharmoniker nach Luzern. Zu seinem Abschied erzählte er mit Haydns epochaler »Schöpfung«, wie die Welt entstand.
Haydns Oratorium beschreibt, wie aus dem ungestalteten, formlosen Chaos Himmel und Erde hervorgingen, wie das Licht über die Finsternis triumphierte, wie Pflanzen und Tiere den Erdball zu bevölkern begannen und wie schließlich der Mensch ins Leben trat.
Haydn war schon im fortgeschrittenen Alter, als er dieses Oratorium zwischen 1796 und 1798 komponierte. Es enthält einige seiner kühnsten musikalischen Ideen, weit seiner Zeit voraus, mit atemberaubenden Effekten. Etwa wenn aus den verschleierten Pianissimo-Klängen der Dunkelheit das Licht mit einem gleißenden C-Dur-Akkord im Forte hervorbricht.

Ein besonderes Highlight findet 2019 in der schönen Kulisse der Mailänder Scala statt: Die Wiener Philharmoniker bieten zusammen mit weltberühmten Künstlern einen unvergesslichen Musikgenuss.Die Wiener Philharmoniker gelten zu Recht als prominenter Exportartikel Österreichs im Kulturbereich. Das Orchester tritt mit seinen Reisekonzerten immer an besonderen Orten auf. Die musikalische Leitung teilen sich in MailandGustavo Dudamel und Plácido Domingo.

Die Osterfestspiele Salzburg setzten 2018 auf ein Hauptwerk der italienischen Oper: Giacomo Puccinis »Tosca« wurde von Michael Sturminger neu inszeniert.
Salzburger Bachchor, Salzburger Festspiele und, Theater Kinderchor, Sächsische Staatskapelle, Dresden, Christian Thielemann
Floria Tosca: Anja Harteros
Mario Cavaradossi: Aleksandrs Antonenko
Baron Scarpia: Ludovic Tézier
Cesare Angelotti: Andrea Mastroni
Der Mesner: Matteo Peirone
Spoletta: Mikeldi Atxalandabaso
Sciarrone: Rupert Grössinger
Ein Schließer: Levente Páll

Anna Netrebko feiert ihr Debüt beim Opernfestival in der Arena di Verona, einer der spektakulärsten Open-Air-Spielstätten weltweit, mit Verdis Oper »Il Trovatore«.
Die berühmte Sopranistin steht zusammen mit ihrem Ehemann auf der Bühne, dem Tenor Yusif Eyvazov. Sie verkörpern das Liebespaar Leonora und Manrico. Regisseur Franco Zeffirelli verwandelt den Bühnenraum des römischen Amphitheaters in ein beeindruckendes Spektakel.
Der Italiener Zeffirelli ist ein Meister opulenter und monumentaler Bilder und macht sich mit seiner Szenengestaltung jede Dimension der Arena zunutze. Das Sänger- und Ehepaar Netrebko und Eyvazov komplettiert die Opernaufführung aus der Arena di Verona mit ihrer stimmlichen Präsenz und Virtuosität.
Verdi schuf mit seiner Oper ein wahres Meisterwerk. Sie lebt nicht aus der verwirrenden Handlung, sondern vor allem aus der facettenreichen musikalischen Sprache: ausdrucksstarke Melodien, emotionsgeladene Arien und effektvolle Chöre. Schon die Uraufführung in Rom im Jahr 1853 traf das Publikum mitten ins Herz, und in Windeseile verbreitete sich die Oper in der ganzen Welt. Bis heute zählt »Il Trovatore« zu den populärsten Verdi-Opern.

Dirigent: Alan Gilbert
Solist: Renée Fleming

Der Termin zählt zu den festen Größen im Münchner Kultursommer: Auch 2019 verwandelt sich der Odeonsplatz wieder in einen Konzertsaal mit besonderem Flair.
An diesem Abend gehört die Bühne dem Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks unter der Leitung von Alan Gilbert. Solistin ist die Sopranistin Renée Fleming, eine der großartigsten Persönlichkeiten der internationalen Opernszene.
Sie singt Stücke aus ihrer US-amerikanischen Heimat, die atmosphärisch hervorragend zu einem Sommerabend passen. Im zweiten Teil von »Klassik am Odeonsplatz« kommt Peter Iljitsch Tschaikowskys ebenso romantische wie mitreißende Symphonie Nr. 5 e-Moll, op. 64 zur Aufführung.
Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks, Alan Gilbert
Solistin: Renée Fleming (Sopranistin)

Peter Iljitsch Tschaikowsky: »Eugen Onegin«, op. 24. »Puskai pogibnu ja, no preshde« Rezitativ und Briefszene der Tatjana, 1. Akt
Richard Rogers: »You’ll never walk alone«
Peter Iljitsch Tschaikowsky: Symphonie Nr. 5 e-Moll, op. 64

Wiener Singakademie, Shanghai Spring Children’s Choir
Shanghai Symphony Orchestra, Long Yu
Mit: Toby Spence (Tenor), Ludovic Tézier (Bariton), Aida Garifullina (Sopran)

Die exotische Atmosphäre der Verbotenen Stadt in Peking ist die perfekte Kulisse für ein Musik-Event mit Seltenheitswert: Erstmals seit vielen Jahren findet wieder ein klassisches Konzert auf dem Platz vor dem berühmten Kaiserlichen Ahnentempel statt. Auf dem Programm steht eines der populärsten Werke Musikliteratur: »Carmina Burana« von Carl Orff.

»Giselle« ist DIE romantische Ballett-Ikone. Der weltweit angesagte Choreograf und Visionär des zeitgenössischen Tanzes Akram Khan stürzt den Klassiker aus dem Märchenhimmel in die Realität.

Dramaturgie: Ruth Little
Bühnenbild: Tim Yip
Kostüme: Tim Yip
Ensemble: English National Ballet
Choreografie: Akram Khan
Musik: Vincenzo Lamagna
Orchester: English National Ballet, Philharmonic
Musikalische Leitung: Gavin Sutherland
Regie: Akram Khan

Anna Netrebko feiert ihr Debüt beim Opernfestival in der Arena di Verona, einer der spektakulärsten Open-Air-Spielstätten weltweit, mit Verdis Oper »Il Trovatore«.
Die berühmte Sopranistin steht zusammen mit ihrem Ehemann auf der Bühne, dem Tenor Yusif Eyvazov. Sie verkörpern das Liebespaar Leonora und Manrico. Regisseur Franco Zeffirelli verwandelt den Bühnenraum des römischen Amphitheaters in ein beeindruckendes Spektakel.
Der Italiener Zeffirelli ist ein Meister opulenter und monumentaler Bilder und macht sich mit seiner Szenengestaltung jede Dimension der Arena zunutze. Das Sänger- und Ehepaar Netrebko und Eyvazov komplettiert die Opernaufführung aus der Arena di Verona mit ihrer stimmlichen Präsenz und Virtuosität.
Verdi schuf mit seiner Oper ein wahres Meisterwerk. Sie lebt nicht aus der verwirrenden Handlung, sondern vor allem aus der facettenreichen musikalischen Sprache: ausdrucksstarke Melodien, emotionsgeladene Arien und effektvolle Chöre. Schon die Uraufführung in Rom im Jahr 1853 traf das Publikum mitten ins Herz, und in Windeseile verbreitete sich die Oper in der ganzen Welt. Bis heute zählt »Il Trovatore« zu den populärsten Verdi-Opern.

Wiener Singakademie, Shanghai Spring Children’s Choir
Shanghai Symphony Orchestra, Long Yu
Mit: Toby Spence (Tenor), Ludovic Tézier (Bariton), Aida Garifullina (Sopran)

Die exotische Atmosphäre der Verbotenen Stadt in Peking ist die perfekte Kulisse für ein Musik-Event mit Seltenheitswert: Erstmals seit vielen Jahren findet wieder ein klassisches Konzert auf dem Platz vor dem berühmten Kaiserlichen Ahnentempel statt. Auf dem Programm steht eines der populärsten Werke Musikliteratur: »Carmina Burana« von Carl Orff.

Selten, dass ein Künstler sein Publikum so in den Bann der Musik zieht wie beim Abschlusskonzert des Schleswig-Holstein Musik Festivals 2012: Lang Lang spielt Beethoven, ein Musikerlebnis der Extraklasse. Gleichermaßen präzise wie virtuos präsentiert der chinesische Superstar der Klassik Beethovens fünftes Klavierkonzert op. 73 in Es-Dur, begleitet vom NDR Sinfonieorchester (dem heutigen NDR Elbphilharmonie Orchester) unter der Leitung von Christoph Eschenbach.
Dass Solist und Orchester in so wunderbarer Weise harmonieren, liegt nicht zuletzt an dem Dirigenten Christoph Eschenbach. Seit Beginn der Karriere Lang Langs ist er Förderer und Freund des Ausnahmekünstlers. Die sichtbare Sympathie zwischen Solist, Dirigent und Orchester macht dieses Konzert zu einem Meilenstein der Klassik, bei dem die Emotionalität der Musik fast greifbar wird. Das stellen Lang Lang und Christoph Eschenbach auch in der gemeinsamen Zugabe am Flügel vierhändig unter Beweis: Mit zwei Sätzen der Petite suite des französischen Komponisten Claude Debussy, »En Bateau« und »Ballet«.

Das Musikmagazin

Alan Gilbert dirigiert Tschaikowsky Symphonie Nr. 5

Die Pianistin und Komponistin Gabriela Montero gastierte im Juli 2017 inmitten der Weiten Patagoniens in einem der schönsten Konzertsäle der Welt: dem Teatro del Lago in Frutillar, Chile. Aufgezeichnet wurde dabei ihre neueste Komposition, das »Latin Concerto«.

Das Symphonieorchester des BR spielt Richard Strauss:
– »Der Bürger als Edelmann« Orchestersuite opus 60
– Konzert für Horn und Orchester Nr. 2 Es-Dur,
– »Don Juan« Tondichtung für großes Orchester opus 20.
Aufzeichnung aus dem Herkulessaal der Residenz in München vom Juni 1999

Der Regisseur Barrie Kosky ist an allen großen Opernbühnen der Welt zu Hause und leitet zudem als Intendant die Komische Oper Berlin. Der Kunst der Oper verfiel der gebürtige Australier bereits im zarten Alter von sieben Jahren beim Besuch einer Aufführung von Puccinis »Madama Butterfly«. Heute umfasst sein künstlerisches Schaffen das gesamte Spektrum von der leichten Operettenkunst, die er am eigenen Hause wiederentdeckt hat, bis hin zum Giganten Richard Wagner, dessen »Meistersinger von Nürnberg« er im Sommer 2017 in Bayreuth auf die Bühne bringt. So wird Kosky auch in dem Porträt nicht müde, seine Ablehnung einer Unterscheidung in ernste und unterhaltende Kultur zu betonen. Der Film folgt dem in jeder Hinsicht unterhaltsamen Ausnahmeregisseur durch ein turbulentes Jahr, in dem er sowohl den Bizet-Klassiker »Carmen« am Opernhaus Frankfurt als auch Schostakowitschs »Nase« im Londoner Covent Garden aufführt und sich gleichzeitig auf eine ebenso radikale wie politische »Meistersinger«-Inszenierung auf Bayreuths Grünem Hügel vorbereitet. Barrie Kosky wurde 1967 in Melbourne geboren, seine Vorfahren waren jüdische Einwanderer mit ungarischen, polnischen und russischen Wurzeln. Er startete seine Karriere bei der australischen Gilgul Theatre Company, die er von 1990 bis 1997 leitete. Seit 2012 ist Barrie Kosky Intendant der Komischen Oper Berlin, die unter seiner Leitung zum »Opernhaus des Jahres« gekürt wurde. Bühne frei für den Opernmagier Barrie Kosky!

2018 feierte das Verbier Festival sein 25. Jubiläum. Vor der Kulisse der Schweizer Alpen trafen international gefeierte Stars der klassischen Musik auf eine neue Generation von vielversprechenden Künstlern. ARTE zeigt die Höhepunkte des Events: Thomas Quasthoff und Emily Edmonds singen Melodien aus der »Fledermaus« von Johann Strauss, der RIAS Kammerchor gibt das »Halleluja« aus Händels »Messias« und das »Ave verum corpus« von Wolfgang Amadeus Mozart und eine ganze Reihe Streicher von Weltruhm das »Brandenburgische Konzert Nr. 3« von Johann Sebastian Bach.
Zum Verbier Festival Chamber Orchestra gesellen sich Meistersolisten aus aller Herren Länder, wie Vadim Repin und Maxim Vengerov aus Russland, Mischa Maisky aus Lettland, Vilde Frang aus Norwegen, Martin Fröst aus Schweden, Pinchas Zukerman aus Israel, Leonidas Kavakos aus Griechenland, Lisa Batiashvili aus Georgien, Renaud Capuçon und Gérard Caussé aus Frankreich und viele andere mehr. Es dirigieren Valery Gergiev und Gábor Takács-Nagy.

Riccardo Chailly, der neue musikalische Leiter des Lucerne Festivals, eröffnet die Sommersaison 2016 mit Gustav Mahlers 8. Symphonie, der spektakulären »Symphonie der Tausend«. Damit setzt er den letzten fehlenden Baustein im großen Mahler-Zyklus des Orchesters, den Abbado vor seinem Tod im Januar 2014 nicht mehr vollenden konnte: ein Abschluss, der ein Anfang ist. Vier großbesetzte Chöre und acht hochrangige Solisten gesellen sich zum Lucerne Festival Orchestra und lassen die Festspieleröffnung zu einem Ereignis der Extraklasse werden.

Das Musikmagazin

Mariss Jansons ist nicht nur Chefdirigent des Symphonieorchesters, sondern auch des Chores des Bayerischen Rundfunks. Im Januar 2016 leitete er »seine« beiden Klangkörper in Sergej Rachmaninows gewaltigem Werk »Die Glocken«. Außerdem stand im Herkulessaal der Münchner Residenz »Fantasia on an Ostinato« des zeitgenössischen amerikanischen Komponisten John Corigliano auf dem Programm.
Vier verschiedene Szenarien behandelt der Schriftsteller Edgar Allan Poe in seinem Gedicht »Die Glocken«. Jedes steht symbolisch für einen Abschnitt bzw. eine elementare Gemütslage im Leben eines Menschen. So verhält es sich auch mit den vier Sätzen von Sergej Rachmaninows gleichnamigem symphonischen Poem. Er wurde 1912 in einem anonymen Brief gebeten, Poes Gedicht zu vertonen. Rachmaninow ließ sich von dieser Idee gerne begeistern, da Glocken für ihn, so wie für viele Russen, allgemein eine große Rolle spielten. Dieses Faible ist in seinem Oeuvre an mehreren Werken erkennbar, teils sogar titelgebend. Nirgends aber so opulent und allegorisch wie in »Kolokola«, wie das Werk im Original heißt. Rachmaninow übersetzte die starken Emotionen in Musik und ließ sich dabei von der Sprachmelodie Poes inspirieren.
Ebenfalls von einem Großen ließ sich John Corigliano zu seiner »Fantasia on an Ostinato« inspi«rieren, nämlich von Ludwig van Beethoven. Der berühmte Beginn des »Allegretto«-Satzes der 7. Symphonie war die Vorlage für das Werk des 1938 geborenen New Yorkers. Ursprünglich hatte Corigliano das Stück für Soloklavier geschrieben, ehe er die 1986 uraufgeführte Orchesterfassung erstellte.
Mariss Jansons dirigierte das Symphonieorchester und den Chor des Bayerischen Rundfunks im Herkulessaal der Münchner Residenz. Am 14. und 15. Januar 2016 erklangen John Coriglianos »Fantasia on an Ostinato« sowie »Die Glocken« von Sergej Rachmaninow. Die Solisten hierbei waren die Sopranistin Tatiana Pavlovskaja, der Tenor Oleg Dolgov sowie der Bariton Alexey Markov.

Die Eröffnung der Bregenzer Festspiele macht Lust auf das Programm: 27 Aufführungen von Verdis »Rigoletto« sind 2019 auf der Seebühne zu sehen. Im Festspielhaus wird »Don Quichotte« gegeben.
Auf dem Platz vor Festspielhaus spricht Moderatorin Martina Köberle mit Philipp Stölzl, dem Regisseur von »Rigoletto«, und Mariame Clément, der Regisseurin von »Don Quichotte«, über das Kulturfestival und über ihre Inszenierungen.
Bei der feierlichen Eröffnung präsentieren namhafte Sängerinnen und Sänger gemeinsam mit den Wiener Symphonikern Arien und Ensembles aus den Opern »Rigoletto«, »Don Quichotte« und dem Musiktheater »Der Reigen« von Bernhard Lang. Der Regisseur und Puppenspieler Nikolaus Habjan führt mit seiner selbst gebauten Clown-Puppe durch die Eröffnung. Er selbst ist zwei Tage später in einem eigenen Stück zu erleben. Der Autor Paulus Hochgatterer hat für Habjans Narrenpuppe eine kurze Szene geschrieben. Habjan stellt sein Talent, bekannte Melodien zu pfeifen, unter Beweis. Außerdem spielen die Wiener Symphoniker einen Ausschnitt aus Tschaikowskys »Eugen Onegin«.
Der österreichische Bundespräsident Alexander Van der Bellen und Festspielpräsident Hans-Peter Metzler machen sich in ihren Ansprachen Gedanken über aktuelle Themen wie das Spiel mit der Macht. Zur Eröffnung der Bregenzer Festspiele (17.7.-18.8.2019) werden knapp 2000 prominente Gäste aus Politik, Wirtschaft und Kultur erwartet.

Die Pianistin und Komponistin Gabriela Montero gastierte im Juli 2017 inmitten der Weiten Patagoniens in einem der schönsten Konzertsäle der Welt: dem Teatro del Lago in Frutillar, Chile. Aufgezeichnet wurde dabei ihre neueste Komposition, das »Latin Concerto«.

Nirgendwo auf der Welt sind so viele Theater- und Opernhäuser gebaut worden wie in den letzten Jahren in China. Im ganzen Land schießen eindrucksvolle Musentempel wie Pilze aus dem Boden.
Eine chinesische Stadt, die etwas auf sich hält, glänzt mit einem repräsentativen Opernhaus. Im Westen hat das Tradition. Chinas Metropolen greifen diese Idee nun auf und setzen sie um – per Regierungsauftrag, in kürzester Frist und im ganz großen Stil.
Bemerkenswerte Wahrzeichen entstehen, Vorzeigeprojekte auf Weltklasseniveau. Von internationalen Star-Architekten werden sie entworfen und hochwertig ausgestattet. Doch was haben diese Häuser darüber hinaus zu bieten? Entwickelt sich China zum Opernparadies der Zukunft?
Filmemacher und Opernkenner Ralf Pleger begibt sich auf Erkundungstour durch Mega-Citys wie Shanghai, Guangzhou und Wuxi. Sein Blick auf die neue chinesische Opernglitzerwelt erfasst ihre Fassaden und das Treiben dahinter. Die hochmodernen Theatergebäude sind atemberaubend, ihre Möglichkeiten bewundernswert. Es sind vielgestaltige Repräsentationsbauten, in denen Musik, Kunst und Kultur mitsamt ihren gesellschaftlichen Komponenten betrieben, erneuert und kontrovers diskutiert werden. Ralf Pleger hinterfragt diese Entwicklung in China: das kulturpolitische Verständnis des Landes, aber auch das Verständnis für Entertainment zwischen Tradition, Innovation und Experimentierfreudigkeit. Außerdem beleuchtet die Dokumentation die sehr spezielle Definition von Oper in China mit ihren regionalen Ausprägungen.
»Chinas neue Musentempel« präsentiert ein Phänomen, das noch in seiner Anfangsphase steckt, dessen Potenzial und Strahlkraft aber schon jetzt nicht nur Opernliebhaber fasziniert.

Die »Space Night« im BR Fernsehen ist Kult. Gechillte Musik zusammen mit atemberaubenden Bildern aus dem Weltall – für Spätheimkommer, Frühaufsteher und Schlaflose ist das ein gerne gesehenes Kontrastprogramm. Am 9. Mai 2018 kam die »Space Night« multimedial auf die Bühne. Mit dabei unter anderem: die ehemaligen Astronauten Ulf Merbold und Klaus-Dietrich Flade.
Rund 92 Minuten dauert es, bis die Raumstation ISS in 408 Kilometern Höhe die Erde umrundet hat. Genauso lang dauert auch das »Space Night«-Konzert des Münchner Rundfunkorchesters im Münchner Prinzregententheater. Zu hören ist Musik von Philip Glass, David Maslanka, Alan Hovhaness und Michael Daugherty.
Mit dabei sind auch die ehemaligen Astronauten Ulf Merbold und Klaus-Dietrich Flade. Als Astronaut sieht man die Erde buchstäblich aus einem anderen Blickwinkel und erhält zum Beispiel »die sichere Einsicht, dass es nirgends auf Dauer so schön ist wie hier auf unserem Erdball«, so Ulf Merbold.

Der Regisseur Barrie Kosky ist an allen großen Opernbühnen der Welt zu Hause und leitet zudem als Intendant die Komische Oper Berlin. Der Kunst der Oper verfiel der gebürtige Australier bereits im zarten Alter von sieben Jahren beim Besuch einer Aufführung von Puccinis »Madama Butterfly«. Heute umfasst sein künstlerisches Schaffen das gesamte Spektrum von der leichten Operettenkunst, die er am eigenen Hause wiederentdeckt hat, bis hin zum Giganten Richard Wagner, dessen »Meistersinger von Nürnberg« er im Sommer 2017 in Bayreuth auf die Bühne bringt. So wird Kosky auch in dem Porträt nicht müde, seine Ablehnung einer Unterscheidung in ernste und unterhaltende Kultur zu betonen. Der Film folgt dem in jeder Hinsicht unterhaltsamen Ausnahmeregisseur durch ein turbulentes Jahr, in dem er sowohl den Bizet-Klassiker »Carmen« am Opernhaus Frankfurt als auch Schostakowitschs »Nase« im Londoner Covent Garden aufführt und sich gleichzeitig auf eine ebenso radikale wie politische »Meistersinger«-Inszenierung auf Bayreuths Grünem Hügel vorbereitet. Barrie Kosky wurde 1967 in Melbourne geboren, seine Vorfahren waren jüdische Einwanderer mit ungarischen, polnischen und russischen Wurzeln. Er startete seine Karriere bei der australischen Gilgul Theatre Company, die er von 1990 bis 1997 leitete. Seit 2012 ist Barrie Kosky Intendant der Komischen Oper Berlin, die unter seiner Leitung zum »Opernhaus des Jahres« gekürt wurde. Bühne frei für den Opernmagier Barrie Kosky!

Beim internationalen Sir Georg Solti Dirigentenwettbewerb in der Alten Oper Frankfurt traten 24 junge Dirigenten gegeneinander an. Fünf von ihnen hat der Filmemacher Götz Schauders durch die Auswahlrunden bis ins Finale begleitet. Seine empathische filmische Beobachtung ist dabei den Musikern, der Jury und dem Geheimnis des Dirigierens so nahe wie kaum ein Film zuvor.
Zwei Dutzend junge Dirigenten haben ein Ziel: Beim Internationalen Sir Georg Solti Dirigentenwettbewerb wollen sie vor einem etablierten Orchester und einer hochkarätigen Jury ihr Können und ihr Talent zu beweisen. Wer nach drei spannungsreichen Ausscheidungsrunden das Finale in der Alten Oper Frankfurt gewinnt, dem steht das Tor zu einer internationalen Karriere weit offen. Fünf Dirigenten stehen im Mittelpunkt der Dokumentation: Neben dem Deutschen Andreas Hotz und dem Engländer James Lowe will der erst 20-jährige aus Usbekistan angereiste Aziz Shokhakimov beweisen, dass er zu den Besten seines Fachs zählt. Sein Durchsetzungswille prallt auf die Vorstellungen erfahrener Orchestermusiker. Alondra de la Parra ist zum Zeitpunkt des Wettbewerbs in den USA bereits ein Star. Sie fragt sich schließlich, warum sie sich den Stress in Frankfurt antut. Shizuo Z Kuwahara ist ohne Taktstock angereist, um mit bloßen Händen Momente größter Magie zu erzeugen. Alle fünf Dirigenten haben in Frankfurt Herausforderungen zu meistern, die nicht nur zur Probe Ihres musikalischen Könnens, sondern auch ihres Charakters werden. Dank genauer Beobachtungen mit der Kamera und ungeschönter Kommentare durch die Musiker dokumentiert »Dirigenten – Jede Bewegung zählt!« das Wechselspiel von Dirigent und Orchester mit großer Authentizität. Dabei entfaltet sich ein vielschichtiges Drama um Konkurrenz und Freundschaft, Talent und Reife, Erfolge und Niederlagen.

Am 30. Juni 2009 stirbt Pina Bausch überraschend. In der internationalen Tanzszene gilt sie als Kultfigur. Die Ballettdirektorin und Choreographin hinterlässt ein Tanztheater von internationalem Renommee, das sich neu finden muss. Wie kann Pinas Schaffen weitergegeben, wie ihr Erbe wachgehalten werden? Zehn Jahre später wagen das Ensemble, die neue Intendantin und wichtige Wegbegleiter einen Blick in die Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft des Wuppertaler Tanztheaters.

Endlich wieder »cOHRwürmer«: Zum fünften Mal trafen sich am 7. Juli 2019 1.500 Laiensängerinnen und -sänger im Münchner Circus-Krone-Bau, um große Chorliteratur gemeinsam zu proben und zum Klingen zu bringen. Unterstützt wurden sie dabei von den Profis des BR-Chores, dessen künstlerischer Leiter Howard Arman das Konzert persönlich leitete und moderierte. Dazu gesellte sich als instrumentaler Partner das Münchner Rundfunkorchester. Anders als in den vergangenen cOHRwürmer-Konzerten konzentrierte sich das Projekt in diesem Jahr auf ein einziges Werk: Joseph Haydns Oratorium »Die Schöpfung«. Auf dem Programm standen so berühmte Chor-Partien wie »Im Anfang schuf Gott« oder »Singt dem Herren alle Stimmen«.

Die in der ehemaligen DDR gegründeten Dresdner Musikfestspiele sind ein Fixpunkt der europäischen Festivallandschaft. Über mehrere Wochen reichen sich in der Stadt an der Elbe mit ihrer weltbekannten Silhouette internationale Stars und Orchester die Klinke in die Hand. ARTE zeigt das Eröffnungskonzert 2019 mit Schumanns Frühlingssymphonie und Liedern von Schubert, gesungen von Weltstar René Pape.

»Musik bedeutet alles!« In diesem einfachen Satz spiegelt sich die Lebensgeschichte des Dirigenten Christoph Eschenbach. Nach den traumatischen Erlebnissen seiner frühen Kindheit war er verstummt, und erst durch die Musik fand er die Sprache wieder. Für das Porträt kehrte er zurück in seine Geburtsstadt Breslau, an die Orte seiner Kindheit und Jugend in Schleswig-Holstein und in seine Wahlheimat Paris. Besonders am Herzen liegt Christoph Eschenbach die Förderung junger Talente. Zu den von ihm entdeckten Künstlern gehören heutige Stars wie der Pianist Lang Lang.

Gast des Osterfestivals 2017 in Aix-en-Provence war das junge, dynamische Orchester The Knights unter der Leitung von Eric Jacobsen. Das Kammerensemble begleitete den Pianisten Jean-Yves Thibaudet und den Geiger Renaud Capuçon, zwei bedeutende Künstler der internationalen Klassikszene. Ein mit Spannung erwarteter Auftritt, denn die beiden Virtuosen arbeiten selten zusammen. In Mendelssohn Bartholdys Doppelkonzert, das Klassik und Originalität verbindet, konnten beide Musiker ihr Können voll entfalten.

2018 feierte das Verbier Festival sein 25. Jubiläum. Vor der Kulisse der Schweizer Alpen trafen international gefeierte Stars der klassischen Musik auf eine neue Generation von vielversprechenden Künstlern. ARTE zeigt die Höhepunkte des Events: Thomas Quasthoff und Emily Edmonds singen Melodien aus der »Fledermaus« von Johann Strauss, der RIAS Kammerchor gibt das »Halleluja« aus Händels »Messias« und das »Ave verum corpus« von Wolfgang Amadeus Mozart und eine ganze Reihe Streicher von Weltruhm das »Brandenburgische Konzert Nr. 3« von Johann Sebastian Bach.
Zum Verbier Festival Chamber Orchestra gesellen sich Meistersolisten aus aller Herren Länder, wie Vadim Repin und Maxim Vengerov aus Russland, Mischa Maisky aus Lettland, Vilde Frang aus Norwegen, Martin Fröst aus Schweden, Pinchas Zukerman aus Israel, Leonidas Kavakos aus Griechenland, Lisa Batiashvili aus Georgien, Renaud Capuçon und Gérard Caussé aus Frankreich und viele andere mehr. Es dirigieren Valery Gergiev und Gábor Takács-Nagy.

Große Gefühle von einer großartigen Künstlerin: Die amerikanische Mezzosopranistin Joyce DiDonato ist eine der charismatischsten und vielversprechendsten Sängerinnen unserer Zeit, die nicht nur durch stimmliche Brillanz, sondern auch aufgrund ihrer unglaublichen Wandlungsfähigkeit überzeugt. ARTE zeigt sie in einem Rezital mit barocken Arien von unter anderem Purcell, Händel, Leo und Jommelli. In diesem Konzert mit berühmten und weniger bekannten Barockstücken, das sie im Gran Teatre del Liceu in Barcelona gab, tritt sie mit dem Ensemble Il Pomo d’Oro unter der Leitung des jungen und talentierten Dirigenten Maxim Emelyanychev auf. Inhaltlich folgt das Programm ihrem neuen Album »In War & Peace – Harmony through Music«, das sich als engagierte Antwort auf Hass und Terror versteht.

Das Musikmagazin

2016 feierte das Musikfestival Kissinger Sommer sein 30-jähriges Bestehen. Jahr für Jahr kommen in den unterfränkischen Kurort Orchester und Solisten von Rang und Namen. Natürlich schmückte sich das Festival zum Jubiläum mit herausragenden Musikern und Ensembles. In einer »Klassikgala« am 15. Juli 2016 spielte das Orchestre National de Lyon unter der Leitung von Andris Poga unter anderem die sechste Symphonie von Peter Iljitsch Tschaikowsky, genannt die »Pathétique«.
Tschaikowsky schrieb seine letzte Symphonie im Jahr 1893; damit wollte er »eine grandiose Symphonie (…) schreiben, die den Schlussstein meines ganzen Schaffens bilden soll«. Besonders kennzeichnend für das Werk ist der langsame letzte Satz, der die Symphonie »mit Ersterben« ausklingen lässt. Nach anfänglich reservierter Aufnahme sollte sie eine der bekanntesten Kompositionen Tschaikowskys werden.

Die in der ehemaligen DDR gegründeten Dresdner Musikfestspiele sind ein Fixpunkt der europäischen Festivallandschaft. Über mehrere Wochen reichen sich in der Stadt an der Elbe mit ihrer weltbekannten Silhouette internationale Stars und Orchester die Klinke in die Hand. ARTE zeigt das Eröffnungskonzert 2019 mit Schumanns Frühlingssymphonie und Liedern von Schubert, gesungen von Weltstar René Pape.

Aus dem Festspielhaus Baden-Baden: Sonya Yoncheva und Piotr Beczala singen berühmte Operetten- und Opernmelodien von Massenet, Bizet, Gounod, Léhar und Verdi. Die Deutsche Radio Philharmonie Saarbrücken Kaiserslautern spielt unter der Leitung von Domingo Hindoyan populäre Arien, interpretiert von Sonya Yoncheva (Sopran) und Piotr Beczala (Tenor). Die bulgarische Sopranistin Sonya Yoncheva hat mit ihren 35 Jahren schon nahezu alles erreicht, was man sich wünschen kann – unter anderem Engagements an der New Yorker Metropolitan Opera, der Prager Nationaloper, in Zürich, Paris und London. Piotr Beczala ist einer der gefragtesten lyrischen Tenöre unserer Zeit und regelmäßiger Gast an den bedeutendsten Opernhäusern der Welt.

Das Programm:
(1): Jules Massenet, »Toi! Vous!« – Duett aus der Oper »Manon«
(2): Georges Bizet, »Les toreadors« – Suite Nr. 1 aus der Oper »Carmen«; «Habanera” aus der Oper »Carmen«; «La fleur que tu m’avais jetée« – Blumenarie aus der Oper »Carmen«
(3): Charles Gounod, »Va, je t’ai pardonné« – Duett aus der Oper »Roméo et Juliette«
(4): Franz Lehár, »Dein ist mein ganzes Herz« aus der Operette »Land des Lächelns«; »Lippen schweigen« – Duett aus der Operette »Die lustige Witwe«
(5): Guiseppe Verdi, «Libiamo” – Duett aus der Oper »La Traviata«

Die Pianistin und Komponistin Gabriela Montero gastierte im Juli 2017 inmitten der Weiten Patagoniens in einem der schönsten Konzertsäle der Welt: dem Teatro del Lago in Frutillar, Chile. Aufgezeichnet wurde dabei ihre neueste Komposition, das »Latin Concerto«.

2018 feierte das Verbier Festival sein 25. Jubiläum. Vor der Kulisse der Schweizer Alpen trafen international gefeierte Stars der klassischen Musik auf eine neue Generation von vielversprechenden Künstlern. ARTE zeigt die Höhepunkte des Events: Thomas Quasthoff und Emily Edmonds singen Melodien aus der »Fledermaus« von Johann Strauss, der RIAS Kammerchor gibt das »Halleluja« aus Händels »Messias« und das »Ave verum corpus« von Wolfgang Amadeus Mozart und eine ganze Reihe Streicher von Weltruhm das »Brandenburgische Konzert Nr. 3« von Johann Sebastian Bach.
Zum Verbier Festival Chamber Orchestra gesellen sich Meistersolisten aus aller Herren Länder, wie Vadim Repin und Maxim Vengerov aus Russland, Mischa Maisky aus Lettland, Vilde Frang aus Norwegen, Martin Fröst aus Schweden, Pinchas Zukerman aus Israel, Leonidas Kavakos aus Griechenland, Lisa Batiashvili aus Georgien, Renaud Capuçon und Gérard Caussé aus Frankreich und viele andere mehr. Es dirigieren Valery Gergiev und Gábor Takács-Nagy.

Gast des Osterfestivals 2017 in Aix-en-Provence war das junge, dynamische Orchester The Knights unter der Leitung von Eric Jacobsen. Das Kammerensemble begleitete den Pianisten Jean-Yves Thibaudet und den Geiger Renaud Capuçon, zwei bedeutende Künstler der internationalen Klassikszene. Ein mit Spannung erwarteter Auftritt, denn die beiden Virtuosen arbeiten selten zusammen. In Mendelssohn Bartholdys Doppelkonzert, das Klassik und Originalität verbindet, konnten beide Musiker ihr Können voll entfalten.

Carmen, Violetta und Mimὶ sind die Heldinnen der drei meistaufgeführten romantischen Opern der Welt: »Carmen«, »La Traviata« und »La Bohème«. Alle drei sind Modelle der Emanzipation: Carmen – die Schöne und Begehrte, die ihren unbändigen Drang nach Freiheit mit dem Leben bezahlt; Violetta – die umschwärmte Kurtisane aus »La Traviata«, die sich aus Liebe opfert, eine Art »weltliche Heilige«; und schließlich die liebliche und bedauernswerte Mimì, die einfache Stickerin aus »La Bohème«, die schon in jungen Jahren von der Schwindsucht hinweggerafft wird.
Wie nahmen diese literarischen Figuren Form an? Wurden sie Frauen nachempfunden, die tatsächlich lebten? Anhand eines gelungenen Zusammenschnitts von Archivmaterial, musikalisch untermalt mit weltberühmten Arien, begibt sich die Dokumentation auf die Suche nach den realen Vorbildern für diese Opernheldinnen.
Die Spur führt ins Paris des mittleren 19. Jahrhunderts, als die Schriftsteller Alexandre Dumas Fils, Prosper Mérimée und Henry Murger neue schillernde Romanfiguren schufen. Den Stoff für ihre Prosa schöpfen die Autoren aus dem eigenen Leben. Drei große Komponisten – Giuseppe Verdi, Georges Bizet und Giacomo Puccini – arbeiteten die Psychologie dieser Figuren für ihre Opernwerke schließlich noch weiter heraus, bis daraus die berühmten Frauenfiguren entstanden, die bis heute das Ewig-Weibliche verkörpern.
Wer sich auf ihre Spur begibt, dem erschließt sich das gesamte 19. Jahrhundert mit seiner Mode, Literatur und Musik vor dem Hintergrund der Entstehung des Bürgertums im Nachgang an die Industrielle Revolution.

Nach Spielstätten wie dem Hauptbahnhof in Zürich und dem Mailänder Flughafen führt der Weg der großen Oper auf der Straße nun in eine der ältesten Städte der Welt: Matera in Süditalien. Grigorio Barberio Corsetti setzt Mascagnis Operndrama »Cavalleria rusticana« in den Straßen der Kulturhauptstadt in Szene: auf dem Domplatz und vor der Felsenkirche Santa Maria d’Idris. Die Höhlen der Jungsteinzeit und die berühmten Sassi – eine bis heute bewohnte Höhlensiedlung, die 1993 zum UNESCO-Welterbe wurde – sind perfekter Schauplatz für die Geschichte, die Corsetti in der Zeit der Zwangsumsiedlung in den 60er Jahren spielen lässt. Noch in den 50er Jahren galt der heutige Touristenmagnet wegen der katastrophalen hygienischen Bedingungen als Schandfleck Italiens.In der Oper ist die junge Santuzza auf der Suche nach ihrem Geliebten Turridu. Dieser hat sich wieder in Lola verliebt, seine ehemalige Verlobte, die ihm nach seiner Rückkehr vom Militärdienst als Ehefrau des reichen Alfio wiederbegegnet. Santuzza versucht vergeblich, die Liebe Turridus zurückzugewinnen. Rasend vor Eifersucht verflucht sie ihn und setzt Alfio über die sich anbahnende Liaison zwischen Turridu und Lola in Kenntnis. Der gehörnte Ehemann fordert Turridu zum Duell heraus. Nachdem sich Turridu von seiner geliebten Mutter verabschiedet hat, bricht er zu seinem schicksalhaften Treffen auf. Veronica Simeone übernimmt in Giorgio Barberio Corsettis Inszenierung die Rolle der Santuzza, Roberto Aronica ist Turrido. Es singen und spielen: Chor und Orchester des Teatro San Carlo Neapel unter der Leitung ihres Chefdirigenten, Juraj Valcuha.