Klassische Musik im TV

Peter Dijkstra leitet die Aufführung in der Nürnberger St. Lorenzkirche mit dem Chor des Bayerischen Rundfunks, dem Originalklangensemble Concerto Köln und den Solisten Christina Landshamer, Anke Vondung, Maximilian Schmitt und Andreas Wolf.
Obwohl Johann Sebastian Bachs h Moll Messe für den lutherischen Gottesdienst nicht vorgesehen war und vom Komponisten aus Werken verschiedener Schaffensperioden zusammengestellt wurde, ist sie doch eines der größten Meisterwerke der Musikgeschichte. Auf besonders berührende Weise drückt sie den ewig menschlichen Zukunftswunsch aus, der in jeder Messe formuliert wird: dass Himmel und Erde, Gott und die Menschen in Einklang kommen.
Der Chor des Bayerischen Rundfunks unter der Leitung von Peter Dijkstra hat die h-Moll Messe zusammen mit dem Originalklangensemble Concerto Köln in der gotischen St. Lorenzkirche Nürnberg aufgeführt. Die Solisten sind Christina Landshamer, Sopran, Anke Vondung, Alt, Maximilian Schmitt, Tenor, und Andreas Wolf, Bass. Mit einer differenzierten Lichtregie, der Einbeziehung von Detailaufnahmen markanter Kunstwerke aus der Lorenzkirche sowie einer wechselnden räumlichen Anordnung der Mitwirkenden für die szenische Gestaltung zeichnet Folkert Uhde, für die Fernsehregie Elisabeth Malzer verantwortlich geht diese Produktion über hergebrachte Konzertdarbietungen weit hinaus.
So erstrahlt der Kirchenraum im »Credo« erstmals in voller Höhe und in vollem Glanz, während das Licht im folgenden Teil nach und nach schwindet: Das »Cruzifixus« wirkt irdisch und schwer. Mit jedem Paukeneinsatz des Schluss chores »Dona nobis Pacem« kehrt das Licht zurück, bis die Kirche am Ende wieder in aller Schönheit und Feierlichkeit erstrahlt.

»Ein Überlebender aus Warschau«, Arnold Schönbergs eindringliches Melodram über eine Schreckensszene des Holocausts, geht in diesem Konzert vom Mai 2017 dem Requiem d-Moll von Wolfgang Amadeus Mozart voraus. Thomas Quasthoff in der Rolle des Erzählers sowie ein hochkarätiges Solistenquartett trafen im Herkulessaal der Münchner Residenz auf den Chor und das Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks unter der Leitung von Mariss Jansons.
Ein fiktiver Erzähler berichtet von einer Szene, die er zur Zeit des Aufstandes im Warschauer Ghetto beobachten musste: Jüdische Bewohner werden misshandelt, geschlagen, zum Abtransport ins Vernichtungslager abgezählt. »Ein Überlebender aus Warschau«, ein relativ kurzes Werk für Stimme, Orchester und Männerchor von Arnold Schönberg, gipfelt in dem gemeinsamen Gesang der Gefangenen, die wie auf ein unausgesprochenes Signal das hebräische Gebet »Schma Jisrael« anstimmen.
Thomas Quasthoff übernahm in dieser Aufführung von Chor und Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks den Part des Erzählers, die musikalische Leitung hatte Chefdirigent Mariss Jansons.
Dieses späte Werk Schönbergs ist in der Dramaturgie des Konzerts von Chor und Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks dem berühmten Requiem d-Moll von Wolfgang Amadeus Mozart vorangestellt. Das Requiem sollte das letzte – unvollendet gebliebene – Werk des Komponisten sein, der über der Komposition im Alter von 35 Jahren verstarb. Bis heute ist die komplettierte Fassung von Franz Xaver Süßmayr gebräuchlich, der im Auftrag von Mozarts Witwe Constanze die Orchestrierung weiterführte und drei fehlende Teile neu komponierte.
Zu Chor und Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks unter der Leitung von Mariss Jansons gesellte sich im Mai 2017 ein hochkarätiges Solistenquartett mit Genia Kühmeier, Elisabeth Kulman, Mark Padmore und Adam Plachetka

Glocken gibt es schon seit mindestens 3600 Jahren: Sie rufen zum Gebet und verkünden den Frieden. Die Dokumentation geht den kulturgeschichtlichen Wurzeln der Klangkörper auf den Grund. Glocken wurden zu Kriegsgerät verschmolzen und danach Symbol des Wiederaufbaus. Sie vermelden Freude ebenso wie das Sterben eines Menschen. In China wurden Glocken als Folterinstrumente eingesetzt, für Christen sind sie Verkünder von Zeit und Vergänglichkeit.
Es ist nicht der Wohlklang allein, der die Wahrnehmung des Glockenklangs bestimmt, wie die Professoren Bernhard Tschofen, Roland Girtler und August Schmidhofer erläutern. Die Musikhistorikerin Birgit Lodes aus München berichtet von Richard Wagners Plänen, Glocken in seinen Werken einzusetzen, und verrät, wie menschliche Stimmen eine Glocke im Konzert nachahmen können.

Moskaus Bolshoi Ballett, Tokios National Theater und viele mehr – Friedemann Vogel hat die bedeutendsten Ballettbühnen der Welt erobert. Ein deutscher Tänzer an der Spitze der Ballettwelt, eine absolute Rarität. Der 60-minütige dokumentarische Porträtfilm begleitet die Koryphäe in seinem Lebens- und Schaffensalltag ausgehend vom Stuttgarter Ballett über Berlin, Stockholm und Moskau bis nach Tokio.

Zum Karfreitag sind die Aufführungen von Johann Sebastian Bachs Passionen in Leipzig eine Selbstverständlichkeit. Dieses Jahr ist es wahrscheinlich angesichts der Corona-Pandemie das erste Mal seit etwa 150 Jahren, dass die Leipziger auf ihre Bach-Passion verzichten müssen. Dazu kommt, dass das Leipziger Bachfest im Sommer aus selbigem Grund abgesagt wurde.
Am 13. Juni 2020 sollte eine packende Fassung von Bachs Johannes-Passion aufgeführt werden: dargeboten von nur drei Personen auf der Bühne um den bekannten isländischen Tenor Benedikt Kristjánsson. Teil dieses Konzeptes war, dass etwa 5.000 Besucher auf dem Leipziger Altmarkt die Choräle singen. Nun soll diese Fassung am Karfreitag zur Todesstunde Christi in der leeren Thomaskirche am Bach-Grab aufgeführt werden. Neben den drei Solisten sind Thomaskantor Gotthold Schwarz und ein Vokalensemble beteiligt.
Eingebunden in die Live-Ausstrahlung sind Choralzuspiele von Bach-Chören aus der Schweiz, aus Kanada und Malaysia. Außerdem sind Chöre und Bach-Fans auf der ganzen Welt eingeladen, daheim auf ihren Bildschirmen diese womöglich einzige Passionsaufführung zu verfolgen und die Choräle mitzusingen.

Mitwirkende:
Benedikt Kristjánsson (Tenor)
Elina Albach (Cembalo)
Philipp Lamprecht (Schlagwerk)
Vocalquintett
Leitung: Gotthold Schwarz

Regie: Walter Felsenstein
Claude Nollier (Leonore/Fidelio), Richard Holm (Florestan), Georg Wieter (Rocco), Sonja Schöner (Marcelline), Hannes Schiel (Pizarro).

Walter Felsenstein, der langjährige Intendant der Ostberliner Komischen Oper und Reformer des internationalen Musiktheaters, legte mit »Fidelio« seinen ersten großen Opernfilm vor. Ihm gelang eine intelligente und opulente und zugleich sozialkritische Verfilmung von Ludwig van Beethovens einziger Oper.
Florestan, spanischer Edelmann, schmachtet seit Jahren im Kerker des Staatsgefängnisses, in das er durch seinen politischen Gegner, Gouverneur Pizarro, heimlich verschleppt wurde. Für das Volk ist Florestan tot, aber seine treue Gemahlin Leonore ahnt die Wahrheit. Sie schleicht sich in Männerkleidern in das Gefängnis ein und gewinnt das Vertrauen des Kerkermeisters Rocco, der sie unter dem Namen »Fidelio« als Gehilfen beschäftigt.

Regie: Walter Kolm Veltée
Wiener Symphoniker, Bernhard Paumgartner
Mit Cesare Danova (Don Juan), Josef Meinrad (Leporello), Marianne Schönauer (Donna Anna), Lotte Tobisch (Donna Elvira), Hans von Borsody (Masetto).

Don Juan kommt in eine spanische Stadt und wird sofort in amouröse Abenteuer verwickelt. Während er nach Liebesaffären sucht, begegnet er der schönen Donna Anna, der Tochter des Kommandanten. Sie hält den maskierten Kavalier aufgrund dessen Körpergröße und Kleidung für Don Octavio. Der österreichische Regisseur Walter Kolm Veltée verwandelte Wolfgang Amadeus Mozarts Oper »Don Giovanni« 1955 in den grandiosen Opernfilm »Don Juan«.
Der Hauptdarsteller Cesare Danova machte später in Amerika Karriere und spielte in Reihen wie »Bonanza« und »Drei Engel für Charly«. Seinen Diener Leporello stellte der unvergessene Josef Meinrad dar.

Philharmonia Chor Wien, Les Musiciens du Louvre, Marc Minkowski
Mit Elena Tsallagova (Sopran), Wiebke Lehmkuhl (Alt), Richard Croft (Tenor), José Coca Loza (Bass), Alexis Fousekis (Tänzer) u.a.

2020 eröffnete die Mozartwoche der Stiftung Mozarteum in Salzburg mit der Premiere von Händels »Der Messias« in der Bearbeitung von Wolfgang Amadeus Mozart.

Die Halle für aktuelle Kunst der Deichtorhallen in Hamburg ist der Rahmen für ein bildgewaltiges Musiktheater mit Starbesetzung: Romeo Castellucci, einer der wichtigsten europäischen Theaterkünstler, inszeniert die Matthäus-Passion von Johann Sebastian Bach. Die musikalische Leitung hat der Generalmusikdirektor der Staatsoper Hamburg, Kent Nagano.
Die Solisten des außergewöhnlichen Bach-Projektes »La Passione« sind erstklassig besetzt: Tenor Ian Bostridge als Evangelist, Bassbariton Philippe Sly als Jesus, Hayoung Lee und Christina Gansch (Sopran), Dorottya Láng (Alt) und Tenor Bernard Richter. Unter der Leitung von Martin Steidler wirken Sängerinnen und Sänger der Jugendchorakademie mit.
Bei der Matthäus-Passion zielt Castellucci mit seiner Inszenierung ins Herz des christlichen Glaubens: die Erlösung der Menschheit durch den Opfertod Jesu Christi. Die komplett in Weiß gehaltene Bühne intensiviert den Blick auf das Geschehen. Erläuternde Texte leiten das Publikum durch die Inszenierung wie der Katalog einer Museumsausstellung.
Die bild- und klangmächtigen Aufführungen von Castellucci bewegen sich im Grenzgebiet von Theater, Installation und Performance. Im Zentrum seiner Arbeit steht die sinn- und identitätsstiftende Macht der Bilder in der abendländischen Kultur. 2013 wurde Castellucci für sein Gesamtwerk mit dem Goldenen Löwen der Biennale Venedig ausgezeichnet.
Das NDR Fernsehen zeigt die Aufführung aus den Hamburger Deichtorhallen im April 2016.

Das hr-Sinfonieorchester spielt Rimskij-Korsakow und Ravel Nikolai Rimskij-Korsakow: Der goldene Hahn (Suite) Maurice Ravel: Daphnis et Chloé Suite Nr. 2
Die Orchestersuite aus Nikolaj Rimskij-Korsakows Oper »Der Goldene Hahn« und Maurice Ravels farbenprächtige zweite Suite aus dem Ballett »Daphnis et Chloé« erklingen in einer Aufzeichnung aus der Alten Oper Frankfurt. Am Pult reüssiert Alain Altinoglu, der designierte Chefdirigent des hr-Sinfonieorchesters ab 2021/22.

Ian Holender besucht das Gran Teatre del Liceu in Barcelona, das als eines der schönsten Opernhäuser der Welt gilt. Mitten in der Altstadt von Barcelona, an der quirligen Rambla, steht das im Jahr 1847 eröffnete Opernhaus Barcelonas, das Gran Teatre del Liceu. Mit seiner beeindruckenden Architektur und seiner herausragenden Ausstattung gilt es, als eines der schönsten Opernhäuser der Welt. Die Intendantin des Hauses, die gebürtige Deutsche Christina Scheppelmann, führt Ioan Holender durch ihr Reich und erzählt dabei von der bewegten und spannenden Geschichte des Hauses.
Ioan Holender besucht außerdem Vorstellungen des «Barbier von Sevilla« und Verdis «Ein Maskenball« und spricht mit den Künstlern der Aufführungen, darunter Piotr Beczała und Dolora Zajick, über die Besonderheit des Hauses. Außer der Oper besucht Ioan Holender noch weitere Musik-Spielorte Barcelonas: Wie das L’Auditori und das beeindruckende Palau de la Música.

Mit Okka von der Damerau (Mezzosopran) und Katharina Konradi (Sopran)
Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks, Daniel Harding
Zum Auftakt der Saison 2019/20 spielte das Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks (BRSO) ein monumentales Werk: die Symphonie Nr. 2 von Gustav Mahler, die »Auferstehungssymphonie«. Zusammen mit dem Chor des Bayerischen Rundfunks boten die Musiker des BRSO alle vokalsymphonischen Kräfte auf, um Mahlers Werk zu einem überwältigenden Klangerlebnis zu machen. Der Brite Daniel Harding dirigierte die vereinten Kollektive durch Mahlers Klangkosmos.
In seiner 2. Symphonie von 1895 spannt Mahler einen fünfsätzigen Bogen von der Totenfeier bis zur Auferstehung. Erstmals bezieht er im vierten Satz die menschliche Stimme in sein symphonisches Konzept ein mit dem magischen »Urlicht« aus »Des Knaben Wunderhorn«. Hier tritt die Mezzosopranistin Okka von der Damerau auf den Plan, zu der im großen Chor Finale noch die Sopranistin Katharina Konradi stößt. In grandioser Steigerung intonieren alle gemeinsam die erlösende Schluss Apotheose nach der Klopstock Ode »Aufersteh’n, ja aufersteh’n wirst du, mein Staub, nach kurzer Ruh!«

Zur Eröffnung des Rheingau Musik Festivals am Samstag, 22., und Sonntag, 23. Juni, präsentierte Andrés Orozco-Estrada und das hr-Sinfonieorchester in der Basilika von Kloster Eberbach gemeinsam mit dem MDR Rundfunkchor und renommierten Solisten ein eindrucksvolles Chor-Orchester-Werk: Antonín Dvoráks »Stabat Mater«.
Das Werk des böhmischen Komponisten für Soli, Chor und Orchester gehört zu den bekanntesten Vertonungen des gleichnamigen mittelalterlichen Gedichtes. Eigene schmerzvolle Erfahrungen – der Verlust von mehreren seiner Kinder – haben die Beschäftigung Dvoráks mit dem Leid der Gottesmutter, die weinend unter dem Kreuz ihres Sohnes steht, mit veranlasst und geprägt.
Mit großer Sensibilität geht die Musik von Dvorák auf die unterschiedlichen Stimmungsgehalte des liturgischen Textes ein. Neun Sätze im langsamen bis gemäßigten Tempo dienen als eine Art Passionsmeditation, ehe am Ende des zehnten Satzes die wirkungsstarke Ekstase einer Auferstehungsvision erscheint.
Das hr-Sinfonieorchester spielte Antonín Dvoráks »Stabat Mater« unter der Leitung von Andrés Orozco-Estrada Solisten: Hanna-Elisabeth Müller (Sopran), Gerhild Romberger (Alt), Benjamin Bruns (Tenor), Günther Groissböck (Bass), MDR Rundfunkchor.

In der Seniorenresidenz für Musiker treffen Opernstars und Orchestermitglieder aufeinander, die sich schon auf der Bühne spinnefeind waren. Eine der Ausnahmen: Reggie, Wilf und Cissy, Freunde seit Jahren. Das ändert sich durch die Ankunft der Operndiva Jean Horton. Früher sangen sie gemeinsam das Quartett aus »Rigoletto« und gingen in die Operngeschichte ein. Doch Jean hat geschworen, nie mehr zu singen. Und Reggie, in einem früheren Leben mal mit Jean verheiratet, will nichts mehr mit ihr zu tun haben. Dabei könnte das Quartett ein Höhepunkt der Gala zur Rettung der Residenz werden.

Wiener Singakademie, Wiener Symphoniker, Philippe Jordan
Mit Anke Vondung (Mezzosopran ), Allan Clayton (Tenor), Nicholas Angelich (Klavier), Jacquelyn Wagner (Sopran), Hanno Müller-Brachmann (Bass-Bariton).

Der 22. Dezember 1808 ist in die Musikgeschichte eingegangen, denn an diesem Tag wurde im Theater an der Wien unter dem Titel »Große Akademie«, ein gigantisches Konzert gegeben, das gleich vier Welturaufführungen von Werken Ludwig van Beethovens enthielt: die Symphonie Nr. 5 c-Moll op. 67, die Symphonie Nr. 6 F-Dur op. 68 »Pastorale«, das Konzert für Klavier und Orchester Nr. 4 G-Dur op. 58 und die Fantasie für Klavier, Chor und Orchester c-Moll op. 80 »Chorfantasie«. Außerdem standen folgende Beethoven-Stücke auf dem Programm: die Fantasie für Klavier op. 77, die Szene und Arie für Sopran und Orchester op. 65 »Ah perfido!« sowie zwei Sätze aus der Messe C-Dur op. 86 für Soli, Chor und Orchester: II. Gloria (Qui tollis – Quoniam) und IV. Sanctus (Benedictus – Osanna). Philippe Jordan, der gegenwärtige Chefdirigent der Wiener Symphoniker, hat dieses historische Konzert in voller Länge rekonstruiert. Unterstützt wird er von der Wiener Singakademie und Solisten wie Jacquelyn Wagner (Sopran), Miriam Kutrowatz (Sopran), Anke Vondung (Alt), Allan Clayton (Tenor), Franz Gürtelschmied (Tenor) und Hanno Müller-Brachmann (Bassbariton). Der Solist der drei Klavierstücke ist der Pianist Nicholas Angelich. »Maestro« zeigt am Ostersonntag die Höhepunkte dieses Konzertes, das am 11. Januar 2020 im Wiener Konzerthaus aufgeführt wurde.

Ein Highlight der Münchner Opernfestspiele 2017 »Oper für alle« war Wagners »Tannhäuser« unter der musikalischen Leitung von Kirill Petrenko, Generalmusikdirektor der Bayerischen Staatsoper und designierter Chefdirigent der Berliner Philharmoniker. Solisten sind Klaus Florian Vogt in der Titelrolle und Anja Harteros als Elisabeth. Für die Inszenierung zeichnet der italienische Regisseur Romeo Castellucci verantwortlich, der für seine bild- und klanggewaltige Bühnenästhetik bekannt ist.
«Tannhäuser ist Außenseiter in einer Welt, die sich in den besinnungs- und zeitlosen Rausch des immer Gleichen sowie der irrationalen Emotion und in eine nicht mehr veränderungsfähige geregelte Rationalität aufgespalten hat«, so beschreibt Richard Wagner den Zwiespalt seines Titelhelden. Auf der Suche nach Originalität gibt sich Tannhäuser dem Rausch des Venusbergs hin und sucht gleichzeitig nach Halt in der streng reglementierten Welt der ritterlichen Gesellschaft. Einzig der Tod der treu liebenden Elisabeth, ein Ausstieg aus der irdischen Struktur, bringt Tannhäuser Erlösung. Wagners Oper thematisiert im »Sängerkrieg auf der Wartburg«, bei dem mittelalterliche Minnesänger wie Wolfram von Eschenbach oder Walther von der Vogelweide vertreten sind, die Suche des zerrissenen Künstlers nach Hingabe und Liebe. In einer Inszenierung des für seine suggestiven Bildwelten bekannten Regisseurs Romeo Castellucci singt die Sopranistin Anja Harteros als Elisabeth unter anderem neben dem Tenor Klaus Florian Vogt in der Titelpartie, dem Bariton Christian Gerhaher als Wolfram, der Sopranistin Elena Pankratova als Venus und Georg Zeppenfeld als Landgraf. Kirill Petrenko, Generalmusikdirektor der Bayerischen Staatsoper und designierter Chefdirigent der Berliner Philharmoniker, hat die musikalische Leitung der Neuproduktion inne.

Das Deutsche Symphonie-Orchester Berlin und sein Chefdirigent Robin Ticciati brachten am 15. Dezember 2018 Georg Friedrich Händels »Messias« in szenischer Einrichtung zur Aufführung und verwandelten die Berliner Philharmonie in einen musiktheatralischen Schauplatz.

Mit Jean Rondeau (Cembalo), Violaine Cochard (Cembalo), Ana Millet (Violine), Renaud Guieu (Cello), Catherine Cournot (Klavier).

Die Filmmusik von »Barry Lyndon« hat eine Geschichte. Während der Entstehung von »2001: Odyssee im Weltraum« verpflichtete das Hollywoodstudio MGM den Filmemacher Stanley Kubrick für einen Original-Soundtrack zur Zusammenarbeit mit dem Komponisten Alex North. In Erwartung von Norths Partitur beschloss Kubrick, die Bilder provisorisch mit Klassikstücken zu unterlegen. Als Alex North seine Filmmusik lieferte, befand Kubrick, dass die klassischen Werke viel besser passten, und behielt sie im Film. MGM gab schließlich klein bei. Kubrick zeigte Hollywoods professionellen Filmkomponisten auch bei seinen Folgefilmen die kalte Schulter.
Kubrick war 45 Jahre alt, als er seinen Kostümfilm »Barry Lyndon« drehte. Der Film versteht sich als Hommage an die Schönheit barocker Malerei und Musik. Er zeigt die tragische Geschichte des jungen irischen Abenteurers Barry Lyndon. Kubrick schildert erste erotische Erlebnisse ebenso wie seine Kriegsabenteuer, seinen sozialen Aufstieg – und den unausweichlichen Fall.
Das Konzert bringt vor allem zwei Werke zu Gehör, die später immer wieder in Filmen verwendet wurden: die »Sarabande« der Suite Nr. 11 für ein solistisches Cembalo, die Händel zwischen 1703 und 1720 komponierte, und den zweiten Satz des Trios in Es-Dur für Klavier, Violine und Violoncello Nr. 2, komponiert von Franz Schubert im November 1827 – eine von Kubrick wegen ihrer Ausdrucksstärke ausgewählte romantische Melodie.
Beide Stücke werden in »Barry Lyndon« als Leitmotive eingesetzt, genau wie Schuberts ebenfalls mehrfach zu hörender »Deutscher Tanz« C-Dur Nr. 1, der Barry Lyndons vermeintliche Erfolge in der preußischen und englischen Adelsgesellschaft musikalisch untermalt. Die Assoziationen an Kubricks Film sind beim Hören dieser Werke so stark, dass man meint, an den Wänden des Auditoriums würden Bilder aus Kubricks Film vorbeiziehen.
Das Philharmonieorchester von Radio France interpretiert unter der Leitung von Nicolas Alstaedt die Musikstücke, die Stanley Kubrick für den Soundtrack des Films ausgewählt hat. An den Soloinstrumenten sind Jean Rondeau und Violaine Cochard (Cembalo), Ana Millet (Violine), Renaud Guieu (Cello) und Catherine Cournot (Klavier) zu hören.

Der israelische Tänzer und Choreograph Ohad Naharin bringt seine Choreographie »Last Work« mit den Tänzern der Batsheva Dance Company auf die Bühne des Pariser Théâtre National de Chaillot – uraufgeführt wurde das Werk im Mai 2015 in Tel Aviv. Einmal mehr fesselt dieses Genie des zeitgenössischen Tanzes die Zuschauer mit einer faszinierenden Mischung aus Bewegung, Musik, Raum, Licht und Klang. Im Hintergrund läuft eine Frau wie hypnotisiert von Osten nach Westen, ohne vorwärts zu kommen. Aus mal langsam fließenden, mal abrupten Bewegungen entsteht eine unglaublich dichte Choreographie, die von der ganzen Bühne Besitz ergreift. Naharin und seinen Tänzern geht es dabei um die tänzerische Umsetzung eines scheinbar unendlichen Spektrums von Gefühlen und Empfindungen. Wie im Selbstlauf entfalten die Tänzerinnen und Tänzer ihre Virtuosität, die jedoch nie demonstrativ wirkt. Als Gaga Dance bezeichnet Naharin die unglaublich flexiblen, aber kontrollierten Verrenkungen ihrer Körper, bei denen die Tänzer auch die schwachen Teile ihres Körpers wahrnehmen sollen. Das engagierte, sehr aktuelle Werk bleibt ganz bewusst rätselhaft, indem es sich jenseits eines vertrauten Tanzvokabulars bewegt.
Die Batsheva Dance Company wurde 1964 von Baronesse Bethsabée (Batsheva) de Rothschild und der Choreographin Martha Graham gegründet. Ohad Naharin wurde im Jahr 1990 künstlerischer Leiter des Ensembles. »Last Work« war 2015 Teil des Eröffnungsabends des Internationalen Tanzfestivals Dresden im Festspielhaus Hellerau.

Cor de Cambra del Palau de la Música Catalana, Orfeó Català, Münchner Philharmoniker, Gustavo Dudamel
Chen Reiss (Sopran), Tamara Mumford (Mezzosopran)
In der Jubiläumssaison des Orchesters spielen die Münchner Philharmoniker unter der Leitung von Gustavo Dudamel in Barcelona eine der populärsten Symphonien Mahlers: die zweite Symphonie, nach ihrem Schlusschor »Auferstehungssymphonie« genannt. Das Konzert findet im prächtigen Palau de la Música Catalana statt, das 1997 von der UNESCO zum Weltkulturerbe erklärt wurde.

Inszenierung: Philipp Stölzl
Bühnenbild: Philipp Stölzl
Kostüme: Ursula Kudrna
Sächsischer Staatsopernchor, Salzburger Bachchor, Theater Kinderchor, Sächsische Staatskapelle Dresden, Christian Thielemann
Mit Liudmyla Monastyrska (Santuzza), Jonas Kaufmann (Turiddu), Stefania Toczyska (Lucia), Ambrogio Maestri (Alfio), Annalisa Stroppa (Lola).
Zum ersten Mal stand bei den Osterfestspielen Salzburg 2015 die veristische Oper »Cavalleria rusticana« von Pietro Mascagni mit Startenor Jonas Kaufmann auf dem Spielplan. Der bekannte Tenor kehrt nach seinem Don José in »Carmen« 2012 als Turiddu in »Cavalleria rusticana« zu den Osterfestspielen Salzburg zurück. Verdichtet auf 75 hoch emotionale und dramatische Minuten, entwickelt Pietro Mascagnis Musik einen mitreißenden Sog.
Unverstellte, rustikale Leidenschaft wollte Pietro Mascagni auf der Bühne sehen, weshalb er die Ränke seiner »Cavalleria« nicht bei einer adligen Elite, sondern in einem einfachen Milieu spielen lässt. Damit prägte er die italienische Stilrichtung »Verismo«, die die Gefühle des einfachen Volkes ins Theater brachte.
Die Inszenierung und die Gestaltung des Bühnenbilds hat der Regisseur Philipp Stölzl übernommen. Er wählt eine filmische Erzählweise mit emotionalen Nahaufnahmen und Parallelmontagen für seine Inszenierung der »Cavalleria rusticana« und siedelt die Oper in der Welt der Arbeiter im Italien der 1920er Jahre an.

Selten ist Oper so virtuos und komisch zugleich wie bei Rossinis »L`italiana in Algeri« in der Inszenierung von Moshe Leiser und Patrice Caurier mit Cecilia Bartoli in der Hauptrolle. Ein echter Opernleckerbissen von den Salzburger Pfingstfestspielen 2018.
Italianità und Komik in Reinkultur. Rossinis »L`italiana in Algeri« in einer hochgelobten Produktion von den Salzburger Pfingstfestspielen. Für die NZZ handelt es sich bei der Inszenierung der Regiestars Moshe Leiser und Patrice Caurier um »einen der lustigsten Opernabende der jüngeren Vergangenheit«. Die New York Times schreibt: »Cecilia Bartoli singt die Isabella in Perfektion und gibt eine schlaue, unabhängige Frau mit jeder Menge Abenteuerlust«. Weitere Stars des ungemein spielfreudigen Sängerensembles sind Ildar Abdrazakov, Edgardo Rocha und Vorzeigekomödiant Alessandro Corbelli als Taddeo. Ein heiterer Opernleckerbissen am Vormittag bei Servus TV.

»Fidelio« am Theater an der Wien! Die Inszenierung von Hollywoodstar Christoph Waltz am Ort der Uraufführung war mit Spannung erwartet worden. Dann die Absage wegen Corona! Kurzerhand wurde das gesamte Theater in ein TV-Studio umgewandelt und Beethovens einzige Oper aufwändig fürs Fernsehen in Szene gesetzt. So wird der »Fidelio ohne Zuschauer« zu einem ganz besonderen TV-Erlebnis!
Inszenierung: Christoph Waltz
Arnold Schoenberg Chor, Wiener Symphoniker, Manfred Honeck
Bühnenbild: Barkow Leibinger
Kostüme: Judith Holste
Licht: Henry Braham
Mit Nicole Chevalier (Leonore, Fidelio), Eric Cutler (Florestan), Gábor Bretz (Don Pizarro), Christof Fischesser (Rocco), Mélissa Petit (Marzelline), Benjamin Hulett (Jaquino), Károly Szemerédy (Don Fernando).

Grenzen sind zum Überschreiten da: Das gilt für das Leben, die Kunst und für Tänzer/Innen sowieso. Der Choreograf Richard Siegal leitet mit dem in München und Köln beheimateten BoD, dem »Ballet of Difference«, eines der aufregendsten freien Ensembles der Szene. Ballett ist bei Siegal kein Korsett, sondern eine universelle Sprache, die in die Zukunft weist. Was in Lagos mit afrikanischen Tänzer/Innen entwickelt wurde, interpretiert nach dem Bayerischen Staatsballett nun das BoD neu – »Tanz 2.1«. Beats und Tanzszenen alternieren in »Draw a line« mit Einblicken in die BoD-Familie, deren Optimismus und Energie ansteckend ist: Kann Kunst die Welt verändern? Das BoD hat schon mal damit angefange

Salzburger Bachchor, Les Musiciens du Louvre Grenoble, Marc Minkowski
Choreographie: Bartabas
Kostüme: Sophie Manach
Licht: Bertrand Couderc
Mit Christiane Karg (Sopran), Académie Equestre de Versailles (Pferde und Reiter der Académie Equestre de Versailles), Stanislas de Barbeyrac (Tenor), Marianne Crebassa (Mezzosopran).
Der große Erfolg der Salzburger Mozartwoche 2015 ist ein Ereignis für alle Sinne. »Davide penitente« vereint Mozart-Tradition mit der szenischen Umsetzung einer Choreographie für Pferde des einzigartigen Meisters seines Fachs, Bartabas, mit Mitgliedern der Académie Equestre de Versailles. Im deutschsprachigen Raum bisher kaum zu erleben, sind Bartabas und sein Team in Frankreich gefeierte Theaterkünstler. Er stellt in der Felsenreitschule jene ins Rampenlicht, für die diese einzigartige Stätte vor über drei Jahrhunderten errichtet worden ist: die Pferde.
David, königlicher Büßer und Beter, dessen Psalmen in das musikalische Gewand von erhabener Strenge sowie in ebenso beseelte wie virtuose Arien gekleidet werden, barocke Chormusiktradition vereint mit solistischer Ausdruckskraft und – meisterlich choreographierten Pferden in der Salzburger Felsenreitschule: Mozarts »Davide penitente«, KV 469, wird durch die Zusammenarbeit von Marc Minkowski, den Musiciens du Louvre Grenoble, dem herausragenden Salzburger Bachchor und dem französischen Pferdekünstler und Theatermacher Bartabas zu einem wahren Gesamtkunstwerk. Zum ersten Mal wurde »Davide penitente« im März 1785 im Wiener Burgtheater aufgeführt. Es handelt sich um eine Auftragsarbeit für den Wiener Musikverein und Mozart betätigte sich eines Kunstgriffes, um schnell liefern zu können: »Die Societätmitglieder in Wienn zum Besten der Wittwen und Waisen verlangten von Mozart ein Oratorium … Da aber die Zeit, ein neues zu komponiren, zu kurz war, nahm er eine große unvollendete Messe hervor und legte derselben einen … italienischen … Text unter, setzte einige Arien und Duetten dazu, und so entstand das sogenannte Oratorium: ‚Davidde penitente‘ …« So berichtet Maximilian Stadler, der von Mozarts Witwe eingesetzte Verwalter von dessen musikalischem Nachlass, über die Entstehung des heute meist als Kantate bezeichneten Werks. Mozart hatte tatsächlich seine große Messe in c-Moll als Basis verwendet, die neben dem Requiem als das bedeutendste Fragment aus seiner Hand gilt. Die Kunst Bartabas’ lässt sich kaum kategorisieren – Pferde, Menschen, Musik, Bewegung, Licht und Kostüme verbindet er zu poetischen Gesamtkunstwerken.

Charlie Siem ist Soloviolinist, Anfang 30, hochbegabt, schön und stammt aus einer Milliardärs-Familie. Er hat weltweit Fans und neben seiner Karriere auf den Konzertbühnen der Welt auch noch Erfolg als Model für Hugo Boss, Armani und Co. Zufrieden aber scheint Charlie nie zu sein. Mit Feingefühl zeichnet die dänische Regisseurin Eva Mulvad dieses vielschichtige Porträt eines jungen Mannes auf der Suche nach Perfektion.
Getrieben von den eigenen hohen Ansprüchen pendelt Soloviolinist Charlie Siem zwischen ausverkauften Konzerten und den Häusern in Monte Carlo, London und Florenz hin und her. Dabei beschäftigen ihn existenzielle Fragen: Wofür lohnt es sich zu leben, wenn es nach außen scheint, als habe man schon alles? Wie werde ich erfolgreich und glücklich? Wie gelingt es, einem übermenschlichen Erwartungsdruck standzuhalten, der teils von außen und teils nur aus ihm selbst heraus auf ihm lastet?
Die vielfach mit Preisen bedachte dänische Filmemacherin Eva Mulvad gibt Einblick in eine Welt der Reichen und Schönen, die den meisten verborgen bleibt. Nuancenreich zeichnet sie das beeindruckend filigrane und vielschichtige Porträt eines jungen Mannes auf der Suche nach Perfektion.
Auf den ersten Blick scheinen es Wohlstandsprobleme zu sein, die Charlie Siem, den Sohn eines Norwegers und einer Südafrikanerin, bewegen – auf den zweiten Blick stellt Eva Mulvad einen typischen Menschen der westlichen gegenwärtigen Leistungsgesellschaft dar. Der scheinbare Alleskönner leidet unter psychosomatischen Krankheiten und putscht sich mit Vitaminpillen.
Eva Mulvad hat ihre Faszination für das Leben der reichen Menschen in ihrem Dokumentarfilm »The Good Life« bewiesen – wenn sie hier auch eine ganz andere Geschichte erzählt, als die des Arbeitstiers Charlie Siem. Ein Mutter- und Tochterpaar hat die geerbten Millionen aufgebraucht und allen Besitz verkauft. Sie sind arm, schulden ihrem Vermieter Geld und dennoch ist es für sie noch immer ein Tabu zu arbeiten. »The Good Life« wurde beim Filmfestival in Karlsbad / Karlovy Vary als bester Dokumentarfilm ausgezeichnet. Nicht nur deshalb gilt Eva Mulvad als eine der faszinierendsten dänischen Regisseurinnen der Gegenwart.

Der israelische Tänzer und Choreograph Ohad Naharin bringt seine Choreographie »Last Work« mit den Tänzern der Batsheva Dance Company auf die Bühne des Pariser Théâtre National de Chaillot – uraufgeführt wurde das Werk im Mai 2015 in Tel Aviv. Einmal mehr fesselt dieses Genie des zeitgenössischen Tanzes die Zuschauer mit einer faszinierenden Mischung aus Bewegung, Musik, Raum, Licht und Klang. Im Hintergrund läuft eine Frau wie hypnotisiert von Osten nach Westen, ohne vorwärts zu kommen. Aus mal langsam fließenden, mal abrupten Bewegungen entsteht eine unglaublich dichte Choreographie, die von der ganzen Bühne Besitz ergreift. Naharin und seinen Tänzern geht es dabei um die tänzerische Umsetzung eines scheinbar unendlichen Spektrums von Gefühlen und Empfindungen. Wie im Selbstlauf entfalten die Tänzerinnen und Tänzer ihre Virtuosität, die jedoch nie demonstrativ wirkt. Als Gaga Dance bezeichnet Naharin die unglaublich flexiblen, aber kontrollierten Verrenkungen ihrer Körper, bei denen die Tänzer auch die schwachen Teile ihres Körpers wahrnehmen sollen. Das engagierte, sehr aktuelle Werk bleibt ganz bewusst rätselhaft, indem es sich jenseits eines vertrauten Tanzvokabulars bewegt.
Die Batsheva Dance Company wurde 1964 von Baronesse Bethsabée (Batsheva) de Rothschild und der Choreographin Martha Graham gegründet. Ohad Naharin wurde im Jahr 1990 künstlerischer Leiter des Ensembles. »Last Work« war 2015 Teil des Eröffnungsabends des Internationalen Tanzfestivals Dresden im Festspielhaus Hellerau.

Er war Musiker, Geschäftsmann und Verleger und komponierte Tausende von Musikstücken: Konzerte, Ouvertürensuiten, Opern und vor allem Unmengen an Kammermusik und Kirchenmusik. Indem er deutsche, italienische und französische Einflüsse zu einem unverwechselbaren Personalstil verschmolz, wurde er zu einem der wenigen Komponisten im 18. Jahrhundert, die zu Lebzeiten nicht nur angesehen waren, sondern von ihrem Schaffen auch gut leben konnten.
Dabei sah es zunächst nicht so aus, als würde aus dem jungen Georg Philipp, der am 24. März 1681 in einer Magdeburger Pfarrersfamilie geboren wurde, einmal einer der berühmtesten Komponisten Europas. Musik war in seiner Familie keine angesehene Kunst. So wurde der Junge in den Harz nach Clausthal-Zellerfeld gebracht und in die Obhut des dortigen Superintendenten gegeben. Unter strenger intellektueller Anleitung sollte Telemann die Musik ausgetrieben und mathematisch-technische sowie sprachliche Bildungsinhalte eingetrichtert werden. Das Vorhaben scheiterte auf der ganzen Linie. In Leipzig studierte er Jura. Daneben gründete er das städtische Collegium musicum – den Vorläufer des Gewandhausorchesters.
Später leitete er die Kirchenmusik in Eisenach und Frankfurt, bewarb sich schließlich nach Hamburg. Er bekam die Stelle und arbeitete bis zu seinem Tod als Musikdirektor der fünf Hauptkirchen, war Kantor am Johanneum und ab 1722 auch Leiter der Hamburger Oper. Hier gründete er 1728 zusammen mit Johann Valentin Görner die erste deutsche Musikzeitschrift »Der getreue Musicmeister«. Am 25. Juni 1767 starb Telemann mit 87 Jahren.
Im Gedenkjahr 2017 äußerten sich bekannte Musiker, wie die Telemannbotschafterin Dorothee Oberlinger (Blockflöte), Ludwig Güttler (Trompete), Philipp Jaroussky (Countertenor) und Thomas Fritzsche (Gambe), zur Bedeutung des großen europäischen Komponisten.

»Kunst ist da, um Langeweile zu vertreiben.« Dieses Motto des englischen Regisseurs kubanischer Abstammung hat John Dew weltweite Anerkennung, aber auch die Kritik der Opernpuristen eingebracht. Mit kurzweiligen und unterhaltsamen Inszenierungen »übersetzte« er die großen Werke der Oper gewissermaßen für unsere Zeit, ohne dabei die Figuren zu denunzieren oder gar das Stück zu beschädigen. In Leipzig inszenierte John Dew einen Mozart-Zyklus, der ganz in diesem Sinne Figaro, Don Giovanni oder auch Fiordiligi als Menschen unserer Tage erscheinen läßt, wie sie in einer moderneren Großstadt zu beobachten sind.

Musikalische Leitung: Johannes Wildner
Inszenierung: John Dew
Bühnenbild: Heinz Balthes
Kostüme: José-Manuel Vazquez
Choreinstudierung: Andreas Korn
Gewandhausorchester Leipzig
Chor der Oper Leipzig

Graf Almaviva: Thomas Möwes
Gräfin Almaviva: Eva Bátori
Susanna, Figaros Braut: Gabriele Rossmanith
Figaro: Robert Heimann
Cherubino, Page des Grafen: Annette Markert
Marcellina: Annelott Damm
Bartolo, Arzt: Roland Schubert
Basilio, Musiklehrer: Victor Sawaley
Don Curzio, Richter: Hans-Peter Schwarzbach
Antonio, Gärtner: Klaus Buron
Barbarina, Antonios Tochter: Uta Schwabe
Zwei Mädchen: Annette Rostig, Cordula Reinisch

In der Seniorenresidenz für Musiker treffen Opernstars und Orchestermitglieder aufeinander, die sich schon auf der Bühne spinnefeind waren. Eine der Ausnahmen: Reggie, Wilf und Cissy, Freunde seit Jahren. Das ändert sich durch die Ankunft der Operndiva Jean Horton. Früher sangen sie gemeinsam das Quartett aus »Rigoletto« und gingen in die Operngeschichte ein. Doch Jean hat geschworen, nie mehr zu singen. Und Reggie, in einem früheren Leben mal mit Jean verheiratet, will nichts mehr mit ihr zu tun haben. Dabei könnte das Quartett ein Höhepunkt der Gala zur Rettung der Residenz werden.

Open Air Konzert der Deutschen Radio Philharmonie unter der Leitung von Pietari Inkinen. Mit Asya Fateyeva (Saxofon), Stefanie Mirwald (Akkordeon),
Ermir Abeshi (Violine) und Mario Blaumer (Violoncello)
Die Deutsche Radio Philharmonie (DRP) widmet diesmal dem begnadeten Komponisten John Williams das Klassik Open Air Konzert vor der beeindruckenden Kulisse des Losheimer Stausees im Saarland. Unter der Leitung von Chefdirigent Pietari Inkinen spielt die DRP unter anderem Filmmusiken aus »Schindlers Liste«, »Der Duft der Frauen«, »Superman« und »Jurassic Park« und nimmt das Publikum mit auf eine Reise durch die Welt der großen Kinofilme und großen Emotionen. Vom »Weißen Hai« bis zu »Harry Potter«, von »Star Wars« bis zu »Indiana Jones« die populärsten Filmmusiken der Welt stammen aus der Feder von John Williams.
Beim Publikum ist die Veranstaltung Kult und seit vielen Jahren ein beliebter Abschluss der DRP Konzertsaison: »SR Klassik am See«. Das Klassik Open Air Konzert am Losheimer Stausee fand 2019 bereits zum 23. Mal statt.

In der Seniorenresidenz für Musiker treffen Opernstars und Orchestermitglieder aufeinander, die sich schon auf der Bühne spinnefeind waren. Eine der Ausnahmen: Reggie, Wilf und Cissy, Freunde seit Jahren. Das ändert sich durch die Ankunft der Operndiva Jean Horton. Früher sangen sie gemeinsam das Quartett aus »Rigoletto« und gingen in die Operngeschichte ein. Doch Jean hat geschworen, nie mehr zu singen. Und Reggie, in einem früheren Leben mal mit Jean verheiratet, will nichts mehr mit ihr zu tun haben. Dabei könnte das Quartett ein Höhepunkt der Gala zur Rettung der Residenz werden.

Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks, Mariss Jansons
Aufzeichnung vom 26. und 27. März 2009 aus der Philharmonie im Gasteig in München
Die Komposition seiner Schottischen Symphonie begann Mendelssohn im Jahr 1829 auf einer Reise ins schottische Hochland. In einem Brief schildert er, wie er mit seinem Freund das in Nebel gehüllte Maria-Stuart-Schloss Holyrood vorfand und welche Empfindungen die geschichtsträchtige Ruine in ihm auslöste. Die langsame Einleitung zum 1. Satz der Sinfonie mit ihrem aus dem Dunkel aufsteigenden wehmütigen Hauptmotiv soll der Nachklang dieses Erlebnisses gewesen sein: »Ich glaube, ich habe heut den Anfang meiner schottischen Symphonie gefunden«, schreibt Mendelssohn in einem Brief nach Hause. Aus diesem elegischen Anfangsmotiv entwickelt er auch das Thema des anschließenden Allegro-Hauptsatzes, in dessen Coda musikalisch ein veritabler Gewittersturm geschildert wird. Auch im weiteren Verlauf weist die Schottische Symphonie zahlreiche tonmalerische Partien auf, obwohl Mendelssohns Erinnerung an die Reise im Laufe seiner fast zwölfjährigen Arbeit an diesem Werk mehr und mehr verblasste, wie er selbst einräumte. Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks.

J. Carewe dirigiert die Radio-Philharmonie Hannover

Ein Streifzug mit Ioan Holender durch das musikalische Tiflis. Das Opernhaus, das Musikzentrum und das staatliche Konservatorium weisen auf lange Traditionen zurück und prägen das Musikleben im Kulturzentrum am Kaukasus.
Das einzigartige Opernhaus in Tiflis ist Ausgangspunkt für Ioan Holenders Erkundung der lebendigen Klassik-Musikszene in Georgien. Das »Zakaria Paliaschwili« Theater für Oper und Ballett ist m maurischen Stil erbaut und seit dem 19. Jahrhundert ein Anziehungspunkt für außergewöhnliche Persönlichkeiten der Opernwelt. Größen wie der russische Komponist Pjotr IljitschTschaikowski haben sich hier Inspiration geholt. Georgien bringt regelmäßig Weltklassesänger wie Anita Rachvelishvili hervor, die Ihre Karrieren am Opernhaus Tiflis beginnen. Im Gespräch mit Ioan Holender betont der Künstlerischer Direktor Badri Maisuradze die lange Tradition italienischer Opernaufführungen – in einem Haus, an dem Ballett immer noch den gleichen Stellenwert hat wie Oper. Die Ballettkompanie präsentiert exklusiv für kulTOUR mit Holender einen Ausschnitt ihres Könnens. Im »Djansung Kakhidze« Musik- und Kulturzentrum, das eine hochtechnisierte Konzerthalle bietet, stellt Vakhtang Kakhidze – Dirigent, Komponist und Künstlerischer Direktor des Hauses seine Arbeit vor. Darüber hinaus lernt Ioan Holender den ployphonen Folklore Gesang des Männerchors »Rustawi« kennen und lässt sich von vielen weiteren Besonderheiten auf seinem Streifzuges durch Tiflis beeindrucken.

Aufzeichnung aus dem Rokokotheater im Schwetzinger Schloss, von den Schwetzinger SWR Festspielen 2011

Das Musikmagazin

Phantastische Oper in fünf Akten von Jacques Offenbach
Festspielhaus, Bregenzer Festspiele 2015
Prager Philharmonischer Chor, Wiener Symphoniker, Johannes Debus
Inszenierung: Stefan Herheim

Hoffmann: Daniel Johansson
Olympia/Giulietta: Kerstin Avemo
Antonia/Giulietta: Mandy Fredrich
Lindorf/Coppélius/:
Dr. Miracle/Dapertutto: Michael Volle
Spalanzani: Bengt-Ola Morgny
Nicklausse: Rachel Frenkel
Stella: Pär Pelle Karlsson
Crespel: Ketil Hugaas
Andrès/Cochenille/Frantz: Christoph Mortagne
Nathanael: Hoel Troadec
Hermann: Josef Kovacic
Wilhelm: Petr Svoboda
Pelle: Pär Karlsson
Stella, stumme Rolle

Beim Besuch einer »Don Giovanni«-Vorstellung erkennt der Dichter seine ehemalige Geliebte wieder, die Sängerin Stella. Tief bewegt kehrt er in der Vorstellungspause in Luthers Weinkeller ein. Dort erzählt er drei unglückliche Liebesgeschichten.
Die mit der perfekten Puppe Olympia, die sich als Automat entpuppt, die mit der todkranken Antonia, die sich buchstäblich zu Tode singt, und die mit der venezianischen Kurtisane Giulietta, die Hoffmann skrupellos sein Spiegelbild raubt.
Hoffmanns Gegenspieler, der ihm verhasste Stadtrat Lindorf, der ein Auge auf Stella geworfen hat, kehrt in den jeweiligen Geschichten in wechselnden »Bösewicht«-Figuren wieder und zerstört Hoffmanns Liebesglück.

Mit Jean Rondeau (Cembalo), Violaine Cochard (Cembalo), Ana Millet (Violine), Renaud Guieu (Cello), Catherine Cournot (Klavier).

Die Filmmusik von »Barry Lyndon« hat eine Geschichte. Während der Entstehung von »2001: Odyssee im Weltraum« verpflichtete das Hollywoodstudio MGM den Filmemacher Stanley Kubrick für einen Original-Soundtrack zur Zusammenarbeit mit dem Komponisten Alex North. In Erwartung von Norths Partitur beschloss Kubrick, die Bilder provisorisch mit Klassikstücken zu unterlegen. Als Alex North seine Filmmusik lieferte, befand Kubrick, dass die klassischen Werke viel besser passten, und behielt sie im Film. MGM gab schließlich klein bei. Kubrick zeigte Hollywoods professionellen Filmkomponisten auch bei seinen Folgefilmen die kalte Schulter.
Kubrick war 45 Jahre alt, als er seinen Kostümfilm »Barry Lyndon« drehte. Der Film versteht sich als Hommage an die Schönheit barocker Malerei und Musik. Er zeigt die tragische Geschichte des jungen irischen Abenteurers Barry Lyndon. Kubrick schildert erste erotische Erlebnisse ebenso wie seine Kriegsabenteuer, seinen sozialen Aufstieg – und den unausweichlichen Fall.
Das Konzert bringt vor allem zwei Werke zu Gehör, die später immer wieder in Filmen verwendet wurden: die »Sarabande« der Suite Nr. 11 für ein solistisches Cembalo, die Händel zwischen 1703 und 1720 komponierte, und den zweiten Satz des Trios in Es-Dur für Klavier, Violine und Violoncello Nr. 2, komponiert von Franz Schubert im November 1827 – eine von Kubrick wegen ihrer Ausdrucksstärke ausgewählte romantische Melodie.
Beide Stücke werden in »Barry Lyndon« als Leitmotive eingesetzt, genau wie Schuberts ebenfalls mehrfach zu hörender »Deutscher Tanz« C-Dur Nr. 1, der Barry Lyndons vermeintliche Erfolge in der preußischen und englischen Adelsgesellschaft musikalisch untermalt. Die Assoziationen an Kubricks Film sind beim Hören dieser Werke so stark, dass man meint, an den Wänden des Auditoriums würden Bilder aus Kubricks Film vorbeiziehen.
Das Philharmonieorchester von Radio France interpretiert unter der Leitung von Nicolas Alstaedt die Musikstücke, die Stanley Kubrick für den Soundtrack des Films ausgewählt hat. An den Soloinstrumenten sind Jean Rondeau und Violaine Cochard (Cembalo), Ana Millet (Violine), Renaud Guieu (Cello) und Catherine Cournot (Klavier) zu hören.

Johann Sebastian Bach: Brandenburgische Konzerte (1721)

Diese audiovisuelle Konzertführer-Reihe gibt ungeahnte Einblicke in die wichtigsten Werke der Musikgeschichte vom Barock bis zur Moderne und lässt den Zuschauer diese Meisterwerke dabei völlig neu erfahren und genießen. In den einzelnen Folgen erläutern hochkarätige Künstler und Musikwissenschaftler die Entstehungsgeschichte der Stücke, ihre musikalische Struktur und Besonderheiten und setzen sie in Beziehung zum Leben des jeweiligen Komponisten und zu der Zeit, in der sie entstanden.

Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks
Johann Sebastian Bach: Brandenburgisches Konzert Nr. 6
Paul Hindemith: Symphonie »Mathis der Maler«

Als Johann Sebastian Bach im Jahre 1717 zum »Capellmeister und Director der Cammermusiken« des Fürsten Leopold zu Anhalt-Köthen ernannt wurde, wandte er sich seiner neuen Aufgabe entsprechend vor allem der weltlichen Instrumentalmusik zu. In dieser Köthener Zeit entstanden auch die sechs Concerti grossi, die er am 24. März 1721 dem Markgrafen Christian Ludwig von Brandenburg widmente und die später dessen namen tragen sollten. Der Originaltitel dieser Konzerte – »Six concerts avec plusieurs instruments« – , die als Gipfelwerke der frühen Orchestermusik anzusehen sind, gibt einen Hinweis auf die Vielfalt der Soloinstrumente, die Bach damals zur Verfügung standen und die er, teils dem Ensemble der übrigen Instrumente gegenübergestellt, teils chorisch mit diesen verbunden, in den Mittelpunkt der Werke rückte. Im Falle des sechsten Konzertes beschränkt sich Bach allerdings ausschließlich auf die tiefen Streichinstrumente Bratsche, Gambe und Violoncello, deren melancholisch-verhangenen Klangcharakter er durch ständigen Wechsel der Stimmengruppierung in immer wieder neuem Licht erscheinen läßt.

Ein großer Bachverehrer war Paul Hindemith (1895 – 1963), dessen Symphonie »Mathis der Maler« als zweites Werk des Konzertes mit dem Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks unter der Leitung seines damaligen Chefdirigenten Lorin Maazel im Herkulessaal der Münchner Residenz aufgeführt wurde. Inhalt und Titel der dreisätzigen Komposition, in der Hindemith betont auf Bachsche Fugen- und Imitationstechniken sowie auf das Stilmittel des gregorianischen Chorals zurückgreift, beziehen sich auf drei ausgewählte Bildtafeln des Isenheimer Altars: I. Engelskonzert, II: Grablegung, III. Versuchung des heiligen Antonius.

Es ist ein Klischee: schwule Männer und ihre Liebe zur Oper. Doch hinter dem Stereotyp verbirgt sich eine lebendige Geschichte. Mit dem Journalisten Tilman Krause und dem Musikwissenschaftler Kevin Clarke zeigt Rosa von Praunheim großartige Protagonisten, die als schwule Männer über ihre Begeisterung für bestimmte Operndiven mit großer Leidenschaft berichten.
Die Idee zu einem Film über Schwule und Oper bekam der Filmemacher Rosa von Praunheim durch seinen Jugendfreund, den Regisseur Werner Schroeter, der eine klassische Operntunte war und ein Leben lang für die göttliche Diva Maria Callas schwärmte. Durch seine Recherchen fand von Praunheim heraus, dass es weltweit eine sehr große Anzahl schwuler Männer gibt, die bestimmte Sopranistinnen mit hohen Stimmen verehren, ihnen nachreisen und Geschenke machen, aber auch kritisch sein können, wenn sie die Töne nicht treffen. Was aber ist es, das Schwule an der Oper so fasziniert? Mit dem Journalisten Tilman Krause und dem Musikwissenschaftler Kevin Clarke zeigt Rosa von Praunheim großartige Protagonisten, die als schwule Männer über ihre Begeisterung für bestimmte Operndiven mit großer Leidenschaft berichten. Für Kevin Clarke sind es Kiri Te Kanawa und Ljuba Welitsch, zu denen er in großer Liebe entbrannt ist. Für Tilman Krause ist es Edda Moser, deren legendäre Aufnahme der Rachearie aus Mozarts »Zauberflöte« in der Raumsonde »Voyager 2« ins All geschossen wurde. Rosa von Praunheim erkundet mit Tilman Krause und Kevin Clarke sowie weiteren Operntunten, darunter der Regisseur und Intendant der Komischen Oper Berlin, Barrie Kosky, der sich selbstironisch als »Gay Jewish Kangaroo« bezeichnet, die Liebe des homosexuellen Mannes zur Oper. Selbstverständlich kommen auch einige Diven zu Wort, darunter Edda Moser, Sophie Koch und Nadine Secunde, die von einem schwulen Freund erzählt, der seine Liebe zur Oper einmal so ausgedrückt hat: »Die Oper verwandelt Schmerz in Schönheit.«

Michael Barenboim (Violine), Kian Soltani (Violoncello), Daniel Barenboim (Klavier)

In der intimen Atmosphäre des Berliner Pierre Boulez Saals spielen Daniel Barenboim, Kian Soltani und Michael Barenboim Ludwig van Beethovens Opus 1: drei Klaviertrios, die der junge Ludwig van Beethoven 1795 im Alter von 25 Jahren in Wien publizierte und die er seinem damaligen Förderer, dem Fürsten Lichnowsky, widmete. Schon in seiner Jugend in Bonn hatte Beethoven mit Kompositionsunterricht begonnen und diesen ab 1792 in Wien fortgesetzt. So waren das Klaviertrio Es-Dur (op. 1,1), das Klaviertrio G-Dur (op. 1,2) und das Klaviertrio c-Moll (op. 1,3) zwar nicht Beethovens allererste Kompositionen, aber sie gingen als seine erste Veröffentlichung in die Musikgeschichte ein. Der Pierre Boulez Saal ist Teil der von Daniel Barenboim initiierten Barenboim-Said Akademie und wurde 2017 in Berlin eröffnet. Michael Barenboim (Violine) und Kian Soltani (Violoncello) standen dort bereits beim Eröffnungskonzert gemeinsam mit Daniel Barenboim auf der Bühne. Michael Barenboim, der jüngere Sohn des Musikerpaars Daniel Barenboim und Jelena Baschkirowa, wurde 1985 in Paris geboren und ist seit 2003 Konzertmeister des West-Eastern Divan Orchestra. Neben seinen Soloauftritten unterrichtet er als Professor an der Barenboim-Said Akademie. Der 1992 in Bregenz geborene österreichische Cellist Kian Soltani wurde bereits mehrfach ausgezeichnet und gilt als einer der gefragtesten Cellisten seiner Generation.

Choreographie: Tero Saarinen
Bühnenbild: Mikki Kunttu
Kostüme: Erika Turunen
Licht: Mikki Kunttu
Finnish National Opera Chorus, Finnish National Opera Orchestra, Jukka-Pekka Saraste
Mit Ville Rusanen (Kullervo – Bariton), Johanna Rusanen-Kartano (Kullervos Schwester – Sopran), David Scarantino (Kimmo), Samuli Poutanen (Kullervo – Tänzer), Terhi Räsänen (Kullervos Schwester – Tänzerin).

Der finnische Choreograph von Weltruf, Tero Saarinen, setzt an der Nationaloper Helsinki ein Monument finnischer Kultur in Szene: »Kullervo«, die tragische Geschichte eines mythischen Helden Finnlands. Am Pult des Orchesters der finnischen Nationaloper Helsinki: Jukka-Pekka Saraste.
Im Sibelius-Jahr 2015 liefern der gefeierte finnische Choreograph Tero Saarinen und seine Truppe eine opulente Version eines Monuments der finnischen Kultur: »Kullervo«, Jean Sibelius’ symphonische Dichtung nach dem gleichnamigen Helden des finnischen Nationalepos »Kalevala«. Sibelius vertiefte sich während seiner Studienzeit in die Lieder und Legenden des »Kalevala« und komponierte sein erstes Werk mit finnischem Text nach der Heldensage »Kullervo«: Der junge Kullervo überlebt den blutigen Streit zwischen Vater und Onkel, dem seine ganze Familie zum Opfer fällt. Von Hass erfüllt sinnt er auf Rache und reißt am Ende seine unschuldige Schwester mit in den Abgrund.
Trotz des immensen Erfolges der Uraufführung in Helsinki 1892 untersagte Sibelius bald weitere Aufführungen des Epos. Es war zu kühn, um von der Kritik verstanden zu werden, und noch dazu war es auf Finnisch! Das war zu einer Zeit, da es noch kein Finnland gab, nur eine Provinz, die von Schweden an Russland abgetreten worden war. Trotzdem trug »Kullervo«, wie auch »Finlandia«, Sibelius’ musikalische Beschreibung seiner Heimat Karelien, wesentlich zum Entstehen eines finnischen Nationalbewusstseins bei.
Das »Kalevala« selbst war nur etwa hundert Jahre früher entstanden. Der Schriftsteller, Philologe und Arzt Elias Lönnrot bereiste Finnland und Ostkarelien und sammelte bis dahin nur mündlich überlieferte finnische Volksdichtung. Das Ergebnis seiner Arbeit legte er 1835 im »Kalevala« und 1840 in der Liedersammlung »Kanteletar« nieder. Mit diesen beiden Werken legte er den Grundstein für eine finnischsprachige Literatur.

La Chana – das ist der Bühnenname der katalanischen Tanzlegende Antonia Santiago Amador. Als Jugendliche bringt sie sich den Flamenco selbst bei. Von da an ist der kraftvolle Tanz ihr Überlebenselixier. Peter Sellers sieht die junge Tänzerin und bittet sie im Film »Bobo ist der Größte« (1967) aufzutreten. Am Höhepunkt ihrer Karriere verschwindet La Chana von der Bildfläche, um Mitte der 80er wiederaufzutauchen und erneute Erfolg zu feiern. Und auch heute, mit über 70 Jahren, hat die »Gitana« ihr außergewöhnliches Rhythmusgefühl nicht verloren.

Beim 37. Festival international du film sur l’art (FIFA) gewann »La Chana« den Grand Prix. Der Preis ist das i-Tüpfelchen auf einer langen Liste von Auszeichnungen, an deren erster Stelle gleich nach Erscheinen des Films im Jahr 2016 der Publikumspreis des IDFA in Amsterdam steht.

Das Musikmagazin

Felix Mendelssohn-Bartholdy: Symphonie Nr. 4 A-Dur »Italienische«
Aufzeichnung aus der Philharmonie am Gasteig in München von 1992

Eigentlich habe er die Karriere als Dirigent nichts anderem zu verdanken als seinem ausgeprägten Willen zur Macht, hat Sir Georg Solti in einem Interview bekannt. Wäre ihm das musikalische Talent abgegangen, so hätte er wohl Fabrikdirektor oder Politiker werden müssen. Sir Georg Solti, geboren am 21.10.1912 in Budapest, gehörte zu den Dirigenten von absolutem Weltrang. Der vielseitige Musiker mit dem furiosen Temperament und dem Hang zu musikalischen Revolutionen war in allen großen Konzertsälen und Opernhäusern der Welt zu Hause. Er studierte bei Ernst von Dohnány, Zoltán Kodály und Bela Bartok Klavier, Komposition und Dirigieren und gab schon als Fünfzehnjähriger dem Dirigieren Vorrang.
Sein Weg führte ihn auch nach München. Trotz seiner geringen Opernerfahrung erhielt er im Frühjahr 1946 den Ruf als Generalmusikdirektor an die Bayerische Staatsoper, wo er bis 1951 blieb. Dutzende von Schallplattenpreisen und Ehrendoktortiteln wurden im verliehen, die englische Königin erhob ihn 1971 in den Adelsstand.
Sir Georg Solti starb am 5. September 1997 in Frankreich. Er wurde international als einer der bedeutendsten und produktivsten Orchesterleiter des letzten Jahrhunderts gewürdigt.

Es ist ein Klischee: schwule Männer und ihre Liebe zur Oper. Doch hinter dem Stereotyp verbirgt sich eine lebendige Geschichte. Mit dem Journalisten Tilman Krause und dem Musikwissenschaftler Kevin Clarke zeigt Rosa von Praunheim großartige Protagonisten, die als schwule Männer über ihre Begeisterung für bestimmte Operndiven mit großer Leidenschaft berichten.
Die Idee zu einem Film über Schwule und Oper bekam der Filmemacher Rosa von Praunheim durch seinen Jugendfreund, den Regisseur Werner Schroeter, der eine klassische Operntunte war und ein Leben lang für die göttliche Diva Maria Callas schwärmte. Durch seine Recherchen fand von Praunheim heraus, dass es weltweit eine sehr große Anzahl schwuler Männer gibt, die bestimmte Sopranistinnen mit hohen Stimmen verehren, ihnen nachreisen und Geschenke machen, aber auch kritisch sein können, wenn sie die Töne nicht treffen. Was aber ist es, das Schwule an der Oper so fasziniert? Mit dem Journalisten Tilman Krause und dem Musikwissenschaftler Kevin Clarke zeigt Rosa von Praunheim großartige Protagonisten, die als schwule Männer über ihre Begeisterung für bestimmte Operndiven mit großer Leidenschaft berichten. Für Kevin Clarke sind es Kiri Te Kanawa und Ljuba Welitsch, zu denen er in großer Liebe entbrannt ist. Für Tilman Krause ist es Edda Moser, deren legendäre Aufnahme der Rachearie aus Mozarts »Zauberflöte« in der Raumsonde »Voyager 2« ins All geschossen wurde. Rosa von Praunheim erkundet mit Tilman Krause und Kevin Clarke sowie weiteren Operntunten, darunter der Regisseur und Intendant der Komischen Oper Berlin, Barrie Kosky, der sich selbstironisch als »Gay Jewish Kangaroo« bezeichnet, die Liebe des homosexuellen Mannes zur Oper. Selbstverständlich kommen auch einige Diven zu Wort, darunter Edda Moser, Sophie Koch und Nadine Secunde, die von einem schwulen Freund erzählt, der seine Liebe zur Oper einmal so ausgedrückt hat: »Die Oper verwandelt Schmerz in Schönheit.«

»Ich will nicht hübsch und lieblich tanzen!«, ist die Parole der jungen Gret Palucca. Sie trainiert zuerst als Rollschuhtänzerin, dann als Sportlerin, bis hin zur Akrobatin. Ihr Markenzeichen ist ihre unglaubliche Gelenkigkeit und Elastizität sowie ihre einzigartige Sprungkraft. Ihr Tanzen strahlt pure Lebensfreude aus – mit Temperament, grotesken Elementen, akrobatischen Einlagen, die Leichtigkeit im Schweben. 1925 eröffnet sie eine eigene Schule für modernen Tanz in Dresden. Lehrt fast sieben Jahrzehnte lang – durch alle privaten und politischen Turbulenzen hindurch – ihre neuartige Form des Ausdruckstanzes. Sie knüpft Kontakte zu vielen Bauhauskünstlern. Für Moholy-Nagy ist Palucca die einzige Tänzerin, die die neue Ästhetik des Bauhausgedankens gestaltet. Später distanziert sie sich von den Bauhäuslern, um unter den Nationalsozialisten nicht anzuecken. Sie nimmt mit Leni Riefenstahl an der Olympiade-Eröffnung 1936 teil, verleugnet ihre jüdische Herkunft.
Später in der DDR, nach dem Zweiten Weltkrieg, gelingt es der Tanzpädagogin, im ausgebombten Dresden wieder zu unterrichten. Sie eröffnet ihre Schule neu, in der sie ihren Schülerinnen und Schülern vor allem Kreativität, Eigenständigkeit, Spontaneität und Verantwortungsbewusstsein für den eigenen Weg vermittelt und in den internationalen Sommerkursen, die seit 1957 in Dresden stattfinden, Kontakte auch zu westlichen Tänzern ermöglicht. 1949 wird die Palucca-Schule Dresden verstaatlicht. Trotz Schwierigkeiten und Auseinandersetzungen mit den Kulturfunktionären der DDR bleibt Gret Palucca in Dresden und schafft sich inmitten des sozialistischen Realismus eine künstlerische Insel. Wenn sie der DDR-Bürokratie grollt, zieht sie sich auf Hiddensee zurück und droht mit Abwanderung in den Westen. Aufgrund der Verquickung von privaten und öffentlichen Begebenheiten zeigt sich ein hochspannendes und widersprüchliches Bild einer Persönlichkeit, das ein Jahrhundert deutscher Geschichte aus einer besonderen Perspektive spiegelt.

Den Beinamen »Das Ägyptische« bekam das 5. Klavierkonzert, weil es während eines Aufenthalts von Camille Saint-Saëns in Luxor entstand. Saint-Saëns, der bis in seine späten Jahre ständig auf Reisen war, verarbeitet hier vornehmlich ägyptische, aber auch weitergefasste Reiseeindrücke. Tatsächlich enthält dieses Werk nicht nur von Ägypten inspirierte orientalische, sondern namentlich im zweiten Satz auch fernöstliche Klänge. Saint-Saëns selbst schrieb zum Konzert: »Eine Art Orientreise, die in der Episode in Fis-Dur sogar bis zum Fernen Osten vordringt. Die Passage in G-Dur ist ein nubisches Liebeslied, das ich von Schiffern auf dem Nil singen gehört habe, als ich auf einer Dahabieh den Strom hinuntersegelte.«
Der französische Pianist Lucas Debargue kam scheinbar aus dem Nichts, hatte kein eigenes Klavier, brachte sich das Spielen selbst bei. Dann wurde Lucas Debargue beim gefürchteten Tschaikowski-Wettbewerb 2015 zum Star. Seitdem spielt er überall auf der Welt. Im Gespräch mit Debargue erfahren wir von seiner Vorliebe für Saint-Saëns und vom Ägyptischen Konzert, aber auch seine besondere persönliche Geschichte: die Story eines scheuen Jungen von elf Jahren, der Klavier durch Ausprobieren lernt, einfach, weil es ihm Spaß macht, von niemandem angetrieben.

Film von Georg Madeja
Mit Donna Leon, dem Ensemble Barucco u.a.
Die italienische Lagunenstadt Venedig hat viele große Künstler hervorgebracht. Einer von ihnen, Antonio Vivaldi (1678-1741), war einer der bedeutendsten Geigenvirtuosen seiner Zeit.
Er war Schöpfer zahlreicher geistlicher und weltlicher Kompositionen, zugleich Priester und Lebemann. Doch vor allem war Vivaldi Venezianer, Bürger einer Stadt des 18. Jahrhunderts, die den politischen Machtverlust durch Luxus und rauschende Feste verdrängen wollte.
Die Dokumentation »Musikalisch Kulinarisch – Vivaldi und Venedig« spürt nicht nur Leben und Wirken des Musikers Antonio Vivaldi in dessen Heimatstadt nach, sondern auch den kulinarischen Genüssen, die schon im 18. Jahrhundert in der Lagunenmetropole geschätzt wurden. Zu Wort kommen unter anderen die Krimiautorin Donna Leon und der Leiter des Istituto di Musica Antonio Vivaldi, Francesco Fanna.

Zwei Menschen, sagte sie, gebe es in ihr: Maria und die Callas. Die Frau, deren Schicksal es war, sich der Kunst zu opfern. Und die Sopranistin auf der Suche nach absoluter Vollkommenheit. Maria Callas spricht in dem Dokumentarfilm von Tom Volf offen über sich selbst. Kern ist ein bislang unveröffentlichtes Fernsehinterview der griechisch-amerikanischen Sängerin, begleitet von zahlreichen privaten Aufnahmen und viel Musik aus ihren Opern. Mit insgesamt zehn komplett ausgesungenen Arien nimmt sich die französische Fernsehproduktion die nötige Zeit, die musikalische Strahlkraft der Ausnahmesängerin Callas wirken zu lassen.

In der vom Bayerischen Fernsehen aufgezeichneten Aufführung mit dem Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks unter der Leitung seines Chefdirigenten Mariss Jansons ist die japanische Star-Pianistin Mitusko Uchida zu erleben, die weltweit für ihre herausragenden Interpretationen der Klavierwerke von Schubert, Mozart und Beethoven geschätzt wird. Eine Aufzeichnung vom 17./18. März 2011 aus der Philharmonie im Gasteig, München.

Beethovens 3. Klavierkonzert entstand in den Jahren um 1800, einer Zeit, in der der aufstrebende Komponist in Wien mit der Sonate »Pathéthique« und der «Mondscheinsonate« seine ersten bedeutenden Werke schuf: persönliche Werke voller Kraft und Leidenschaft, mit denen er sich von seinem Vorbild Haydn löste. Bereits die Tonart c-Moll, die Tonart seiner späteren dramatischen fünften Sinfonie, verweist auf den «neuen« Beethoven. Darüber hinaus hat sich die Rolle des Orchesters verändert. Hatte das Orchester in den beiden vorhergehenden Konzerten in erster Linie die Aufgabe untergeordneter Begleitung des virtuosen Solisten, so erlangt es nun einen sinfonischen Ausdruck und eine eigenständige Bedeutung im konzertanten Dialog mit dem Soloklavier. Bei der Uraufführung der Komposition am 5. April 1803 im Rahmen eines Akademiekonzertes im Theater an der Wien spielte Beethoven selbst den Klavierpart.

Das Musikmagazin

Der französische Filmkomponist Alexandre Desplat schrieb die Musik für Filme wie »Grand Budapest Hotel« und »Shape of Water – Das Flüstern des Wassers«: Für seine Arbeit wurde er vielfach ausgezeichnet, unter anderem mit zwei Oscars. Unter Alexandre Desplats musikalischer Leitung spielt das Orchestre National de France im Auditorium de Radio France ein Konzert, das sich ganz den Filmmusiken des Komponisten widmet: Auf dem Programm stehen unter anderem die Kompositionen für »Das Mädchen mit dem Perlenohrring«, »Grand Budapest Hotel« und »Harry Potter und die Heiligtümer des Todes«.

Wolfgang Amadeus Mozart: Sinfonie Nr. 41 »Jupiter« (1788)

Diese audiovisuelle Konzertführer-Reihe gibt ungeahnte Einblicke in die wichtigsten Werke der Musikgeschichte vom Barock bis zur Moderne und lässt den Zuschauer diese Meisterwerke dabei völlig neu erfahren und genießen. In den einzelnen Folgen erläutern hochkarätige Künstler und Musikwissenschaftler die Entstehungsgeschichte der Stücke, ihre musikalische Struktur und Besonderheiten und setzen sie in Beziehung zum Leben des jeweiligen Komponisten und zu der Zeit, in der sie entstanden.

Sinfonie Nr. 41 C-Dur, KV 551 »Jupitersymphonie«
Aus der Philharmonie im Gasteig, München

Im November 2018 gab Simone Young ihr Debüt beim Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks mit der himmelstürmenden »Jupitersymphonie« von Wolfgang Amadeus Mozart. Drei Jahre vor seinem Tod komponierte Mozart dieses Werk, das seine letzte Symphonie und die Krönung seines symphonischen Schaffens sein sollte. In keinem Orchesterwerk durchschritt er einen ähnlich weiten Kreis an Affekten und Gefühlswelten, die Tonart C-Dur als Kraftzentrum und Mittelpunkt des harmonischen Kosmos bekräftigend.

Das Musikmagazin

Andris Nelsons dirigiert das Gewandhausorchester Leipzig
Erste bahnbrechende Erfolge gelangen Antonín Dvořák in London und so hallte sein Ruf alsbald auch über den Atlantik. Dazu galt er als nationaler Komponist Böhmens, was das Interesse der Präsidentin des New Yorker »National Conservatory of Music« weckte. Und so bot man ihm 1892 eine gutbezahlte Professur an, die Dvořáks ohne Zögern annahm. Seine Aufgabe: die Eckpunkte für eine nationale Musikkultur in den USA auszuloten.
Ob Dvořáks vitale Rhythmen und eingängige Melodien nun im Einzelnen amerikanischer Volksmusik abgelauscht sind, schottisches Liedgut aufgreifen oder letztlich doch der Musik seiner Heimat verbunden sind, sei dahingestellt. Seine 9. Sinfonie, die er selbst mit dem Titel »Aus der Neuen Welt« versah, erntete bei der Uraufführung in der Carnegie Hall begeisterten Beifall, weil er volksliedhafte Anklänge aus Amerika mit Melodien aus seiner tschechischen Heimat verband.

Michael Barenboim (Violine), Kian Soltani (Violoncello), Daniel Barenboim (Klavier)

Das Klaviertrio D-Dur op. 70,1 komponierte Ludwig van Beethoven (1770-1827) im Sommer 1808 während eines Aufenthaltes auf dem Landgut Floridsdorf. Den Titel »Geistertrio« erhielt das Werk erst wesentlich später, er geht auf eine Beschreibung des Komponisten und Beethoven-Schülers Carl Czerny zurück. 1842 schrieb Czerny über den mittleren Satz des Trios (»Largo assai ed espressivo«): »Der Character dieses, sehr langsam vorzutragenden Largo ist geisterhaft schauerlich, gleich einer Erscheinung aus der Unterwelt. Nicht unpassend könnte man sich dabei die erste Erscheinung des Geist‘s im Hamlet denken.«
Das Klaviertrio B-Dur op. 97, auch bekannt als »Erzherzog-Trio«, veröffentlichte Beethoven 1811. Er widmete es seinem Förderer und Schüler Erzherzog Rudolph von Österreich (1788-1831), dem späteren Bischof von Olmütz.
Daniel Barenboim wurde 1942 in Buenos Aires geboren und arbeitet seit 1992 als Generalmusikdirektor der Berliner Staatsoper Unter den Linden. Sein 1985 in Paris geborener Sohn Michael Barenboim ist seit 2003 Konzertmeister des West-Eastern Divan Orchestra. Neben seinen Soloauftritten unterrichtet er als Professor an der Barenboim-Said Akademie. Der 1992 in Bregenz geborene österreichische Cellist Kian Soltani wurde bereits mehrfach ausgezeichnet und gilt als einer der gefragtesten Cellisten seiner Generation.
Der Pierre Boulez Saal ist Teil der von Daniel Barenboim initiierten Barenboim-Said Akademie und wurde 2017 mitten in Berlin eröffnet. Michael Barenboim und Kian Soltani standen dort bereits beim Eröffnungskonzert gemeinsam mit Daniel Barenboim auf der Bühne.

Es ist ein Klischee: schwule Männer und ihre Liebe zur Oper. Doch hinter dem Stereotyp verbirgt sich eine lebendige Geschichte. Mit dem Journalisten Tilman Krause und dem Musikwissenschaftler Kevin Clarke zeigt Rosa von Praunheim großartige Protagonisten, die als schwule Männer über ihre Begeisterung für bestimmte Operndiven mit großer Leidenschaft berichten.
Die Idee zu einem Film über Schwule und Oper bekam der Filmemacher Rosa von Praunheim durch seinen Jugendfreund, den Regisseur Werner Schroeter, der eine klassische Operntunte war und ein Leben lang für die göttliche Diva Maria Callas schwärmte. Durch seine Recherchen fand von Praunheim heraus, dass es weltweit eine sehr große Anzahl schwuler Männer gibt, die bestimmte Sopranistinnen mit hohen Stimmen verehren, ihnen nachreisen und Geschenke machen, aber auch kritisch sein können, wenn sie die Töne nicht treffen. Was aber ist es, das Schwule an der Oper so fasziniert? Mit dem Journalisten Tilman Krause und dem Musikwissenschaftler Kevin Clarke zeigt Rosa von Praunheim großartige Protagonisten, die als schwule Männer über ihre Begeisterung für bestimmte Operndiven mit großer Leidenschaft berichten. Für Kevin Clarke sind es Kiri Te Kanawa und Ljuba Welitsch, zu denen er in großer Liebe entbrannt ist. Für Tilman Krause ist es Edda Moser, deren legendäre Aufnahme der Rachearie aus Mozarts »Zauberflöte« in der Raumsonde »Voyager 2« ins All geschossen wurde. Rosa von Praunheim erkundet mit Tilman Krause und Kevin Clarke sowie weiteren Operntunten, darunter der Regisseur und Intendant der Komischen Oper Berlin, Barrie Kosky, der sich selbstironisch als »Gay Jewish Kangaroo« bezeichnet, die Liebe des homosexuellen Mannes zur Oper. Selbstverständlich kommen auch einige Diven zu Wort, darunter Edda Moser, Sophie Koch und Nadine Secunde, die von einem schwulen Freund erzählt, der seine Liebe zur Oper einmal so ausgedrückt hat: »Die Oper verwandelt Schmerz in Schönheit.«

Rostropowitsch wurde 1927 in Baku, heute Aserbaidschan, in eine Musikerfamilie geboren. Seinen Vater Leopold, der ebenfalls Cellist war, bezeichnete er als seinen wichtigsten Lehrer. Rostropowitsch gab 1945 die ersten Konzerte in Moskau und begann 1964 mit einem Auftritt in der Bundesrepublik Deutschland seine weltweite Karriere. Nach seiner Emigration aus der Sowjetunion, zu der er wegen seines Engagements für den Schriftsteller Alexander Solschenizyn gedrängt wurde, begann Rostropowitsch eine zweite Karriere als Dirigent und stand von 1977 bis 1994 an der Spitze des National Symphony Orchestra (NSO) in Washington. Die Dokumentation veranschaulicht anhand von Ausschnitten aus seinen bedeutendsten Konzerten die vielen Facetten des Ausnahmemusikers. Den Anfang macht eine Archivaufnahme von Bruno Monsaingeon aus dem Jahr 1986: Rostropowitsch spielt einen Auszug aus Tschaikowskys »Rokoko-Variationen«, die er gerade auf einem Album herausgebracht hatte. Weiter geht es mit der Sarabande aus Bachs Cello-Suite Nr. 2 im französischen Fernsehen 1969. Rostropowitsch als Kammermusiker erlebt der Zuschauer anhand eines Mitschnitts des UNESCO-Benefizkonzerts in Paris im Jahr 1974, wo er mit Yehudi Menuhin und Wilhelm Kempff das »Erzherzog-Trio« von Beethoven interpretierte. Rostropowitsch war auch ein hervorragender Pianist. Mit seiner Ehefrau, der Sopranistin Galina Wischnewskaja, verband ihn eine einzigartige musikalische Harmonie, wie ihre Interpretation von Mussorgskys »Wiegenlied« beweist. Die Idee, Rostropowitsch und den Pianisten Swjatoslaw Richter zusammenzubringen, stammt von dem Komponisten Sergej Prokofjew. Das Duo trat regelmäßig im Westen auf und spielte 1964 in Edinburgh einen Auszug aus Beethovens Cello-Sonate Nr. 3. Auch die Weiterentwicklung des Repertoires für sein Instrument lag Rostropowitsch am Herzen. Prokofjews »Symphonisches Konzert«, dessen Finale im Film zu hören ist, geht auf seine Initiative zurück.

Die Liebe seines Lebens ist aus Holz und über 300 Jahre alt: Die Stradivari »Lady Inchiquin« ist die Stimme des Stargeigers Frank Peter Zimmermann. Doch zwei Jahre musste er auf das Sechs Millionen Instrument durch die Insolvenz der Eigentümerin, der WestLB, verzichten. Der Dokumentarfilm begleitet den Geiger bei der Wiederannäherung an seine verloren geglaubte Liebe, seine ureigene Stimme.
Wie aber entsteht eine solche Stimme, wie erschafft man den perfekten Klang? Der Geigenbauer Martin Schleske, ein »Stradivari des 21. Jahrhunderts«, bezeichnet seine Werke als »Klangskulptur«. Für ihn ist es eine existenzielle Erfahrung, wenn aus einem Baum eine Geige, aus Material schließlich Musik werden darf. Was ist die Seele der Geige? Liegt sie im Holz? Ist es das Handwerk? Oder lässt sie der Geiger im Konzertsaal immer wieder neu entstehen?
Eng verwoben erzählen beide Geschichten vom Suchen und Finden des perfekten Klangs.

Der französische Filmkomponist Alexandre Desplat schrieb die Musik für Filme wie »Grand Budapest Hotel« und »Shape of Water – Das Flüstern des Wassers«: Für seine Arbeit wurde er vielfach ausgezeichnet, unter anderem mit zwei Oscars. Unter Alexandre Desplats musikalischer Leitung spielt das Orchestre National de France im Auditorium de Radio France ein Konzert, das sich ganz den Filmmusiken des Komponisten widmet: Auf dem Programm stehen unter anderem die Kompositionen für »Das Mädchen mit dem Perlenohrring«, »Grand Budapest Hotel« und »Harry Potter und die Heiligtümer des Todes«.

Film von Karina Fibich
Schlagzeug und Saxofon, Gesang und Tanz – dazu »klassische« Instrumente wie Klavier, Gitarre oder Geige: Das Angebot der 128 Musikschulen in Niederösterreich ist breit gefächert.
Vor 60 Jahren sind sie aus den Blasmusikvereinen des Landes hervorgegangen – heute finden umgekehrt oft die Musikkapellen ihren Nachwuchs genau hier. Der Film zeichnet die Geschichte der Musikschulen nach. Er zeigt, wie zeitgemäße Musikvermittlung aussieht.
Er zeigt aber auch, welche Möglichkeiten sie jungen Menschen durch eine unkomplizierte musikalische Früherziehung für die Kleinsten sowie später im Einzel- und Gruppenunterricht für Ensembles in allen nur denkbaren Zusammensetzungen eröffnet.

Franz Schubert (1797 1828), Sohn eines armen Dorfschullehrers, findet trotz Begabung keine Anerkennung. Der biografische Spielfilm verfolgt die musikalische Karriere des Komponisten. Nachdem Schubert seine Anstellung als Lehrer verliert, begleitet er den Sänger Vogl auf einer Konzertreise. Auch die Hoffnung, Vizekapellmeister zu werden, wird ihm durch eine Intrige genommen. Erst kurz vor seinem Tod erlebt er ein Konzert, das ihm Erfolg beschert.

Zur Eröffnung des Schleswig-Holstein Musik Festivals 2015 spielte das NDR Sinfonieorchester (das heutige NDR Elbphilharmonie Orchester) unter Leitung von Thomas Hengelbrock in der Lübecker Musik und Kongresshalle: Brahms 2. Sinfonie in Dur, op. 73. Die Uraufführung dieses Meisterwerks fand 1877 in Wien statt und zählt zu den größten Erfolgen von Brahms.

hilippe Jaroussky ist der Superstar der hohen Töne. Seine Stimmkunst verbindet einzigartige Klarheit mit Raffinement. Er befindet sich auf dem Höhepunkt seiner Karriere und gastierte bereits auf fast allen Bühnen der Welt. Er kann auf zahlreiche Konzerte mit renommierten Ensembles, Orchestern und Musikern zurückblicken. In Opernhäusern und auf Konzertbühnen fühlt er sich gleichermaßen zu Hause. Immer dabei: sein Wunsch etwas Neues auszuprobieren.
Für die Konzertsaison 2015/16 hat er sich einen Traum erfüllt: Mit Unterstützung des herausragenden Freiburger Barockorchesters, widmete er sich den Kantaten Bachs und Telemanns. Für ihn steht fest: »Dies ist eines meiner wichtigsten Projekte!«
Die Kompositionen Bachs und Telemanns bedeuten Jaroussky viel. Doch bisher stand immer die deutsche Sprache als Barriere zwischen ihm und den Kantaten. Für Jaroussky ist es wichtig die Worte nicht nur richtig zu deklamieren, sondern die komponierte Sprache zu verstehen. Dabei geht es sowohl um das rationale Verstehen des Inhalts, als auch um ein emotionales Verstehen der Sprache selbst. Also nahm er Sprachunterricht und intensives Sprechtraining, lernte die deutsche Sprache kennen und lieben.
EIn Filmteam begleitet Jaroussky zu den CD Aufnahmen in Freiburg und erhältEinblicke in die präzise Arbeit der Künstler. Mit Akribie und liebevoller Sorgfalt haben sich alle auf die anstehenden Aufnahmen vorbereitet. Gemeinsam erarbeiten sie sich nun Zugänge für die einzelnen Kantaten Bachs und Telemanns. Auch wenn Philippe Jaroussky der Solist und der Verantwortliche für die Aufnahmen ist, sucht man vergeblich nach Allüren. Er ist ein Team-Player und begegnet allen, die an der CD Produktion beteiligt sind, auf Augenhöhe.
Jaroussky ist Perfektionist. Nicht nur seine Aufnahmen betreffend, sondern auch in Bezug auf seine Vorbereitung. Um möglichst tief in die Werke einzutauchen, reist er nach Leipzig und Magdeburg. Beide Städte sind untrennbar mit Bach und Telemann verbunden. In den ansässigen Archiven stöbert er in Originalpartituren und Briefen. Die Leiter der Archive erzählen ihm Anekdoten und Geschichten über beide Komponisten und die enge Freundschaft, die Bach und Telemann verband.
Mit all dem neuen Wissen und dem neuen Repertoire im Gepäck startet Jaroussky schließlich seine Konzerttour durch Deutschland. Das erste Mal wird sein Programm in Freiburg zu hören sein. Ob sich die Arbeit und all die Mühen gelohnt haben, wird sich dann erst entscheiden.

Das Musikmagazin

Leider keine weiteren Informationen vorhanden.

Johannes Brahms‘ Violinkonzert D-Dur op. 77 ist DAS Violinkonzert der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts. Im April 2015 spielten Frank-Peter Zimmermann und das Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks das Werk unter der Leitung von Mariss Jansons in der Münchner Philharmonie im Gasteig.
Das Violinkonzert D-Dur op. 77 von Johannes Brahms kann mit Fug und Recht als das bemerkenswerteste Violinkonzert der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts bezeichnet werden. Dieser Status kommt ihm deswegen zu, da sich Brahms mit diesem demonstrativ gegen die Tradition der Werke von Geigenakrobaten wie Niccolò Paganini oder Pablo De Sarasate, aber auch der Violinkonzerte Mendelssohns oder Beethovens stellte. Er betrachtete diese Gattung vom symphonischen Standpunkt aus und strebte die perfekte Ergänzung des Orchesters mit dem Solisten an. Die Kritik haderte mit dieser Neuerung und verurteilte das Werk als »gegen die Geige komponiert« und »unvirtuos«, da dem Solisten nicht genügend Freiraum zum Brillieren gegeben würde.
Sich gegen das große Orchester zu behaupten, ist nicht immer einfach, oft auch ein Kampf, findet der Stargeiger Frank-Peter Zimmermann. Aber genau darin liegt ja der Reiz des Stückes, im gegenseitigen Geben und Nehmen, Zuhören und Steigern der Wirkung. Erst recht, wenn dies wie im April 2015 mit einem Klangkörper wie dem Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks unter der Leitung von Chefdirigent Mariss Jansons geschah. Und für Frank-Peter Zimmermann gab es in der Münchner Philharmonie so auch die Gelegenheit dem Orchester zu lauschen.

Am 7. Juli 1990 fand in den antiken römischen Caracalla-Thermen eine Art »Urknall« der klassischen Musik statt: Anlässlich der Fußball-Weltmeisterschaft standen drei Opern-Weltstars gemeinsam auf der Bühne – und über eine Milliarde Menschen weltweit verfolgte diesen Auftritt im Fernsehen. Plácido Domingo, Luciano Pavarotti und José Carreras wurden zu den »Drei Tenören« – und verhalfen der klassischen Musik zu einer ungeahnten neuen Blüte, einem wahren Klassik-Boom. Die Aufnahme des Caracalla-Konzerts wurde zum meistverkauften Klassik-Album aller Zeiten. 33 Mal traten die drei Sänger in den folgenden Jahren noch gemeinsam auf, unter anderem bei den Fußball-Weltmeisterschaften in Los Angeles und Paris. Sechs dieser Konzerte wurden für das Fernsehen aufgezeichnet, doch diese Aufzeichnungen verschwanden nach den Live-Events für viele Jahre in einem Archiv irgendwo in London, unbeachtet von der Öffentlichkeit. Versuche, diese unschätzbaren Dokumente an das Licht der Öffentlichkeit zu bringen, waren bislang gescheitert. Mit dem Einverständnis von Plácido Domingo und der anderen Rechteinhaber ist es aber nun gelungen, die schönsten Momente dieser sechs verschollenen Konzerte zusammenzutragen: musikalische und emotionale Höhepunkte aus über einem Jahrzehnt großer Konzertereignisse mit den »Drei Tenören«.

Joseph Haydn: Sinfonie Nr. 94 »mit dem Paukenschlag« (1792)

Diese audiovisuelle Konzertführer-Reihe gibt ungeahnte Einblicke in die wichtigsten Werke der Musikgeschichte vom Barock bis zur Moderne und lässt den Zuschauer diese Meisterwerke dabei völlig neu erfahren und genießen. In den einzelnen Folgen erläutern hochkarätige Künstler und Musikwissenschaftler die Entstehungsgeschichte der Stücke, ihre musikalische Struktur und Besonderheiten und setzen sie in Beziehung zum Leben des jeweiligen Komponisten und zu der Zeit, in der sie entstanden.

Es spielt das Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks unter der Leitung seines Chefdirigenten Mariss Jansons.
Aufzeichnung aus der Stiftsbasilika Waldsassen vom 7. Oktober 2008.

Namhafte Musiker unter der Leitung von Daniel Barenboim interpretieren eine Auswahl von Kammermusikwerken und Liedern von Claude Debussy. Auf dem Programm stehen neben Soli, Duetten und Trios auch das Flötenstück »Syrinx«, gespielt von Emmanuel Pahud, sowie die »Chansons de Bilitis«, vorgetragen von der französischen Mezzosopranistin Marianne Crebassa. Eine Hommage an den französischen Komponisten aus dem Pierre Boulez Saal in Berlin.

Das Musikmagazin

Aufzeichnung eines Konzertes des Symphonieorchesters des Bayerischen Rundfunks unter der Leitung von Rafael Kubelik aus dem Kaisersaal der Residenz Würzburg anlässlich des Mozartfestes in Würzburg 1977.
Das Programm: Ouvertüre zur Oper Idomeneo KV 366, Rezitativ und Arie der Ilia aus Idomeneo. Adagio und Rondo für Glasharmonika, Flöte, Oboe, Viola und Violoncello KV 617. Symphonie Nr. 38 »Prager« KV 504
Solisten: Benita Valente, Sopran; Bruno Hoffmann, Glasharmonika.
«Zu Würzburg haben wir unseren teuren Magen mit Kaffee gestärkt, eine schöne, prächtige Stadt.« Diese Zeilen schrieb Wolfgang Amadeus Mozart im September 1790 an seine Frau Constanze während seiner Reise nach Frankfurt am Main. Sicher ist nicht dieser kurze Aufenthalt Mozarts in Würzburg Anlass zu dem traditionellen »Mozartfest.« Ein viel gewichtiger Grund ist, dass bei Konzerten in der Würzburger Residenz die Architektur Balthasar Neumanns, die Fresken von Giovanni Battista Tiepolo und die Musik von Wolfgang Amadeus Mozart eine Harmonie bilden, wie sie wohl einmalig auf der Welt ist.

Am 7. Juli 1990 fand in den antiken römischen Caracalla-Thermen eine Art »Urknall« der klassischen Musik statt: Anlässlich der Fußball-Weltmeisterschaft standen drei Opern-Weltstars gemeinsam auf der Bühne – und über eine Milliarde Menschen weltweit verfolgte diesen Auftritt im Fernsehen. Plácido Domingo, Luciano Pavarotti und José Carreras wurden zu den »Drei Tenören« – und verhalfen der klassischen Musik zu einer ungeahnten neuen Blüte, einem wahren Klassik-Boom. Die Aufnahme des Caracalla-Konzerts wurde zum meistverkauften Klassik-Album aller Zeiten. 33 Mal traten die drei Sänger in den folgenden Jahren noch gemeinsam auf, unter anderem bei den Fußball-Weltmeisterschaften in Los Angeles und Paris. Sechs dieser Konzerte wurden für das Fernsehen aufgezeichnet, doch diese Aufzeichnungen verschwanden nach den Live-Events für viele Jahre in einem Archiv irgendwo in London, unbeachtet von der Öffentlichkeit. Versuche, diese unschätzbaren Dokumente an das Licht der Öffentlichkeit zu bringen, waren bislang gescheitert. Mit dem Einverständnis von Plácido Domingo und der anderen Rechteinhaber ist es aber nun gelungen, die schönsten Momente dieser sechs verschollenen Konzerte zusammenzutragen: musikalische und emotionale Höhepunkte aus über einem Jahrzehnt großer Konzertereignisse mit den »Drei Tenören«.

In der Seniorenresidenz für Musiker treffen Opernstars und Orchestermitglieder aufeinander, die sich schon auf der Bühne spinnefeind waren. Eine der Ausnahmen: Reggie, Wilf und Cissy, Freunde seit Jahren. Das ändert sich durch die Ankunft der Operndiva Jean Horton. Früher sangen sie gemeinsam das Quartett aus »Rigoletto« und gingen in die Operngeschichte ein. Doch Jean hat geschworen, nie mehr zu singen. Und Reggie, in einem früheren Leben mal mit Jean verheiratet, will nichts mehr mit ihr zu tun haben. Dabei könnte das Quartett ein Höhepunkt der Gala zur Rettung der Residenz werden.

Mit Werken von Ludwig van Beethoven
Wiener Symphoniker, Alexander Liebreich
Das »Fest der Freude« findet seit 2013 alljährlich zum Jahrestag der Befreiung Österreichs vom NS-Regime am 8. Mai 1945 am Wiener Heldenplatz statt.
Bevölkerung, Zeitzeugen und die Spitzen des Staates feiern mit einem Festkonzert der Wiener Symphoniker die Wiedererrichtung der Republik Österreich. Zentraler Bestandteil des »Festes der Freude« ist die Rede eines Zeitzeugen. In diesem Jahr spricht Erika Kosnar. Sie stammt aus einer Wiener Arbeiterfamilie jüdischen Glaubens.
Das 75. Jubiläum der Befreiung vom Nationalsozialismus steht unter dem Motto »Menschlichkeit ohne Grenzen«. 2020 wird gleichzeitig auch des 250. Geburtstags von Ludwig van Beethoven gedacht. Die Wiener Symphoniker führen unter der Leitung von Alexander Liebreich unter anderem Beethovens erste Symphonie auf.
Das Open-Air-Konzert »Fest der Freude« findet traditionell bei freiem Eintritt statt und zieht regelmäßig rund 15 000 Besucher an. 2015 wurde das Festkonzert erstmals live im Fernsehen übertragen.

Hinweis: Aufgrund der Maßnahmen zur Eindämmung einer weiteren Verbreitung des Coronavirus ist eine kurzfristige Programmänderung für das »Fest der Freude 2020 – Das Festkonzert« vorbehalten.

Die Klarinette, das Nachfolgeinstrument des barocken Chalumeau (Schallmei), wurde in der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts vor allem von den Komponisten der Mannheimer Schule geschätzt. Mozart lernte das Rohrblattinstrument im Jahre 1777 kennen, als er auf seiner Reise nach Paris in Mannheim Station machte. Einige Jahre später erfand ein Wiener Instrumentenbauer namens Lodz das tiefere Geschwisterinstrument der Klarinette, die Bassettklarinette. Der mit Mozart befreundete Klarinettist Anton Stadler verbesserte die technischen Möglichkeiten des Instruments und Mozart widmete ihm daraufhin zwei seiner schönsten Kompositionen: 1789 das Klarinettenquintett KV 581 und 1791, wenige Wochen vor seinem Tod, das berühmte Konzert in A-Dur KV 622.
Solistin der gezeigten Aufnahme ist Sabine Meyer. Im Gegensatz zu den meisten heutigen Interpreten, die das Werk auf einer normalen Klarinette spielen und dabei die tiefer liegenden Wendungen in die höhere Lage transponieren und somit auf spezifische Klangwirkungen verzichten, spielt Sabine Meyer das Konzert auf einer Bassettklarinette und lässt so das Werk in seiner originalen Klanglichkeit neu aufleben. Sabine Meyer wird begleitet vom Kammerorchester des Symphonieorchesters des Bayerischen Rundfunks. Das Konzert wurde am 20. Mai 2012 im Münchner Prinzregententheater aufgezeichnet.

Das Freiburger Barockorchester spielt: Wolfgang Amadeus Mozart – Ballettmusik KV 367 aus dem Dramma per musica Idomeneo KV 366. Konzertmeisterin ist Petra Müllejans.

Das Musikmagazin

Jewgeni Kissin – ein Solitär unter den Pianisten. Filmemacherin Hannah Kristina Friedrich hat ihn in seiner neuen Heimat Prag zu einem seiner seltenen Interviews getroffen.
Er ist das Gegenteil eines Showtalents wie es etwa Lang Lang ist. Gerade deshalb zieht er das Publikum weltweit in den Bann wie kaum ein anderer Pianist. Einst als Wunderkind aus der damaligen Sowjetunion von Karajan gefördert, versetzte er die Musikwelt in Verzückung.
Einer, der sich für nichts anderes interessierte als für seine 88 Tasten. Inzwischen ist Jewgeni Kissin ein anderer geworden. Er ist nicht mehr nur mit Mutter und Lehrerin unterwegs, sondern hat geheiratet und interessiert sich plötzlich auch für Politik. Vor allem für Israel, das Land seiner Vorväter. Jetzt hat er sich Beethovens Klavier-Sonaten gewidmet. Und die klingen heute genauso eigenwillig wie makellos.

Bei den BBC Proms 2019 spielte Joshua Bell das beliebte Violinkonzert von Antonín Dvorák und hatte damit einen großen Erfolg, sowohl in der Presse als auch beim Publikum in der Londoner Royal Albert Hall. Die Bamberger Symphoniker, oft gerühmt für ihren »böhmischen« Klang musizierten dazu unter der Leitung ihres Chefdirigenten Jakub Hruša.
Antonín Dvorák tat sich nicht leicht mit seinem Violinkonzert, da er selbst wenig Ahnung vom Geigenspiel hatte. Dafür holte er sich Expertise bei einem der größten Virtuosen seiner Zeit, bei Joseph Joachim. In mehreren Arbeitsschritten, die aufgrund der umfangreichen Tätigkeit des Geigers von längeren Pausen unterbrochen waren, schrieb Joachim die Entwürfe Dvoráks um, kürzte und änderte die Instrumentierung. In einem Brief beklagte Dvorák, dass er nicht »einen einzigen Takt behalten« durfte. Obwohl Joachim, aus nicht bekannten Gründen, das Werk nie öffentlich spielte, wurde es ein Erfolg. Und das ist es bis heute.

Film von Natascha Pflaumbaum
Klavier spielt man mit zwei Händen. Normalerweise. Aber was ist schon normal? Schon im 19. Jahrhundert haben Komponisten mit einhändigem Klavierspiel experimentiert. Sie komponierten Werke für die linke Hand – die vermeintlich »schlechtere« -, weil motorisch nicht so trainierte Hand. Im Ersten Weltkrieg verlor der Wiener Industriellensohn Paul Wittgenstein seinen rechten Arm. Er hatte sich in den Kopf gesetzt, Pianist zu werden.
Um jeden Preis. Also gab er bei den großen Komponisten seiner Zeit Werke in Auftrag – für seine linke Hand. Entstanden sind Werke, die klanglich, technisch und musikalisch so brillant sind, dass sie mittlerweile viele Pianisten faszinieren. So außergewöhnlich Wittgensteins Geschichte klingen mag: Sie schreibt sich fort bis heute.
Wittgensteins Schicksal ist kein Einzelfall: Auch Pianisten wie Leon Fleisher und Antoine Rebstein waren gezwungen, einhändig zu spielen. Sie haben das Repertoire populär gemacht. Sie haben die Geschichte des linkshändigen Spiels berühmt gemacht. So auch der Neurophysiologe Prof. Eckart Altenmüller, der auf Musiker spezialisiert ist, denen der Körper versagt. Dass Musik immer dann besonders ist und uns berührt, wenn sie etwas Neuartiges eröffnet, zeigt der französische Pianist Pierre-Laurent Aimard: Er spielt das Klavierkonzert für die linke Hand und schreibt als zweihändiger Pianist die Geschichte Wittgensteins auf brillante Weise fort.

Seit über zehn Jahren begeistert der Stargeiger David Garrett mit seinem Crossover-Programm aus Rock- und Popsongs gemischt mit klassischer Musik ein weltweites Publikum. 24 Gold- und 16 Platin-Auszeichnungen stehen für eine besondere musikalische Erfolgsgeschichte, die den gebürtigen Aachener rund um den Globus führt. Die »Unlimited«-Tour vereint Garretts Greatest Hits – gespielt vor der eindrucksvollen historischen Kulisse der römischen Arena von Verona.

Ludwig van Beethoven: Sinfonie Nr. 5 (1808)

Diese audiovisuelle Konzertführer-Reihe gibt ungeahnte Einblicke in die wichtigsten Werke der Musikgeschichte vom Barock bis zur Moderne und lässt den Zuschauer diese Meisterwerke dabei völlig neu erfahren und genießen. In den einzelnen Folgen erläutern hochkarätige Künstler und Musikwissenschaftler die Entstehungsgeschichte der Stücke, ihre musikalische Struktur und Besonderheiten und setzen sie in Beziehung zum Leben des jeweiligen Komponisten und zu der Zeit, in der sie entstanden.

Die berühmte Suntory Hall in Tokio ist das »Mekka« des klassikbegeisterten japanischen Publikums. Ein Gastspiel in diesem Saal ist für jedes bedeutende Orchester der Welt eine besondere Ehre. Gleich eine ganze Konzertreihe dort bestreiten zu dürfen, ist etwas ganz Außergewöhnliches. Und wenn es sich hierbei gar um die zyklische Aufführung der neun Symphonien von Ludwig van Beethoven handelt, dann wird dies auf lange Zeit einen Höhepunkt in den Annalen eines Orchesters markieren.
Das Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks spielte im Herbst 2012 unter Leitung seines Chefdirigenten Mariss Jansons den Beethoven-Zyklus im Rahmen seiner Ostasien-Tournee an fünf Abenden. Die Suntory Hall bot die Kulisse für ein Beethoven-Fest ganz besonderer Klasse, das am letzten Abend in der Aufführung der »Neunten« unter Mitwirkung des Chors des Bayerischen Rundfunks und vier hervorragender Solisten gipfelte. Mariss Jansons, seit 2003 Chefdirigent des BR-Symphonieorchesters, hat mit seinem Orchester zu einer wie selbstverständlich erscheinenden, bis ins Kleinste kontrollierten und dabei hinreißend musikantischen und energiegeladenen Interpretation gefunden. Ein Beethoven, getragen von der Kunst eines internationalen Spitzenorchesters und eines der bedeutendsten Dirigenten unserer Zeit.
Die vier Töne des »Schicksalsmotivs« der 5. Symphonie bilden eines der bekanntesten Motive unserer Musikkultur. Fast ein Wunder, welchen musikalischen Reichtum Beethoven aus diesem Vier-Ton-Motiv entstehen lässt. Die Entwicklung vom dunkel-dramatischen ersten Satz bis zu den triumphierenden Fanfaren im Finale wurde mit der berühmten Formel »per aspera ad astra« (»Durch die Mühsal zu den Sternen«) beschrieben.

Sie waren die berühmtesten Dirigenten ihrer Zeit, getrieben vom Ehrgeiz, die Nummer eins zu sein: Arturo Toscanini und Wilhelm Furtwängler; der eine ein glühender Antifaschist, der andere, scheinbar unpolitisch, nur der Kunst verpflichtet.
Salzburg, 1937: Maestro Arturo Toscanini ist der bekannteste Dirigent der Welt und herrscht seit Jahren über die Festspiele. Doch jetzt gibt es ernsthafte Konkurrenz: Wilhelm Furtwängler, in Deutschland längst ein Star, gibt sein Debüt. In Toscaninis Garderobe kommt es zum Streit. Toscanini wirft Furtwängler vor, sich an das Hitler-Regime zu verkaufen. Furtwängler widerspricht wütend: Große Musik sei immun gegen jede politische Vereinnahmung. Aus Kollegen werden Feinde; Furtwängler geht einen Pakt mit den Nazis ein, Toscanini emigriert in die USA. Heute ist Toscanini vielen nur noch als unbeugsamer Antifaschist bekannt, Furtwängler dagegen wird als einer der größten Dirigenten aller Zeiten geradezu kultisch verehrt, seine Aufnahmen sind legendär. Wie ist das zu erklären? Was machte die beiden als Dirigenten aus? Und was hat Musik mit Moral zu tun? Die Dokumentation erzählt die spannende Geschichte der Rivalität zweier Ausnahmedirigenten, deren gegensätzliche künstlerische und weltanschauliche Positionen die Frage aufwerfen, was große Kunst in der Musik eigentlich ausmacht.

Das Musikmagazin

Bachs Solo-Sonaten und -Partiten für Violine umgibt eine Aura des Absoluten und Vollendeten. Hier verschmelzen strahlende Vokalität und raffinierte Kontrapunktik, hier finden sich Form und Idee in einzigartiger Balance. Einen »Triumph des Geistes über die Materie« nannte der Bach-Biograf Philipp Spitta den Werkreigen. Bach schrieb die Partiten und Sonaten in Köthen um 1720, wo er seit 1717 in den Diensten des Fürsten Leopold als Hofkapellmeister wirkte. Im Köthener Schloss spielt die gefeierte japanische Geigerin Midori Goto Bachs Sonate C-Dur und Partita d-Moll.

Riccardo Muti dirigiert das Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks
Aufzeichnung aus dem Herkulessaal der Residenz, München, 1993

Gespielt werden die Orchestersuite »Paleas et Melisande«, opus 80 von Gabriel Fauré, »La mer« von Claude Debussy und die Symphonie Nr. 5 F-Dur von Antonin Dvorák.

Seit über zehn Jahren begeistert der Stargeiger David Garrett mit seinem Crossover-Programm aus Rock- und Popsongs gemischt mit klassischer Musik ein weltweites Publikum. 24 Gold- und 16 Platin-Auszeichnungen stehen für eine besondere musikalische Erfolgsgeschichte, die den gebürtigen Aachener rund um den Globus führt. Die »Unlimited«-Tour vereint Garretts Greatest Hits – gespielt vor der eindrucksvollen historischen Kulisse der römischen Arena von Verona.

Mit Florian Boesch (Bassbariton), Koehne Quartett,
Mira Lu Kovacs, Lukas Lauermann, Helge Schneider und den »Strottern«
Musikalische Leitung: Paul Gallister
Seit Jahrzehnten ist die Festwochen-Eröffnung auf dem Wiener Rathausplatz ein Event für alle Wiener. Bei freiem Eintritt kann man musikalische Darbietungen auf höchstem Niveau genießen. 2020 steht das Konzert ganz im Zeichen des 250. Geburtstags von Ludwig van Beethoven. Unterschiedlichste Künstler wagen unter dem Titel »Variatio, Improvisatio & Fantasio über Beethovens Werk« eine musikalische Neudeutung und Neubearbeitung seiner Meisterwerke.
Redaktionshinweis: Die Eröffnung der Wiener Festwochen ist im Jubiläumsjahr 2020 Ludwig van Beethoven gewidmet. Am Freitag, 15. Mai, finden in Bonn und Wien zeitgleich zwei Open-Air-Konzerte zum 250. Geburtstag des Komponisten statt. 3sat und der ORF übertragen die Highlights aus beiden Konzerten live zeitversetzt von der Bonner Hofgartenwiese und dem Wiener Rathausplatz. Als fulminantes Finale erklingt die in Bonn und Wien gemeinsam musizierte Europahymne, bei der sich die Menschen vor Ort im Publikum, vor den Fernsehgeräten und via internationalem Internetstream zum größten Chor der Welt formieren, um Beethovens humanistische Ideale von Frieden und Geschwisterlichkeit zu zelebrieren.

Aufgrund der Maßnahmen zur Eindämmung einer weiteren Verbreitung des Coronavirus ist eine kurzfristige Programmänderung für die »Eröffnung der Wiener Festwochen 2020« vorbehalten.

Jonas Kaufmann ist zu Gast in der Berliner Waldbühne. Wenn der beliebte Tenor im Flair einer Open-Air-Sommernacht italienische Arien und Canzonen singt, sind große Gefühle garantiert. An der Seite von Italien-Fan Jonas Kaufmann tritt als Gast die Mezzosopranistin Anita Rachvelishvili auf. Es spielt das Rundfunk-Sinfonieorchester Berlin, geleitet von Jochen Rieder.

Piotr Anderszewski ist nicht nur einer der besten Pianisten unserer Zeit, er ist auch ein großer Zweifler, ein Perfektionist, der stets auf der Suche nach dem idealen Klang ist und zugleich hofft, ihn nie zu finden. Dieses Spiel ohne Netz und doppelten Boden macht seine Konzerte für das Publikum zu unvergesslichen Erlebnissen. Ausgerechnet dieser zweifelnde Perfektionist muss in seinem musikalischen Alltag damit zurechtkommen, dass er als Pianist nicht immer das perfekte Instrument am Spielort vorfindet. »Es ist eine komplizierte Beziehung. Manchmal fände ich es besser, es würde das Instrument gar nicht geben« sagt Piotr Anderszewski. »Am liebsten würde ich Musik telepathisch übermitteln, ohne physische Töne.«
Rund um das Konzert in der Elbphilharmonie Hamburg am 22. Februar 2018, in dem Piotr Anderszewski gemeinsam mit dem NDR Elbphilharmonie Orchester unter Leitung von Thomas Hengelbrock Mozarts Klavierkonzert Nr. 24 in c-moll spielt, erlebt man den Künstler in der intensiven Auseinandersetzung mit seinem Instrument, dem Klavier. Sowohl im Konzert als auch in der Probe oder beim Üben in seiner Künstlergarderobe fordert Piotr Anderszewski jeden einzelnen Ton neu heraus. Dabei ringt er dem Instrument die unterschiedlichsten Klangfarben ab.
In der Steinway-Fabrik besichtigt Piotr Anderszewski die Perfektion bei der Herstellung seines Instruments. So fasziniert er auch von dem komplexen Instrument ist, mit dem er sich jeden Tag auseinandersetzt, das Resümee ist für ihn ganz klar: »Klaviere sind unterschiedlich. Aber ganz ehrlich: Mir ist das im Grunde egal. Natürlich bevorzuge ich ein Klavier, mit dem ich mich wohlfühle. Aber am Ende ist die Partitur viel wichtiger für mich.«

Ausschnitte aus: Junge Klassik-Version 3.0

Josef Protschka, Tenor
Helmut Deutsch, Klavier

Mit Corina Belcea (Violine I), Axel Schacher (Violine II),
Krzysztof Chorzelski (Bratsche)
Antoine Lederlin (Violoncello)

Die rumänische Violinistin Corina Belcea hat gemeinsam mit dem polnischen Bratschisten Krzysztof Chorzelski das Ensemble 1994 gegründet und mit Axel Schacher (Violine) und Antoine Lederlin (Violoncello) komplettiert. In ihrem Repertoire loten sie neue Grenzen aus.
Der Bogen spannt sich von Uraufführungen über Werke von Henri Dutilleux, Béla Bartók und Benjamin Britten bis hin zu Franz Schubert und Wolfgang Amadeus Mozart. Das Ensemble ist zu Gast in den großen Konzerthäusern der Welt wie dem Concertgebouw Amsterdam, der New Yorker Carnegie Hall, den Salzburger Festspielen sowie dem Stockholm Konserthus.
Am Wiener Konzerthaus ist das Ensemble seit 2010 ebenso »Quartet in Residence« wie an der »Guildhall School of Music & Drama« in London. Die gesamten Beethoven-Streichquartette haben die Musiker 2012 und 2013 auf ihrem eigenen Exlusiv-Label »Zig-Zag Territoires« aufgenommen.
«Was diese Musik antreibt, ist die Sehnsucht des Menschen nach Freiheit sowie das unstillbare Verlangen, seine eigenen Grenzen zu erweitern und dabei die Wahrheit über sich selbst zu erfahren«, steht im Vorwort zur Aufzeichnung der Beethoven-Streichquartette.

Mit Corina Belcea (Violine I), Axel Schacher (Violine II),
Krzysztof Chorzelski (Bratsche)
Antoine Lederlin (Violoncello)

Die rumänische Violinistin Corina Belcea hat gemeinsam mit dem polnischen Bratschisten Krzysztof Chorzelski das Ensemble 1994 gegründet und mit Axel Schacher (Violine) und Antoine Lederlin (Violoncello) komplettiert. In ihrem Repertoire loten sie neue Grenzen aus.
Der Bogen spannt sich von Uraufführungen über Werke von Henri Dutilleux, Béla Bartók und Benjamin Britten bis hin zu Franz Schubert und Wolfgang Amadeus Mozart. Das Ensemble ist zu Gast in den großen Konzerthäusern der Welt wie dem Concertgebouw Amsterdam, der New Yorker Carnegie Hall, den Salzburger Festspielen sowie dem Stockholm Konserthus.
Am Wiener Konzerthaus ist das Ensemble seit 2010 ebenso »Quartet in Residence« wie an der »Guildhall School of Music & Drama« in London. Die gesamten Beethoven-Streichquartette haben die Musiker 2012 und 2013 auf ihrem eigenen Exlusiv-Label »Zig-Zag Territoires« aufgenommen.
«Was diese Musik antreibt, ist die Sehnsucht des Menschen nach Freiheit sowie das unstillbare Verlangen, seine eigenen Grenzen zu erweitern und dabei die Wahrheit über sich selbst zu erfahren«, steht im Vorwort zur Aufzeichnung der Beethoven-Streichquartette.

Komponist: Piotr Illjitsch Tschaikowski, Hendrik Hofmeyr, Gustav Mahler, Dmitri Schostakowitsch, Tyson J. Davis, Ludwig van Beethoven
Dirigent: Alexander Shelley, Vasily Petrenko, Ludovic Morlot, Sir Antonio Pappano
Orchester: European Union Youth Orchestra, National Youth Orchestra of Great Britain, Bundesjugendorchester, National Youth Orchestra of China, National Youth Orchestra of the USA
Mit Msaki, Alina Pogostkina

Seit 20 Jahren lädt das Young Euro Classic internationale Spitzen-Nachwuchsorchester nach Berlin ein und bringt so jeden Sommer die Klassikprofis von morgen mit Stars von heute zusammen. Zum Jubiläum 2019 reisten Orchester aus den USA, China und natürlich Europa an, um die Vielfalt klassischer Musik mit jugendlichem Elan zu feiern. Der Film zeigt Höhepunkte des Festivals und gibt Einblicke in seine Geschichte.

Ernst Senff Chor, European Union Youth Orchestra, Vasily Petrenko
Mit Miah Persson (Sopran), Theresa Kronthaler (Mezzosopran), Norbert Ernst (Tenor), Leon Kosavic (Bass)

Es war der Höhepunkt des Young Euro Classic 2019, des großen Festivals für internationale Jugendorchester: Auf dem Berliner Gendarmenmarkt versammelten sich Tausende, um Schillers »Ode an die Freude« aus dem Schlusssatz von Beethovens 9. Symphonie mitzusingen. Ein Mitmachkonzert mit Gänsehauteffekt, Public Viewing und dem European Union Youth Orchestra, dirigiert von Vasily Petrenko.

Namhafte Musiker unter der Leitung von Daniel Barenboim interpretieren eine Auswahl von Kammermusikwerken und Liedern von Claude Debussy. Auf dem Programm stehen neben Soli, Duetten und Trios auch das Flötenstück »Syrinx«, gespielt von Emmanuel Pahud, sowie die »Chansons de Bilitis«, vorgetragen von der französischen Mezzosopranistin Marianne Crebassa. Eine Hommage an den französischen Komponisten aus dem Pierre Boulez Saal in Berlin.

Salzburger Bachchor, Les Musiciens du Louvre Grenoble, Marc Minkowski
Choreographie: Bartabas
Kostüme: Sophie Manach
Licht: Bertrand Couderc
Mit Christiane Karg (Sopran), Académie Equestre de Versailles (Pferde und Reiter der Académie Equestre de Versailles), Stanislas de Barbeyrac (Tenor), Marianne Crebassa (Mezzosopran).
Der große Erfolg der Salzburger Mozartwoche 2015 ist ein Ereignis für alle Sinne. »Davide penitente« vereint Mozart-Tradition mit der szenischen Umsetzung einer Choreographie für Pferde des einzigartigen Meisters seines Fachs, Bartabas, mit Mitgliedern der Académie Equestre de Versailles. Im deutschsprachigen Raum bisher kaum zu erleben, sind Bartabas und sein Team in Frankreich gefeierte Theaterkünstler. Er stellt in der Felsenreitschule jene ins Rampenlicht, für die diese einzigartige Stätte vor über drei Jahrhunderten errichtet worden ist: die Pferde.
David, königlicher Büßer und Beter, dessen Psalmen in das musikalische Gewand von erhabener Strenge sowie in ebenso beseelte wie virtuose Arien gekleidet werden, barocke Chormusiktradition vereint mit solistischer Ausdruckskraft und – meisterlich choreographierten Pferden in der Salzburger Felsenreitschule: Mozarts »Davide penitente«, KV 469, wird durch die Zusammenarbeit von Marc Minkowski, den Musiciens du Louvre Grenoble, dem herausragenden Salzburger Bachchor und dem französischen Pferdekünstler und Theatermacher Bartabas zu einem wahren Gesamtkunstwerk. Zum ersten Mal wurde »Davide penitente« im März 1785 im Wiener Burgtheater aufgeführt. Es handelt sich um eine Auftragsarbeit für den Wiener Musikverein und Mozart betätigte sich eines Kunstgriffes, um schnell liefern zu können: »Die Societätmitglieder in Wienn zum Besten der Wittwen und Waisen verlangten von Mozart ein Oratorium … Da aber die Zeit, ein neues zu komponiren, zu kurz war, nahm er eine große unvollendete Messe hervor und legte derselben einen … italienischen … Text unter, setzte einige Arien und Duetten dazu, und so entstand das sogenannte Oratorium: ‚Davidde penitente‘ …« So berichtet Maximilian Stadler, der von Mozarts Witwe eingesetzte Verwalter von dessen musikalischem Nachlass, über die Entstehung des heute meist als Kantate bezeichneten Werks. Mozart hatte tatsächlich seine große Messe in c-Moll als Basis verwendet, die neben dem Requiem als das bedeutendste Fragment aus seiner Hand gilt. Die Kunst Bartabas’ lässt sich kaum kategorisieren – Pferde, Menschen, Musik, Bewegung, Licht und Kostüme verbindet er zu poetischen Gesamtkunstwerken.

Das Musikmagazin

Esa-Pekka Salonen dirigierte das BR-Symphonieorchester mit »Eleven Gates« von Anders Hillborg sowie der 5. Symphonie Es-Dur op. 82 von Jean Sibelius am 16. Januar 2015 im Herkulessaal der Münchner Residenz.
»Eleven Gates« des 1954 geborenen Komponisten Anders Hillborg ist eine Reise durch surreale Welten, der Übertritt von der einen zur anderen Welt erfolgt über ein Tor. Jeder der elf Teile (Tore) hat eine kurze Bezeichnung. Hillborg hat das 2006 uraufgeführte Werk seinem Förderer, dem finnischen Dirigenten Esa-Pekka Salonen gewidmet.
Im zweiten Teil widmet sich Salonen seinem Landsmann Jean Sibelius und dessen 5. Symphonie. Obwohl das Werk ein Triumph wurde, Sibelius dirigierte es an seinem 50. Geburtstag und wurde als »größter Sohn des Landes gefeiert«, war der Komponist lange nicht zufrieden. Kein anderes Stück zerriss ihn innerlich derartig, musste er so oft überarbeiten. Erst 1919, vier Jahre nach der Uraufführung der ersten Fassung, war Sibelius zufrieden und hob seine 5. in ihrer endgültigen Form in Helsinki aus der Taufe.

Bachs Solo-Sonaten und -Partiten für Violine umgibt eine Aura des Absoluten und Vollendeten. Hier verschmelzen strahlende Vokalität und raffinierte Kontrapunktik, hier finden sich Form und Idee in einzigartiger Balance. Einen »Triumph des Geistes über die Materie« nannte der Bach-Biograf Philipp Spitta den Werkreigen. Bach schrieb die Partiten und Sonaten in Köthen um 1720, wo er seit 1717 in den Diensten des Fürsten Leopold als Hofkapellmeister wirkte. Im Köthener Schloss spielt die gefeierte japanische Geigerin Midori Goto Bachs Sonate C-Dur und Partita d-Moll.

Daniel Hope ist einer der gefragtesten Geiger unserer Zeit. Seit 2016 ist er als erster Solist Musikdirektor des renommierten Zürcher Kammerorchesters. Das Porträt zeigt auf sehr persönliche und atmosphärisch dichte Weise seinen Werdegang und was ihn als Musiker immer wieder antreibt. Der Film erzählt auch die Geschichte seiner weit verzweigten Familie.
Daniel Hope wurde 1973 in Südafrika geboren. Sein Vater, ein regimekritischer Schriftsteller, bekam jedoch die Härte des Apartheidsystems zu spüren, die Familie wurde beschattet, Telefone wurden abgehört, Briefe konfisziert. 1975 wanderten Eleanor und Christopher Hope mit ihren beiden Söhnen nach London aus. Ihre deutsch-irischen Wurzeln ermöglichten das Exil, doch die erste Zeit blieb ohne Perspektive. Bis die Mutter Eleanor eine Anstellung als Sekretärin bei Yehudi Menuhin fand, dem berühmtesten Geiger des 20. Jahrhunderts.
Als kleiner Junge begleitete Daniel Hope seine Mutter täglich bei der Arbeit. Und so wurde die Villa der Menuhins schnell ein zweites Zuhause für ihn. Alle Großen der klassischen Musik gingen in diesen Jahren bei Menuhin ein und aus. Für den kleinen Daniel war es der Beginn seiner Faszination für die Geige. Später nahm Yehudi Menuhin Daniel Hope in seine Musikakademie auf.
Auch die Begegnung mit dem Pianisten Menahem Pressler wurde für Daniel Hope prägend. Dieser bot dem jungen Geiger 2002 einen Platz in seinem Beaux Arts Trio an, dem weltweit renommierten Kammermusikensemble. Als sich das Trio 2008 trennte, wagte Daniel Hope den Schritt zur Sololarriere.
Die Dokumentation zeigt, wie er unermüdlich im Einsatz ist, nicht nur als Musiker, sondern auch beim Erforschen der Geschichte seiner weit verzweigten Vorfahren. Neben Daniel Hope selbst kommen auch seine Eltern und Wegbegleiter wie etwa sein Lehrer Zakhar Bron und der Pianist und Gründer des Beaux Arts Trio, Menahem Pressler, zu Wort.

Sextett es-Moll op. 30 von Oskar Böhme

Ausschnitte aus: Junge Klassik-Version 3.0