Klassik im TV

Die Moritat von Mackie Messer aus der Dreigroschenoper ist ein Ohrwurm. Wie kaum ein anderer Song beschwört er die Goldenen Zwanziger herauf, das Berlin aus der Zeit kurz vor dem großen Crash, der Zeit zwischen den Weltkriegen. Nie war Deutschland mit seiner Metropole Berlin aufregender als zu dieser Zeit. Mit der Dreigroschenoper gelingt Kurt Weill, dem jüdischen Kantorensohn aus Dessau, ein ungeheurer Wurf. Und das ist erst der Anfang. Mit seiner Musik fängt er den Zeitgeist ein und schafft zugleich etwas Universelles, das die Zeit überdauert und heute noch berührt. Weill steht für den Soundtrack eines halben Jahrhunderts.
1930 wird Weills Oper »Aufstieg und Fall der Stadt Mahagonny« in Leipzig uraufgeführt. Sie löst einen der größten deutschen Theaterskandale aus. Schuld sind nicht ästhetische, sondern politische Gründe: Störtrupps rechtsnationaler Organisationen sorgen im Opernhaus für Tumult und Panik. Es erscheinen Schmähartikel über die »undeutsche Musik«. Drei Bühnen treten daraufhin von ihren Aufführungsverträgen zurück. Als Jude, Avantgardist und Linksintellektueller wird Kurt Weill in jenen Jahren für die Nazi-Propaganda die Symbolfigur des »jüdischen Kulturbolschewismus«. Fünf Jahre später flieht Weill aus Deutschland nach Paris und findet schließlich in Amerika seine neue Heimat. Es gelingt ihm, wie kaum einem anderen Emigranten, beruflich sofort wieder fußzufassen. Der Broadway wird seine Bühne. Weill, der mit seiner Frau Lotte Lenya gemeinsam die amerikanische Staatsbürgerschaft erhält, komponiert mit großem Erfolg amerikanische Musicals und Opern, schreibt Filmmusik für Hollywood.
Musicalstar Ute Lemper erinnert sich in dem Film an ihre erste Begegnung mit Weills Musik und erklärt, warum die Amerikaner Weill so lieben. Der Biograf Jürgen Schebera, der schon zu DDR-Zeiten über Weill forschte, taucht mit seinen Schellack-Platten von Weill-Songs in das Leben des außergewöhnlichen Musikers ein. Der englische Weill-Forscher Stephen Hinton erzählt über einen Menschen, der von beiden Enden brannte, der zu viel rauchte und viel zu früh gestorben ist, und der mit seiner Musik ein großes Publikum erreichen wollte. Viele seiner Songs sind zu Jazzstandards geworden, gesungen von Louis Armstrong, Sting, Tom Waits, Udo Lindenberg, Milva, David Bowie oder Campino.

Auf dem Programm des Eröffnungskonzert des MDR-Musiksommers 2004 standen unsterbliche Musical-Melodien, Chansons und Orchesterwerke, darunter Ausschnitte aus »Happy End« und »Aufstieg und Untergang der Stadt Mahagony« von Kurt Weill sowie »Ein Amerikaner in Paris« von George Gershwin.
Stargast des Abends war Ute Lemper. Erstmals bei einem Eröffnungskonzert war auch das Deutsche Fernsehballett vertreten, dessen umjubelte Auftritte stets für besondere optische Reize sorgten.

Für die weltweit erste Aufführung seit der New Yorker Uraufführung 1937 des biblischen Dramas »Der Weg der Verheißung« mit dem Libretto von Franz Werfel und der Musik von Kurt Weill bekam die Oper Chemnitz 1999 in Sachsen die Exklusivrechte. Die Oper wurde bis dahin noch nie in der ursprünglichen deutschsprachigen Fassung des Librettos gespielt.
Auch nach sechs Jahrzehnten hat das gewaltige Werk mit 250 Mitwirkenden nichts von seiner beklemmenden Aktualität eingebüßt. Im Gegenteil, die Vielzahl der Nationalitätenkriege auch in Europa lassen die zu Unrecht verschollene Oper modern und sehr heutig erscheinen. Der weltberühmte Dichter Franz Werfel, ein Jugendfreund Franz Kafkas, und der mit seiner »Dreigroschenoper« äußerst populäre Kurt Weill (1900 – 1950) schufen eine Art großangelegter Parabel, in der die alttestamentarische Geschichte des jüdischen Volkes in Beziehung zu den ständig sich wiederholenden Exzessen von Judenhass und Judenverfolgungen gesetzt wird.

Nur eine Nacht bleibt den in eine Synagoge geflüchteten Juden, um sich ihrer eigenen Geschichte bewusst zu werden, um erhobenen Hauptes den Exodus zu überstehen. Der Zuschauer begegnet den großen Gestalten der Bibel, Abraham, Jakob und Rahel, Joseph und seinen Brüdern, dem Gesetzesbringer Moses sowie den Königen Saul, David und Salomo und dem Tempelzerstörer Nebukadnezar.

In den Bergdörfern Südchiles, in der Region Araukanien, träumen Kinder von einer besseren Zukunft, weil sie klassische Musikinstrumente erlernen dürfen und hoffen, damit ihrem Elend zu entkommen. Stolz halten sie Geigen, Cellos, Klarinetten, Saxofone in ihren Händen, Instrumente, die sie, bevor es die mobile Musikschule Papageno gab, nicht einmal kannten. Die zehnjährigen Antonella, Max und Vania, aber auch Vanias jüngerer Brüder Axel und Rodrigo: Sie alle wollen inzwischen eines Tages Musiklehrer werden. Rodrigo ist gerade mal sechs Jahre alt und trägt seine Viertelgeige wie einen Schatz überallhin, auch zwei Stunden zu Fuß über den Berg, auf dem beschwerlichen Weg von der Schule nach Hause. Die drei Geschwister sind Kinder eines einfachen Holzfällers. Ein Großteil der Kinder aus den Bergdörfern gehören dem Volk der Mapuche an, der Ureinwohner Chiles. Seit Jahrhunderten kämpfen sie für ihre Rechte, gegen Landenteignung und Diskriminierung. Gerade ihnen öffnet das Projekt und die Stiftung Papageno ein Fenster zur Welt. Die Idee dazu hatte ein Tenor aus Österreich, der sich in die Landschaft in Südchile verliebt hatte und dafür seine Weltkarriere aufgab. Bereits 1.850 »kleine Papagenos« haben von der Stiftung ein Instrument und kostenlosen Unterricht bekommen, und das sei nur ein Anfang, sagt der Stiftungsgründer. In dieser märchenhaften Region der Vulkane und der Seen, im Land der Mapuche, wo heute zugewanderte Großgrundbesitzer das Sagen haben, sind Geigen inzwischen zu einem Hoffnungsträger geworden. Der Hoffnung auf Versöhnung!

Iván Fischer dirigiert Tschaikowskys 4. Symphonie in einem Konzert mit dem Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks im Januar 2020 im Münchner Herkulessaal der Residenz. Peter Tschaikowsky komponierte dieses Werk im Jahr 1877 im Jahr der tiefsten Persönlichkeitskrise des Komponisten. Ein mitreißendes Seelenbild, dessen Abgründe hinter einer glanzvollen symphonischen Fassade lauern. Es spiegelt sein Ringen um ein Selbstverständnis in einem kulturellen Umfeld wider, in dem ihm ein Bekenntnis zur eigenen Homosexualität in der Öffentlichkeit vollkommen unmöglich schien.
Es war das Jahr, in dem er die Ehe mit einer ihm bis dahin gänzlich unbekannten Frau einging, der Beginn eines Doppellebens, unter dem er so litt, dass er sich nach drei Monaten wieder trennte wobei die Ehe zeitlebens nicht offiziell aufgelöst wurde. Tschaikowsky fiel in eine tiefe Depression.
Es existiert aus seiner Hand eine Art erklärendes Programm, das er zur Vierten Symphonie schrieb und das zeigt, wie bewusst Tschaikowsky hier sein Erleben und seine Situation in Musik ausdrückt. So schreibt er zum wirbelnd furiosen Finalsatz: »Wenn du in dir selbst keinen Grund zur Freude findest, schau‘ auf andere Menschen. Geh‘ ins Volk.«

Im Dezember 2018 stand die Symphonie Nr. 5 e-Moll op. 64 von Peter Tschaikowsky mit Teodor Currentzis und dem SWR Symphonieorchester in der Liederhalle Stuttgart auf dem Programm.

Film von Felix Breisach
Am 6. Januar 1870 wurde das Musikvereinsgebäude in Wien feierlich eröffnet. Es erlangte durch die Fernsehübertragungen des Neujahrskonzerts der Wiener Philharmoniker weltweite Berühmtheit. Thomas Angyan, langjähriger Intendant der Gesellschaft der Musikfreunde in Wien, führt durch »sein Haus« und erinnert neben der spannenden Geschichte an Musiker wie Johannes Brahms, Anton Bruckner, Gustav Mahler, Herbert von Karajan und Leonard Bernstein.
Prominente Künstler wie Cecilia Bartoli, Piotr Beczala, Anne Sophie Mutter, Anna Netrebko sowie die Dirigenten Mariss Jansons und Zubin Mehta sind bei Proben unter anderem mit den Wiener Philharmonikern zu erleben und erzählen über den Zauber des Hauses und seine phänomenale Akustik.
Daneben wirft der Film einen Blick in das hauseigene, zu den bedeutendsten Sammlungen der Welt zählende Archiv, in dem Archivchef und Musikwissenschaftler Dr. Otto Biba über Noten Schätze von Mozart, Beethoven, Brahms und Bruckner genauso wacht wie über ein eher unheimliches Artefakt – den Totenschädel von Joseph Haydn.
Mit der Errichtung des Musikvereinsgebäudes hatte die 1812 gegründete Gesellschaft der Musikfreunde in Wien ihre »Wanderjahre« durch die Wiener Konzertsäle zwischen »Rotem Igel« und »Spanischer Hofreitschule« endgültig hinter sich gelassen.
Die finanzielle Lage der Gesellschaft war durch die Erbschaften wie die von Carl Czerny oder diverse Zuwendungen wie die von Nikolaus Dumba und Gustav Epstein gut abgesichert. Nach achtjähriger Planungs und Bauzeit durch den Architekten Theophil Hansen konnte der Wiener Musikverein am 6. Januar 1870 feierlich eröffnet werden.

Der Komponist Johannes Brahms (1833 – 1897) war bereits 43 Jahre alt, als er seine erste Sinfonie fertigstellte. Zu sehr hatte er das Gefühl, nach Beethoven könne kein wichtiger Beitrag mehr kommen. Seine zweite Sinfonie, die nur ein Jahr nach der ersten, im Dezember 1877, im Wiener Musikvereinssaal ihre Uraufführung erlebte, ging ihm schon leichter von der Hand.
Nur einen Sommer am Wörther See brauchte Brahms, um seine D-Dur-Symphonie zu komponieren und von der freudvollen Stimmung eines Urlaubs auf dem Land ist sie auch geprägt. Stimmungsvolle, lebhafte Motive und der häufige Gebrauch des Hörnerklangs bestimmen ihre vier Sätze. »Dennoch kann von einer sinfonischen Idylle keine Rede sein«, schreibt der Musikessayist Alfred Beaujean. »Dem steht vor allem die Dichte der thematischen Durchstrukturierung entgegen.« Bei diesem Konzert, das im Rahmen des Lucerne Festivals 2012 aufgezeichnet wurde, dirigiert Mariss Jansons das Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks.

Iveta Apkalna und das hr-Sinfonieorchester spielen Bach und Saint-Saëns Johann Sebastian Bach: Choral für Orgel solo (Zugabe aus dem 1. Konzertteil) Camille Saint-Saëns: Sinfonie Nr. 3 c-Moll op. 78 »Orgelsinfonie« (Aufnahmen vom 21. Februar 2020)
Die »Orgelsinfonie« von Camille Saint-Saëns gehört zu den populärsten Orchesterwerken des französischen Repertoires. »Artist in residence« Iveta Apkalna und das hr-Sinfonieorchester unter Riccardo Minasi stellen das romantische Opus in einer Konzertaufzeichnung aus dem hr-Sendesaal vor.

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Moderator Ioan Holender begibt sich in das Reich von 1001 Nacht in den Oman und präsentiert ein Opernhaus der Superlative mitten in der Wüste.
Das königliche Opernhaus Maskat im Sultanat Oman wurde 2011 als erstes Opernhaus in den Golfstaaten eröffnet. Der Sultan Qabus ibn Said gilt als Liebhaber klassischer Musik und hat in seiner Hauptstadt Maskat ein Opernhaus der Superlative errichten lassen: Modernste Bühnentechnik, pompöse Ausstattung und internationale Sängerbesetzungen sorgen für die hohe Qualität des Hauses. Intendant Umberto Fanni führt Ioan Holender durch den prunkvollen Opern-Palast und lädt ein zur ersten Eigenproduktion des Hauses: Delibes »Lakmé«. Ioan Holender trifft auch die Sängerin Elena Moșuc, die in dieser aktuellen Produktion die Rolle der »Lakmé« übernimmt, und er unterhält sich mit dem Regisseur Davide Livermore über die Bedeutung, die diese Produktion für das königliche Opernhaus hat. Außerdem begibt sich unser KulTOUR-Moderator auf eine Rundfahrt durch die Hauptstadt Maskat und besucht den Al-Alam-Königspalast, die Große Sultan-Qabus-Moschee und den Fischmarkt am Hafen.

WDR Sinfonieorchester, Cristian Macelaru
Alice Sara Ott, Klavier
Aufnahme vom 12.10.2019 aus der Kölner Philharmonie
Zwischen Mozart, Jazz und Folklore: Alice Sara Ott spielt mit dem WDR Sinfonieorchester unter der Leitung von Chefdirigent Cristian Macelaru das Klavierkonzert in G-Dur von Maurice Ravel. Ravel schrieb dieses Konzert um 1930 – es handelt sich um sein einziges »normales« Klavierkonzert, neben dem kurz zuvor entstandenen Konzert für die linke Hand. Trotzdem hat Ravel gerade dieses Stück als »ein interessantes Experiment« bezeichnet. Der besondere Reiz liegt darin, dass es musikalische Elemente von Klassik, Jazz und Folklore vereint. So sind im ersten Satz allein fünf verschiedene Themen zu hören; drei orientieren sich am Jazz, zwei an spanischer und baskischer Volksmusik. Ravel wollte sich nie bewusst über Kompositions- und Harmoniegesetze hinwegsetzen. Stattdessen sah er seine Musik als Evolution aus den Traditionen der musikalischen Vergangenheit.
Die deutsch-japanische Pianistin Alice Sara Ott begann ihr Studium bereits mit zwölf Jahren am Mozarteum in Salzburg, obwohl ihre Mutter, selbst Pianistin, anfangs alles unternommen hatte, damit ihre Tochter eben nicht das Künstlerinnendasein zum Lebensentwurf wählt. Doch selbst bei ihrer jüngeren Schwester Mona Asuka konnte die Mutter das nicht verhindern. Heute spielt Alice Sara Ott mit Stardirigenten von Paavo Järvi bis Gustavo Dudamel und mit den besten Orchestern von Wien bis Los Angeles. Den komplexen ersten Satz des Ravel-Klavierkonzerts trägt sie mit virtuoser Leichtigkeit vor, während sie die Phrasen des poetischeren zweiten Satzes in fließender Klarheit zur Geltung bringt. Als Zugabe wählt die Pianistin die Gnossienne Nr. 3, komponiert von Erik Satie.

Maurice Ravel: Klavierkonzert G-Dur
Erik Satie: Gnossienne Nr. 3

Die für ihre Virtuosität und ihr Einfühlungsvermögen geschätzte georgische Geigerin Lisa Batiashvili hat mittlerweile enge Beziehungen zu einigen Weltklasse-Orchestern. Darunter die Berliner Philharmoniker. Bei den Baden-Badener Osterfestspielen 2017 spielte sie das Violinkonzert von Antonín Dvorák. Der 1814 geborene Dvorák komponierte es in den Jahren 1879/80 und widmete es dem seinerzeit ebenso berühmten Geiger Joseph Joachim. Ergänzt wird das Konzert durch eine Auswahl aus Dvoráks »Slawische Tänze« op. 72.

Die für ihre Virtuosität und ihr Einfühlungsvermögen geschätzte georgische Geigerin Lisa Batiashvili hat mittlerweile enge Beziehungen zu einigen Weltklasse-Orchestern. Darunter die Berliner Philharmoniker. Bei den Baden-Badener Osterfestspielen 2017 spielte sie das Violinkonzert von Antonín Dvorák. Der 1814 geborene Dvorák komponierte es in den Jahren 1879/80 und widmete es dem seinerzeit ebenso berühmten Geiger Joseph Joachim. Ergänzt wird das Konzert durch eine Auswahl aus Dvoráks »Slawische Tänze« op. 72.