Klassik im TV und Klassik im Allgäu

Erl gehört mit seinen traditionellen Tiroler Häusern rund um die Kirche zu den ältesten Dörfern des Inntales. Zum Jahreswechsel genießt Ioan Holender ein umfangreiches Kulturprogramm inmitten dieser idyllischen Alpenschneelandschaft anlässlich Bernd Loebes erster Wintersaison bei den Tiroler Festspielen.
Neben den mittelalterlichen Passionsspielen wurden die Festspiele in Erl schon seit über zwanzig Jahren zu einem festen Bestandteil der Tiroler Kulturlandschaft. Der neue künstlerische Leiter der Tiroler Festspiele in Erl und langjähriger Intendant der Frankfurter Oper hat neben Dvoraks »Rusalka«, Donizettis »Liebestrank« und Bachs Weihnachtsoratorium auch ein Neujahrskonzert unter Karsten Januschke auf seinen Winterspielplan gesetzt. Im Gespräch mit Ioan Holender stellt Intendant Loebe das Herzstück seines Festivals – das Tiroler Festspielhaus, vor, dessen Saal selbst ein Instrument ist. Zu Wort kommt auch Festspielpräsident Hans Peter Haselsteiner, der den Bau des Festspielhauses ermöglichte. Johann Dresch, Obmann der Passionsfestspiele Erl, erzählt Ioan Holender, dass sein Haus ursprünglich ausschließlich für die alle sechs Jahre stattfindenden Passionsspiele erbaut wurde. Heute werden in der Sommersaison Opern sowie ein Großteil der Konzerte der Erler Tiroler Festspiele im Passionsschauspielhaus ebenfalls erfolgreich präsentiert.

WDR Sinfonieorchester, Cristian Măcelaru
Solistin: Alice Sara Ott (Klavier)
– Sean Shepherd: Melt
– Maurice Ravel: Konzert für Klavier und Orchester G Dur
– Erik Satie: Gnossienne Nr. 3
– Igor Strawinsky: Der Feuervogel, Ballett in zwei Akten
Klimawandel und Klangkunst: Das WDR Sinfonieorchester begibt sich mit der Pianistin Alice Sara Ott und Chefdirigent Măcelaru ins Spannungsfeld zwischen Feuervogel und Gletscherschmelze.- Der Amerikaner Sean Shepherd greift das Thema der globalen Gletscherschmelze in seinem Orchesterstück »Melt – Schmelze« auf. Mit ihrer vitalen Klanglust und dem schillernden Farbenspiel schlägt diese Musik einen Bogen zum Impressionismus und zur frühen Moderne.
Zu den Schlüsselwerken dieser Zeit zählt das Ballett »Der Feuervogel« von Igor Strawinsky. Heute mag man angesichts der Erderwärmung die zerstörerische Kraft des Feuers vor Augen haben, doch Strawinskys »Feuervogel« ist ein Glücksbringer. Er hilft, einen zerstörerischen Zauber zu bannen und Verwunschene zu befreien. »Funkelnde, gelassene Eleganz« attestierte der Kölner Stadtanzeiger der deutsch japanischen Pianistin Alice Sara Ott nach ihrem gefeierten WDR Gastspiel im Januar 2018.

Obwohl er als Universitätsmusikdirektor und Kompositionsprofessor am Konservatorium eine geachtete Person des Leipziger Musiklebens war – umworben von den Verlegern, geschmäht von den Kritikern, aber regelmäßig aufgeführt im Gewandhaus – wurde die Uraufführung seines Klavierkonzerts am 15. Dezember 1910 von der Kritik radikal verrissen.
Das Werk wurde von der Pianistin Frieda Kwast-Hodapp unter dem Dirigat von Arthur Nikisch gespielt. Auch wenn die Presse das Werk als »Fehlgeburt« verwarf, war Reger selbst begeistert und titulierte die Solistin mit dem ihm eigenen Humor scherzhaft als »Frau Kwast-Hutab«. Im Februar 1912 schrieb Reger an Herzog Georg II. von Sachsen-Meiningen: »Mein Klavierkonzert wird für Jahre noch unverstanden bleiben; die Tonsprache ist zu herb und zu ernst.«
Dass dies nicht so ist, haben musterhafte Einspielungen dieses »Klaviergebirges« von Rudolf Serkin und Marc-André Hamelin bewiesen. Peter Serkin, der Sohn des Pianisten Rudolf Serkin, ist bis heute ein unermüdlicher Verbreiter des Reger-Konzerts.
Mit der »Pastorale« im zweiten Konzertteil setzt Herbert Blomstedt seinen Beethoven-Zyklus mit dem Gewandhausorchester fort. Mit den »Erinnerungen an das Landleben«, wie der Komponist seine 6. Symphonie untertitelt, ist nicht lautmalerische Detailverliebtheit gemeint, sondern »mehr Ausdruck der Empfindung als Malerei«.
Das Konzert wurde am 19. und 20. Mai 2016 anlässlich des 100. Todestags von Max Reger im Leipziger Gewandhaus für ARTE aufgezeichnet.

»Das Wort ‚Klassik` ist altmodisch und völlig unrichtig. Kein Mensch kann das heute mehr erklären«, sagt Christoph Eschenbach, einer der größten Dirigenten unserer Zeit. Und weiter: »Es gibt diese unglaubliche Menge an Musik aus den letzten 500 Jahren in der Welt.«
Dazu gehören unter anderem die Sinfonie Nr. 3 D-Dur op. 29 von Peter Tschaikowsky, auch die »Polnische« genannt, aus dem Jahr 1875, oder die Ouvertüre aus der Oper »Ruslan und Ludmilla« von Michail Glinka, entstanden 1837.
Beides präsentiert Christoph Eschenbach zusammen mit dem NDR Sinfonieorchester (dem heutigen NDR Elbphilharmonie Orchester) beim Abschlusskonzert des Schleswig-Holstein Musik Festivals 2012 mit solcher Hingabe und Leidenschaft, dass die Entstehungsjahre dieser Werke oder die Begrifflichkeit der »Klassik« wahrlich bedeutungslos werden. Was zählt, ist die Musik, die den Raum erfüllt.

Als Beethoven im Alter von 56 Jahren in Wien stirbt, taucht ein Testament auf, das er 25 Jahre vor seinem Tod verfasst hat. Es offenbart: Bereits mit 31 Jahren ist Beethoven praktisch taub.
Noch bevor er die meisten seiner bahnbrechenden Werke komponiert und Musikgeschichte geschrieben hat. Ein tauber Komponist? Wie ist so etwas möglich? Der Film geht diesem Rätsel nach und ergründet die Zusammenhänge zwischen Krankheit und Werk des Musikgenies.
Was gibt Beethoven die Kraft, den Kampf gegen seine fortschreitende Krankheit aufzunehmen? Inwiefern spiegelt sich sein außergewöhnliches Schicksal in seiner Musik wider, und welchen Einfluss hat die Taubheit auf sein Werk?
Aufbrausend, jähzornig, griesgrämig – das ist das gängige Bild von Ludwig van Beethoven, dem Komponisten mit der wilden Löwenmähne. Doch »Die Akte Beethoven« zeigt: Es gibt auch einen anderen Beethoven – jung, sprühend vor Witz und Temperament, lebenslustig und vor allen Dingen kämpferisch.
Beethoven-Experten wie der Biograf Jan Caeyers, die Dirigentin Simone Young, der Pianist Lars Vogt und die Musikwissenschaftlerin Julia Ronge vom Beethoven-Haus Bonn kommentieren die außergewöhnliche Schaffenswut, mit der Beethoven auf seine Diagnose reagiert, und geben Einblicke in die engen Verknüpfungen zwischen Leben, Leiden und Werk des Komponisten.
In aufwendig inszenierten Spielszenen schlüpft Lars Eidinger (»Alle Anderen«, »Was bleibt«) in die Rolle des jungen Beethoven, begleitet von Pheline Roggan (»Soul Kitchen«), die zur »unsterblichen Geliebten« wird. Der gesamte Film ist ausschließlich mit Musik von Ludwig van Beethoven vertont und macht »Die Akte Beethoven« so nicht nur zu einem außergewöhnlichen Seherlebnis, sondern auch zu einer Hommage an die Musik Beethovens.
Abgerundet wird der Film durch hochwertige Animationen, umgesetzt von Ali Soozandeh (»The Green Wave«, »Camp 14«), die die wichtigsten Stationen der Krankengeschichte Beethovens illustrieren. Der Kulturkrimi »Die Akte Beethoven« ist Teil der Reihe »Die Kulturakte«, die Hochkultur neuartig und für ein breites Publikum erzählt. Zusätzlich zum Film entstanden eine Graphic Novel sowie eine App, die die eindrucksvolle Lebensgeschichte Beethovens quer durch die Medien erlebbar machen.

Erl gehört mit seinen traditionellen Tiroler Häusern rund um die Kirche zu den ältesten Dörfern des Inntales. Zum Jahreswechsel genießt Ioan Holender ein umfangreiches Kulturprogramm inmitten dieser idyllischen Alpenschneelandschaft anlässlich Bernd Loebes erster Wintersaison bei den Tiroler Festspielen.
Neben den mittelalterlichen Passionsspielen wurden die Festspiele in Erl schon seit über zwanzig Jahren zu einem festen Bestandteil der Tiroler Kulturlandschaft. Der neue künstlerische Leiter der Tiroler Festspiele in Erl und langjähriger Intendant der Frankfurter Oper hat neben Dvoraks »Rusalka«, Donizettis »Liebestrank« und Bachs Weihnachtsoratorium auch ein Neujahrskonzert unter Karsten Januschke auf seinen Winterspielplan gesetzt. Im Gespräch mit Ioan Holender stellt Intendant Loebe das Herzstück seines Festivals – das Tiroler Festspielhaus, vor, dessen Saal selbst ein Instrument ist. Zu Wort kommt auch Festspielpräsident Hans Peter Haselsteiner, der den Bau des Festspielhauses ermöglichte. Johann Dresch, Obmann der Passionsfestspiele Erl, erzählt Ioan Holender, dass sein Haus ursprünglich ausschließlich für die alle sechs Jahre stattfindenden Passionsspiele erbaut wurde. Heute werden in der Sommersaison Opern sowie ein Großteil der Konzerte der Erler Tiroler Festspiele im Passionsschauspielhaus ebenfalls erfolgreich präsentiert.

Die »Messa da Requiem« ist Verdis persönlichstes Werk. Der Opernkomponist setzte die volle Palette seiner kompositorischen Mittel ein, um den in sich gefangenen Menschen darzustellen: seine Ängste vor dem Tod ebenso wie seinen Wunsch nach Erlösung. Der große Italiener schrieb sein »Requiem« 1868 unter dem Eindruck des Todes seines Komponistenkollegen Gioachino Rossini. Keimzelle der groß angelegten Totenmesse ist der damals entstandene Satz »Libera me«: »Rette mich, Herr, vor dem ewigen Tod…«. Alle weiteren Sätze sind nach dem Tod des großen italienischen Romanciers Alessandro Manzoni 1873 entstanden. Verdi und Manzoni waren in respektvoller Freundschaft verbunden. Beide setzten sich für das »Risorgimento« ein, die italienische Nationalbewegung für die Vereinigung der damals in viele kleine Fürstentümer zersplitterten italienischen Halbinsel.
Die Komposition des »Requiem« fällt ins zeitliche Umfeld von Verdis Oper »Aida«, deren Uraufführung 1871 im Opernhaus in Kairo ein großer Erfolg war. Somit erscheint das »Requiem« als ein Werk der späten Reifezeit. Mit einem Augenzwinkern wird das Stück oft als Verdis »beste Oper« bezeichnet, denn es bietet einen überbordenden dramatisch-musikalischen Reichtum, der seinen Opern in nichts nachsteht.
Nach den berühmten Totenmessen von Mozart (»Requiem«), Berlioz (»Grande Messe des Morts«) oder Brahms (»Ein deutsches Requiem«) ist Verdis »Messa da Requiem« vielleicht der Höhepunkt dieser Werkform. Die Uraufführung fand 1874 in der Mailänder Kirche San Marco statt.
Aufzeichnung vom 20. April 2019 bei den Osterfestspielen im Festspielhaus Baden-Baden.
Gesungen in lateinischer Sprache.

Konzerthaus Berlin vom 06.12.2018
Ludwig van Beethoven: 5. Klavierkonzert Es-Dur, op. 73
Als Beethoven sein 5. Klavierkonzert schreibt, steht Napoleon gerade mit seinen Truppen vor Wien. Beethoven klagt über Kriegslärm und Elend. Trotzdem ist das sogenannte »Emperor Concerto« nicht nur heroisch, sondern auch lyrisch und zart. Jan Lisiecki präsentiert alle Facetten des Konzerts zusammen mit der Academy of St Martin in the Fields, geleitet von Tomo Keller.
Eigentlich hätte Murray Perahia der Solist sein sollen: Geplant war ein Zyklus aller Beethoven-Klavierkonzerte mit der Academy of St Martin in the Fields. Doch Perahia musste die gesamte Beethoven-Europatour krankheitsbedingt absagen. Es sprang ein Musiker ein, der fast ein halbes Jahrhundert jünger ist: der kanadische Pianist Jan Lisiecki. Alle fünf Klavierkonzerte von Beethoven gehören fest zu seinem Repertoire, er hat sie bereits mehrmals als Zyklus aufgeführt. Lisiecki, geboren 1995, gilt als Shootingstar unter den jungen Pianisten. Schon mit 15 hat die Deutsche Grammophon ihn unter Vertrag genommen, doch diese Tour war seine erste Zusammenarbeit mit der Academy of St Martin in the Fields.

Anne-Sophie Mutter, Maximilian Hornung, Mariss Jansons und das Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks gestalteten das berühmte Doppelkonzert von Johannes Brahms. Ein absolutes Highlight im Konzertrepertoire. Der berühmte Geiger Joseph Joachim, der in der Kölner Uraufführung 1887 den Violinpart gestaltete, sah sich gar zur Aussage hingerissen, dem »Doppelkonzert fast den Vorrang vor seinem Violinkonzert zugestehen« zu wollen.
Sie ist einer der wenigen Stars, die man auch außerhalb der Klassikszene kennt: die Weltklassegeigerin Anne-Sophie Mutter. Im November 2015 teilte sie sich das Podium mit dem Star-Cellisten Maximilian Hornung. Mit dem Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks spielten sie das Doppelkonzert a-Moll, op. 102 von Johannes Brahms. Chefdirigent Mariss Jansons leitete im Herkulessaal der Münchner Residenz ein Werk, das zu Beginn keineswegs unumstritten war.
»Schon die Gattung hat von Haus aus etwas Bedenkliches. So ein Doppelkonzert gleicht einem Drama, das anstatt eines Helden deren zwei besitzt, welche einander nur im Wege stehen.« So skeptisch äußerte sich der Wiener Kritikerpapst Eduard Hanslick, eigentlich ein Befürworter der Brahmsschen Musik, zu diesem Konzert für Violine, Violoncello und Orchester. Und so machte sich Brahms in der Entstehungszeit 1887 des Werkes lustig über sich selbst, bezeichnete es selbst sogar als »Dummheit«, dieses in der Barockzeit sowie in der Klassik als concerto grosso bzw. sinfonia concertante sehr beliebte Genre neu zu beleben. Gelungen ist ihm dieses – sein letztes – Orchesterwerk allemal. Denn wie bereits in seinem Violinkonzert legte Brahms auch größten Wert auf das gemeinsame Musizieren, das Miteinander – das genaue Gegenteil dessen, was von Hanslick kritisierte.
Auf künstlerischer Ebene sind Anne-Sophie Mutter und der erst 30-jährige Maximilian Hornung einander vertraut. Hornung war als junger Cellist Stipendiat in Mutters Stiftung, 2007 hat er mit dem »Tecchler Trio« den 1. Preis beim Internationalen ARD-Musikwettbewerb gewonnen, zwei Jahre später war er festes Ensemble-Mitglied beim Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks, hat sich später aber dann vollständig seiner Karriere als Solocellist gewidmet.

In Rotterdam spielt Daniel Müller-Schott zusammen mit dem Rotterdam Philharmonic Orchestra unter der Leitung des britischen Dirigenten Sir Mark Elder das Cellokonzert von Edward Elgar. Elgars Cellokonzert, ein Meisterwerk der Spätromantik, hat den jungen Daniel Müller-Schott schon im Teenageralter zu Tränen bewegt, als er es zum ersten Mal hörte. Für ihn gehört es zum Handwerk eines Musikers, sich mit seinem Instrument auch auf anderen Ebenen auseinanderzusetzen. Wie zum Beispiel, wenn er seinen Cellobauer Dietmar Rexhausen am Schliersee besucht, um weiter am Klang seines Cellos zu arbeiten. Handwerk und Kunst arbeiten hier Hand in Hand; immer wieder verändert der Geigenbauer Kleinigkeiten am Instrument, um dem Cellisten bei der Suche nach dem perfekten Klang zu unterstützen. Daniel Müller-Schott, dessen Konzerte stets ausverkauft sind, tankt die für seine Auftritte notwendige Kraft in München und genießt es, in seiner Heimatstadt zur Ruhe zu kommen. Hier lebt und arbeitet der knapp 39-jährige Cellist, hier lässt er sich gleichermaßen von den Bergen wie von den Museen inspirieren. Wie Ende Juni, wenn er im Rahmen einer Kunst-Aktion des Lenbachhauses München eine Cello-Sonate von J. S. Bach unter freiem Himmel spielt, um anschließend gemeinsam mit dem englischen Street-Art Künstler Daniel Mann einen Pavillon mit Graffiti zu verzieren. In der Auseinandersetzung mit dem Cellokonzert von Elgar verlässt sich Daniel Müller-Schott nicht nur auf seinen Instinkt. Für ihn gilt Edward Elgars Cello Concerto als das letzte große Werk des Komponisten, der zu Beginn des 20. Jahrhunderts nicht nur von Richard Strauss als »erster englischer Moderner« gehandelt wurde. Nostalgie und Abschiedsschmerz, aber auch ein kämpferischer Gestus durchziehen Elgars Cello-Konzert, dessen zentrales Thema Daniel Müller-Schott im Geiste Schumanns begreift und in all seiner Vielschichtigkeit zum Klingen bringt.

Lorin Maazel mit dem Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks

Zwischen Zerbrechlichkeit, Empfindsamkeit und Perfektion: Für Freunde wie Charlie Chaplin, aber auch für viele heutige Musiker war und ist die Schweizer Klaviervirtuosin Clara Haskil (1895-1960) eine Interpretin, die wie keine andere Maßstäbe gesetzt hat. Die in Bukarest geborene Rumänin hat als Jüdin zwei Weltkriege überlebt und bewahrte sich trotz ihrer labilen Gesundheit stets ihre Kraft. Die Dokumentation folgt dem umtriebigen Leben der Ausnahmekünstlerin, das von Bukarest über Paris und die Schweiz bis nach London und New York führte. Anhand von unveröffentlichten Klaviereinspielungen, Briefen und Interviews zeigt er die faszinierende Musikerin in neuem Licht, deren zeitlose Modernität bis heute ungebrochen ist.

Das 2012 von Laurence Equilbey gegründete Insula Orchestra spielt auf historischen Instrumenten und experimentiert gern mit neuen Konzertformaten. Im Sommer 2018 stellt die französische Dirigentin mit ihrem Ensemble sowie dem Kammerchor accentus im Pariser Kulturzentrum La Seine Musicale ein wenig bekanntes Werk Mozarts vor, das jedoch als Vorläufer der »Zauberflöte« bezeichnet werden kann: die Bühnenmusik zu »Thamos, König in Ägypten«. Maßgeblich zur Wirkung der Aufführung trägt eine außergewöhnliche Bildgestaltung von Yannis Kokkos bei, der das musikalische Geschehen mit einer reizvollen Mischung aus Video, Grafik und Live-Animation untermalt.

Chor: accentus
Orchester: Insula Orchestra
Dirigent: Laurence Equilbey
Bühnenbild: Yannis Kokkos
Video: Emmanuel Larue
Zeichner, Grafiker: Guillaume Carreau
Regie: Isabelle Soulard
Mit Sandrine Piau (Sopran), Aline Martin (Alt), Reinoud Van Mechelen (Tenor), Andreas Wolf (Bariton)

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