Klassik im TV und Klassik im Allgäu

Programm:
– Edward Elgar: Konzert für Violoncello und Orchester, e-Moll, op. 85
– Dorothy Howell: »Lamia« für Orchester
– Mieczyslaw Weinberg: Sinfonie Nr. 3 h-Moll, op. 45
Orchester: City of Birmingham Symphony, Orchestra
Musikalische Leitung: Mirga Grazinyté-Tyla

Bei den jährlichen »BBC Proms« in der Royal Albert Hall in London konzertierte im August 2019 das City of Birmingham Symphony Orchestra unter dem Dirigat von Mirga Grazinyté-Tyla.

Anfang der 60er Jahre standen sich am Potsdamer Platz zwei Bauwerke als konkurrierende Visionen für die Zukunft gegenüber: die Berliner Philharmonie, ein Zeichen der Offenheit und des Aufbruchs, und die Berliner Mauer, ein Symbol der Angst und Unterdrückung. Ein halbes Jahrhundert später steht im Herzen von Berlins kulturellem Zentrum, in der einst vom Krieg verwüsteten Stadtlandschaft, nur noch Hans Scharouns legendäre Philharmonie, eine atemberaubende Ikone der Moderne.In Wim Wenders‘ »Die Berliner Philharmonie« erlebt der Zuschauer das Gebäude durch die Augen etlicher Besucher und Mitarbeiter, die alle auf ihre Art tief mit ihm verbunden sind. ARTE lauscht den Orchesterproben im Konzertsaal, wo Scharoun die Bühne radikal neu erfand, indem er es wagte, sie mitten im Publikum zu platzieren. Die Dokumentation erlaubt Blicke und Einblicke in das Innenleben des legendären Hauses. Debussys »Jeux« bildet den Soundtrack für die bis heute wegweisende Architektur der Philharmonie.

2008 etablierte sich ein elegantes neues Bauwerk in dem von Problemen belasteten Hafen im Zentrum von Oslo. Das vom Architekturbüro Snøhetta gestaltete Opernhaus erwächst aus dem Fjord und beherbergt die Norwegische Oper und das Ballett. Sein scheinbar endloses, schneeweißes Marmordach und das elegante Interieur ziehen gleichermaßen Besucher an. Die Architektur lässt hier die üblicherweise strikte Trennung zwischen innen und außen verschwimmen – und bietet so eine einzigartige Mischung aus Hochkultur und Naherholung. Margareth Olins Film »Das Opernhaus Oslo« dokumentiert die zahllosen Menschen, die das schneeweiße Dach täglich überqueren, und Hunderte von Mitarbeitern und Performern des Hauses, die das Leben »dort oben« auf die Bühne übertragen. Er zeigt, wie sehr dieses Gebäude eine Symbiose von Kunst und Leben darstellt.

Der Film erzählt Mozarts große Liebe zu Mannheim nach, ohne Anspruch auf Vollständigkeit, indem er die Orte und Personen wieder zum Leben erweckt, die für Mozart wichtig waren. Gesprächspartner dafür sind weltberühmte Mozartkenner wie Dirigenten, darunter Nikolaus Harnoncourt, die ihre Leidenschaft für das musikalische Genie aus Salzburg bekunden.
Viermal war Wolfgang Amadeus Mozart in der kurpfälzischen Residenzstadt Mannheim, insgesamt waren es 176 Tage. Hier hörte er zum ersten Mal das beste Orchester seiner Zeit und schloss enge Freundschaften mit den Ausnahmemusikern der berühmten »Mannheimer Schule«. Und vor allem begegnete er seiner ersten großen und unglücklichen Liebe: der damals 16-jährigen Sängerin Aloysia Weber. Ihre Schwester Konstanze wurde später seine Frau. Mannheim war also weit mehr als nur eine Episode in Mozarts Leben, aber auch mehr als eine Episode in seinem Werk. Zwar entstanden hier keine seiner großen Opern und Sinfonien, aber, nicht zuletzt wohl Aloysias wegen, einige der schönsten Konzertarien, sein berühmtes Flötenkonzert und viele Sonaten für Klavier und Violine. In keiner Stadt hatte Mozart sich bis dahin so wohl und in seinem musikalischen Genie so verstanden gefühlt wie in Mannheim. Das beweist ein Brief an seinen Vater, in dem er schreibt, »Mit einem Wort: wie ich Mannheim liebe, so liebt auch Mannheim mich.«
Wo ist Mozart heute in Mannheim? Was ist davon geblieben? Wie setzen sich junge Menschen heute mit ihm und seiner Musik auseinander? Das ist die zweite Spurensuche dieses Films. Sie führt in die Musikhochschule des Landes, zum hochbegabten Nachwuchs in der Städtischen Musikschule und zu ganz normalen Kindern der »Mozartschule«. Es gibt ein Gespräch mit der legendären Primaballerina bei John Cranko und der Professorin an der Akademie des Tanzes, Birgit Keil, die eine Choreografie zu einer Mannheimer Liebesarie von Mozart für diesen Film schaffen ließ. Und es wird der Frage nachgegangen, ob Hip-Hop und Klassik sich versöhnen lassen. Nicht zuletzt wird gezeigt, wie Mannheim sich im Laufe der Jahrhunderte zu einer Stadt mit vielen Kulturen entwickelt hat. Der Film zeigt auch, dass es nicht immer ein »Zusammenprall der Kulturen« sein muss, wenn junge Türken sich mit Mozart und seiner Musik befassen.

Robert Schumann ist gerade 19 Jahre alt als er im Mai 1829 nach Heidelberg kommt. Er ist ein ehrgeiziger junger Mann, hat ein hervorragendes Abitur gemacht und bereits ein Semester in Leipzig studiert. Das Studium der Rechtswissenschaften führt ihn jetzt in die kleine Universitätsstadt am Neckar, so die offizielle Begründung. Die Juristerei betreibt Schumann jedoch mit wenig Leidenschaft, ihn zieht es viel mehr zur Poesie und zur Musik. Im Heidelberger Rechtsgelehrten Thibaut findet er nicht nur einen Gleichgesinnten, sondern auch einen Förderer seiner musikalischen Ambitionen. So verbringt er die meiste Zeit am Klavier, übt seine Fingerfertigkeit und studiert die Werke anderer Komponisten.
Schumanns Tagebüchern lässt sich entnehmen, dass er ständig unter Geldnot leidet und ganz offenkundig zu viel trinkt. Weit weg von Vormund und Mutter genießt er diese Freiheit des Studentenlebens, die Schönheit der Stadt und ihrer Umgebung. Nach einem Jahr Aufenthalt in Heidelberg entscheidet sich Schumann jedoch gegen die ungeliebte Juristerei. Er will Musiker werden. Sein Klavierlehrer Wieck in Leipzig unterstützt diesen Wunsch, auch gegenüber der skeptischen Mutter.
Schumann bricht auf in ein neues Leben, voller Enthusiasmus kehrt er im September 1830 nach Leipzig zurück. Dort will er sich fortan ganz der Musik widmen und Klaviervirtuose werden. Ein Leben lang behält er den Aufenthalt in Heidelberg in guter Erinnerung und kommt 21 Jahre später mit seiner Frau Clara noch einmal zu Besuch: in die Stadt seiner wilden Studentenjahre und der wichtigsten Entscheidung seines Lebens.

Das Musikmagazin

Johannes Brahms: Sinfonie Nr. 1 c-Moll, op. 68
Unter der Leitung des deutschen Dirigenten Markus Poschner spielt das Orchestra della Svizzera italiana die Sinfonie Nr. 1 c-Moll von Brahms in der neuen Konzerthalle in Lugano (LAC).
Johannes Brahms wurde schon zu Lebzeiten gelegentlich als »legitimer Nachfolger Beethovens« bezeichnet. Hans von Bülow bemerkte, die erste Sinfonie von Brahms sei »die Zehnte« von Beethoven.
Es brauchte 14 Jahre, bis Johannes Brahms die erste Sinfonie in C-Moll zur Uraufführung brachte. Zu mächtig schien ihm der Übervater Beethoven. In Sassnitz auf Rügen schließlich vollendete Brahms sein Werk.

Zu ihrem Debüt konzert am 31. Januar 2017 in der Philharmonie de Paris brachten Mariss Jansons und das Symphonie orchester des Bayerischen Rundfunks das Werk eines Komponisten auf die Bühne, zu dem das Orchester seit Rafael Kubeliks Mahler-Zyklus eine besonders enge Beziehung hat: Gustav Mahler. Solistin in den »Kindertotenliedern« ist die Mezzosopranistin Gerhild Romberger. Die Tragik, aber auch das tröstliche Moment, das Mahler in diesem Werk nach Texten von Friedrich Rückert in Klang gießt, wirkt unmittelbar in seiner entwaffnenden Direktheit. Den symphonischen Auftakt bildet ein Werk, das nur äußerst selten auf Konzertprogrammen zu finden sein dürfte: die furiose, hochdramatische Konzertouvertüre »Antigone« des tschechischen Komponisten Vladimir Sommer aus dem Jahr 1957.

Johannes Brahms: Sinfonie Nr. 2 D-Dur, op. 73
Während Brahms sich die erste Sinfonie über Jahre geradezu abgerungen hat, fiel ihm das Komponieren der Zweiten umso leichter. Seine zweite Sinfonie gilt eigentlich als seine Heiterste.
Am schönen Wörthersee, meinte Brahms, flögen die Melodien geradezu in der Luft herum. Trotzdem schrieb er an seinen Verleger: »Die neue Sinfonie ist so melancholisch, dass Sie es nicht aushalten. Ich habe noch nie so was Trauriges, Molliges geschrieben.«
Unter der Leitung von Markus Poschner macht das Orchestra della Svizzera italiana die komplexe Variationstextur dieser Sinfonie hörbar.

Johannes Brahms: Sinfonie Nr. 3 F-Dur, op. 90
Die beliebteste der Brahms-Sinfonien ist auch die kürzeste. In nur vier Monaten hat er sie komponiert. Ein Werk, das die Leichtigkeit einatmet, die diese Periode seines Lebens kennzeichnete.
Johannes Brahms hat sie 1883 in seinen Sommerferien in Wiesbaden fertiggestellt. Kritiker und Musikerkollegen lobten sie als das Beste, was Brahms bisher geschaffen hatte. Antonín Dvořák sagte über Brahms‘ 3. Sinfonie: »Das Herz geht einem dabei auf«.
Der Dirigent Markus Poschner brachte dieses innovative Werk zusammen mit dem Orchestra della Svizzera italiana in der Konzerthalle in Lugano (LAC) zur Aufführung.

Gewandhausorchester Leipzig, Andris Nelsons
»Nach jeder Aufführung komme ich immer mehr zu der Überzeugung, dass meine letzte Symphonie ein misslungenes Werk ist.« Dies schrieb der 48-jährige Peter Tschaikowsky an seine Freundin und Gönnerin Nadeschda von Meck. Dabei war die Uraufführung seiner »Schicksalssymphonie« im November 1888 in Sankt Petersburg durchaus kein Misserfolg. Die Begeisterung über das Werk wuchs sogar mit jeder weiteren Darbietung. Vermutlich lag es an der grüblerischen, von Selbstzweifeln geplagten Natur des Komponisten, die es ihm fast unmöglich machte, eine selbstbewusste Haltung zur eigenen Schöpferkraft zu entwickeln. So verlegte er sich in seinen letzten Lebensjahren zunehmend aufs Dirigieren.
Andris Nelsons, in dessen Interpretation das Werk zu erleben ist, äußerte einmal: »Ich denke, es ist ein unerfülltes Finale. Es steht in E-Dur, trotzdem empfinde ich es so, dass der vierte Satz vom Anfang bis zur Apotheose der Tanz des Bösen ist. Das klingt jetzt sehr einfach, natürlich, die Idee ist der Sieg des Schicksals, aber am Schluss gibt es einen Konflikt. Wir wissen nicht, wie er sich entscheidet. Soll er weiterkomponieren? Soll er sterben? Dieser letzte Satz reflektiert die Konflikte seines Lebens.«

Porträt des US-amerikanischen Komponisten Gordon Sherwood (1929-2013), der sich gegen eine glänzende Karriere und für ein Bettlerleben in Paris entschied. Die Dokumentation zeigt erfolgreiche Aufführungen seiner Werke, die mit zahlreichen Preisen ausgezeichnet wurden. Aus Protest gegen sein Elternhaus und den Kulturbetrieb begann Sherwood ein asketisches Wanderleben und lebte seit den 1980er-Jahren mittellos für zwölf Jahre als Bettler in Paris – ein Versuch, seine künstlerische Freiheit zu bewahren.

Das Musikmagazin

Im Jahr 2012 feierte der Thomanerchor Leipzig seinen 800. Geburtstag. Eine beeindruckende Zeitspanne, wenn man bedenkt, dass der Chor über die Jahrhunderte alle politischen Systeme in ungebrochener Tradition überdauert hat. Heute haben die Thomaner Bewunderer in aller Welt.
Diesen Erfolg mussten sich die 10- bis 18-jährigen Jungen des Thomanerchores schwer erarbeiten, denn ihr Leben wird von einem anstrengenden Proben- und Schulalltag bestimmt und ist geprägt von den Regeln des Internats und dem Gedanken, dass vor allem die Gemeinschaft zählt.
Anlässlich des Jahrhundertjubiläums ist der Chor in dem abendfüllenden Dokumentarfilm »Die Thomaner – Herz und Mund und Tat und Leben« zu erleben. Die Filmemacher begleiten den Chor und seinen Kantor Georg Christoph Biller, den 43. Thomaskantor nach Bach, über einen Zeitraum von mehr als einem Jahr. Durch ihre persönlichen Geschichten entsteht ein sensibles Porträt dieses einzigartigen Chors, das der Frage nach der Faszination des Traditionsensembles nachgeht.
Der packende und anrührende Film gewährt einen faszinierenden Blick hinter die Kulissen dieses Ausnahmechors und zeigt die Möglichkeiten, die eine intensive Beschäftigung mit Musik für die Entwicklung von Kindern und Jugendlichen leisten kann. Ungewöhnlich offen können die Filmemacher eine einzigartige Welt zwischen Motette, Internat und Fußballplatz zeigen; ein Leben, das geprägt ist von Erfolg und Leistungsdruck, Zweifeln und Stolz, Heimweh und Freundschaft. Und in und über allem: die unsterbliche Musik Johann Sebastian Bachs.