Klassische Musik im TV

Komische Oper von Wolfgang Amadeus Mozartund Lorenzo da PonteStereo16:9 FormatHD-QualitätUntertitel
»Kunst ist da, um Langeweile zu vertreiben.« Dieses Motto des englischen Regisseurs kubanischer Abstammung John Dew hat weltweite Anerkennung, aber auch die Kritik der Opern-Puristen eingebracht. Mit kurzweiligen und unterhaltsamen Inszenierungen »übersetzte« er die großen Werke der Oper gewissermaßen für unsere Zeit ohne dabei die Figuren zu denunzieren oder gar das Stück zu beschädigen.
Die Figur des Don Giovanni (oder auf spanisch Don Juan) wurde zum Inbegriff des unersättlichen Erotomanen, der laut der berühmten »Registerarie« des Dieners Leporello Tausende Frauen sowohl glücklich als auch unglücklich gemacht hat. Dafür lässt ihn der Librettist Lorenzo da Ponte zur Hölle fahren. John Dew inszenierte Mozart so, als wären die unsterblichen Gestalten Menschen unserer Tage.
In hervorragender Solistenbesetzung und mit Jiri Kout am Dirigentenpult des Gewandhausorchesters wurde »Don Giovanni« vom MDR-Fernsehen 1994 in der Oper Leipzig aufgezeichnet.

Film von Gustav W. Trampitsch
Der Film zeigt den sehr erfolgreichen und streckenweise durchaus abenteuerlichen Lebensweg des Ignaz Joseph Pleyel (1757-1831), ein zu seiner Zeit beliebter und häufig gespielter Komponist. Der Niederösterreicher war ein Zeitgenosse von Mozart und Haydn und wurde in Paris zu einem bedeutenden Klavierbauer und Musikverleger. Möglicherweise war er auch der wahre Urheber einer der berühmtesten Melodien der Musikgeschichte: der »Marseillaise«.
Es gibt eine Reihe von Indizien dafür, dass nicht der französische Nationalheld Claude Joseph Rouget de Lisle, Hauptmann der Rheinarmee, sondern Ignaz Joseph Pleyel, Sohn eines Schulmeisters aus Ruppersthal bei Kirchberg am Wagram, die berühmte Nationalhymne der Französischen Republik komponiert hat. Zumindest aber war Pleyel maßgeblich daran beteiligt.
Die »Marseillaise« entstand im Frühjahr 1792 in Straßburg und stand im unmittelbaren Zusammenhang mit der Kriegserklärung Frankreichs an Österreich und Preußen. Wenn in Wahrheit ausgerechnet ein Österreicher der Schöpfer dieser Melodie war, so entbehrt das nicht einer gewissen Ironie von historischem Ausmaß. Stefan Zweig hat diesen musikalischen Geniestreich in seiner Novellensammlung »Sternstunden der Menschheit« festgehalten. Die Dokumentation zeigt, dass dieses Stück Literatur erheblich von der Realität jener Tage abweicht.
Ignaz Joseph Pleyel war aber auch abgesehen von diesem musikalischen Geniestreich ein vielfach hochbegabter und erfolgreicher Mann. Er hinterließ ein umfangreiches musikalisches Werk, das jedoch rasch in Vergessenheit geriet. Der von ihm gegründete Musikverlag wurde erfolgreich, und ab 1807 baute Pleyel Klaviere, die rasch in ganz Europa bekannt und beliebt wurden. Er kam zu Ansehen und Wohlstand, und als er 1831 starb, wurde er auf dem Pariser Prominenten-Friedhof Père-Lachaise begraben.
Die Klavierfabrik, die 200 Jahre lang seinen Namen trug, stellte erst 2013 den Betrieb ein. Heute noch ist der größte Konzertsaal von Paris nach dem Mann aus dem niederösterreichischen Ruppersthal benannt. Die Salle Pleyel ist dauerhafte Spielstätte des Orchestre de Paris und des Orchestre Philharmonique de Radio France, und jeder Instrumentalsolist von Rang legt Wert darauf, dort auftreten zu dürfen.

Die Wiener Sängerknaben, seit ihren Anfängen im Jahr 1498 untrennbar mit der österreichischen Hauptstadt verbunden, begeistern als jüngste Botschafter des Landes weltweit das Konzertpublikum. Beim Neujahrskonzert 2016 musizierten die Wiener Sängerknaben gemeinsam mit den Wiener Philharmonikern unter Mariss Jansons im Goldenen Musikvereinssaal. Der Film taucht in den Alltag der jungen Musiker zwischen Aufregung, Ruhm, harter Arbeit und Fußball ein. Bestimmendes Element im Leben der etwa 100 aktiven Wiener Sängerknaben ist die Musik: Stimmbildung, Proben und Schule im Augartenpalais, regelmäßige Konzerte, Opernauftritte und Tourneen in allen Kontinenten zählen zur Routine der Neun bis Vierzehnjährigen.

Dokumentarfilm von Curt M. Faudon, Österreich 2008
Die Wiener Sängerknaben sind einer der ältesten Knabenchöre der Welt und wohl der mobilste. Als Gründer gilt Kaiser Maximilian I. Das Kofferpacken gehörte für die kaiserliche Kapelle zum Alltag. Die Musiker folgten ihrem Dienstherrn quer durch Europa. Auch heute sind die Knaben zehn bis zwölf Wochen im Jahr auf Tournee. Drei Monate begleitete Filmemacher Curt M. Faudon die Wiener Sängerknaben bei ihrer Ausbildung im Palais Augarten und auf ihren Tourneen. Sie führten in die USA, nach Japan, Korea, Australien und entlang der Seidenstraße. Denn Ausgangspunkt für den Dokumentarfilm »Die Wiener Sängerknaben Wege in die Ferne« war ein Weltmusikprojekt des Chores mit Liedern von der alten Seidenstraße.

Klassik Open Air »Cavalleria Rusticana« – »Der Bajazzo«
Bühne vor dem Neuen Rathaus Hannover, 2019
Sa 06. Jun
20:15 Uhr
Mit Marco Berti (Canio), Aleksandra Kurzak (Nedda), Claudio Sgura (Bariton, Tonio), Xabier Anduaga (Tenor, Beppo), Andrzej Filonczyk (Silvio), Liudmyla Monastyrska (Sopran, Santuzza), Marco Berti (Turiddu), Tichina Vaughn (Mezzosopran, Lucia), Claudio Sgura (Bariton, Alfio) und Veta Pilipenko (Mezzosopran, Lola).
Mädchenchor Hannover, Johannes-Brahms-Chor Hannover, Staatsopernchor Hannover
NDR Radiophilharmonie, Keri-Lynn Wilson
Der Maschpark in Hannover wurde im Juli 2019 wieder zum Treffpunkt für alle Opernfans: Beim sechsten »NDR Klassik Open Air« standen international gefeierte Gesangssolisten auf der Bühne. Unter der bewährten Leitung der kanadischen Dirigentin Keri-Lynn Wilson spielte die NDR Radiophilharmonie nacheinander die Opern »Der Bajazzo« und »Cavalleria Rusticana«. Bei der »Der Bajazzo« konnte sich das Publikum über große Stimmen freuen.
Marco Berti, der seine Karriere an der Mailänder Scala begann und 2019 auch an der Metropolitan Opera in New York als Calaf in »Turandot« zu erleben war, übernahm die Titelrolle als Canio. An seiner Seite agierten die polnische Sopranistin Aleksandra Kurzak als Nedda, Andrzej Filonczyk als Silvio und Xabier Anduaga als Beppo.
Bariton Claudio Sgura sang in beiden Opern: Neben seinem Auftritt als Tonio in »Der Bajazzo« von Ruggero Leoncavallo übernahm er bei »Cavalleria Rusticana« von Pietro Mascagni die Rolle des Alfio. Der weltweit bekannte italienische Tenor Andrea Carè war in der »Cavalleria Rusticana« als Turiddu zu erleben. Neben ihm stand Liudmyla Monastyrska als Santuzza auf der Bühne, die in dieser Rolle schon am Royal Opera House, im Covent Garden in London, bei den Salzburger Festspielen und an der Deutschen Oper Berlin aufgetreten ist. Komplettiert wurde das hochkarätige Ensemble von Tichina Vaughn als Lucia und Veta Pilipenko als Lola.
Das »NDR Klassik Open Air« bot im gesamten Park erneut die Möglichkeit »Kultur für alle« kostenlos zu erleben. Die Übertragungen auf Videoleinwände und in reine Hörbereiche machten den Maschpark auch 2019 zu einer großen Festwiese.

Die Beschreibungen für den musikalischen Stil Sofia Gubaidulinas sind vielfältig. Ihre Musik gilt als spirituell, mystisch und symbolisch aufgeladen. Tatsächlich zeichnen sich die Werke der sowjetischen Komponistin durch symbolische Figuren und religiöse Programme aus, die wie ein »geheimer Code« im Hintergrund der Stücke präsent sind. Beschäftigt man sich näher mit Sofia Gubaidulina, dann stellt man fest, dass ihre religiösen Vorstellungen und außermusikalischen Programme oft entscheidend auch auf die Konzeption der musikalischen Form einwirken.
Thomas Hengelbrock dirigert das NDR Elbphilharmonie Orchester (vormals: NDR Sinfonieorchester), Violine: Patricia Kopatchinskaja.

Die Sinfonische Dichtung: »Le Fontane di Roma« von Respighi

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Konzert vom 20.01.2017 in der Liederhalle Stuttgart
Das SWR Symphonieorchester spielt unter der Leitung von Christoph Eschenbach Beethovens 8. Sinfonie in der Liederhalle Stuttgart.
Beethovens 8. Sinfonie ist im Vergleich zu seiner berühmten 7. weniger traditionell und zeichnet sich durch häufige Brüche mit bestehenden Konventionen aus. Beethoven antwortete auf die Frage, warum die 8. Sinfonie im Vergleich zu seiner berühmten 7. weniger populär sei: »Eben weil sie viel besser ist«.

Konzert vom 12.04.2019 in der Liederhalle Stuttgart
Das SWR Symphonieorchester spielt unter der Leitung von Christoph Eschenbach die Symphonie Fantastique des französischen Komponisten Hector Berlioz in der Liederhalle Stuttgart. Berlioz gilt als einer der bedeutendsten französischen Komponisten des 19. Jahrhunderts. Seine Symphonie Fantastique besticht durch autobiographische Elemente, die mit Fantastischem und Groteskem verwoben sind.

Bei den BBC Proms 2019 spielte Joshua Bell das beliebte Violinkonzert von Antonín Dvorák und hatte damit einen großen Erfolg, sowohl in der Presse als auch beim Publikum in der Londoner Royal Albert Hall. Die Bamberger Symphoniker, oft gerühmt für ihren »böhmischen« Klang musizierten dazu unter der Leitung ihres Chefdirigenten Jakub Hruša.
Antonín Dvorák tat sich nicht leicht mit seinem Violinkonzert, da er selbst wenig Ahnung vom Geigenspiel hatte. Dafür holte er sich Expertise bei einem der größten Virtuosen seiner Zeit, bei Joseph Joachim. In mehreren Arbeitsschritten, die aufgrund der umfangreichen Tätigkeit des Geigers von längeren Pausen unterbrochen waren, schrieb Joachim die Entwürfe Dvoráks tüchtig um, kürzte und änderte die Instrumentierung. In einem Brief beklagte Dvorák, dass er nicht »einen einzigen Takt behalten« durfte. Obwohl Joachim, aus nicht bekannten Gründen, das Werk nie öffentlich spielte, wurde es ein Erfolg. Und das ist es bis heute: bei den Proms begeisterte der US-amerikanische Geiger Joshua Bell das Publikum.

Die 24. Ausgabe der Folle Journée von Nantes trug den Titel »Vers un monde nouveau« – zu Deutsch »In eine neue Welt«. Das Konzert eröffnet das Ensemble Mikrokosmos unter der Leitung von Loïc Pierre mit einem Festlied zu Ehren der baltischen Völker. Danach folgt das Stück »El cant dels ocells« – zu Deutsch »Der Gesang der Vögel« –, das der katalonische Cellist Pablo Casals seinen während des Spanischen Bürgerkriegs geflüchteten Landsleuten gewidmet hatte. Am Cello ist der französische Musiker Victor Julien-Laferrière zu erleben.Der russische Pianist Denis Mazujew bringt die »Rhapsodie über ein Thema von Paganini« von Rachmaninow zur Aufführung. Dieses virtuose lyrische Stück entstand ebenfalls im Exil. Es spielt das Ural Philharmonic Orchestra unter der Leitung von Dmitri Liss.

Am Samstag, 14. Juli 2018, dem zweiten Abend von »Klassik am Odeonsplatz«, waren die Münchner Philharmoniker unter der Leitung ihres Chefdirigenten Valery Gergiev zu erleben. Der Startenor Juan Diego Flórez präsentierte bekannte Arien aus deutschen, italienischen und französischen Opern. Die zweite Konzerthälfte tauchte den Odeonsplatz in Farben aus Tausendundeiner Nacht: Valery Gergiev leitete sein Orchester in der Symphonischen Dichtung »Scheherazade« von Nikolai Rimskij-Korsakow.

Das 1998 von der Pianistin Elena Bashkirova gegründete Jerusalem International Chamber Music Festival gehört zu den bedeutendsten kulturellen Veranstaltungen im israelischen Musikleben. Die 19. Ausgabe des Kammermusikfestivals vereint wieder exzellente Musiker aus der ganzen Welt auf der Bühne des einzigartigen YMCA. Dieses Mal dabei sind die Pianisten Menahem Pressler, András Schiff oder Kirill Gerstein, der Flötist Emmanuel Pahud, die Geigerin Baiba Skride und der Cellist Julian Steckel. Und wenn die Erfahrensten der Kammermusikszene zusammentreffen, dann kann man auch mit einem vielfältigen Programm rechnen: Neben Schubert und Brahms werden Werke von Beethoven, Mendelssohn und Busoni dargeboten.

Energiegeladen, wuchtig und voll innerer Spannung spielten die Münchner Philharmoniker die 5. Symphonie von Ludwig van Beethoven unter der Leitung ihres Chefdirigenten Valery Gergiev. Neben der weltberühmten »Schicksalssymphonie« stand bei Münchens beliebtestem Open-Air »Klassik am Odeonsplatz« im Juli 2019 die »Coriolan-Ouvertüre« auf dem Programm.
Kaum ein Werk der Klassik ist so populär, wie die 5. Symphonie von Beethoven. Zumindest den Beginn, die Folge der ersten vier Töne, kennt jeder. Denn sie sind mehr als Musik, mit diesen fast rabiat angeschlagenen Tönen »pocht das Schicksal an die Pforte«, so hat es Beethoven angeblich selbst formuliert. Musikalisches Sinnbild für dieses Schicksal sollen eben jene Anfangstöne sein. Tatsächlich sind nur sehr wenige authentische, nachweislich direkt von Beethoven getroffene Aussagen zur »Fünften« überliefert. Deshalb wurde schon bald nach der Uraufführung 1808 viel spekuliert, was Beethoven denn zu dieser »Schicksalssymphonie« veranlasst haben könnte: seine immer akuter werdende Taubheit? Politische Gründe, wie die Enttäuschung über Napoleon und die Entwicklung der französischen Revolution? In jedem Fall behielt Beethoven mit seiner »Fünften« den eingeschlagenen Weg zu einer zwar absoluten, aber doch dramaturgisch völlig durchgestalteten und hochdramatischen Form der Symphonie bei, der in der »Neunten« dann den Gipfel erreichen sollte. Richard Wagner, der Jahrzehnte später seinen Traum vom Gesamtkunstwerk verwirklichte, hat in der 5. Symphonie schon klar einen Vorreiter hin zu dem Musikdrama nach seinen Idealvorstellungen erkannt, indem er schrieb: »Hier betritt das lyrische Pathos schon fast den Boden einer idealen Dramatik.« Dass Beethoven diesen Hang zum Drama hatte, ihn aber doch vornehmlich auf dem Boden der absoluten Musik umsetzen wollte, beweist u.a. die Coriolan-Ouvertüre, die er etwa im selben Zeitraum wie die »Schicksalssymphonie« als Vorspiel zum gleichnamigen Schauspiel von Heinrich Joseph von Collin schrieb.
Valery Gergiev und die Münchner Philharmoniker brachten beide Werke im Juli 2019 bei »Klassik am Odeonsplatz« zur Aufführung. Die spektakuläre Kulisse der Feldherrenhalle zwischen Residenz und Theatinerkirche im Herzen München bot dabei den passenden dramatischen Rahmen.

Ass-Dur, das ist Musik-Kabarett in Reinkultur. Im 3sat-Zelt präsentierten sie 2017 ihr Programm »Scherzo Spirituoso«, einen Höhepunkt ihres Schaffens. Überraschungen sind garantiert. Benedikt Zeitner und Dominik Wagner – Jahrgang 1985 und 1983 – stürmen seit ein paar Jahren über die deutschen Bühnen. Klavier spielen sie schon mal auf dem Rücken liegend. Oder sie ziehen sich während eines vierhändigen Satzes am Piano um.
Dominik Wagner und Benedikt Zeitner, beide mehrfach bei »Jugend musiziert« ausgezeichnet, haben sich an der Musikhochschule Hanns Eisler in Berlin kennengelernt. Die jungen Herren verbinden nicht nur klassische und moderne Musik, sondern auch Comedy und Kabarettinhalte. Ihr Programm »Scherzo Spirituoso« beinhaltet Klaviermusik, Gesang, klassische Musik und Popmusik, gepaart mit Dialogen, die »hochintellektuelles Kabarett« (Benedikt) mit »weniger intellektuellem Kabarett« (Dominik) verbinden. Neben klugscheißend-dozierenden Musikwitzen lieben die beiden auch den schlichten Humor: »Ich hab beim Bäcker angerufen. Und? Nur die Mehl-Box.«
Der Name »Ass-Dur« ist eine sprachliche Kombination der Tonart As-Dur mit der Spielkarte Ass und spielt darauf an, dass das Kabarettprogramm von »Ass-Dur« neben der Musik ursprünglich auch viele Zauberkunststücke beinhaltete.

Den peruanischen Startenor Juan Diego Flórez, weltweit gefeiert für seine geschmeidige Stimme und mühelose Brillanz, kennt man vor allem als Idealbesetzung für die strahlenden Belcanto-Partien bei Rossini, Donizetti oder Bellini. Doch jetzt überrascht Flórez seine Fans und die Fachwelt: Er präsentiert einige der schönsten und virtuosesten Arien Mozarts – und begeistert damit Kritik und Publikum gleichermaßen. Tatsächlich stand Flórez bisher noch nie in einer Mozart-Partie auf der Bühne. Dabei war die »Zauberflöte« seine erste Begegnung mit der Opernwelt, als er mit 18 Jahren bei einer Aufführung im Chor mitsang: »Das hat mich sehr beeindruckt, und ich sagte mir: Eines Tages möchte ich den Tamino singen!« Tonschön und elegant jongliert Flórez mit all den Emotionen, die Mozart in seinen Partituren eingefangen hat – und das vielfarbige Ausdrucksspektrum des Tenors ist beeindruckend. Als musikalische Partner hat sich Flórez das Orchester La Scintilla ausgesucht, bekannt vor allem durch seine stilsicheren Interpretationen barocker Musik – aber eben auch spielfreudig, virtuos und ausdrucksstark bei den gefühlsbetonten Klängen des »reiferen« Mozart. Die ideale Kulisse für dieses Konzert fand sich in einem der bedeutendsten Rokokotheater Deutschlands, dem Münchner Cuvilliéstheater. Und dieses charmante Juwel hat seine ganz eigene Beziehung zu Mozart: Hier fand 1781 die Uraufführung seines »Idomeneo« statt.

Seit 2012 leitet Cecilia Bartoli die Salzburger Pfingstfestspiele. 2017 brachte der Weltstar Georg Friedrich Händels »Ariodante« auf die Bühne und schlüpfte selbst in die Titelrolle.
Für Regisseur Christof Loy sind Wahrheitssuche, Geschlechterrollen und Identitäten die zentralen – auch heute aktuellen – Themen des mittelalterlichen Ritterepos. Liebliche Szenen im lichten Garten stehen neben böser Intrige, ausgeheckt in dunkler Nacht.

Inszenierung: Christof Loy
Salzburger Bachchor
Les Musiciens du Prince, Gianluca Capuano

Der König von Schottland: Nathan Berg
Ariodante: Cecilia Bartoli
Ginevra: Kathryn Lewek
Lurcanio: Rolando Villazón
Polinesso: Christophe Dumaux
Dalinda: Sandrine Piau
Odoardo: Kristofer Lundin

»Das Klavierkonzert a-Moll op. 54 von Robert Schumann ist vermutlich das empfindlichste, heikelste, speziellste aller Klavierkonzerte«, sagt Hélène Grimaud. Und sie muss es wissen. Die berühmte französische Pianistin präsentierte dieses Werk bei der Eröffnung des Schleswig-Holstein Musik Festivals 2013. Grimaud machte es zu einem Erlebnis für alle Sinne, zusammen mit dem NDR Sinfonieorchester (das heutige NDR Elbphilharmonie Orchester) unter der Leitung von Thomas Hengelbrock. Für ihn ist Schumann der größte aller romantischen Komponisten. Ein Konzert der Extraklasse, das beim Publikum für große Begeisterung sorgte.

Richard Wagner besuchte Karlsruhe zwischen 1861 und 1872 insgesamt sieben Mal und baute dabei eine intensive Beziehung zum Musikleben der Stadt auf. Das Karlsruher Schloss übte eine besonders große Faszination auf Wagner aus. Der in ganz Europa umherreisende Komponist sehnte sich nach künstlerischer Entfaltung und finanzieller Sicherheit und suchte dementsprechend Kontakte zum Adel, denn er war sich bewusst, dass sein Schaffen nur unter der »Gnadensonne« eines fürstlichen Mäzens gedeihen konnte. Das Karlsruher Schloss, seinerzeit Residenz des badischen Großherzogs Friedrich I., übte eine große Faszination auf Wagner aus. Er widmete dessen junger Frau, Fürstin Luise, eine Klavierkomposition und erhielt prompt eine freundliche Antwort des Großherzogs. Die Fürstin kannte Wagners Kunst bereits aus ihrem Elternhaus und hatte Klavierunterricht bei Wagners Freund Hans von Bülow. Ein Anfang war gemacht. Für kurze Zeit schien es dann sogar, als könne Wagner sein Musikdrama »Tristan und Isolde« in Karlsruhe uraufführen. Das Werk war längst nicht fertig, doch Wagner rechnete sich Chancen aus, die Aufführung ganz nach seinen Vorstellungen zu gestalten. Allerdings scheiterte das Projekt an den Widerständen des Theaterleiters Eduard Devrient. Wagner kannte Devrient zwar aus Dresden, wusste allerdings nicht, dass dieser große Vorbehalte gegen ihn und seine Musik hatte. Auch ein zweiter Versuch, wenige Jahre später, blieb erfolglos. Als Wagner Karlsruhe zum letzten Mal besuchte, war er bereits mit Cosima verheiratet, der früheren Gattin seines engen Freundes Hans von Bülow und Tochter des Komponisten Franz Liszt. Ihr schrieb er: »… wenn nun der Großherzog von Baden mir damals ein Asyl geboten hätte – nun, ich war zu anderem bestimmt, es musste bei mir alles anders als auf einfachem Weg kommen.«

Die Ouvertüren zu Richard Wagners Opern »Rienzi« und »Der fliegende Holländer« und das Vorspiel zum 1. Akt der Oper »Lohengrin« standen auf dem Programm zur Eröffnung des Rheingau Musik Festivals 2017 im historischen Kloster Eberbach. Das hr-Sinfonieorchester spielt in dieser Konzertaufzeichnung unter der Leitung seines Chefdirigenten Andrés Orozco-Estrada.

Der Film »Von Herzen – Möge es wieder – Zu Herzen gehen!« zeigt, wie lang sich der Dirigent in ein Werk hineinarbeiten und versenken muss, bevor er bei der ersten Probe auf das Dirigentenpult steigt und wie am Ende eine Interpretation der Missa solemnis herauskommt, über deren CD-Aufnahme die Presse jubiliert.

Musikalische Leitung: Hermann Bäumer
Inszenierung: Jan-Christoph Gockel
Regie: Jan-Christoph Gockel

Zum 250. Geburtstag Beethovens realisiert das Staatstheater Mainz ein Projekt, in dem die durch den Gehörverlust verbundene Isolation und Vereinsamung des Künstlers im Mittelpunkt steht.
Mit »Beethoven – Ein Geisterspiel« zeigt 3sat ein spartenübergreifendes Stück, das ganz ohne Publikum auskommt und mit den coronabedingten Abstandsregelungen spielt. Und das einen neuen Blick auf den großen Komponisten Ludwig van Beethoven wirft.
Das Motiv der Isolation ist aktueller denn je, da sich die ganze Gesellschaft momentan durch coronabedingtes »physical distancing« in einem Zustand der Vereinsamung befindet. »Beethoven – Ein Geisterspiel« ist kein klassisches Theaterstück, sondern vereint Oper, Schauspiel, Film und Puppenspiel.
Ludwig van Beethoven war ein Mensch, der gerne in Gesellschaft war und als Klaviervirtuose natürlich auch ein Publikum brauchte. Seine beginnende Taubheit versuchte er zunächst zu verbergen und sonderte sich deshalb zunehmend von seiner Umgebung ab. Das an seine Brüder gerichtete »Heiligenstädter Testament«, in dem er ergreifend seine Verzweiflung und Einsamkeit schildert, steht im Zentrum der Produktion.
Die DarstellerInnen agieren getrennt voneinander, so wie es die Gesellschaft in Corona-Zeiten verlangt, und wie es Beethoven zeitweise auch zu tun genötigt war. Die Figur des Anton Schindler, der Sekretär Beethovens und Verfasser der ersten, in weiten Teilen frei erfundenen Beethoven-Biografie, führt durch den Abend. In einem längst geschlossenen, heruntergekommenen Beethoven-Vergnügungspark scheinen noch einmal Szenen aus seinem Leben auf, die den Menschen Beethoven ohne Mythos und ohne Verklärung zeigen.
Ganz im Zeichen von Isolation und Kontaktsperre spielen und singen die Ensemblemitglieder in getrennten Räumen. Das Philharmonische Staatsorchester wird von ihrem musikalischen Leiter aus dem Orchestergraben dirigiert, ohne dass die MusikerIinnen im selben Raum sind. Aus allen musikalischen, darstellerischen und bildnerischen Versatzstücken entsteht eine beeindruckende biografische Collage, die die Mittel von Oper, Theater und Film vereint.

Er ist die geniale Mischung aus Schöngeist und Zupacker: Klassikstar, Bach-Virtuose, Erfinder der Gesprächskonzerte und einer der ersten echten Kulturmanager: Helmuth Rilling. Woher rührt sein pragmatischer schwäbischer Geschäftssinn, und wie lebt es sich mit dem Image eines »Mr. Bach«? Autorin Ulrike Gehring folgt dem Taktstock des legendären Chormusikers und nähert sich in einem außergewöhnlichen Porträt einer der großen Persönlichkeiten des Südwestens.

Marius Petipa wuchs in Marseille in bescheidenen Verhältnissen auf. Später wanderte er nach Russland aus, wurde Erster Ballettmeister des kaiserlichen Balletts und feierte Erfolge mit Aufführungen wie »La Bayadère«, »Schwanensee«, »Dornröschen« oder »Die Tochter des Pharao«. Noch heute werden seine Ballette, die zu den Meisterwerken des klassischen Repertoires gehören, an den großen Opernhäusern der Welt gespielt – von Paris, Mailand und Berlin über Sankt Petersburg und Moskau bis New York. Petipas persönliche Erlebnisse und seine Choreographien sind eng mit den gesellschaftlichen und politischen Hintergründen des 19. Jahrhunderts verknüpft.
Die Dokumentation setzt sich daher nicht nur mit dem Werk des Ballettmeisters auseinander, sondern auch mit der damaligen Zeit. Ausgehend von einer Analyse der wichtigsten Variationen seiner Werke werden die Kunst des Tanzens und deren Weitergabe an nachfolgende Generationen thematisiert. Neben seltenen Archivaufnahmen wird auch einer der ersten Zeichentrickfilme über das Tanzen verwendet. Regisseur Denis Sneguirev lässt berühmte Choreographen, Tänzer und Dirigenten zu Wort kommen, die mit ihren Neuaufführungen von Petipas Choreographien sein Werk dem heutigen Publikum nahebringen. Dazu liefern Tanzhistoriker den geschichtswissenschaftlichen Hintergrund. In einer Tanzinszenierung der großen Ballette von Marius Petipa werden schließlich die choreographischen Entwicklungen im Verlauf seines Schaffens analysiert.

Orchestre national symphonique de Tatarstan, Alexander Sladkovsky
Werke von Edvard Grieg, Camille Saint-Saëns, Vincenzo Bellini, Giacomo Puccini.
Zu allen Zeiten bereisten Komponisten ferne Länder, um auf der Suche nach musikalischer Inspiration aus fremden Kulturen zu schöpfen. Diese Inspirationssuche lag der Folle Journée 2019 zugrunde, die dem Thema »Musikalische Reisetagebücher« gewidmet war.Die Aufnahme bietet Höhepunkte des am 3. Februar 2019 gegebenen Abschlusskonzerts mit dem Tatarischen Nationalorchester unter der Leitung von Alexander Sladkovsky.Der blutjunge russische Klaviervirtuose Alexander Malofejew spielt das Klavierkonzert op. 16 von Edvard Grieg, das einzige vollendete Klavierkonzert des norwegischen Komponisten. Die Ouvertüre des von romantischer Wildheit geprägten Meisterwerks ist von norwegischen Volksweisen inspiriert. Das 1869 in Dänemark entstandene Stück gehört zu den beliebtesten des Klavier-Repertoires.In der exotischen »Bacchanale« aus der Oper »Samson et Dalila« kommt die Leidenschaft des französischen Komponisten Saint-Saëns für den Orient zum Ausdruck.Glanzvoll ist auch die Sopranistin Raquel Camarinha in der Interpretation zweier berühmter Arien der italienischen Opernkomponisten Vincenzo Bellini und Giacomo Puccini, die in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts besonders in Frankreich große Erfolge feierten.

In Nordenglands Kohlegruben wird 1984 gestreikt. Der elfjährige Billy Elliot, Sohn des verwitweten Bergmannes Jackie, soll boxen lernen. Doch beim ersten Training gerät er zufällig in die benachbarte Ballettstunde – und übt von nun an heimlich Pirouetten. Sein Vater ist wütend … – Spielfilm (2000) von Stephen Daldry. Mit Jamie Bell und Gary Lewis.

Felix Mendelssohn Bartholdy: Violinkonzert e-Moll (1844)

Diese audiovisuelle Konzertführer-Reihe gibt ungeahnte Einblicke in die wichtigsten Werke der Musikgeschichte vom Barock bis zur Moderne und lässt den Zuschauer diese Meisterwerke dabei völlig neu erfahren und genießen. In den einzelnen Folgen erläutern hochkarätige Künstler und Musikwissenschaftler die Entstehungsgeschichte der Stücke, ihre musikalische Struktur und Besonderheiten und setzen sie in Beziehung zum Leben des jeweiligen Komponisten und zu der Zeit, in der sie entstanden.

Das Radio-Sinfonieorchester Stuttgart des SWR wurde 2008 zum siebten Mal in seiner Geschichte eingeladen, eine ausgedehnte Konzert-Tournee in die Musikzentren Japans zu unternehmen. Auf dem Reiseplan standen zehn Konzerte unter der Leitung von Chefdirigent Sir Roger Norrington, drei davon in der weltberühmten Suntory Hall Tokyo. Dort fand am 29. Januar 2008 das umjubelte Auftakt-Konzert der Tournee vor ausverkauftem Saal statt. Das Publikum in Tokyo bejubelte dabei auch die junge niederländische Stargeigerin Janine Jansen. Sie interpretierte Mendelssohns Violinkonzert in e-Moll.

Er revolutionierte das klassische Ballett und ließ das Tutu von der Bühne verschwinden: Der Franzose Maurice Béjart (1927-2007) gilt als einer der weltweit bekanntesten Choreographen. Er wurde in den 60er und 70er Jahren durch seine spektakulären Inszenierungen bekannt, darunter »Le sacre du printemps« und »Boléro«. Mit unveröffentlichtem Archivmaterial, Bühnenmitschnitten und Interviews nähert sich das Porträt dem Schaffensprozess des vielschichtigen Künstlers, der mehr als 100 Meisterwerke schuf.
Maurice Béjarts Œuvre bewegt sich musikalisch und tänzerisch zwischen Klassik und Avantgarde. Als Tänzer debütierte Béjart – eigentlich Maurice-Jean Berger – 1945 in seiner Heimatstadt Marseille. Den Durchbruch als Choreograph schaffte er 1959 mit der legendären Brüsseler Inszenierung von Igor Strawinskys »Le sacre du printemps«. Fünf Jahre zuvor hatte er seine erste eigene Balletttruppe in Paris gegründet. 1960 ging er ganz nach Brüssel und rief hier das Ballet du XXe Siècle ins Leben. Er unterhielt von 1970 bis 1988 in Brüssel die berühmte Mudra-Schule, aus der Maguy Marin und Anne Teresa De Keersmaeker hervorgingen. Mit dem Ballet du XXe Siècle entwickelte er sein »Totaltheater«, in dem Sprache, Musik, Tanz und Regie zu einem Gesamtkunstwerk verschmelzen. Im Sommer 1987 verließ Béjart Brüssel und ließ sich mit seiner weltberühmten Compagnie in Lausanne in der Schweiz nieder. In Lausanne gründete er die Ecole-Atelier Rudra. Die Dokumentation nähert sich mit unveröffentlichtem Archivmaterial, zahlreichen Bühnenmitschnitten und Einschätzungen aus heutiger Sicht dem Schaffensprozess eines der produktivsten Choreographen des 20. Jahrhunderts. Unermüdlich experimentierte er mit Tänzern, beseelt von dem Wunsch, seine Kunst auch einem breiten Publikum zugänglich zu machen. Béjart schuf mehr als 100 Meisterwerke. Der Dokumentarfilm zeigt die faszinierendsten Szenen aus seinen bedeutendsten Balletten, darunter Ausschnitte aus »Le sacre du printemps« (Uraufführung 1959 anlässlich der Weltausstellung in Brüssel), »Messe pour le temps présent« (Messe für die Gegenwart, 1966), mit der der Tanz in das Theaterfestival von Avignon Einzug hielt, »Le presbytère« (Das Pfarrhaus, 1997) und »Boléro« (1960) sowie weitere Kreationen aus den 70er Jahren, in denen Béjart männliche Solisten in den Mittelpunkt stellte. Aufnahmen von Proben im Tanzstudio offenbaren Maurice Béjarts vielschichtige Persönlichkeit und seinen Willen, die Grenzen des choreographisch Möglichen immer weiter auszuloten. Dabei wird deutlich, wie es ihm gelang, mit kraftvollen und bilderstarken Inszenierungen und ständigem Streben nach Selbsterneuerung ein neues Kapitel in der Tanzgeschichte zu schreiben.

Der Choreograph Marius Petipa gilt als Vater des klassischen Balletts. Mehr als sechzig Werke schuf der französische Ballettmeister, der zu Zarenzeiten in Sankt Petersburg wirkte und von dem einige der berühmtesten Choreographien des klassischen Repertoires stammen – so auch das Ballett »Raymonda«. In diesem Spätwerk vermischt Marius Petipa Tanz und Schauspiel, klassische Schrittfolgen und Einflüsse aus dem Volkstanz. Ein bunter Bilderreigen, der als eines der letzten Ballettmeisterwerke des zaristischen Russlands gilt und im prachtvollen Ambiente des Mariinski-Theaters seine ganze romantische Schönheit entfaltet.
Der 200. Geburtstag des französischen Choreographen Marius Petipa wurde in Russland mit besonderen Ehren begangen, denn der Mann aus Marseille gilt als Vater des klassischen Balletts. Mehr als 60 Werke schuf Petipa, der zu Zarenzeiten als Ballettmeister in Sankt Petersburg wirkte und von dem einige der berühmtesten Choreographien des klassischen Repertoires stammen – auch das Ballett »Raymonda« auf eine Komposition von Alexander Glazunov. In diesem Spätwerk vermischt der französische Choreograph Tanz und Schauspiel, klassische Schrittfolgen und Einflüsse aus dem Volkstanz. Ein bunter Bilderreigen, der als eines der letzten Ballett-Meisterwerke des zaristischen Russlands gilt. Die Handlung von »Raymonda« basiert auf einem Libretto, dass von Gräfin Lidia Pashkova und Marius Petipa gemeinsam geschrieben wurde. Die beiden siedeln die Geschichte in einem idealisierten Mittelalter zu Zeiten der Kreuzzüge an und lassen in »Raymonda« Ritter und Sarazenen aufeinandertreffen. Ein exotisches Werk voller Traumgestalten, gewalttätig und sinnlich zugleich. 120 Jahre nach der Uraufführung in Sankt Petersburg kehrt »Raymonda« auf die Bühne des Mariinski-Theaters zurück. In der Titelrolle tanzt Viktoria Tereshkina an der Seite von Xander Parish in der Rolle des Jean de Brienne und Konstantin Zverev als Abderakhman, unterstützt vom Ballettensemble des Mariinski-Theaters. Musikalisch begleitet werden sie vom Orchester des Mariinski-Theaters unter der Leitung von Valery Gergiev. Aufzeichnung vom 28. Mai 2018 aus dem Mariinski-Theater, Sankt Petersburg.

Philippe Jaroussky ist der Superstar der hohen Töne. Seine Stimmkunst verbindet einzigartige Klarheit mit Raffinement. Auf dem Höhepunkt seiner Karriere gastierte er bereits auf fast allen Bühnen der Welt. Für die Konzertsaison 2015/16 hat er sich einen langersehnten Traum erfüllt: Mit Unterstützung des herausragenden Freiburger Barockorchesters widmet er sich den Kantaten Bachs und Telemanns. Die Musikdokumentation begleitet Jaroussky zu den CD-Aufnahmen in Freiburg und gibt Einblicke in die präzise Arbeit des Künstlers.
Der Countertenor Philippe Jaroussky kann auf zahlreiche Konzerte mit renommierten Ensembles, Orchestern und Musikern zurückblicken. In Opernhäusern und auf Konzertbühnen fühlt er sich gleichermaßen zu Hause. Immer dabei: sein Wunsch, etwas Neues auszuprobieren. Mit Unterstützung des herausragenden Freiburger Barockorchesters widmete er sich den Kantaten Bachs und Telemanns. Die Kompositionen Bachs und Telemanns bedeuten Jaroussky viel. Doch bisher stand immer die deutsche Sprache als Barriere zwischen ihm und den Kantaten. Für Jaroussky ist es wichtig, die Worte nicht nur richtig zu deklamieren, sondern die komponierte Sprache zu verstehen. Dabei geht es sowohl um das rationale Verstehen des Inhalts als auch um ein emotionales Verstehen der Sprache selbst. Also nahm er Sprachunterricht und intensives Sprechtraining, lernte die deutsche Sprache kennen und lieben. ARTE begleitet Jaroussky zu den CD-Aufnahmen in Freiburg und erhält Einblicke in die präzise Arbeit der Künstler. Jaroussky ist Perfektionist. In den ansässigen Archiven stöbert er in Originalpartituren und Briefen. Die Leiter der Archive erzählen ihm Anekdoten über beide Komponisten und die enge Freundschaft, die Bach und Telemann verband. Mit all dem neuen Wissen und dem neuen Repertoire im Gepäck startet Jaroussky schließlich seine Konzerttour durch Deutschland. Das erste Mal wird sein Programm in Freiburg zu hören sein.

Open-Air-Konzert 2013 mit dem Chor und Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks unter der Leitung von Yannick Nezét-Séguin sowie Rolando Villazón, Tenor und Thomas Hampson, Bariton. Klassik am Odeonsplatz, Münchens größtes Open-Air-Musikereignis stand im Jahr 2013 im Zeichen der beiden Opern-Giganten Richard Wagner und Giuseppe Verdi, deren 200. Geburtstag die Musikwelt 2013 feierte. Chor und Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks sowie die Gesangsstars Rolando Villazón (Tenor) und Thomas Hampson (Bariton) luden zu einem opulenten Opern-Konzert ein mit Chören, Arien und Ouvertüren aus den Meisterwerken der beiden Jubiläumskomponisten und Ravels berühmtem Orchesterwerk »La valse«. Schauplatz war der Münchner Odeonsplatz, der im Sommer für sein stimmungsvolles südländisches Flair bekannt ist.

Johann Sebastian Bach: Sonaten und Partiten für Violine solo Partita 1 h-Moll BWV 1002 Sonata 2 a-Moll BWV 1003
Neben der »Kunst der Fuge« und dem »Wohltemperierten Clavier« sind es vor allem die Solo-Sonaten und -Partiten für Violine, die eine Aura des Absoluten und Vollendeten im Gesamtwerk Johann Sebastian Bachs umgibt. Hier verschmelzen strahlende Vokalität und raffinierte Kontrapunktik, hier finden sich Form und musikalische Idee in einzigartiger Balance. Einen »Triumph des Geistes über die Materie« nannte Philipp Spitta, der Bach-Biograph, den Werkreigen, der auch spieltechnisch zum Anspruchsvollsten gehört, was in dieser Epoche komponiert wurde. Bach schrieb die Partiten und Sonaten in Köthen um 1720, wo er seit 1717 in den Diensten des Fürsten Leopold als Hofkapellmeister wirkte. Hier entstand ein Großteil seiner Kammer- und Orchestermusik.
Die japanische Geigerin Midori Goto wurde 1971 in Osaka geboren, mit zehn Jahren wurde sie Schülerin von Dorothy DeLay an der Juilliard School in New York. Schon damals wurde sie als Wunderkind auf der Violine gesehen. Mit elf Jahren gab sie ihr Debut beim Silvesterkonzert der New Yorker Philharmoniker, begann daraufhin eine Profikarriere und wurde weltweit gefeiert. Midori hat Bachs Solosonaten mehrfach eingespielt. »Ich glaube, dass ich durch das Studieren von Johann Sebastian Bachs Kompositionen mehr gelernt habe, als von jedem anderen Werk. Es ist ein fast übernatürliches Gefühl, das mich umhüllt, wenn ich mich ausnahmslos auf diese Meisterwerke einlasse«, sagte sie anlässlich einer Einspielung der Partiten und Sonaten im Jahr 2015.

Zu seinem 70. Jubiläum interpretiert der Chor der Finnischen Nationaloper Helsinki Klassiker der Chorliteratur. Der finnische Bass Jyrki Korhonen ist einer der Solisten des Galaabends, der von Jere Erkkiläfür die Bühne eingerichtet wurde. Die anderen Solisten sind Mika Pohjonen (Tenor), Roland Liiv (Tenor) und Daphne Becka (Mezzosopran). Es singen der Chor, der Extra-Chor und der Kinderchor der Finnischen Nationaloper. Begleitet werden sie vom Orchester des Hauses unter Leitung von Michael Güttler. Für die Choreographien zeichnen Kenneth Greve und Elsa Sylvestersson verantwortlich. Auf dem abwechslungsreichen Programm stehen unter anderem Werke von Carl Orff, Giacomo Puccini, Modest Mussorgsky und Giuseppe Verdi.
Auf dem Spielplan:
– Carl Orff: »O Fortuna« (Carmina Burana)
– Giacomo Puccini: Summchor (Madama Butterfly), Choreographie: Kenneth Greve, Tanz: Hanako Matsune
– Modest Mussorgsky: Krönungsszene (Boris Godunow)
– Giuseppe Verdi: Coro di zingari »Vedi le fosche« (Il trovatore)
– Georges Bizet: »Les voici« (Carmen)
– Pietro Mascagni: Intermezzo (Cavalleria rusticana), Choreographie: Kenneth Greve, Tanz: Terhi Räsänen, Sergei Popov
– Richard Wagner: Matrosenchor (Der fliegende Holländer)
– Leevi Madetoja »Talapakan Nikolai ja häjyt« (Pohjalaisia)
– Fredrik Pacius: Schlusschor »Och ila vi bort« (Kung Karls jakt)

In Nordenglands Kohlegruben wird 1984 gestreikt. Der elfjährige Billy Elliot, Sohn des verwitweten Bergmannes Jackie, soll boxen lernen. Doch beim ersten Training gerät er zufällig in die benachbarte Ballettstunde – und übt von nun an heimlich Pirouetten. Sein Vater ist wütend … – Spielfilm (2000) von Stephen Daldry. Mit Jamie Bell und Gary Lewis.

Film von Paul Smaczny und Günter Atteln
Im Jahr 2012 feierte der Thomanerchor Leipzig seinen 800. Geburtstag. Eine beeindruckende Zeitspanne, wenn man bedenkt, dass der Chor über die Jahrhunderte alle politischen Systeme in ungebrochener Tradition überdauert hat. Heute haben die Thomaner Bewunderer in aller Welt und werden gefeier wie Rock-Stars. Diesen Erfolg mussten sich die zehn- bis 18-jährigen Jungen des Thomanerchores schwer erarbeiten, denn ihr Leben wird von einem anstrengenden Proben- und Schulalltag bestimmt, geprägt von den Regeln des Internats und dem Gedanken, dass vor allem die Gemeinschaft zählt. Zum Jahrhundert-Jubiläum war der Chor erstmals in dem abendfüllenden Dokumentarfilm »Die Thomaner – Herz und Mund und Tat und Leben« zu erleben. Die Filmemacher begleiteten den Chor und seinen damaligen Kantor Georg Christoph Biller – den 43. Thomaskantor nach Bach – über einen Zeitraum von mehr als einem Jahr. Durch ihre persönlichen Geschichten entstand ein sensibles Porträt dieses einzigartigen Chores, das der Frage nach der Faszination des Traditionsensembles nachgeht. Der packende und anrührende Film gewährt einen faszinierenden Blick hinter die Kulissen dieses Ausnahmechores und zeigt die Möglichkeiten, die eine intensive Beschäftigung mit Musik für die Entwicklung von Kindern und Jugendlichen leisten kann. Ungewöhnlich offen können die Filmemacher eine einzigartige Welt zwischen Motette, Internat und Fußballplatz zeigen; ein Leben, das geprägt ist von Erfolg und Leistungsdruck, Zweifeln und Stolz, Heimweh und Freundschaft. Und in und über allem: die unsterbliche Musik Johann Sebastian Bachs.

Seit Jahrzehnten haben die Berliner Philharmoniker ihre Saison mit einem Live-Konzert und Tausenden Besuchern in der Waldbühne abgeschlossen. Dieses Jahr ist alles anders. Die Fernsehmoderatorin Petra Gute wird diesmal von der Berliner Waldbühne die »schönsten Momente der Waldbühnenkonzerte« in einer kleinen Zeitreise durch die Berliner Luft und die philharmonischen Nächte präsentieren. Petra Gute wird mit der Hornistin Sarah Willis und anderen Philharmonikern Ausschnitte der letzten Jahre anschauen, kommentieren und sicherlich Geschichten erzählen können, die sonst nicht zu hören sind.

Seit Jahrzehnten haben die Berliner Philharmoniker ihre Saison mit einem Live-Konzert und Tausenden Besuchern in der Waldbühne abgeschlossen. Dieses Jahr ist alles anders. Die Fernsehmoderatorin Petra Gute wird diesmal von der Berliner Waldbühne die »schönsten Momente der Waldbühnenkonzerte« in einer kleinen Zeitreise durch die Berliner Luft und die philharmonischen Nächte präsentieren. Petra Gute wird mit der Hornistin Sarah Willis und anderen Philharmonikern Ausschnitte der letzten Jahre anschauen, kommentieren und sicherlich Geschichten erzählen können, die sonst nicht zu hören sind.

Staatsopernchor, Staatskapelle Berlin, Daniel Barenboim
Mit Diana Damrau (Sopran), Okka von der Damerau (Mezzosopran), Burkhard Fritz (Tenor), René Pape (Bass).

Die Festkonzerte zur Wiedereröffnung der Berliner Staatsoper begannen mit einem Event der Sonderklasse: »Staatsoper für alle« mit Beethovens Neunter Symphonie als Open-Air-Konzert auf dem Bebelplatz.
Seit 2010 war die Berliner Staatsoper Unter den Linden wegen aufwendiger Sanierungsarbeiten geschlossen. Pünktlich zum 275. Jubiläum des Opernhauses durften sich die Musikfreunde in der Hauptstadt nun darauf freuen, dass sich die Tore des traditionsreichen Hauses wieder öffnen. Am 1. Oktober durften Berlinerinnen und Berliner zusammen mit Gästen aus aller Welt das Haus bei musikalischen Führungen erkunden.
Schon am Abend vorher begann die festliche Konzertreihe zur Wiedereröffnung mit einem Paukenschlag: Beethovens Neunter Symphonie als »Staatsoper für alle« unter freiem Himmel auf dem Bebelplatz – ein Fest für alle Berliner!

Seit über 40 Jahren stimmt das traditionelle Osterkonzert »Frühling in Wien« der Wiener Symphoniker auf das Kommen der neuen Jahreszeit ein. Eingebettet in die brodelnde Klangwelt der Großstadt begibt sich das Konzert – dieses Mal im Wiener Konzerthaus – auf einen musikalischen Ausflug in die beiden urbanen Metropolen Paris und New York. Auf dem Programm stehen zwei Legenden der amerikanischen Musik: Leonard Bernstein und George Gershwin. Eröffnet wird das Konzert mit Bernsteins »Candide«-Ouvertüre, deren Potpourri-Charakter die Zuhörer von Anfang an in ein spannungsgeladenes Geschehen führt. Danach folgt das jazzig angehauchte Klavierkonzert in F-Dur von George Gershwin. Wie bereits in seinem berühmten Werk »Rhapsody in Blue« schafft er erneut eine Synthese dieser musikalischen Welten, wie sie bis dato in der Musikgeschichte einmalig waren. 1928 war George Gershwin selbst ein Amerikaner in Paris und ließ mit seiner gleichnamigen symphonischen Dichtung musikalische Souvenirs wie etwa Pariser Taxihupen, von denen er sich selbst einige nach New York mitnahm, erklingen. Von der Stadt der Liebe zurück über den Atlantik beschließen Bernsteins symphonische Tänze aus der »West Side Story« den Ausflug über die Kontinente und lassen das vielfältige und konfliktreiche Leben auf den Straßen der Großstadt in den Konzertsaal einziehen. Die Leitung übernimmt wieder der Chefdirigent der Wiener Symphoniker, Philippe Jordan. Zur Seite steht ihm Jean-Yves Thibaudet.

Ludwig van Beethoven hat schottische Lieder neu bearbeitet – doch über ihren tatsächlichen Ursprung wusste er wenig. Der Komponist war fasziniert von den Volksmusik-Melodien. Dass es sich dabei auch um Klagelieder des verdrängten Volks der Gälen handelte, blieb ihm leider verborgen. Der Gälisch-Experte Michael Klevenhaus aus Bonn reist durch Europa und begibt sich auf Spurensuche. In Wien trifft er den Dirigenten und Beethoven-Biografen Jan Caeyers und durchsucht schottische Archive. Klevenhaus bereist die Highlands und tritt schließlich selbst als Musiker auf – bei einem Gälischen Festival.

Beethoven Volksliederbearbeitungen bilden sicherlich den unbekanntesten und unterschätztesten Anteil seines Gesamtwerks. Der Bonner Gälisch-Experte Michael Klevenhaus will mehr darüber erfahren und begibt sich auf Spurensuche. Von der schottischen Dudelsack-Legende Allan McDonald erfährt er, dass Beethoven ein gälisches Lied per Post zugesandt bekam. Beethoven machte daraus eine klassische Liedbearbeitung. Die Ähnlichkeiten in der Melodie sind frappierend, doch in Beethovens Version findet sich keine Spur des Gälischen. Stattdessen enthält sie einen Text des schottischen Nationaldichters Sir Walter Scott – in englischer Sprache.Beethoven hatte im Auftrag des schottischen Verlegers George Thomson zwischen 1809 und 1820 rund 180 schottische, walisische und irische Volkslieder für eine Begleitung durch klassisches Klaviertrio bearbeitet. Doch weder im Text noch im Titel ist ein Zusammenhang mit dem gälischen Original zu erkennen.Die Dokumentation begleitet Michael Klevenhaus, während er von der konfliktreichen Beziehung zwischen dem Komponisten und seinem schottischen Auftraggeber erfährt, und in Bonn, Wien und in den atemberaubenden Landschaften der schottischen Highlands recherchiert. Mithilfe von lokalen Musikern und Fachleuten findet er immer mehr Hinweise darauf, dass sich in den Liedbearbeitungen einige gälische Originalmelodien verstecken. Vor Beethoven wurde geheim gehalten, dass die Gälen in brutalen Säuberungsaktionen aus den Schottischen Hochländern vertrieben wurden. Auch ihre Sprache und Kultur wurden fast ausgelöscht. Der von revolutionärem Geist beflügelte Beethoven wusste nichts davon.

Als Goethe seine Ballade »Die erste Walpurgisnacht« im Mai 1799 schrieb, war sein Wunsch, dass das Werk umgehend als Chorkantate vertont werden sollte. Doch nach mehr als 15 Jahren gab der auserwählte Komponist und Freund Goethes, Carl Friedrich Zelter, die Aufgabe ab. Er fühlte sich ihr nicht gewachsen und beauftragte damit seinen Schüler Felix Mendelssohn. Der hatte nach eigener Aussage »ein besonderes Faible für den Hexenspuk« und machte daraus ein Meisterwerk für Soli, Chor und Orchester.

Leider keine weiteren Informationen vorhanden.

Sechs Lieder von Richard Strauss sang Sarah Wegener im Oktober 2019 mit dem Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks unter der Leitung von Mariss Jansons. Das symphonische Programm des Abends umfasste vier Zwischenspiele aus der Oper »Intermezzo« sowie die 4. Symphonie von Johannes Brahms.
Die britisch-deutsche Sopranistin Sarah Wegener präsentierte sich im Oktober 2019 mit dem Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks unter der Leitung Mariss Jansons‘. Im Herkulessaal der Münchner Residenz sang sie sechs Lieder von Richard Strauss, der so unvergleichlich für hohe Frauenstimme schreiben konnte. Mit einigen der schönsten Melodien aus dem kostbaren Liederschatz von Strauss‘ bezauberte Sarah Wegener das Publikum – mal hymnisch aufrauschend, mal zärtlich verträumt, mal tragisch umflort. Ihre Auswahl beschloss sie mit dem bekannten »Morgen« – das verzückte Liebeslied gehört zu jenem kleinen Zyklus, den Strauss 1894 seiner Frau, der Sopranistin Pauline de Ahna, als Hochzeitsgeschenk überreichte.
Sein Ehe- und Familienleben hat Strauss zwanzig Jahre nach der »Sinfonia domestica« als Sechzigjähriger noch einmal auf die Schippe genommen – in der bürgerlichen Komödie »Intermezzo«. Die vier symphonischen Zwischenspiele daraus, reizvolle Genrestücke zwischen turbulenten und idyllischen Bühnensituationen, stellte Jansons an den Anfang seines Programms.
Den Schlusspunkt des Abends setzten Jansons und das BRSO mit der Vierten Symphonie von Johannes Brahms, in der dieser die Summe seines Schaffens zog, und die er mit einer Passacaglia von geradezu niederschmetternder Gewalt krönte.

Seit 1959 lässt sich das Philharmonische Orchester von Monte-Carlo während des Sommers an einem magischen Ort nieder, dem Innenhof des fürstlichen Palastes, wo eine Reihe von Konzerten im Freien aufgeführt wird. Diese wunderbare Umgebung mit ihrer bemerkenswerten Akustik ist ein wahrer Traum für alle Musikliebhaber. 2019 feierten diese Sommerkonzerte das 60.Jubiläum und Fürst Albert hatte seine Tore für eine Fernsehübertragung geöffnet.

Das Beethoven-Programm ist dem Jubiläumsjahr 2020 gewidmet. Es erklingt das Klavierkonzert Nr. 4: ein Werk, welches unter seinen Solokonzerten als das Nachhaltigste gilt. Sowohl der symphonische Geist Beethovens als auch die romantische, atmosphärische Dichte sind spürbar. Das Konzert beginnt mit einem Klaviersolo, danach folgt erst der Einsatz des Orchesters und anschließend zeigt das homogene Gespräch zwischen Solist und Orchester die konzertante Verschmelzung. Dies war zu Lebzeiten Beethovens ein Novum, eine musikalische Revolution! Es diente Anfang des 19. Jahrhunderts als Vorlage für etliche romantische Komponisten.

Der brasilianische Pianist Nelson Freire bekam bereits im Alter von 3 Jahren seinen ersten Klavierunterricht. Mit zwölf zog er in die Finalrunde beim Internationalen Klavier-Wettbewerb von Rio ein. Daraufhin erhielt er ein Stipendium in Wien. Seitdem ging es mit seiner Karriere stetig voran. Doch der Star blieb bescheiden und überzeugte immer wieder mit seinen großartigen Interpretationen. Sein Spiel zeichnet sich durch Feinheit und Noblesse aus, Entschlossenheit und Klarheit haben hohe Priorität. Freire feiert mit nahezu allen berühmten Orchestern auf der ganzen Welt Erfolge.

Der japanische Dirigent Kazuki Yamada ist Chefdirigent und Künstlerischer Leiter des Orchestre Philharmonique de Monte-Carlo und zudem Principal Guest Conductor des City of Birmingham Symphony Orchestra. Gastdirigate lassen ihn rund um den Globus reisen. Nicht ohne Grund: seit er 2009 den 51. Internationalen Wettbewerb für Junge Dirigenten in Besançon gewonnen hat, kann er sich vor Engagements kaum retten. Seit 2010 lebt der 41jährige Yamada mit seiner Familie in Berlin.

Ludwig van Beethovens Musik ist Bestandteil einer zeitlosen Weltkultur, die keine Grenzen kennt. Die Spannbreite reicht vom simplen Wiedererkennungseffekt in Jingles, Handytönen, Werbespots und Ähnlichem bis zur symbolischen Überhöhung in öffentlichen politischen Appellen, die sich zum Beispiel auf die humanistische Botschaft der neunten oder die Naturliebe in der sechsten Symphonie berufen. Welcher Mensch steckt hinter diesem unglaublichen musikalischen Ausdrucksreichtum, dessen Fülle noch in 500 Jahren nicht ausgeschöpft sein wird? Was macht den Mythos Beethoven aus und warum wirkt er bis heute?
»Beethoven Reloaded« stellt solche Fragen und bringt das unerschöpfliche Potential des Komponisten allen Menschen, vom interessierten Laien bis zum musikalischen Spezialisten, mit einem frischen Blick, »reloaded«, nahe.
Die wesentlichen biografischen Fakten, seine politischen Überzeugungen und der musikalische wie auch zeitgeschichtliche Kontext von Beethovens Schaffen bilden den roten Faden eines facettenreichen Porträts. Um die Universalität Beethovens zu erforschen, nimmt die Dokumentation den Zuschauer mit auf eine Reise um die Welt, wo viele, oft junge Menschen verschiedener Gesellschafts- und Berufsschichten und mit unterschiedlichsten Bildungshintergründen ihre Liebe zu Beethoven ausdrücken.

Teodor Currentzis trifft es auf den Punkt: »Wenn jemand von einem anderen Planeten kommt und fragt: ‚Was macht die menschliche Zivilisation aus?‘, dann sollte man am besten die 9. Symphonie spielen.« Was ist es, das dieses Werk so einzigartig macht? Christian Berger reist ein Mal um die Welt, um auf diese Frage eine Antwort zu finden: Er besucht Tan Dun in Shanghai, Yutaka Sado in Osaka, Teodor Currentzis in Salzburg, Paul Whittaker in Barcelona, Gabriel Prokofiev in London, das Orchestre Symphonique Kimbanguiste in Kinshasa und die Sinfonica Heliópolis in São Paulo.

Robert Schumann: Klavierkonzert (1845)

Diese audiovisuelle Konzertführer-Reihe gibt ungeahnte Einblicke in die wichtigsten Werke der Musikgeschichte vom Barock bis zur Moderne und lässt den Zuschauer diese Meisterwerke dabei völlig neu erfahren und genießen. In den einzelnen Folgen erläutern hochkarätige Künstler und Musikwissenschaftler die Entstehungsgeschichte der Stücke, ihre musikalische Struktur und Besonderheiten und setzen sie in Beziehung zum Leben des jeweiligen Komponisten und zu der Zeit, in der sie entstanden.

Das Sinfonieorchester des Südwestfunks Baden-Baden spielte am 16. März 1978 im Rahmen eines öffentlichen Konzerts in Straßburg unter der Leitung von Bernhard Klee das Konzert für Klavier und Orchester a-Moll, op. 54 von Robert Schumann (1810-1856). Die Solistin war die argentinisch-schweizerische Star-Pianistin Martha Argerich (*1941).
1. Satz: Allegro affettuoso
2. Satz: Intermezzo. Andantino grazioso, attacca
3. Satz: Allegro vivace

Orchestre national symphonique de Tatarstan, Alexander Sladkovsky
Werke von Edvard Grieg, Camille Saint-Saëns, Vincenzo Bellini, Giacomo Puccini.
Zu allen Zeiten bereisten Komponisten ferne Länder, um auf der Suche nach musikalischer Inspiration aus fremden Kulturen zu schöpfen. Diese Inspirationssuche lag der Folle Journée 2019 zugrunde, die dem Thema »Musikalische Reisetagebücher« gewidmet war.Die Aufnahme bietet Höhepunkte des am 3. Februar 2019 gegebenen Abschlusskonzerts mit dem Tatarischen Nationalorchester unter der Leitung von Alexander Sladkovsky.Der blutjunge russische Klaviervirtuose Alexander Malofejew spielt das Klavierkonzert op. 16 von Edvard Grieg, das einzige vollendete Klavierkonzert des norwegischen Komponisten. Die Ouvertüre des von romantischer Wildheit geprägten Meisterwerks ist von norwegischen Volksweisen inspiriert. Das 1869 in Dänemark entstandene Stück gehört zu den beliebtesten des Klavier-Repertoires.In der exotischen »Bacchanale« aus der Oper »Samson et Dalila« kommt die Leidenschaft des französischen Komponisten Saint-Saëns für den Orient zum Ausdruck.Glanzvoll ist auch die Sopranistin Raquel Camarinha in der Interpretation zweier berühmter Arien der italienischen Opernkomponisten Vincenzo Bellini und Giacomo Puccini, die in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts besonders in Frankreich große Erfolge feierten.

Das Musikmagazin

Vom »Duft der Nacht« erzählt Claude Debussys Orchesterwerk »Ibéria«. Ein solch geartetes Odeur betörte auch das Publikum im Juli 2015 bei »Klassik am Odeonsplatz«. Das Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks und der in Granada geborene Dirigent Pablo Heras-Casado bescherten in einer stimmungsvollen Sommernacht musikalischen Feinschmeckern einen Hochgenuss. Das beliebte Klassikevent im Herzen Münchens feierte 2015 sein 15-jähriges Bestehen. Und was wäre ein solches Jubiläum ohne einen prominenten Stargast? Mit Julia Fischer wurde dafür nicht nur eine der gefragtesten Geigerinnen der Welt gewonnen, sondern auch eine waschechte Münchnerin. Im Jahr 2000 war sie noch Zuschauerin bei der ersten Ausgabe von »Klassik am Odeonsplatz«, um dem Kollegen Julian Rachlin zu lauschen. 2015 stand sie zum ersten Mal selbst in der zur Bühne umfunktionierten Feldherrnhalle und spielte Sergej Prokofjews 2. Violinkonzert g-Moll, op. 63. Außerdem sorgten, neben Debussys eingangs erwähnter »Ibéria«, Maurice Ravels »Alborada del gracioso« sowie »Der Dreispitz« und Musik aus »La vida breve« vom spanischen Nationalkomponisten Manuel de Falla für das spanische Flair dieser Nacht.

Orchestre national symphonique de Tatarstan, Alexander Sladkovsky
Werke von Edvard Grieg, Camille Saint-Saëns, Vincenzo Bellini, Giacomo Puccini.
Zu allen Zeiten bereisten Komponisten ferne Länder, um auf der Suche nach musikalischer Inspiration aus fremden Kulturen zu schöpfen. Diese Inspirationssuche lag der Folle Journée 2019 zugrunde, die dem Thema »Musikalische Reisetagebücher« gewidmet war.Die Aufnahme bietet Höhepunkte des am 3. Februar 2019 gegebenen Abschlusskonzerts mit dem Tatarischen Nationalorchester unter der Leitung von Alexander Sladkovsky.Der blutjunge russische Klaviervirtuose Alexander Malofejew spielt das Klavierkonzert op. 16 von Edvard Grieg, das einzige vollendete Klavierkonzert des norwegischen Komponisten. Die Ouvertüre des von romantischer Wildheit geprägten Meisterwerks ist von norwegischen Volksweisen inspiriert. Das 1869 in Dänemark entstandene Stück gehört zu den beliebtesten des Klavier-Repertoires.In der exotischen »Bacchanale« aus der Oper »Samson et Dalila« kommt die Leidenschaft des französischen Komponisten Saint-Saëns für den Orient zum Ausdruck.Glanzvoll ist auch die Sopranistin Raquel Camarinha in der Interpretation zweier berühmter Arien der italienischen Opernkomponisten Vincenzo Bellini und Giacomo Puccini, die in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts besonders in Frankreich große Erfolge feierten.

Felix Mendelssohn Bartholdy »Ein Sommernachtstraum« op. 61
Aufzeichnung aus dem Schloss Friedenstein in Gotha
Der Ouvertüre zum »Sommernachtstraum«, die der junge Mendelssohn 1826 komponiert hatte, folgte erst 17 Jahre später die weitere Musik. Kein Geringerer als König Friedrich Wilhelm IV. von Preußen wünschte sich die musikalische Bereicherung des Schauspiels. Und so kam es zu der bunten Folge von Instrumentalsätzen, Melodramen und Chorliedern. Um Mendelssohns Musik besser in das Schauspiel einordnen zu können, werden verbindende Texte sowie die Melodramen von Maximilian Schell gesprochen.
Chor und Sinfonieorchester des MDR musizieren unter der Leitung von Chefdirigent Fabio Luisi.

Als Ersatz für die 2020 entfallenden Eröffnungskonzerte zum »Rheingau Musik Festival« ist ein Benefizkonzert des hr-Sinfonieorchesters Frankfurt in Planung. Weitere Informationen folgen.

Er revolutionierte das klassische Ballett und ließ das Tutu von der Bühne verschwinden: Der Franzose Maurice Béjart (1927-2007) gilt als einer der weltweit bekanntesten Choreographen. Er wurde in den 60er und 70er Jahren durch seine spektakulären Inszenierungen bekannt, darunter »Le sacre du printemps« und »Boléro«. Mit unveröffentlichtem Archivmaterial, Bühnenmitschnitten und Interviews nähert sich das Porträt dem Schaffensprozess des vielschichtigen Künstlers, der mehr als 100 Meisterwerke schuf.
Maurice Béjarts Œuvre bewegt sich musikalisch und tänzerisch zwischen Klassik und Avantgarde. Als Tänzer debütierte Béjart – eigentlich Maurice-Jean Berger – 1945 in seiner Heimatstadt Marseille. Den Durchbruch als Choreograph schaffte er 1959 mit der legendären Brüsseler Inszenierung von Igor Strawinskys »Le sacre du printemps«. Fünf Jahre zuvor hatte er seine erste eigene Balletttruppe in Paris gegründet. 1960 ging er ganz nach Brüssel und rief hier das Ballet du XXe Siècle ins Leben. Er unterhielt von 1970 bis 1988 in Brüssel die berühmte Mudra-Schule, aus der Maguy Marin und Anne Teresa De Keersmaeker hervorgingen. Mit dem Ballet du XXe Siècle entwickelte er sein »Totaltheater«, in dem Sprache, Musik, Tanz und Regie zu einem Gesamtkunstwerk verschmelzen. Im Sommer 1987 verließ Béjart Brüssel und ließ sich mit seiner weltberühmten Compagnie in Lausanne in der Schweiz nieder. In Lausanne gründete er die Ecole-Atelier Rudra. Die Dokumentation nähert sich mit unveröffentlichtem Archivmaterial, zahlreichen Bühnenmitschnitten und Einschätzungen aus heutiger Sicht dem Schaffensprozess eines der produktivsten Choreographen des 20. Jahrhunderts. Unermüdlich experimentierte er mit Tänzern, beseelt von dem Wunsch, seine Kunst auch einem breiten Publikum zugänglich zu machen. Béjart schuf mehr als 100 Meisterwerke. Der Dokumentarfilm zeigt die faszinierendsten Szenen aus seinen bedeutendsten Balletten, darunter Ausschnitte aus »Le sacre du printemps« (Uraufführung 1959 anlässlich der Weltausstellung in Brüssel), »Messe pour le temps présent« (Messe für die Gegenwart, 1966), mit der der Tanz in das Theaterfestival von Avignon Einzug hielt, »Le presbytère« (Das Pfarrhaus, 1997) und »Boléro« (1960) sowie weitere Kreationen aus den 70er Jahren, in denen Béjart männliche Solisten in den Mittelpunkt stellte. Aufnahmen von Proben im Tanzstudio offenbaren Maurice Béjarts vielschichtige Persönlichkeit und seinen Willen, die Grenzen des choreographisch Möglichen immer weiter auszuloten. Dabei wird deutlich, wie es ihm gelang, mit kraftvollen und bilderstarken Inszenierungen und ständigem Streben nach Selbsterneuerung ein neues Kapitel in der Tanzgeschichte zu schreiben.

Marius Petipa wuchs in Marseille in bescheidenen Verhältnissen auf. Später wanderte er nach Russland aus, wurde Erster Ballettmeister des kaiserlichen Balletts und feierte Erfolge mit Aufführungen wie »La Bayadère«, »Schwanensee«, »Dornröschen« oder »Die Tochter des Pharao«. Noch heute werden seine Ballette, die zu den Meisterwerken des klassischen Repertoires gehören, an den großen Opernhäusern der Welt gespielt – von Paris, Mailand und Berlin über Sankt Petersburg und Moskau bis New York. Petipas persönliche Erlebnisse und seine Choreographien sind eng mit den gesellschaftlichen und politischen Hintergründen des 19. Jahrhunderts verknüpft.
Die Dokumentation setzt sich daher nicht nur mit dem Werk des Ballettmeisters auseinander, sondern auch mit der damaligen Zeit. Ausgehend von einer Analyse der wichtigsten Variationen seiner Werke werden die Kunst des Tanzens und deren Weitergabe an nachfolgende Generationen thematisiert. Neben seltenen Archivaufnahmen wird auch einer der ersten Zeichentrickfilme über das Tanzen verwendet. Regisseur Denis Sneguirev lässt berühmte Choreographen, Tänzer und Dirigenten zu Wort kommen, die mit ihren Neuaufführungen von Petipas Choreographien sein Werk dem heutigen Publikum nahebringen. Dazu liefern Tanzhistoriker den geschichtswissenschaftlichen Hintergrund. In einer Tanzinszenierung der großen Ballette von Marius Petipa werden schließlich die choreographischen Entwicklungen im Verlauf seines Schaffens analysiert.

»Das Wort ‚Klassik‘ ist altmodisch und völlig unrichtig. Kein Mensch kann das heute mehr erklären«, sagt Christoph Eschenbach, einer der größten Dirigenten unserer Zeit. Und weiter: »Es gibt diese unglaubliche Menge an Musik aus den letzten 500 Jahren in der Welt.«
Dazu gehören unter anderem die Sinfonie Nr. 3 D-Dur op. 29 von Peter Tschaikowsky, auch die »Polnische« genannt, aus dem Jahr 1875, oder die Ouvertüre aus der Oper »Ruslan und Ludmilla« von Michail Glinka, entstanden 1837.
Beides präsentiert Christoph Eschenbach zusammen mit dem NDR Sinfonieorchester (dem heutigen NDR Elbphilharmonie Orchester) beim Abschlusskonzert des Schleswig-Holstein Musik Festivals 2012 mit solcher Hingabe und Leidenschaft, dass die Entstehungsjahre dieser Werke oder die Begrifflichkeit der »Klassik« wahrlich bedeutungslos werden. Was zählt, ist die Musik, die den Raum erfüllt.

Ludwig van Beethoven – Violinkonzert D-Dur op. 61
Im Rahmen des Eröffnungskonzertes des Schleswig-Holstein Musik Festivals im Jahre 2011 dirigiert Semyon Bychkov das NDR Sinfonieorchester (heute: NDR Elbphilharmonie Orchester). Gespielt wird das Violinkonzert D-Dur op. 61 von Ludwig van Beethoven. Solist ist Leonidas Kavakos, Violine.
Eine Aufzeichnung aus der Musik- und Kongresshalle Lübeck.

Leider keine weiteren Informationen vorhanden.

Aufzeichnung aus der Jugendstil-Festhalle Landau, Januar 2009
Deutsche Radio Philharmonie Saarbrücken Kaiserslautern
Dirigent: Encico Delamboye

Mit Corina Belcea (Violine I), Axel Schacher (Violine II),
Krzysztof Chorzelski (Bratsche)
Antoine Lederlin (Violoncello)

Die rumänische Violinistin Corina Belcea hat gemeinsam mit dem polnischen Bratschisten Krzysztof Chorzelski das Ensemble 1994 gegründet und mit Axel Schacher (Violine) und Antoine Lederlin (Violoncello) komplettiert. In ihrem Repertoire loten sie neue Grenzen aus.
Der Bogen spannt sich von Uraufführungen über Werke von Henri Dutilleux, Béla Bartók und Benjamin Britten bis hin zu Franz Schubert und Wolfgang Amadeus Mozart. Das Ensemble ist zu Gast in den großen Konzerthäusern der Welt wie dem Concertgebouw Amsterdam, der New Yorker Carnegie Hall, den Salzburger Festspielen sowie dem Stockholm Konserthus.
Am Wiener Konzerthaus ist das Ensemble seit 2010 ebenso »Quartet in Residence« wie an der »Guildhall School of Music & Drama« in London. Die gesamten Beethoven-Streichquartette haben die Musiker 2012 und 2013 auf ihrem eigenen Exlusiv-Label »Zig-Zag Territoires« aufgenommen.
«Was diese Musik antreibt, ist die Sehnsucht des Menschen nach Freiheit sowie das unstillbare Verlangen, seine eigenen Grenzen zu erweitern und dabei die Wahrheit über sich selbst zu erfahren«, steht im Vorwort zur Aufzeichnung der Beethoven-Streichquartette.

Orquesta Filarmónica De Buenos Aires, Carlos Vieu
Mit Eduardo Amarillo (Tangotänzer), Aida Garifullina (Sopran)
Arien aus bekannten Opern von Gounod, Puccini und Rimski-Korsakow: Die Dokumentation begleitet die russische Sopranistin Aida Garifullina bei einem Meilenstein ihrer Karriere und folgt ihr auf die Bühne eines der schönsten Opernhäuser der Welt: des Teatro Colón in Buenos Aires. Begleitet von den Musikern des Orquesta Filarmónica de Buenos Aires unter der Leitung des argentinischen Dirigenten Carlos Vieu, schlüpft sie in große und populäre Opernrollen – und in maßgeschneiderte Haute-Couture-Kleider. Und Aida Garifullina taucht auch in eine völlig neue Welt ein: Sie tanzt und singt das erste Mal in ihrem Leben Tango.
Die russische Sopranistin Aida Garifullina trifft in Argentinien auf ein kritisches Publikum, das sie erst gewinnen muss. Neben bekannten Arien wie »Je veux vivre« aus »Romeo und Julia« von Charles Gounod und »O mio babbino caro« von Giacomo Puccini überrascht Aida das Publikum gleich mehrere Male: Zunächst mit der nicht nur in Argentinien weitgehend unbekannten Arie »Allmächt‘ger Zar« aus der Oper »Schneeflöckchen« von Nikolai Rimski-Korsakow. Aida hat es sich zur Aufgabe gemacht, die Arie des russischen Komponisten ihrem neuen Publikum vorzustellen und hofft, die Zuhörer mit ihrer Begeisterung anzustecken – was ihr auch gelingt.
Als zweite Überraschung bietet die junge Starsopranistin eine Premiere: Noch nie zuvor hat Aida die Partie der Mimì aus »La Bohème« von Giacomo Puccini auf einer großen Bühne und in Begleitung eines Orchesters gesungen. Die große Arie »Sì. Mi chiamano Mimì« probiert Aida im Teatro Colón also zum ersten Mal.
Als Zugabe singt sie das populäre Lied »Por una cabeza« des Tango-Komponisten Carlos Gardel. In Buenos Aires kennt jeder die Melodie und den Text, und so stimmt nach Aidas Aufforderung zum Mitsingen tatsächlich das ganze Publikum mit ein. Aida Garifullina ist zum ersten Mal in Argentinien und lässt sich deshalb auch einen Abstecher in die Tangoszene nicht nehmen.

Streichbögen sollen bereits im 7. oder 8. Jahrhundert Instrumente zum Erklingen gebracht haben. Die Wurzeln des modernen Streichbogens führen ins Paris zur Zeit der Französischen Revolution.
Der gelernte Uhrmacher und Bogenbauer François-Xavier Tourte war der erste, der die Bogenstange aus dem Holz des Nationalbaums von Brasilien, dem Pau-Brasil, fertigte. Heute noch arbeiten die Bogenmacher mit Techniken, die Tourte einst begründete.
»Viele Leute denken, der Streichbogen ist einfach ein Ding aus Holz und Haaren. Dabei kann der Bogen für den Ausdruck viel wichtiger sein als das Instrument selbst«, meint Livia Sellin, Geigerin beim Trio Alba aus Wien.
Immer, wenn Thomas Gerbeth zum Hobel greift und eine Stange aus Fernambukholz bearbeitet, zieht ein süßlicher, jedoch leicht stechender Geruch um die Nase. Feine, rötlich gefärbte, eng gerollte Späne fallen lautlos zu Boden und türmen sich zu luftigen Haufen. Irgendwie erinnern sie an eine weihnachtliche Dekoration. Thomas Gerbeth ist Bogenmachermeister und betreibt eine renommierte Werkstätte im 12. Wiener Gemeindebezirk. Das rhythmische, schleifende Geräusch des Hobelmessers wird nur unterbrochen, wenn der Bogenmacher mit geschultem Auge den Verlauf der Spanabnahme kontrolliert.
Kaum hörbar bereitet seine Frau Anke an der benachbarten Werkbank neue Bogenbespannungen vor. Sie sortiert Haar aus den Schweifen asiatischer Hengste zu Bündeln der passenden Menge und bringt diese dann vorsichtig, geradezu liebevoll, mit einem Kamm in Form. Im Hintergrund mischt sich das leise Surren der einzigen modernen Maschine, die man heute beim Bogenbau verwendet, in die fast idyllische Klangkulisse: Auf einer computergesteuerten Fräse verpasst der Geselle kleinen, quaderförmigen Ebenholzrohlingen, die später einmal als »Frosch« am Bogenende die Haarbespannung halten sollen, eine erste Grundform.
Die Wurzeln des modernen Streichbogens führen zurück in das Paris zur Zeit der Französischen Revolution. Vor mehr als 200 Jahren habe, so erzählt die nur sehr skizzenhafte historische Überlieferung, der umtriebige Bogenbauer und passionierte Freizeit-Fischer François-Xavier Tourte in seiner Werkstatt an der Seine den Geigenbogen revolutioniert. Die frühen Vorfahren des Streichbogens sollen bereits im 7. oder 8. Jahrhundert Instrumente zum Erklingen gebracht haben.
Nach einer Jahrhunderte dauernden Entwicklung ähnelten die Bogenmodelle, die dann schließlich in der Barockzeit Verwendung fanden, schon sehr stark dem Bogen von heute. Aber es war im Grunde der gelernte Uhrmacher Tourte, der viele Ideen und unterschiedlichste Verbesserungsansätze miteinander kombinierte und daraus eine ganz neue Art Bogen zu fertigen entwickelte. Durch den Erfolg seiner Vorgehensweise schaffte er es, diese Handwerkskunst derart zu prägen, dass nicht nur die späteren, großen französischen Meister Dominique Pecatte oder Eugène Sartory, sondern auch die Bogenmacher der Gegenwart mit Techniken, die Tourte einst begründete, arbeiten und diese von Generation zu Generation weitergeben.
Eine der wesentlichsten Neuerungen von Tourte war es, die Bogenstange aus einem wertvollen Holz aus Brasilien zu fertigen. Es handelte sich um das Holz von dem Nationalbaum Brasiliens, dem Pau-Brasil, das auch unter dem Namen »Pernambuco« oder hierzulande als »Fernambuk« bekannt ist. Zu Tourtes Zeiten konnte man dieses Holz in Europa leicht bekommen, denn der Baum war für seine Färbequalitäten bekannt. Lange bevor man Anilin entdeckte hatte, konnte sich die beliebte Farbe Rot dank Brasilina, einem Pigment, das im Pau-Brasil-Baum vorkommt, in der Gesellschaft verbreiten.
Heute zählt die Spezies Pau-Brasil zu den geschützten Arten, denn nicht nur die Art selbst wurde beinahe ausgerottet, sondern auch von ihrem einzigen Habitat, dem Atlantischen Regenwald an Brasiliens Ostküste, gibt es nur noch sehr kleine Restbestände. Ein Umstand, der es den Bogenmachern nicht leicht macht, ihr Traditionshandwerk im gewohnten Stil fortzusetzen, denn der Rohstoffnachschub ist in Gefahr.

Franz Schubert: Sinfonie Nr. 7 h-Moll (1826)

Diese audiovisuelle Konzertführer-Reihe gibt ungeahnte Einblicke in die wichtigsten Werke der Musikgeschichte vom Barock bis zur Moderne und lässt den Zuschauer diese Meisterwerke dabei völlig neu erfahren und genießen. In den einzelnen Folgen erläutern hochkarätige Künstler und Musikwissenschaftler die Entstehungsgeschichte der Stücke, ihre musikalische Struktur und Besonderheiten und setzen sie in Beziehung zum Leben des jeweiligen Komponisten und zu der Zeit, in der sie entstanden.

Ella Milch-Sheriff wuchs in Israel mit dem Schweigen ihres Vaters auf. Erst als sie sein Tagebuch liest, erfährt sie von seinem grausamen Geheimnis. »Der Himmel ist leer« hatte Baruch Milch 1942 in Polen geschrieben. Sie übersetzt seine Geschichte in ihre Sprache: die Musik. »Mein Himmel ist nicht leer – er ist voller Musik« erzählt sie der Filmemacherin Aneta Panek.
Ella Milch-Sheriff wuchs in Israel mit dem Schweigen ihres Vaters auf. Erst als sie sein Tagebuch liest, erfährt sie von seinem grausamen Geheimnis. »Der Himmel ist leer« hatte Baruch Milch 1942 in Polen geschrieben. Sie übersetzt seine Geschichte in ihre Sprache: die Musik. »Mein Himmel ist nicht leer – er ist voller Musik« erzählt sie der Filmemacherin Aneta Panek.

Franz Schubert: Symphonie Nr. 7 h-Moll D 759 »Unvollendete«

Nach seiner Gründung 1949 entwickelte sich das Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks rasch und beständig zu einem international hoch angesehenen Klangkörper. Erheblichen Anteil daran hatten stets seine fünf Chefdirigenten. Über die Jahrzehnte konnte jeder Einzelne das Orchester weiterentwickeln, klanglich prägen und künstlerisch zu neuen Ufern führen. Ein Geburtshelfer in den Jahren nach dem zweiten Weltkrieg war Eugen Jochum (Chef von 1949-1960). Er legte bei der Auswahl der Musiker von Beginn an besonderen Wert auf höchste Qualität. Bis heute unvergessen sind seine Bruckner-Interpretationen. Außerdem setzte sich Jochum sehr für geistliche Musik sowie die musica viva Konzertreihen ein. Auf ihn folgte Rafael Kubelík, der ganze 18, äußerst fruchtbare Jahre lang dem BR-Symphonieorchester vorstehen sollte (1961-1979). Er erweiterte das Repertoire u. a. um Werke der bedeutenden Komponisten seiner tschechischen Heimat wie Janácek und Dvorák. Nach dem überraschenden Tod dessen designierten Nachfolgers Kyrill Kondraschin wurde Sir Colin Davis Chefdirigent (1983-1992). Der ausgewiesenen Kenner der Wiener Klassik setzte erstmals vermehrt Werke von Hector Berlioz und englischen Komponisten wie Edward Elgar oder Michael Tippet auf den Spielplan. Lorin Maazel (1993-2002) forderte von den Musikern höchste technische Perfektion und entwickelte dadurch die musikalische Brillanz nochmals weiter. Besonders in Erinnerung bleiben seine Brahms-, Beethoven-, Schubert-, Bruckner- und Mahlerzyklen. Seit 2003 steht Mariss Jansons dem Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks vor. Er verbindet meisterhaft höchsten künstlerischen Anspruch mit einer engen emotionalen Verbundenheit zu den Musikern.

Das Musikmagazin

Von Schubert bis Strauss, von Bach bis Billy Joel – Itzhak Perlmans transzendierendes Violinspiel lotet die Tiefen der menschlichen Empfindungen aus. Leidenschaftlich, hochvirtuos und eigenwillig: Die Dokumentation erkundet mit dem Geigenvirtuosen die Kämpfe und Höhenflüge seines Lebens und hält uns vor Augen, warum Kunst so unerlässlich ist für die Menschen.
Der Meistergeiger Itzhak Perlman beschwört mit seinem Spiel die Höhen und Tiefen der menschlichen Erfahrungen herauf. »Mit der Violine beten« nennt es der berühmte Geigenbauer Amnon Weinstein. Perlman, der für seinen Charme und seine Humanität genauso geliebt wird wie für sein musikalisches Talent, wurde 1945 in Tel Aviv als Kind polnischer Einwanderer geboren. Mit vier erkrankt Perlman an Kinderlähmung und übersteht die Krankheit. Als Folge spielt er bis heute im Sitzen. Er gilt als einer der bedeutendsten Violinisten der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts.
Perlman hat mit jedem wichtigen Orchester gespielt und in allen ehrwürdigen Sälen rund um den Globus. Bekanntheit außerhalb der Klassikwelt erlangte er durch die von John Williams komponierte und mit einem Oscar ausgezeichnete Filmmusik zu »Schindlers Liste« (1993), die als Hauptthema ein ihm gewidmetes Violinsolo enthält.
Zusammen mit seiner Frau Toby, mit der er seit über 50 Jahren glücklich verheiratet ist und auch die Liebe zur Musik bedingungslos teilt, rief er das Perlman Music Program ins Leben, einen Sommerkurs für talentierte Nachwuchsmusiker.
Die Dokumentation reist mit Perlman an die Orte seines Lebens und Wirkens und zeichnet das Porträt eines musikalischen Virtuosen, der von Warmherzigkeit, Humor und – vor allem – Liebe nur so strotzt.

Ludwig van Beethoven hat schottische Lieder neu bearbeitet – doch über ihren tatsächlichen Ursprung wusste er wenig. Der Komponist war fasziniert von den Volksmusik-Melodien. Dass es sich dabei auch um Klagelieder des verdrängten Volks der Gälen handelte, blieb ihm leider verborgen. Der Gälisch-Experte Michael Klevenhaus aus Bonn reist durch Europa und begibt sich auf Spurensuche. In Wien trifft er den Dirigenten und Beethoven-Biografen Jan Caeyers und durchsucht schottische Archive. Klevenhaus bereist die Highlands und tritt schließlich selbst als Musiker auf – bei einem Gälischen Festival.

Beethoven Volksliederbearbeitungen bilden sicherlich den unbekanntesten und unterschätztesten Anteil seines Gesamtwerks. Der Bonner Gälisch-Experte Michael Klevenhaus will mehr darüber erfahren und begibt sich auf Spurensuche. Von der schottischen Dudelsack-Legende Allan McDonald erfährt er, dass Beethoven ein gälisches Lied per Post zugesandt bekam. Beethoven machte daraus eine klassische Liedbearbeitung. Die Ähnlichkeiten in der Melodie sind frappierend, doch in Beethovens Version findet sich keine Spur des Gälischen. Stattdessen enthält sie einen Text des schottischen Nationaldichters Sir Walter Scott – in englischer Sprache.Beethoven hatte im Auftrag des schottischen Verlegers George Thomson zwischen 1809 und 1820 rund 180 schottische, walisische und irische Volkslieder für eine Begleitung durch klassisches Klaviertrio bearbeitet. Doch weder im Text noch im Titel ist ein Zusammenhang mit dem gälischen Original zu erkennen.Die Dokumentation begleitet Michael Klevenhaus, während er von der konfliktreichen Beziehung zwischen dem Komponisten und seinem schottischen Auftraggeber erfährt, und in Bonn, Wien und in den atemberaubenden Landschaften der schottischen Highlands recherchiert. Mithilfe von lokalen Musikern und Fachleuten findet er immer mehr Hinweise darauf, dass sich in den Liedbearbeitungen einige gälische Originalmelodien verstecken. Vor Beethoven wurde geheim gehalten, dass die Gälen in brutalen Säuberungsaktionen aus den Schottischen Hochländern vertrieben wurden. Auch ihre Sprache und Kultur wurden fast ausgelöscht. Der von revolutionärem Geist beflügelte Beethoven wusste nichts davon.

Saarländisches Staatsballet
Choreographie: Stijn Celis
Saarländisches Staatsorchester, Stefan Neuber

»Furioser Ballettabend«, »großer Coup«, so die Kritiken: »Prometheus« und das Saarländische Staatsballett begeistern. Stijn Celis zeigt in seiner Choreographie zu Beethovens einziger Ballettmusik »Die Geschöpfe des Prometheus« eine enorme tänzerische Kraft und Vielfalt. Elektronische Zwischenspiele von Lorenzo Bianchi Hoesch sorgen zusätzlich für Spannung. Aufzeichnung aus dem Saarländischen Staatstheater Saarbrücken.
Das Saarländische Staatsballett und der Saarländische Rundfunk machen Ludwig van Beethoven zu seinem 250. Geburtstag ein besonderes Geschenk. Denn seine einzige Ballettmusik, »Die Geschöpfe des Prometheus« Opus 43, wird äußerst selten gespielt und ist vielen Musikliebhabern nicht bekannt. Lediglich die Ouvertüre überlebte im Konzertrepertoire.
Nun bringt Ballettdirektor Stijn Celis Beethovens Werk zurück an den Ort, für den es ursprünglich bestimmt war: die Bühne. Bei der Erstaufführung 1801 in der Choreographie von Salvatore Viganò brachte Prometheus den Menschen, anders als in der antiken Sage, nicht das Feuer, sondern entflammte sie für die Künste. Stijn Celis geht in seinem neuen Ballett der Frage nach, was uns die antike Prometheus-Erzählung heute noch sagen kann: Wie viel Prometheus steckt in uns?
Das Saarländische Staatsballett zeigt eine enorme tänzerische Kraft und Vielfalt. Elektronische Zwischenspiele von Lorenzo Bianchi Hoesch sorgen zusätzlich für Spannung.

Anastasias Arbeitstag hat 14 Stunden: Früh morgens um sechs Uhr joggt sie, um acht beginnt die Schule, und um 16 Uhr macht sie sich auf den Weg zum »Hamburg Ballett John Neumeier«, einer der bekanntesten Ballettschulen Europas. Erst um 20 Uhr ist die Elfjährige wieder zu Hause und hat Feierabend – wenn nicht noch unerledigte Hausaufgaben anstehen. Eigentlich geht das nicht. Aber Anastasia ist ein Leben ohne Pause gewohnt – und für sie ist es normal, immer und überall Höchstleistung zu bringen. Auf ihrem Zeugnis stehen nur Einsen und Zweien, und selbst wenn sie vor 1.600 Zuschauern in der Hamburger Staatsoper tanzt, bleibt sie souverän. Was für andere Kinder eine Herausforderung ist, macht sie ganz nebenbei: Sie nimmt Klavier- und Gesangsunterricht, geht zu einem Malkurs und singt im Chor. Sie lernt Englisch und Französisch und bald vielleicht auch noch Spanisch. Russisch spricht sie perfekt – denn ihre Eltern kommen aus Russland.

Ludwig van Beethoven hat schottische Lieder neu bearbeitet – doch über ihren tatsächlichen Ursprung wusste er wenig. Der Komponist war fasziniert von den Volksmusik-Melodien. Dass es sich dabei auch um Klagelieder des verdrängten Volks der Gälen handelte, blieb ihm leider verborgen. Der Gälisch-Experte Michael Klevenhaus aus Bonn reist durch Europa und begibt sich auf Spurensuche. In Wien trifft er den Dirigenten und Beethoven-Biografen Jan Caeyers und durchsucht schottische Archive. Klevenhaus bereist die Highlands und tritt schließlich selbst als Musiker auf – bei einem Gälischen Festival.

Beethoven Volksliederbearbeitungen bilden sicherlich den unbekanntesten und unterschätztesten Anteil seines Gesamtwerks. Der Bonner Gälisch-Experte Michael Klevenhaus will mehr darüber erfahren und begibt sich auf Spurensuche. Von der schottischen Dudelsack-Legende Allan McDonald erfährt er, dass Beethoven ein gälisches Lied per Post zugesandt bekam. Beethoven machte daraus eine klassische Liedbearbeitung. Die Ähnlichkeiten in der Melodie sind frappierend, doch in Beethovens Version findet sich keine Spur des Gälischen. Stattdessen enthält sie einen Text des schottischen Nationaldichters Sir Walter Scott – in englischer Sprache.Beethoven hatte im Auftrag des schottischen Verlegers George Thomson zwischen 1809 und 1820 rund 180 schottische, walisische und irische Volkslieder für eine Begleitung durch klassisches Klaviertrio bearbeitet. Doch weder im Text noch im Titel ist ein Zusammenhang mit dem gälischen Original zu erkennen.Die Dokumentation begleitet Michael Klevenhaus, während er von der konfliktreichen Beziehung zwischen dem Komponisten und seinem schottischen Auftraggeber erfährt, und in Bonn, Wien und in den atemberaubenden Landschaften der schottischen Highlands recherchiert. Mithilfe von lokalen Musikern und Fachleuten findet er immer mehr Hinweise darauf, dass sich in den Liedbearbeitungen einige gälische Originalmelodien verstecken. Vor Beethoven wurde geheim gehalten, dass die Gälen in brutalen Säuberungsaktionen aus den Schottischen Hochländern vertrieben wurden. Auch ihre Sprache und Kultur wurden fast ausgelöscht. Der von revolutionärem Geist beflügelte Beethoven wusste nichts davon.

»An die Freude«! – so nannte Friedrich Schiller sein berühmtes Gedicht, das er 1785 in Gohlis bei Leipzig verfasste. Das in der Aufklärung formulierte Ideal von Freiheit, Gleichheit, Brüderlichkeit brannte vielen Menschen zur Zeit der schon schwelenden Französischen Revolution in den Herzen.
Schnell wurden Komponisten von der Ode zu Vertonungen inspiriert wie Robert Schumann, Carl Friedrich Zelter oder später auch Peter Tschaikowsky. Die berühmteste ist zweifelsohne Ludwig van Beethovens 9. Symphonie. Seit 1985 ist sie, in einem von Herbert von Karajan speziell angefertigten Arrangement, die offizielle Hymne der Europäischen Union.
2016 war die 9. Symphonie von Beethoven erstmals bei »Klassik am Odeonsplatz« zu hören gewesen, Daniel Harding dirigierte das Symphonieorchester und den Chor des Bayerischen Rundfunks. Das erlesene Solistenquartett setzte sich aus Annette Dasch, Elisabeth Kulman, Andrew Staples und Gerald Finley zusammen.
Außerdem stand Beethovens Leonoren-Ouvertüre Nr. 3 auf dem Programm. Sie ergänzt die »Ode an die Freude« ideal. Denn auch im Fidelio geht es um Befreiung, Gerechtigkeit und die treue, liebend sich aufopfernde Verbindung zwischen zwei Menschen.
Als der Odeonsplatz in hochsommerliches Abendlicht getaucht war, hatte das »Nachtlied« op. 108 für Chor und Orchester von Robert Schumann für ganz besonders stimmungsvolle Momente gesorgt.

Die Erfolgsstory der Drei Tenöre: Placido Domingo, José Carreras, die Witwe von Luciano Pavarotti und der Dirigent Zubin Mehta blicken zurück auf ihre große Karriere. Das Konzert der »Drei Tenöre« in den Caracalla-Thermen in Rom anlässlich der Fußball-Weltmeisterschaft 1990 hat die Klassik-Welt grundsätzlich verändert: Placido Domingo, José Carreras, Luciano Pavarotti und der Dirigent Zubin Mehta haben mit diesem Auftritt Geschichte geschrieben und klassische Musik weltweit (wieder) populär gemacht. Im Film wird erzählt von Hintergründen und Folgen dieses historischen Ereignisses, die bis zu sensationellen Überraschungen wie bei der Casting-Show »Britain’s Got Talent« reichen.
30 Jahre danach blicken die Protagonisten exklusiv zurück auf ihren größten Erfolg. In ausführlichen Begegnungen lassen Domingo, Carreras, Mehta und Pavarottis Witwe Nicoletta Mantovani die Zeit Revue passieren. Impresario Mario Dradi, »Erfinder« und Manager der Drei Tenöre, gewährt bislang ungesehene und zutiefst emotionale Backstage-Einblicke in die Proben und hinter die Bühne des Konzertes. Zu Wort kommen außerdem weitere Weltstars, die die Drei Tenöre auf ihrem Weg begleitet haben sowie Plattenbosse und Konzertveranstalter.
Dabei spart der Film in kleinen Seitenblicken nicht aus, wie weit der Einfluss der Spitzenstars bis heute auch in die Popular-Welt hineinreicht: Ohne ihr Wirken wären Überraschungserfolge wie der des »Britain’s Got Talent«-Gewinners Paul Potts nicht denkbar, der aus dieser Show heraus die ganze Welt mit seiner Interpretation von Puccinis »Nessun Dorma« in Begeisterung versetzt hat.

Es war die Aufgeschlossenheit und Toleranz ihres berühmten Vaters, Ravi Shankar, anderen Musikstilen gegenüber, die sich auf Tochter Anoushka wie selbstverständlich übertragen hat. Eben nicht nur klassische indische Sitar-Musik zu spielen, sondern mit den erlernten Kunstfertigkeiten auf dem Instrument sowohl andere Musikstile zu bereichern als auch, wie sie einmal selbst sagte »Elemente von klassischem Minimalismus, Jazz, Electronica und klassischen indischen Stilrichtungen« in die eigene Musik zu integrieren. Immer wieder sucht die 1981 in London geborene Musikerin neue Herausforderungen bei der Arbeit in verschiedenen Ensembles. Sei es an der Seite von Sinfonieorchestern, Jazz- oder Rockformationen. Mit »Land of Gold« hatte Anoushka Shankar im Frühjahr 2016 ein viel beachtetes und bemerkenswertes Album veröffentlicht, das sich mit der Problematik von Kriegsopfern und Flüchtlingen beschäftigt. Stücke von diesem Album standen auch im Mittelpunkt des beeindruckenden Konzertes, das Anoushka Shankar mit ihrem Trio beim Rudolstadt-Festival gegeben hat.

Bomi Song konnte mit eineinhalb Jahren lesen, machte mit 16 die Matura und studierte Musik. Ihre jüngere Schwester Hani stand ihr in nichts nach. »Reporter« hat beide in München getroffen.
»Ich fühlte mich immer als eine Extrawurst«: Bomi Song denkt mit gemischten Gefühlen an ihre Kindheit zurück. Die heute 25-Jährige erstaunte Fachleute mit ihrer Virtuosität an der Geige und Lehrer mit ihrer raschen Auffassungsgabe. Drei Schuljahre übersprang sie.
Als 16-Jährige machte sie die Matura an der Zürcher Kantonsschule für Kunst und Sport. Kurze Zeit später wagte sie, gerade 17 Jahre alt, ganz allein den Schritt an die Universität nach Berlin.
Auch Hani, die jüngere der zwei Song-Schwestern, fühlte sich unwohl mit ihren Talenten. »Ich habe oft extra langsamer gemacht oder versteckt, dass ich schneller oder besser war, als die anderen in meiner Klasse«, erzählt Hani. Sie habe nicht als Streberin gelten wollen und wäre am liebsten wie alle anderen gewesen. Besonders gestört hat die beiden Schwestern das Vorurteil, ihre koreanischen Eltern hätten sie zu Höchstleistungen getrieben. »Unsere Eltern haben uns nicht gepusht, wir wollten selber üben«, sagen die zwei.
Reporterin Nathalie Rufer begleitet die Schwestern seit 13 Jahren und hat sie für die »Reporter«-Reihe über Wunderkinder in München getroffen, wo die beiden inzwischen leben. Dem Geigenspielen sind sie treu geblieben: Hani macht in einem Jahr den Master an der Musikhochschule, Bomi hat eben angefangen, im Orchester des Nationaltheaters zu arbeiten.«

Das Classic Open Air auf dem Berliner Gendarmenmarkt entfällt in diesem Jahr aufgrund der aktuellen Lage. Das rbb Fernsehen zeigt im Rahmen von »Der rbb macht Konzert« die Höhepunkte aus der fast 30 jährigen Erfolgsgeschichte der First Night.
Seit 1992 kommen die Stars aus Oper und Operette, Musical und Chanson, Rock und Pop zur beliebten Sommer Konzertreihe in die Mitte Berlins. Was mit Star Tenor José Carreras begann, ist heute ein musikalisches Crossover Festival, das jedes Jahr Anfang Juli tausende Zuhörer begeistert.
Vor imposanter Kulisse spielten am Gendarmenmarkt Weltstars wie der irische Musiker Chris de Burgh und Sängerin Ute Lemper. Schauspieler Axel Prahl präsentierte sich als wunderbarer Liedermacher, Altmeister René Kollo als charmanter Heldentenor und das Deutsche Filmorchester Babelsberg als großartiger Begleiter. In »Classic Open Air Die Highlights« blickt das rbb Fernsehen zurück auf die Erfolgsgeschichte der First Night – mit großen Melodien von Verdi bis Sinatra, unvergessenen Momenten und natürlich dem atemberaubenden Feuerwerk.

Das Classic Open Air auf dem Berliner Gendarmenmarkt entfällt in diesem Jahr aufgrund der aktuellen Lage. Das rbb Fernsehen zeigt im Rahmen von »Der rbb macht Konzert« die Höhepunkte aus der fast 30 jährigen Erfolgsgeschichte der First Night.
Seit 1992 kommen die Stars aus Oper und Operette, Musical und Chanson, Rock und Pop zur beliebten Sommer Konzertreihe in die Mitte Berlins. Was mit Star Tenor José Carreras begann, ist heute ein musikalisches Crossover Festival, das jedes Jahr Anfang Juli tausende Zuhörer begeistert.
Vor imposanter Kulisse spielten am Gendarmenmarkt Weltstars wie der irische Musiker Chris de Burgh und Sängerin Ute Lemper. Schauspieler Axel Prahl präsentierte sich als wunderbarer Liedermacher, Altmeister René Kollo als charmanter Heldentenor und das Deutsche Filmorchester Babelsberg als großartiger Begleiter. In »Classic Open Air Die Highlights« blickt das rbb Fernsehen zurück auf die Erfolgsgeschichte der First Night – mit großen Melodien von Verdi bis Sinatra, unvergessenen Momenten und natürlich dem atemberaubenden Feuerwerk.

Klassik trifft auf Beats, junge Klassikstars teilen sich mit einem DJ die Bühne: Bei »Klassik im Club« gibt es keine musikalischen Grenzen, dafür überraschende Sounds und Arrangements. Dazu passt ideal die Berliner Szene-Location, das Theater im Delphi. Es gibt den Rahmen für Musik von Erik Satie über spanische Zarzuela bis hin zu der DJ-Version von »Das Boot« und dem Megahit »Rhythm is a Dancer«. Gastgeber von »Klassik im Club« ist Jo Schück.
Die mitwirkenden Künstler:
Die deutsch-japanische Pianistin Alice Sara Ott hat schon als Kind zahlreiche wichtige Wettbewerbe gewonnen. Heute sind die großen Dirigenten und Orchester ihre musikalischen Partner, wenn sie nicht solistisch auftritt. Alice Sara Ott ist eine moderne Künstlerin mit vielen unterschiedlichen Interessen. Ihr Credo: die klassische Musik einem möglichst breiten Publikum nahezubringen.
Fatma Said wuchs in Kairo auf, wo sie auch ihren ersten Gesangsunterricht bekam. Heute lebt die junge Sopranistin in Berlin. Sie gehörte dem Opernstudio der Mailänder Scala an und singt mittlerweile auf den internationalen Bühnen. Sehr wichtig ist Fatma Said soziales Engagement. So wirkte sie unter anderem bei einem Projekt zum Arabischen Frühling mit und trat beim Tag der Menschenrechte vor den Vereinten Nationen in Genf auf.
Die in Paris lebende Cellistin Camille Thomas wurde 2014 von den »Les Victoires de la Musique«, dem französischen Pendant zu den Grammys, als Newcomerin des Jahres ausgezeichnet. Es folgte eine steile Karriere mit Konzerten in aller Welt und zahlreichen TV-Auftritten. 2017 wurde sie mit dem ECHO KLASSIK ausgezeichnet. Ihre neue große Liebe: ein Cello von Antonio Stradivari aus dem Jahr 1730, das sie als Leihgabe für ein Jahr bekommen hat.
Der deutsche DJ und Produzent Alex Christensen errang in den 90er-Jahren mit dem Titellied zu »Das Boot« internationale Aufmerksamkeit. In 22 Ländern stürmte der Track an die Spitze der Charts. Christensen mixt verschiedene Musikrichtungen und hält sich an keine Genregrenzen. So entstanden in Zusammenarbeit mit dem Berlin Orchestra bereits drei Alben, in denen Techno-Dance-Tracks der 90er-Jahre mit klassischer Musik kombiniert werden.
Das Berlin Music Ensemble unter der Leitung von Johannes Zurl vervollständigt das Line-up von »Klassik im Club«. Die Musiker aus verschiedenen Berliner Orchestern haben sich mit Einspielungen für internationale CD-Produktionen, das Fernsehen und Kinofilme einen Namen gemacht.

Moskaus Bolschoi-Ballett, Tokios Nationaltheater und viele mehr – Friedemann Vogel hat die Ballettbühnen der Welt erobert. Ein deutscher Tänzer an der Spitze der Ballettwelt – eine Rarität. Mit seiner außergewöhnlich vollkommenen Körperlinie gelingt es Friedemann Vogel scheinbar mühelos, das Perfektionsstreben des klassischen Balletts vollendet zu erreichen. Der dokumentarische Porträtfilm begleitet die Koryphäe in seinem Lebens- und Schaffensalltag.
An der Seite der Primaballerinen assolutas des 21. Jahrhunderts, wie Polina Semionova und Olga Smirnova, begeistert Friedemann Vogel sein internationales Publikum. Neben zahlreichen signifikanten Tanzpreisen und Tanzauszeichnungen, wie die Ernennung zum »Dancer of the Year« im Jahr 2010 sowie erneut 2019, hat ihm das Land Baden-Württemberg 2015 den Titel »Kammertänzer« verliehen.
Zu den globalen Gastspielen hält sich eine Konstante als Zentrifugalkraft in Friedemann Vogels sagenhafter Karriere: Der gebürtige Stuttgarter ist seinen schwäbischen Wurzeln treu geblieben. Seit seinem Abschluss tanzt er in der Kompagnie der namhaftesten Ballett-Traditionsstätte Deutschlands – dem Stuttgarter Ballett.
Die Dokumentation begleitet Friedemann Vogel ausgehend von der durch den Intendantenwechsel geprägten Heimat bis hin auf das ganz große internationale Parkett bei der »World Ballet Stars Gala« in Moskau und beim »World Ballet Festival« in Tokio. Ans Royal Swedish Ballet in Stockholm wird er zu nichts Geringerem eingeladen, als die Direktionszeit von Nicolas Le Riche zu eröffnen, und nach Berlin folgt er dem Ruf seiner langjährigen Tanzpartnerin Polina Semionova zu ihrer eigenen Gala »Polina and Friends«.
Wenn er dann mal nicht selbst unterwegs ist, kommt die Weltspitze zu ihm in seine Heimat. Gemeinsam mit dem Filmteam hat der kanadische Startänzer Guillaume Côté dort an der von ihm eigens für den Schwaben kreierten Choreografie »Cadavre Exquis« gearbeitet.
Längst ist der Name Friedemann Vogel über die Grenzen der Ballettwelt hinaus bekannt – der Ausnahmekünstler ist auch ein gefragtes Fashion-Fotomodell. Aber auch dabei bleibt er nach eigener Aussage stets der Tänzer, der er von Anbeginn war und immer sein wird. Der 1979 geborene Balletttänzer feierte 2019 sein 20-jähriges Bühnenjubiläum beim Stuttgarter Ballett – für einen Tänzer ein durchaus rentenfähiges Alter. Doch Friedemann Vogel ist in Topform und denkt noch gar nicht daran, seine aktive Zeit zu beenden. Seine Maxime: den Moment mit voller Konzentration auskosten.

Der russische Star-Pianist Evgeny Kissin spielt im Rahmen des »Verbier Festival 2019« zum 250. Geburtstag des Komponisten Ludwig van Beethoven ausgewählte Beethoven-Sonaten. Auf dem Programm stehen Werke für Piano solo, unter anderem die Klaviersonaten Nr. 8 und Nr. 21, besser bekannt als »Pathétique« und »Waldstein«. Beethovens Werke für Soloklavier zählen zu den ersten Meisterwerken, die für das Instrument geschrieben wurden.
Evgeny Kissin ist seit dessen Beginn im Jahr 1994 ein regelmäßiger Gast des »Verbier Festival«. Seit seinem außergewöhnlichen Debüt als Zwölfjähriger, als er in Moskau mit den Moskauer Philharmonikern unter der Leitung von Dimitri Kitajenko Chopin gespielt hat, ist Kissin einer der größten Pianisten seiner Generation. Außerdem gehört er zu den führenden Beethoven-Interpreten seiner Generation. Perfekte Virtuosität und lyrische Musikalität, kombiniert mit unglaublichem Charme, haben den Künstler zu einem weltweiten Phänomen gemacht, dessen Konzerte Konzertsäle auf der ganzen Welt füllen.

Film von Wim Wenders
Anfang der 1960er Jahre standen sich am Potsdamer Platz zwei Bauwerke als konkurrierende Visionen für die Zukunft gegenüber: die Berliner Philharmonie und die Berliner Mauer. Die Philharmonie galt als Zeichen der Offenheit und des Aufbruchs, die Berliner Mauer als Symbol der Angst und Unterdrückung. Ein halbes Jahrhundert später steht dort nur noch Hans Scharouns legendäre Philharmonie, eine atemberaubende Ikone der Moderne.
In Wim Wenders‘ Filmporträt »Die Berliner Philharmonie« erlebt der Zuschauer das Gebäude durch die Augen etlicher Besucher und Mitarbeiter, die alle auf ihre Art tief mit ihm verbunden sind, und lauscht den Orchesterproben im Konzertsaal, wo Scharoun die Bühne radikal neu erfand, indem er es wagte, sie mitten im Publikum zu platzieren. Die Dokumentation erlaubt Blicke und Einblicke in das Innenleben des legendären Hauses. Debussys letztes großes Orchesterwerk »Jeux« bildet den Soundtrack für die bis heute wegweisende Architektur der Philharmonie.

Er war Musiker, Geschäftsmann und Verleger und komponierte Tausende von Musikstücken: Konzerte, Ouvertürensuiten, Opern und vor allem Unmengen an Kammermusik und Kirchenmusik. Indem er deutsche, italienische und französische Einflüsse zu einem unverwechselbaren Personalstil verschmolz, wurde er zu einem der wenigen Komponisten im 18. Jahrhundert, die zu Lebzeiten nicht nur angesehen waren, sondern von ihrem Schaffen auch gut leben konnten.
Dabei sah es zunächst nicht so aus, als würde aus dem jungen Georg Philipp, der am 24. März 1681 in einer Magdeburger Pfarrersfamilie geboren wurde, einmal einer der berühmtesten Komponisten Europas. Musik war in seiner Familie keine angesehene Kunst. So wurde der Junge in den Harz nach Clausthal-Zellerfeld gebracht und in die Obhut des dortigen Superintendenten gegeben. Unter strenger intellektueller Anleitung sollte Telemann die Musik ausgetrieben und mathematisch-technische sowie sprachliche Bildungsinhalte eingetrichtert werden. Das Vorhaben scheiterte auf der ganzen Linie. In Leipzig studierte er Jura. Daneben gründete er das städtische Collegium musicum – den Vorläufer des Gewandhausorchesters.
Später leitete er die Kirchenmusik in Eisenach und Frankfurt, bewarb sich schließlich nach Hamburg. Er bekam die Stelle und arbeitete bis zu seinem Tod als Musikdirektor der fünf Hauptkirchen, war Kantor am Johanneum und ab 1722 auch Leiter der Hamburger Oper. Hier gründete er 1728 zusammen mit Johann Valentin Görner die erste deutsche Musikzeitschrift »Der getreue Musicmeister«. Am 25. Juni 1767 starb Telemann mit 87 Jahren.
Im Gedenkjahr 2017 äußerten sich bekannte Musiker, wie die Telemannbotschafterin Dorothee Oberlinger (Blockflöte), Ludwig Güttler (Trompete), Philipp Jaroussky (Countertenor) und Thomas Fritzsche (Gambe), zur Bedeutung des großen europäischen Komponisten.

Die Liebe seines Lebens ist aus Holz und über 300 Jahre alt: Die Stradivari »Lady Inchiquin« ist die Stimme des Stargeigers Frank Peter Zimmermann. Doch zwei Jahre musste er auf das Sechs Millionen Instrument durch die Insolvenz der Eigentümerin, der WestLB, verzichten. Der Dokumentarfilm begleitet den Geiger bei der Wiederannäherung an seine verloren geglaubte Liebe, seine ureigene Stimme.
Wie aber entsteht eine solche Stimme, wie erschafft man den perfekten Klang? Der Geigenbauer Martin Schleske, ein »Stradivari des 21. Jahrhunderts«, bezeichnet seine Werke als »Klangskulptur«. Für ihn ist es eine existenzielle Erfahrung, wenn aus einem Baum eine Geige, aus Material schließlich Musik werden darf. Was ist die Seele der Geige? Liegt sie im Holz? Ist es das Handwerk? Oder lässt sie der Geiger im Konzertsaal immer wieder neu entstehen?
Eng verwoben erzählen beide Geschichten vom Suchen und Finden des perfekten Klangs.

So richtig nah kann man dem südtiroler Bariton aus dem ladinischen La Val eigentlich nur auf der Bühne kommen. Privat möchte sich der junge Shootingstar der Baritone im Vergleich zu vielen seiner Kollegen nicht so gerne in die Karten schauen lassen.
Wir begleiten diesen zurückhaltenden und spannenden Künstler ein halbes Jahr, der in vielerlei Hinsicht jetzt die Karriereentscheidungen seines Lebens treffen muss. Im Theater an der Wien begeistert er in Anno Schreiers UA »Hamlet« in der Titelpartie, auf der Seiser-Alm gibt er mit dem Pianisten Daniel Heide einen Liederabend und auf Schloss Elmau konzertiert er mit dem Boulanger-Trio
Mit dabei im Reisegepäck des erfolgreichen Musikers sind steter Zweifel, nachhaltiges Hinterfragen der sängerischen Leistung und viel Humor und Charme. Ganz gleich ob er eine Partie in der Oper oder im Lied einstudiert, all seine Kraft, sein musikalisches und darstellerisches Können legt der 32 Jahre jungen Südtiroler in seine Interpretation und sofort wird klar – dieser Sänger, diese Stimme, dieser Farbenreichtum – hier liegt ein enormes Potential. Obwohl Schuen bereits mit den berühmtesten Dirigenten unserer Zeit gearbeitet hat – allein unter Nikolaus Harnoncourt war er in Mozarts Da Ponte Zyklus als Don Giovanni, als Figaro und als Guglielmo zu erleben – ist er sich seiner Sache alles andere als sicher.
Schuen ist ein kluger, nachdenklicher Musiker. Er kennt die Kurzlebigkeit des Theaterbetriebs, analysiert seine Stimme und ihre Fähigkeiten genau und weiß um die behutsame, mutige Planung, die eine Sängerkarriere erfordert. Um dem Alltagswirbel zu entkommen, sucht der Vielreisende stets die Umgebung und das familiäre Umfeld seiner Heimat. Mitten in den Dolomiten in der Musiker-Familie Schuen findet er Unterstützung, Geborgenheit und Rückzug.

SWR Symphonieorchester Konzert vom 14.2.2020 in der Liederhalle Stuttgart
»Scheußlich!« Das Urteil war bei Mahlers ins Extrem gehender Musik nachvollbar. Aber Kollege Strauss sagte bei der Berliner Uraufführung in der Loge zu dem Kritiker neben ihm das Entscheidende: »… es gibt keine Grenzen des musikalischen Ausdrucks.« Darum ging es. Und darum geht es in diesem Konzert. Grenzen werden gesucht und überschritten, das Äußerste wird angestrebt, um schließlich den Durchbruch zu finden. Wer darauf aus ist, muss den Tod ins Auge fassen, die Grenze, die uns allen gegeben ist. Wenn man so will, sind Strauss und Mahler Antipoden: hier ein Alleskönner, dort ein Kämpfer.

Der Dirigent Carlos Kleiber (1930 – 2004), Sohn des Dirigenten Erich Kleiber und Schüler des großen Arturo Toscanini, gilt neben Herbert von Karajan und Wilhelm Furtwängler als einer der bedeutendsten Dirigenten des 20. Jahrhunderts. Intensität, Expressivität und Mut zu einer neuen Deutung der großen Musikwerke prägen Kleibers Werk und machen seine Einzigartigkeit aus.
Gegenüber seinem musikalischen Wirken und seiner künstlerischen Wirkung nimmt sich sein Anspruch an das Leben dagegen eher bescheiden aus: »Ich möchte gerne in einem Garten wachsen, ich möchte, dass die Sonne scheint, ich will essen, trinken und Liebe machen, mehr nicht.«

2019 feierte das Barock-Ensemble Les Arts Florissants sein 40-jähriges Bestehen. Sein Gründer William Christie entwickelte diesen außergewöhnlichen Klangkörper zur Talentschmiede für weltweit führende Interpreten. Neben seiner Leidenschaft für Alte Musik begeistert sich Christie auch für Gartenkunst. 2012 gründete er ein sommerliches Musikfestival unter dem Namen »Dans les jardins de William Christie«, für das er seinen eigenen Landsitz in der westfranzösischen Vendée öffnet. Hier, im Dörfchen Thiré, konzertieren Interpreten aus der ganzen Welt, insbesondere angehende Sänger, die aus Christies Nachwuchsakademie Le Jardin des Voix hervorgegangen sind. In der zauberhaften Atmosphäre der unterschiedlich gestalteten Gärten – sie sind vor allem von historischen Parkanlagen in Italien und Frankreich inspiriert – ergeht sich das Festivalpublikum im Klostergarten, im Pinienwäldchen, an der Zyklopenmauer oder am »Wasserspiegel«, so der Name des Teiches, aus dem sich eine Bühne erhebt.
Glanznummer und Abschluss des heutigen Programms bildet die vom Hausherrn auf der Teichbühne dirigierte »Barocke Odyssee«. Hier im Abendlicht fühlt man sich in die prunkvollen Aufführungen des 18. Jahrhunderts zurückversetzt.
William Christies historisch getreue Interpretationen veranschaulichen, wie wichtig diesem Ensemble Gemeinsamkeit, Begeisterung und Weitergabe sind, dass es aber vor allem die Liebe zur Musik zelebriert.

NDR Elbphilharmonie Orchester, Alan Gilbert
Mit Sol Gabetta, Janine Jansen, Sabine Meier, Andras Schiff, Avi Avital, Martin Grubinger und Xavier de Maistre.

Einen »Sommer der Möglichkeiten« haben die Macher des »Schleswig-Holstein-Musik Festival« ausgerufen, nachdem klar war, dass in diesem Jahr wegen der Corona-Pandemie alles anders sein muss.
Statt vor großem Publikum in Lübeck findet nun die Eröffnung nur vor Kameras statt: auf Gut Hasselburg, einem der malerischen Gründungsorte des Festivals. Mit dabei das NDR Elbphilharmonie Orchester unter Leitung von Alan Gilbert. Weitere Mitwirkende sind die Porträtkünstlerinnen und Künstler der letzten Jahre: Sol Gabetta, Janine Jansen, Sabine Meier, András Schiff, Avi Avital, Martin Grubinger und Xavier de Maistre.

Johannes Brahms: Violinkonzert (1879)

Diese audiovisuelle Konzertführer-Reihe gibt ungeahnte Einblicke in die wichtigsten Werke der Musikgeschichte vom Barock bis zur Moderne und lässt den Zuschauer diese Meisterwerke dabei völlig neu erfahren und genießen. In den einzelnen Folgen erläutern hochkarätige Künstler und Musikwissenschaftler die Entstehungsgeschichte der Stücke, ihre musikalische Struktur und Besonderheiten und setzen sie in Beziehung zum Leben des jeweiligen Komponisten und zu der Zeit, in der sie entstanden.

Johannes Brahms‘ Violinkonzert D-Dur op. 77 ist DAS Violinkonzert der 2. Hälfte des 19. Jahrhunderts. Am 16. und 17. April 2015 spielten Frank-Peter Zimmermann und das Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks das Werk unter der Leitung von Mariss Jansons in der Münchner Philharmonie im Gasteig.
Das Violinkonzert D-Dur op. 77 von Johannes Brahms kann mit Fug und Recht als das bemerkenswerteste Violinkonzert der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts bezeichnet werden. Dieser Status kommt ihm deswegen zu, da sich Brahms mit diesem demonstrativ gegen die Tradition der Werke von Geigenakrobaten wie Niccolò Paganini oder Pablo De Sarasate, aber auch der Violinkonzerte Mendelssohns oder Beethovens stellte. Er betrachtete diese Gattung vom symphonischen Standpunkt aus und strebte die perfekte Ergänzung des Orchesters mit dem Solisten an. Integration statt Demonstration. Die Kritik haderte mit dieser Neuerung und verurteilte das Werk als »gegen die Geige komponiert« und »unvirtuos«, da dem Solisten nicht genügend Freiraum zum Brillieren gegeben würde. Dies bedeutet aber mit Nichten, dass Brahms Violinkonzert simpel zu spielen wäre. Alleine der erste Satz ist mit der längste Satz in der Violinliteratur. Außerdem strotzt es vor technischen Höchstschwierigkeiten, die schon Joseph Joachim, Geigenlegende und enger Freund von Brahms, kurz vor der Uraufführung bedenklich stimmten.
Sich gegen das große Orchester zu behaupten ist nicht immer einfach, oft auch ein Kampf, findet der Stargeiger Frank-Peter Zimmermann. Aber genau darin liegt ja der Reiz des Stückes, im gegenseitigen Geben und Nehmen, Zuhören und Steigern der Wirkung. Erst recht, wenn dies wie am 16. und 17. April 2015 mit einem Klangkörper wie dem Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks unter der Leitung von Chefdirigent Mariss Jansons geschah. Und für Frank-Peter Zimmermann gab es in der Münchner Philharmonie so auch die Gelegenheit dem Orchester zu lauschen. Zum Beispiel in der Einleitung des 2. Satzes. Für Zimmermann immer aufs Neue eine Stelle »zum Niederknien.«

Regie: Francois Roussillon
Inszenierung: Simon McBurney
Orchestre De Paris, Eivind Gullberg Jensen
»The Rake’s Progress« (zu Deutsch: »Die Laufbahn eines Wüstlings«) entstand zwischen 1948 und 1951 und ist eine von Igor Strawinskys wenigen traditionellen Opern. Sie gilt als der Schlusspunkt der neoklassizistischen Periode des Komponisten. In freier Anlehnung an eine Bildserie des englischen Malers William Hogarth zeichnet sie in acht Bildern Aufstieg und Fall eines jungen Erben nach. Das Libretto stammt von dem Dichter W. H. Auden und dem Dramatiker Chester Kallman. Sie gaben nicht nur der Hauptfigur, dem Libertin Tom Rakewell (‚rake’ ist die englische Bezeichnung für Lebemann), sondern auch zwei weiteren Protagonisten vielsagende Namen: dem teuflischen Nick Shadow und der Liebenden Ann Trulove. Der von Nick Shadow vorgeschlagene Faustsche Pakt verspricht Rakewell Reichtum und ein sorgenfreies Leben, das jedoch von Ausschweifungen und Betrügereien geprägt ist: Der von dieser zügellosen Existenz zugrunde gerichtete Libertin endet in der Psychiatrie. Simon McBurney, einer der herausragenden Theatermänner der Gegenwart, siedelt Strawinskys Werk für das Festival von Aix-en-Provence in der heutigen Zeit an: Tom Rakewell erliegt den Illusionen der Finanzspekulation und des schnellen Reichtums. Das zu Anfang völlig weiße Bühnenbild entwickelt sich im Verlauf der Oper zu einer virtuosen Multimedia-Inszenierung, von der Videoprojektion bis hin zur Smartphone-Aufnahme. Die Aufführung ist mit jungen Sängerinnen und Sängern besetzt, allen voran Paul Appleby als naiver Lebemann, Kyle Ketelsen als düsterer Mentor und Julia Bullock als die Liebende. Der Norweger Eivind Gullberg Jensen dirigiert mit großer Eleganz den feurigen Chor English Voices und das Orchestre de Paris.

Die 24. Ausgabe der Folle Journée von Nantes trug den Titel »Vers un monde nouveau« – zu Deutsch »In eine neue Welt«. Das Konzert eröffnet das Ensemble Mikrokosmos unter der Leitung von Loïc Pierre mit einem Festlied zu Ehren der baltischen Völker. Danach folgt das Stück »El cant dels ocells« – zu Deutsch »Der Gesang der Vögel« –, das der katalonische Cellist Pablo Casals seinen während des Spanischen Bürgerkriegs geflüchteten Landsleuten gewidmet hatte. Am Cello ist der französische Musiker Victor Julien-Laferrière zu erleben.Der russische Pianist Denis Mazujew bringt die »Rhapsodie über ein Thema von Paganini« von Rachmaninow zur Aufführung. Dieses virtuose lyrische Stück entstand ebenfalls im Exil. Es spielt das Ural Philharmonic Orchestra unter der Leitung von Dmitri Liss.

Das Musikmagazin

Im Juli 2014 spielte das Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks unter der Leitung von Chefdirigent Mariss Jansons beim Münchner Open-Air-Highlight »Klassik am Odeonsplatz«. Unter dem Motto »Russische Nacht« erklangen Werke u. a. von Tschaikowski, Schostakowitsch und Rimski-Korsakov. Außerdem zu Gast war das berühmteste Balalaika-Ensemble Russlands, das Terem-Quartet.
Es ist das Open Air-Highlight des Münchner Sommers: Klassik am Odeonsplatz! Seit dem Jahr 2000 erfreut sich das Freiluft-Event immer größer werdender Beliebtheit. Bei »Klassik am Odeonsplatz 2014« war das Motto: »Russische Nacht.« Neben bekannten Komponisten wie Tschaikowski, Schostakowitsch und Rimski-Korsakov stand auch eine Uraufführung auf dem Programm: ein Konzert für Balalaika-Quartett und Orchester von Alexander Tschaikowsky. Der 1946 geborene Russe ist nicht verwandt mit seinem Namensvetter Peter Iljitsch.
Das BR-Symphonieorchester wurde für diese exotisch anmutende Besetzung vom Terem-Quartet unterstützt. Als berühmtestes Balalaika-Ensemble Russlands begeistert es seit über 25 Jahren das Publikum. Dabei präsentiert es immer wieder interessante »Cross-over« Projekte, von denen viele auch auf CD erschienen sind.

Ludwig van Beethoven hat schottische Lieder neu bearbeitet – doch über ihren tatsächlichen Ursprung wusste er wenig. Der Komponist war fasziniert von den Volksmusik-Melodien. Dass es sich dabei auch um Klagelieder des verdrängten Volks der Gälen handelte, blieb ihm leider verborgen. Der Gälisch-Experte Michael Klevenhaus aus Bonn reist durch Europa und begibt sich auf Spurensuche. In Wien trifft er den Dirigenten und Beethoven-Biografen Jan Caeyers und durchsucht schottische Archive. Klevenhaus bereist die Highlands und tritt schließlich selbst als Musiker auf – bei einem Gälischen Festival.

Beethoven Volksliederbearbeitungen bilden sicherlich den unbekanntesten und unterschätztesten Anteil seines Gesamtwerks. Der Bonner Gälisch-Experte Michael Klevenhaus will mehr darüber erfahren und begibt sich auf Spurensuche. Von der schottischen Dudelsack-Legende Allan McDonald erfährt er, dass Beethoven ein gälisches Lied per Post zugesandt bekam. Beethoven machte daraus eine klassische Liedbearbeitung. Die Ähnlichkeiten in der Melodie sind frappierend, doch in Beethovens Version findet sich keine Spur des Gälischen. Stattdessen enthält sie einen Text des schottischen Nationaldichters Sir Walter Scott – in englischer Sprache.Beethoven hatte im Auftrag des schottischen Verlegers George Thomson zwischen 1809 und 1820 rund 180 schottische, walisische und irische Volkslieder für eine Begleitung durch klassisches Klaviertrio bearbeitet. Doch weder im Text noch im Titel ist ein Zusammenhang mit dem gälischen Original zu erkennen.Die Dokumentation begleitet Michael Klevenhaus, während er von der konfliktreichen Beziehung zwischen dem Komponisten und seinem schottischen Auftraggeber erfährt, und in Bonn, Wien und in den atemberaubenden Landschaften der schottischen Highlands recherchiert. Mithilfe von lokalen Musikern und Fachleuten findet er immer mehr Hinweise darauf, dass sich in den Liedbearbeitungen einige gälische Originalmelodien verstecken. Vor Beethoven wurde geheim gehalten, dass die Gälen in brutalen Säuberungsaktionen aus den Schottischen Hochländern vertrieben wurden. Auch ihre Sprache und Kultur wurden fast ausgelöscht. Der von revolutionärem Geist beflügelte Beethoven wusste nichts davon.

Film von Roger Brunner
Chormusik fasziniert Christof Franzen seit jeher, und einmal in einem professionellen Chor mitzusingen, ist schon lange ein großer Traum. Nun lädt ihn die Isaakskathedrale zum Casting ein. Gelingt es ihm, bis zur großen Weihnachtsmesse auf ein ansehnliches Niveau zu kommen, darf er mit den erfahrenen Sängern mitsingen. Ob sein Plan aufgehen und Christof Franzen bis zur russischen Weihnacht alle Töne richtig treffen wird? Noch sind die Zweifel groß.
Die Isaakskathedrale ist nicht irgendeine Kathedrale. Im Innern erstrahlt blauer Marmor aus Afghanistan, kunstvolle Mosaike und die 17 Meter hohen Säulen schmücken den klassizistischen Bau aus dem 19. Jahrhundert. Vor dieser imposanten Kulisse mit einem der besten Chöre der Stadt zu singen, wäre ein russisches Wintermärchen. Und plötzlich ist Christof Franzen backstage im Leben der Chorsänger und lernt ihr ganz persönliches Sankt Petersburg kennen, hinter dem goldenen Vorhang der Zarenstadt.

Jedes Jahr am zweiten Juli Wochenende begeistern die Elblandfestspiele an der Alten Ölmühle in Wittenberge tausende Besucher mit großen Melodien, unvergessenen Songs und atemberaubender Artistik.
Zum ersten Mal finden in diesem Jahr die Elblandfestspiele nicht statt. In »Sternstunden am Elbufer« blickt das rbb Fernsehen auf unvergessene Momente zurück. Mit dabei sind Walter Plathe, Johannes Heesters, Stefanie Hertel, Ireen Sheer und viele mehr.
Die Elblandfestspiele sind das größte Sommer Musikfestival im Norden Brandenburgs anfangs ein Operettenfestival, heute ein Sommer Open Air mit großen Arien, beliebten Filmmelodien, tollen Schlagern und grandiosen Pop und Rocksongs.
Berührende Momente gab es in den vergangenen 20 Jahren viele. Als 2004 Bühnen Charmeur Johannes Heesters mit 100 Jahren die Bühne am Elbufer betrat und das Publikum ihn mit Standing Ovations feierte. Als 2008 Operndiva Anna Maria Kaufmann Andrew Lloyd Webbers Hit »Don’t Cry For Me Argentina« sang und für Gänsehaut sorgte. Oder als 2015 Schlagerprinzessin Ella Endlich und die Kinder vom Tanzcentrum Wittenberge mit »Küss mich, halt mich, lieb mich« die Herzen der Zuschauer im Sturm eroberten.

Im Rahmen des Opernfestivals in Aix-en-Provence 2019 liefert Filmemacher Christophe Honoré eine innovative Inszenierung des berühmten Dramas von Giacomo Puccini. Seine geschickt inszenierte »Oper in der Oper« ist eine melancholische Hommage an die faszinierende Figur der Diva, die von Kunst und Liebe lebt und die Gesetze von Zeit und Tod aus den Angeln hebt.
Mit dieser Tosca-Inszenierung schaffte es erstmals ein Puccini-Werk auf die Bühnen des Festivals in Aix-en-Provence. Christophe Honoré vernachlässigt in seiner sehr freien Adaptation die Originalhandlung der Oper zugunsten einer anderen Geschichte: Auf seiner kleinen Bühne tummeln sich Chorsänger, Musiker, Produzenten und Assistenten, um unter den weisen und wohlwollenden Blicken der berühmten Diva die Konzertversion des Puccini-Stücks einzustudieren.Das Stück schildert – zusätzlich zu zahlreichen Nebenhandlungen – die Begegnung zwischen zwei Toscas, die unterschiedlicher nicht sein könnten: Die verblühte einstige Operndiva, die ein letztes Mal von Fans und Autogrammjägern umringt wird, trifft auf die von der großartigen Sopranistin Angel Blue verkörperte naiv-unerfahrene Newcomerin, die ihr Leben und ihre Karriere noch vor sich hat. Zwischen den beiden Frauen entwickelt sich eine Freundschaft, die auf gegenseitigem Respekt und Austausch beruht.Christophe Honoré beleuchtet den Mythos der Diva von der Seite des Niedergangs; der Alterungsprozess erscheint brutal und unaufhaltsam. Die Projektion von Live-Aufnahmen bringt sämtliche Details der meisterhaft einstudierten Choreographie zur Geltung.Das Orchester der Opéra de Lyon spielt unter der Leitung des jungen Dirigenten Daniele Rustioni, der sich dem ausgesprochen lyrischen Stück mit spürbarer Begeisterung widmet. Imposant wirkt auch die farbenfrohe Kulisse, die ohne Effekthascherei auskommt. Die amerikanische Sopranistin Angel Blue, hier zum ersten Mal in dieser Rolle zu sehen, beeindruckt mit ihrem einsatzstarken und berührenden Gesang.

Zum neunten Mal wurde 2019 das Pärnu Music Festival in der estnischen Hafenstadt veranstaltet. Neeme Järvi und seine Söhne Kristjan und Paavo haben es gegründet, inzwischen sind sie allesamt Stardirigenten. Diesmal stand ein besonderes Projekt auf dem Programm. Das Stück »Birthday Korale NJ 80« hat Kristjan zum 80. Geburtstag seines Vaters komponiert: Die Sendung begleitet Paavo beim Proben mit dem Orchester, taucht backstage in das Festivalleben an der Ostseeküste ein, besucht die Familie Järvi in ihrem Ferienhaus und zeigt den norwegischen Cellisten Truls Mørk mit Dvoraks wundervollem Cello-Konzert in h-Moll.
Im Jahr 1980 ist die Familie Järvi aus Estland, das damals zur Sowjetunion gehörte, in die USA emigriert. Danach verstreuten sich die Familienmitglieder auf der ganzen Welt. Heute bringt das nach der Unabhängigkeit Estlands gegründete Festival einmal im Jahr die ganze Familie wieder zusammen. Dabei wohnen die Järvis in einer kleinen Datscha am Rande von Pärnu, die ihnen als Rückzugsort vom Festivaltrubel dient. Darunter eine vierte Järvi, nämlich Paavos und Kristjans Schwester Maarika, die als Flötistin im Festivalorchester spielt.
Die familiäre Atmosphäre beim Musikfestival in Pärnu hat ihren besonderen Reiz. Die Probenzeit ist zwar begrenzt, aber alles läuft entspannter als in den großen Konzertsälen und man ist unter sich. Das zieht regelmäßig andere weltbekannte Künstler an. 2019 war der Stargast der norwegische Cellist Truls Mørk; Paavo Järvi leitet das Festivalorchester. Gemeinsam spielen sie das Cello-Konzert in h-Moll von Antonin Dvorak.

Inszenierung: Ivo van Hove
Chor: Pygmalion
Philharmonica Orchestra, Esa-Pekka Salonen
Mit Karita Mattila (Leokadja Begbick), Sir Willard White (Dreieinigkeitsmoses), Annette Dasch (Jenny), Nikolai Schukoff (Jim Mahoney), Alan Oke (Fatty der »Prokurist«), Sean Panikkar (Jack / Tobby Higgins), Thomas Oliemans (Bill, genannt Sparbüchsenbill), Peixin Chen (Joe, genannt Alaskawolfjoe).

In Mahagonny ist alles erlaubt: Hier, mitten in der Wüste, haben drei Gauner ein künstliches Paradies gegründet, um Goldsuchern aus dem ganzen Land das Geld aus der Tasche zu ziehen. In seiner Oper »Aufstieg und Fall der Stadt Mahagonny« übt Bertolt Brecht scharfe Kritik an der auf Verbrechen und Ausschweifung beruhenden kapitalistischen Welt. Die funkelnden Klänge des Jazz und der Kabarett-Songs stammen von Kurt Weill. Im Juli 2019 erstmals beim Festival von Aix-en-Provence aufgeführt, beweist es noch heute seine politische und soziale Tragweite. Ivo van Hove inszeniert das Stück in einem Filmset-Ambiente und mit Greenscreen-Technik und setzt dabei bewusst verdoppelnd auf das Illusorische, das der ganzen Stadt Mahagonny anhaftet. Esa-Pekka Salonen dirigiert, Annette Dasch gibt die Jenny und Nikolai Schukoff ist Jimmy.
»Mahagonny« beginnt mit der Flucht dreier Gauner, die inmitten der Wüste ein modernes Babylon gründen: eine »Netzestadt«, die für Geld paradiesische Genüsse verspricht. Hier sollen die Goldsucher des ganzen Landes ihr sauer verdientes Geld bei Vergnügungen, Spielen und in Bordellen lassen. Mit der »Dreigroschenoper« hatte das Künstler-Duo Kurt Weill und Bertolt Brecht 1928 einen Riesenerfolg erzielt. Dagegen war die Uraufführung von »Aufstieg und Fall der Stadt Mahagonny« im Jahr 1930 von lautstarken Störmanövern überschattet, hinter denen Drahtzieher der erstarkenden NSDAP standen: Sie waren empört über Sujet, politische Botschaft und Ästhetik der Oper.
Ivo van Hoves Inszenierung spielt durch den Einsatz von Kameras, Videoprojektionen und Greenscreens auf die Welt der Hollywood-Blockbuster an. Die Sänger werden live gefilmt, ihre Silhouetten erscheinen in den auf die Bühne projizierten Filmen. Für den Regisseur bedeutet der Greenscreen ein illusorisches Trugbild, das gewissermaßen auch die ganze Stadt Mahagonny ist.
Was »Mahagonny« bis heute aktuell macht, ist Brechts Reflexion über die Rolle des Einzelnen in den modernen Städten. Auch die Probleme, die der unumschränkte Kapitalismus und der ungezügelte Konsum mit sich bringen, erinnern an unsere Gegenwart, ebenso wie das Spannungsverhältnis zwischen persönlicher Freiheit und gesellschaftlichem Leben.

Saarländisches Staatsballet
Choreographie: Stijn Celis
Saarländisches Staatsorchester, Stefan Neuber

»Furioser Ballettabend«, »großer Coup«, so die Kritiken: »Prometheus« und das Saarländische Staatsballett begeistern. Stijn Celis zeigt in seiner Choreographie zu Beethovens einziger Ballettmusik »Die Geschöpfe des Prometheus« eine enorme tänzerische Kraft und Vielfalt. Elektronische Zwischenspiele von Lorenzo Bianchi Hoesch sorgen zusätzlich für Spannung. Aufzeichnung aus dem Saarländischen Staatstheater Saarbrücken.
Das Saarländische Staatsballett und der Saarländische Rundfunk machen Ludwig van Beethoven zu seinem 250. Geburtstag ein besonderes Geschenk. Denn seine einzige Ballettmusik, »Die Geschöpfe des Prometheus« Opus 43, wird äußerst selten gespielt und ist vielen Musikliebhabern nicht bekannt. Lediglich die Ouvertüre überlebte im Konzertrepertoire.
Nun bringt Ballettdirektor Stijn Celis Beethovens Werk zurück an den Ort, für den es ursprünglich bestimmt war: die Bühne. Bei der Erstaufführung 1801 in der Choreographie von Salvatore Viganò brachte Prometheus den Menschen, anders als in der antiken Sage, nicht das Feuer, sondern entflammte sie für die Künste. Stijn Celis geht in seinem neuen Ballett der Frage nach, was uns die antike Prometheus-Erzählung heute noch sagen kann: Wie viel Prometheus steckt in uns?
Das Saarländische Staatsballett zeigt eine enorme tänzerische Kraft und Vielfalt. Elektronische Zwischenspiele von Lorenzo Bianchi Hoesch sorgen zusätzlich für Spannung.

Orquesta Filarmónica De Buenos Aires, Carlos Vieu
Mit Eduardo Amarillo (Tangotänzer), Aida Garifullina (Sopran)
Arien aus bekannten Opern von Gounod, Puccini und Rimski-Korsakow: Die Dokumentation begleitet die russische Sopranistin Aida Garifullina bei einem Meilenstein ihrer Karriere und folgt ihr auf die Bühne eines der schönsten Opernhäuser der Welt: des Teatro Colón in Buenos Aires. Begleitet von den Musikern des Orquesta Filarmónica de Buenos Aires unter der Leitung des argentinischen Dirigenten Carlos Vieu, schlüpft sie in große und populäre Opernrollen – und in maßgeschneiderte Haute-Couture-Kleider. Und Aida Garifullina taucht auch in eine völlig neue Welt ein: Sie tanzt und singt das erste Mal in ihrem Leben Tango.
Die russische Sopranistin Aida Garifullina trifft in Argentinien auf ein kritisches Publikum, das sie erst gewinnen muss. Neben bekannten Arien wie »Je veux vivre« aus »Romeo und Julia« von Charles Gounod und »O mio babbino caro« von Giacomo Puccini überrascht Aida das Publikum gleich mehrere Male: Zunächst mit der nicht nur in Argentinien weitgehend unbekannten Arie »Allmächt‘ger Zar« aus der Oper »Schneeflöckchen« von Nikolai Rimski-Korsakow. Aida hat es sich zur Aufgabe gemacht, die Arie des russischen Komponisten ihrem neuen Publikum vorzustellen und hofft, die Zuhörer mit ihrer Begeisterung anzustecken – was ihr auch gelingt.
Als zweite Überraschung bietet die junge Starsopranistin eine Premiere: Noch nie zuvor hat Aida die Partie der Mimì aus »La Bohème« von Giacomo Puccini auf einer großen Bühne und in Begleitung eines Orchesters gesungen. Die große Arie »Sì. Mi chiamano Mimì« probiert Aida im Teatro Colón also zum ersten Mal.
Als Zugabe singt sie das populäre Lied »Por una cabeza« des Tango-Komponisten Carlos Gardel. In Buenos Aires kennt jeder die Melodie und den Text, und so stimmt nach Aidas Aufforderung zum Mitsingen tatsächlich das ganze Publikum mit ein. Aida Garifullina ist zum ersten Mal in Argentinien und lässt sich deshalb auch einen Abstecher in die Tangoszene nicht nehmen.

Zum neunten Mal wurde 2019 das Pärnu Music Festival in der estnischen Hafenstadt veranstaltet. Neeme Järvi und seine Söhne Kristjan und Paavo haben es gegründet, inzwischen sind sie allesamt Stardirigenten. Diesmal stand ein besonderes Projekt auf dem Programm. Das Stück »Birthday Korale NJ 80« hat Kristjan zum 80. Geburtstag seines Vaters komponiert: Die Sendung begleitet Paavo beim Proben mit dem Orchester, taucht backstage in das Festivalleben an der Ostseeküste ein, besucht die Familie Järvi in ihrem Ferienhaus und zeigt den norwegischen Cellisten Truls Mørk mit Dvoraks wundervollem Cello-Konzert in h-Moll.
Im Jahr 1980 ist die Familie Järvi aus Estland, das damals zur Sowjetunion gehörte, in die USA emigriert. Danach verstreuten sich die Familienmitglieder auf der ganzen Welt. Heute bringt das nach der Unabhängigkeit Estlands gegründete Festival einmal im Jahr die ganze Familie wieder zusammen. Dabei wohnen die Järvis in einer kleinen Datscha am Rande von Pärnu, die ihnen als Rückzugsort vom Festivaltrubel dient. Darunter eine vierte Järvi, nämlich Paavos und Kristjans Schwester Maarika, die als Flötistin im Festivalorchester spielt.
Die familiäre Atmosphäre beim Musikfestival in Pärnu hat ihren besonderen Reiz. Die Probenzeit ist zwar begrenzt, aber alles läuft entspannter als in den großen Konzertsälen und man ist unter sich. Das zieht regelmäßig andere weltbekannte Künstler an. 2019 war der Stargast der norwegische Cellist Truls Mørk; Paavo Järvi leitet das Festivalorchester. Gemeinsam spielen sie das Cello-Konzert in h-Moll von Antonin Dvorak.

Komische Oper von Wolfgang Amadeus Mozart und Lorenzo da Ponte
Aufzeichnung aus der Oper Leipzig 1995
Sein Motto »Kunst ist da, um Langeweile zu vertreiben« hat dem englischen Regisseur John Dew weltweit Anerkennung, aber auch Kritik der Opern-Puristen eingebracht. Mit kurzweiligen, unterhaltsamen Inszenierungen »übersetzte« er die großen Werke der Oper gewissermaßen für unsere Zeit, ohne dabei die Figuren zu denunzieren oder gar das Stück zu beschädigen. In Leipzig inszenierte John Dew einen Mozart-Zyklus, der ganz in diesem Sinne Figaro, Don Giovanni oder Fiordiligi als Menschen unserer Tage erscheinen lässt, wie sie in einer modernen Großstadt zu beobachten sind. Die jungverlobten Offiziere Ferrando und Guglielmo wetten mit Don Alfonso, dass ihre Bräute Fiordigili und Dorabella treu sein können. Doch Don Alfonso stellt den Mädchen eine Falle: Die beiden Offiziere rücken angeblich ins Feld. Den Mädchen stellen sofort zwei Fremde nach, vor deren Liebesbeteuerungen sie sich nicht retten können. Nach einem Vergiftungsversuch lässt der Widerstand der Mädchen nach. Als für die beiden Paare das Hochzeitsessen vorbereitet wird, verschwinden die Fremden und erscheinen als die beiden verlobten Offiziere wieder. Don Alfonso hat die Wette gewonnen und versöhnt die Paare miteinander.

Gewandhausorchester Leipzig, Chor der Oper Leipzig
Musikalische Leitung – Johannes Wildner
Inszenierung – John Dew
Fiordiligi – Eva Bátori
Dorabella – Annette Markert
Despina – Hendrikje Wangemann
Ferrando – Sangho Choi
Guglielmo – Robert Heimann
Don Alfonso – Roland Schubert

2019 feierte das Barock-Ensemble Les Arts Florissants sein 40-jähriges Bestehen. Sein Gründer William Christie entwickelte diesen außergewöhnlichen Klangkörper zur Talentschmiede für weltweit führende Interpreten. Neben seiner Leidenschaft für Alte Musik begeistert sich Christie auch für Gartenkunst. 2012 gründete er ein sommerliches Musikfestival unter dem Namen »Dans les jardins de William Christie«, für das er seinen eigenen Landsitz in der westfranzösischen Vendée öffnet. Hier, im Dörfchen Thiré, konzertieren Interpreten aus der ganzen Welt, insbesondere angehende Sänger, die aus Christies Nachwuchsakademie Le Jardin des Voix hervorgegangen sind. In der zauberhaften Atmosphäre der unterschiedlich gestalteten Gärten – sie sind vor allem von historischen Parkanlagen in Italien und Frankreich inspiriert – ergeht sich das Festivalpublikum im Klostergarten, im Pinienwäldchen, an der Zyklopenmauer oder am »Wasserspiegel«, so der Name des Teiches, aus dem sich eine Bühne erhebt.
Glanznummer und Abschluss des heutigen Programms bildet die vom Hausherrn auf der Teichbühne dirigierte »Barocke Odyssee«. Hier im Abendlicht fühlt man sich in die prunkvollen Aufführungen des 18. Jahrhunderts zurückversetzt.
William Christies historisch getreue Interpretationen veranschaulichen, wie wichtig diesem Ensemble Gemeinsamkeit, Begeisterung und Weitergabe sind, dass es aber vor allem die Liebe zur Musik zelebriert.