TV-Sender: Arte

Die Aufführung »Universe, Incomplete« der Ruhrtriennale 2018 in der Jahrhunderthalle Bochum beschäftigte sich mit dem Torso der »Universe Symphony« von Charles Ives. Der Regisseur Christoph Marthaler, der Dirigent Titus Engel und die Bühnenbildnerin Anna Viebrock entwickelten ihre ganz eigene Perspektive auf das unvollendet gebliebene Vorhaben des amerikanischen Komponisten, dessen Leerstellen sie mit anderen Kompositionen von Ives ergänzten.

Dem Komponisten Charles Ives war es nicht gelungen, sein Werk »Universe« zu vollenden. »Für den Fall, dass es mir nicht gelingen sollte, dieses Werk zu vollenden, findet sich vielleicht jemand anderes, der den Versuch unternimmt, meine Gedanken auszuarbeiten. Es könnte sein, dass die von mir erstellten Skizzen viel mehr Sinn ergeben, wenn man sie aus der Perspektive von jemandem betrachtet, der nicht ich selbst bin«, hatte Ives notiert. Von dieser verführerischen Formulierung inspiriert, entwickelten der Regisseur Christoph Marthaler, der Dirigent Titus Engel und die Bühnenbildnerin Anna Viebrock ihre ganz eigene Perspektive auf ein unvollendet gebliebenes Vorhaben des amerikanischen Komponisten. Ausgehend von den tatsächlich komponierten Teilen des Werkes entwarfen sie für die Ruhrtriennale 2018 in der Jahrhunderthalle Bochum einen szenisch-musikalischen Raum, in dem Instrumentalsolistinnen und -solisten sowie die Bochumer Symphoniker und ein aus Schauspielerinnen und Schauspielern, Tänzerinnen und Tänzern sowie Sängerinnen und Sängern bestehendes Ensemble auf einer szenischen und einer klanglichen Ebene aus einer entfernten Zukunft auf das heutige Leben zurückblickten und aus der Gegenwart eine Zukunft fantasierten. Andere, von der »Universe Symphony« unabhängige Kompositionen von Charles Ives haben dabei die Leerstellen des unvollendeten Universums eingenommen.

Die Mitschnitte mehrerer Live-Aufführungen dieser spektakulären Inszenierung wurden so bearbeitet, dass sie ungewöhnliche Perspektiven ermöglichen und die Architektur des Raumes eindringlich einfangen. Mitwirkende dieser Aufführungen waren die Bochumer Symphoniker, das Rhetoric Project, das Schlagquartett Köln sowie Schlagzeugstudierende der Musikhochschulen Köln, Detmold und Essen.

Inszenierung: Christoph Marthaler
Bühnenbild: Anna Viebrock, Thilo Albers
Kostüme: Anna Viebrock
Licht: Phoenix, Andreas Hofer
Bochumer Symphoniker, Titus Engel
Rhetoric Project
Schlagquartett Köln

»Gianni Schicchi« ist vielleicht der populärste der drei Opern-Einakter aus Puccinis »Il trittico«, nicht nur dank des unvergleichlichen »O mio babbino caro« sondern auch des absurd-komischen und gänzlich untragischen Plots der »betrogenen Betrüger« wegen. Mit Misha Kiria als Gianni Schicchi und Asmik Grigorian als Lauretta in der Inszenierung von Christof Loy.

Der reiche Buoso Donati ist grade eben verstorben und hat seine lieblosen Verwandten im Testament übergangen. Der zweifelhafte Gianni Schicchi soll, in der Rolle Donatis und verborgen durch den Bettvorhang, ein neues Testament diktieren. Und das tut er auch, aber anders als geplant.

Puccini komponierte »Gianni Schicchi« wie die beiden Einakter »Suor Angelica« und »Il Tabarro« als in Europa noch der 1. Weltkrieg tobte. Zusammen wurden sie am 14. Dezember 1918 als »Il trittico« in New York uraufgeführt. Die drei Stücke scheinen auf den ersten Blick keine Verbindung miteinander haben, ihr gemeinsamer Nenner ist allein die Verstrickung des Menschen in ein Fatum, das nur ausnahmsweise, für einen Moment, einen glücklichen Ausgang des »Abenteuers Leben« zu versprechen scheint – so wie im Fall des gerissenen Florentiners Gianni Schicchi.

Mit Asmik Grigorian (Lauretta), Misha Kiria (Gianni Schicchi)

Intoleranz, Unterdrückung und die Verletzung der Menschenwürde – Themen von Luigi Nonos Werk »Intolleranza 1960«. Die »Salzburger Festspiele 2021« zeigen eine Neuinszenierung von Jan Lauwers.

Luigi Nonos (1924-1990) erstes Werk für die Opernbühne, das er explizit nicht als Oper verstand, erzählt die Geschichte eines Emigranten, der auf der Rückreise in seine Heimat unversehens in Polizeigewalt gerät und Folter und Gefängnis erlebt.

Die Jahreszahl im Titel der »azione scenica in due tempi«, der »Bühnenhandlung in zwei Akten«, verweist auf das Jahr der Entstehung. Luigi Nono, einer der Hauptvertreter der »seriellen Musik« – einer Weiterentwicklung der Zwölftonmusik – lehnte die tradierten Opernkonventionen ab. Er erforschte neue Kompositionstechniken, verwendete in seinen Stücken elektronische Musik und Tonbandaufzeichnungen.

Nono ging es um die gesellschaftliche Relevanz seiner Musik, um »engagierte Musik«, die sich nicht nur in ästhetischen Formen erschöpfen, sondern eine unmittelbare Wirkung auf ihre Zuhörer haben sollte. Er wollte alle sozialen Schichten ansprechen und seine politischen Ansichten über seine Werke transportieren. 1952 trat Nono in die Kommunistische Partei Italiens ein, in der er zeitlebens auf lokaler und nationaler Ebene aktiv war.

Das Libretto von »Intolleranza 1960« hat Nono unter Verwendung von Texten von Bertolt Brecht, Angelo Maria Ripellino, Jean-Paul Sartre und anderen selbst verfasst.

Schauspiel und Solotanz: Sung-Im Her, Misha Downey,
Victor Lauwers, Yonier Camilo Mejia (Needcompany)
Tänzerinnen und Tänzer von BODHI PROJECT und SEAD –
Salzburg Experimental Academy of Dance
Dramaturgie: Elke Janssens und Kasia Torz
Bühnenbild: Jan Lauwers
Kostüme: Lot Lemm
Choreografie: Jan Lauwers, Paul Blackman
Chor: Konzertvereinigung Wiener, Staatsopernchor
Orchester: Wiener Philharmoniker
Musikalische Leitung: Ingo Metzmacher
Regie: Jan Lauwers

Un emigrante: Sean Panikkar
La sua compagna: Sarah Maria Sun
Una donna: Anna Maria Chiuri
Un algerino: Antonio Yang
Un torturato: Musa Ngqungwana

Anne-Sophie Mutter gewann ihren ersten Wettbewerb im Alter von sieben Jahren, Lang Lang mit fünf. Den internationalen Durchbruch schaffte Mutter mit 14, bei ihrem legendären Debüt bei den Salzburger Festspielen 1977. Lang Lang war 17 Jahre alt, als er die Chance erhielt, für den erkrankten Solisten in einem Konzert des Chicago Symphony Orchestra einzuspringen. »Für mich war die Violine die größte Entdeckung meines Lebens«, sagt Anne-Sophie Mutter. Seit vier Jahrzehnten spielt sie jetzt schon auf allerhöchstem Niveau. Dabei ist sie immer noch auf Entdeckungsreise und neugierig auf neue, spannende Musik. Etliche Komponisten haben Werke für sie geschrieben, darunter auch John Williams, dessen Thema aus »Schindlers Liste« ein berührender Höhepunkt des Konzertes in der Berliner Philharmonie ist.

Auch Lang Langs Wissensdurst ist notorisch. Wenige Superstars stellen sich so dezidiert in eine musikalische Traditionslinie wie er, immer bereit, von erfahrenen Künstlerkollegen Neues zu erfahren. Seit seiner Zusammenarbeit mit dem großen Nikolaus Harnoncourt hat ein Werk einen besonderen Platz in seinem Repertoire: Mozarts Klavierkonzert Nr. 24, mit dem er das Konzert in der Berliner Philharmonie auch eröffnet.

Staatskapelle Berlin, Manfred Honeck
Anne-Sophie Mutter (Violine)
Lang Lang (Klavier)

Berliner Philharmonie, 2018

Zwei Brüder und eine Leidenschaft: Ilmar und Aldo López-Gavilán wurden in den 70er Jahren in Havanna geboren und sind virtuose Musiker. Ilmar überholte seine kubanischen Musiklehrer bereits mit 14 Jahren und wurde in die damalige UdSSR zum Musikstudium geschickt. Er bekam im Anschluss einen Job als Kammermusiker in New York und ging nicht wieder nach Kuba zurück.
Sein jüngerer Bruder Aldo begann schon früh mit dem Musikunterricht. Am Klavier zeigte er großes Talent und wurde lokal sehr bekannt. Sein internationaler Durchbruch wurde allerdings verhindert – durch das seit 60 Jahren andauernde US-Embargo. Obwohl die beiden Brüder sich sehen, wann immer es finanziell und politisch möglich ist, konnten sie sich nie ihren großen Wunsch erfüllen und gemeinsam Musik machen.

Der Dokumentarfilm erzählt die parallel verlaufenden Lebensgeschichten der beiden Brüder in Havanna und in New York City. Ihr ergreifendes Wiedersehen fehlt dabei ebenso wenig wie ihre ersten gemeinsamen Auftritte auf verschiedenen Bühnen in den Vereinigten Staaten. Entstanden ist ein nuancierter und bewegender Blick auf zwei entfremdete Nationen aus der Perspektive zweier Brüder.

Eng verwoben mit ihrer Geschichte ist die elektrisierende und genreübergreifende Filmmusik von Aldo López-Gavilán, die er gemeinsam mit seinem Bruder Ilmar aufgenommen hat und die Gastauftritte des US-amerikanischen Geigenvirtuosen Joshua Bell und des Harlem Quartet beinhaltet.

Smetanas Zyklus »Mein Vaterland« umfasst sechs sinfonische Dichtungen, darunter das weltbekannte Stück »Die Moldau«. Der Zyklus erklingt traditionell zum Auftakt des Musikfestivals »Prager Frühling«, das alljährlich am 12. Mai, dem Todestag von Smetana, eröffnet wird – diesmal vom West-Eastern Divan Orchestra unter der Leitung von Thomas Guggeis.

Bedrich Smetanas Zyklus »Má vlast« (»Mein Vaterland«) ist eines der Nationaldenkmäler der tschechischen Musik. Es entstand zwischen 1874 und 1879. Tschechien war damals noch Teil des österreichisch-ungarischen Kaiserreiches. Wie viele andere Künstler arbeitete auch Smetana mit am Aufbau einer eigenständigen Kultur seines Volkes im habsburgischen Vielvölkerstaat. Mit »Má vlast« hat Smetana den Grundstein zu einer eigenständigen tschechischen Musik gesetzt.

»Mein Vaterland« ist ein musikalischer Streifzug durch die Sagenwelt der Amazonenkönigin Sarka, durch die Geschichte und die Landschaft des Böhmischen Beckens im Herzen Europas bis hin zur alten Prager Burg von Vysehrad. Der bekannteste Satz, »Vltava« (»Die Moldau«), beschreibt Tchechiens längsten Fluss: wie das Gewässer seinen zwei Quellen entspringt, sich zu einem Fluss entwickelt, an Jagd- und Festszenen vorbeizieht, sich in gefährliche Stromschnellen verwandelt, an der Burg von Vysehrad vorbeifließt und letztlich in der Elbe aufgeht.

»Má vlast« hat nicht nur zur Entstehungszeit, sondern bis heute einen nachhaltigen Einfluss auf die Ausbildung einer tschechischen Identität und mit genau diesem Werk wird alljährlich der musikalische »Prager Frühling« eröffnet, und zwar immer am 12. Mai, dem Todestag des Komponisten. Es spielt das West-Eastern Divan Orchestra unter der Leitung von Thomas Guggeis. ARTE zeigt die Höhepunkte des Konzertes.

Daniel Barenboim, der im November seinen 80. Geburtstag feiern wird, hat das West Eastern Divan Orchestra gemeinsam mit seinem Freund, dem israelisch-palästinensischen Literat Edward Said, gegründet. Benannt nach dem Gedicht von Goethe und gegründet 1999 in Weimar, soll das Orchester einen Beitrag liefern zum Dialog zwischen den Kulturen des Nahen Ostens und zur Aussöhnung der arabischen und jüdischen Bevölkerung in Israel.

Aus gesundheitlichen Gründen kann Daniel Barenboim nicht nach Prag kommen. An seiner Stelle wird Thomas Guggeis das Konzert dirigieren. Thomas Guggeis, der ehemalige Assistent von Daniel Barenboim und zuküftige Generalmusikdirektor der Oper Frankfurt, ist noch keine 30 Jahre alt und gehört bereits zu den Stars am Dirigentenpult.

West-Eastern Divan Orchestra, Thomas Guggeis

Bedřich Smetana: »Má vlast« (»Mein Vaterland«)

Prag, Smetana Hall, 12.05.2022

Die Folle Journée de Nantes stand im Jahr 202 ganz im Zeichen von Beethoven. Ihr Höhepunkt war die Interpretation des Schlusssatzes der 7. Sinfonie durch das Orchestre Philharmonique de Radio France unter der Leitung der mitreißenden Dirigentin Xian Zhang.

ARTE zeigt ausgewählte Ausschnitte aus dem Klassikfestival. Die Kollektion beginnt mit dem 1. Satz des Klavierkonzerts Nr. 4, dem wahrscheinlich persönlichsten Konzert des Komponisten, in einer erstaunlich reifen Interpretation des erst 22-jährigen Franzosen Alexandre Kantorow, der 2019 die Goldmedaille des Tschaikowski-Wettbewerbs gewann.

Es folgt der 2. Satz aus Beethovens 7. Sinfonie, das ergreifende Allegretto. Der feierliche Marsch mit seinem schwungvollen Crescendo wurde bei seiner Uraufführung so begeistert aufgenommen, dass er mehrfach wiederholt werden musste!

Liya Petrova, eine junge Geigerin bulgarischer Herkunft, interpretiert Beethovens einziges vollendetes Violinkonzert mit wahrer Meisterschaft. Das Werk, das der Komponist für einen befreundeten Wiener Star-Virtuosen schrieb, erfordert große Beweglichkeit und Präzision; die extrem hohen Tonlagen erfordern technische Perfektion.

Den krönenden Abschluss des Konzerts bildet ein Auszug aus dem Schlusssatz der 7. Sinfonie.

David Garrett, einst gefeiertes Geigen-Wunderkind mit früher Klassikkarriere, hat heute weltweit auch große Erfolge als Cross-over-Künstler. Ein ständiger musikalischer Spagat und ein Leben, das geprägt ist von Verzicht in der Kindheit, künstlerischer Anerkennung und der Suche nach dem Selbst. 30 Jahre nach seinem Bühnendebüt zieht Garrett nun ein sehr persönliches Resümee.

Stargeiger David Garrett ist jetzt über 40 Jahre alt. Das ehemalige Klassik-Wunderkind füllt nicht nur Konzerthäuser, sondern begeistert mit eigenen musikalischen Arrangements und ausgefeilten Bühnenshows Millionen Fans weltweit. Ein hart erarbeiteter Erfolg, der mit vielen Entbehrungen, bereits in der Kindheit, dem Wunsch nach künstlerischer Anerkennung und der Suche nach dem Selbst verbunden ist.

In der Mitte seines Lebens zieht Garrett ein erstes, sehr persönliches Resümee. Wie ist er zu dem geworden, der er heute ist? Wie ist das Verhältnis zu seinen Eltern, speziell seinem Vater, der ihn an der Geige gedrillt hat? Wem vertraut er heute? Wie geht er damit um, dass Hardcore-Klassiker bei seinem Namen die Nase rümpfen?

Dabei werden Fluch und Segen des Welterfolgs, aber auch die vielen Facetten des Menschen David Garrett deutlich.

Die Dokumentation zeigt David Garrett offen und privat wie nie. Dafür öffnet er sein Archiv zu bislang unveröffentlichtem Videomaterial. Die wichtigsten Stationen seines Lebens werden angesteuert und Wegbegleiter, Freunde und Familie erzählen. Ob in New York, wo der Wendepunkt seines Lebens stattfand, in Amsterdam bei intensiven Studioaufnahmen, in Berlin, der Stadt seiner Kindheit, oder auf Mallorca, wo er Entspannung sucht.

Musikalisch porträtiert die Dokumentation sowohl den Klassik- wie den Cross-over-Künstler David Garrett. Darunter sind auch Ausschnitte des Konzerts in den Caracalla-Thermen in Rom, das zu den Highlights seiner diesjährigen Tour zählt. Mehr von diesem Konzert zeigt ARTE im Anschluss an die Dokumentation.

Im Rahmen seiner weltweiten »ALIVE«-Tour gibt der Stargeiger David Garrett auch ein Konzert in den römischen Caracalla-Thermen. Dort, wo 1990 die Drei Tenöre ihr legendäres Konzert gaben, performt Garrett packende Songs, die das Leben feiern, ultimative Cross-over-Musik, die virtuose Klassik mit feinstem Pop verschmilzt, und Melodien mit Gänsehauteffekt.

Anfang 2022 kehrte David Garrett endlich zurück auf die Bühne und begeistert wieder sein Publikum auf der ganzen Welt. Dass der Geiger damit erneut den Nerv der Zeit trifft, zeigt der Erfolg: »ALIVE – My Soundtrack« ist direkt auf Platz vier der deutschen Album-Charts eingestiegen. »ALIVE« ist seine Hymne auf das Leben, eine Ode an die Hoffnung und ein Manifest für die Macht der Musik.

ARTE zeigt die Höhepunkte des Konzerts aus den Caracalla-Thermen, die eine spektakuläre Kulisse für ein einmaliges Konzerterlebnis sind.

Das Drama um das Geheimnis der stets siegreichen Spielkarten, an denen der Protagonist Hermann schließlich verzweifelt, geht auf eine Erzählung Alexander Puschkins zurück. Er inspirierte viele russische Schriftsteller, die auch regelmäßig nach Baden-Baden kamen. Die Hauptrollen werden gesungen von Arsen Soghomonyan (Hermann) und Elena Stikhina (Lisa). Die Titelrolle der Gräfin wird von Doris Soffel mit hinreißender Präsenz verkörpert.

Alexander Puschkin inspirierte viele russische Schriftsteller, die auch regelmäßig nach Baden-Baden kamen – darunter Nikolaj Gogol. Gemeinsam mit Bühnenbildner Christian Fenouillant und Kostüm-Designer Agostino Cavalca erzählt das Regieteam Moshe Leiser und Patrice Caurier den Opernklassiker im Thriller-Format.

Die Handlung spielt in einem zweistöckigen »Etablissement« rund um das Jahr 1900. Die Regie bedient ganz bewusst und im wahrsten Sinne des Wortes die »Doppelbödigkeit« der Oper, die die Tschaikowsky-Brüder aus Puschkins Romanvorlage geschaffen hatten. Puschkins Geschichte erzählt von drei verzauberten Karten, die fantastische Gewinne versprechen, jedoch auch ins Verderben stürzen können.

Die alte Gräfin – früher wegen ihrer Spielleidenschaft »Pique Dame« genannt – hütet ihr Geheimnis. Der mittellose Hermann ist besessen davon, es ihr zu entlocken und setzt alles dafür aufs Spiel: Leben, Liebe und seine eigene Existenz. Peter Tschaikowsky machte aus der Geschichte vom Willen, es nach oben zu schaffen, eine Oper. Bei ihm rückt eine weitere große Sehnsucht ins Zentrum der Geschichte: die Liebe – und damit auch die Figur der Lisa –, die Hermann bis zur Selbstzerstörung folgt.

Inszenierung: Moshe Leiser, Patrice Caurier
Choreographie: Beate Vollack
Bühnenbild: Christian Fenouillat
Kostüme: Agostino Cavalca
Licht: Christoph Forey
Video: Etienne Guiol
Cantus Juvenum Karlsruhe
Slowakischer Philharmonischer Chor
Berliner Philharmoniker, Kirill Petrenko
Mit Elena Stikhina (Lisa), Vladislav Sulimsky (Graf Tomski), Arsen Soghomonyan (Hermann), Doris Soffel (Gräfin), Aigul Akhmetshina (Polina), Boris Pinkhasovich (Fürst Jelezki), Anatoli Sivko (Surin), Margarita Nekrasova (Gouvernante), Sergej Czepurnyi (Kolja), Mark Kurmanbayev (Narumov), Yevgeny Akimov (Tschekalinski), Christophe Poncet de Solages (Zeremonienmeister), Jakob Lichti (Ein Junge)

2019 feierte das Barock-Ensemble Les Arts Florissants sein 40-jähriges Bestehen. Sein Gründer William Christie entwickelte diesen außergewöhnlichen Klangkörper zur Talentschmiede für weltweit führende Interpreten. Neben seiner Leidenschaft für Alte Musik begeistert sich Christie auch für Gartenkunst. 2012 gründete er ein sommerliches Musikfestival unter dem Namen »Dans les jardins de William Christie«, für das er seinen eigenen Landsitz in der westfranzösischen Vendée öffnet.

Hier, im Dörfchen Thiré, konzertieren Interpreten aus der ganzen Welt, insbesondere angehende Sänger, die aus Christies Nachwuchsakademie Le Jardin des Voix hervorgegangen sind. In der zauberhaften Atmosphäre der unterschiedlich gestalteten Gärten – sie sind vor allem von historischen Parkanlagen in Italien und Frankreich inspiriert – ergeht sich das Festivalpublikum im Klostergarten, im Pinienwäldchen, an der Zyklopenmauer oder am »Wasserspiegel«, so der Name des Teiches, aus dem sich eine Bühne erhebt.

Glanznummer und Abschluss des heutigen Programms bildet die vom Hausherrn auf der Teichbühne dirigierte »Barocke Odyssee«. Hier im Abendlicht fühlt man sich in die prunkvollen Aufführungen des 18. Jahrhunderts zurückversetzt.

William Christies historisch getreue Interpretationen veranschaulichen, wie wichtig diesem Ensemble Gemeinsamkeit, Begeisterung und Weitergabe sind, dass es aber vor allem die Liebe zur Musik zelebriert.

Klavier spielt man mit zwei Händen. Normalerweise. Aber was ist schon normal? Schon im 19. Jahrhundert haben Komponisten mit einhändigem Klavierspiel experimentiert: Sie komponierten Werke für die linke Hand – für die vermeintlich »schlechtere«, weil motorisch nicht so trainierte Hand.

Im Ersten Weltkrieg verliert der Wiener Industriellensohn Paul Wittgenstein seinen rechten Arm. Er hatte sich in den Kopf gesetzt, Pianist zu werden, um jeden Preis. Also gab er bei den großen Komponisten seiner Zeit Werke für seine linke Hand in Auftrag. Entstanden sind Werke, die klanglich, technisch und musikalisch so brillant sind, dass sie mittlerweile viele Pianistinnen und Pianisten faszinieren.

So außergewöhnlich Wittgensteins Geschichte klingen mag – sie schreibt sich fort bis heute. Sein Schicksal ist kein Einzelfall: Auch Pianisten wie Leon Fleisher oder Antoine Rebstein waren in ihrer Karriere gezwungen, einhändig zu spielen. Sie haben das Repertoire populär und die Geschichte des linkshändigen Spiels berühmt gemacht. So auch der Neurophysiologe Prof. Eckart Altenmüller, der auf Musikerinnen und Musiker spezialisiert ist, denen in ihrer Karriere der Körper versagt.

Dass Musik immer dann besonders ist und uns berührt, wenn sie etwas Neuartiges eröffnet, zeigt der französische Pianist Pierre-Laurent Aimard: Er spielt das Klavierkonzert für die linke Hand und schreibt als zweihändiger Pianist die Geschichte Wittgensteins auf brillante Weise fort.

Sergej Prokofjew war erst 13 Jahre alt, als er 1904 begann, am Konservatorium in Sankt Petersburg Klavier und Komposition zu studieren. Bald schon galt er in der Musikszene als Enfant terrible, das alles infrage stellte und das russische Musik-Establishment mit seinen unkonventionellen Kompositionen schlicht überforderte.

Prokofjew fertigte selbst drei Orchestersuiten für sein Ballett »Romeo und Julia« an, doch es gibt auch andere Arrangements, mit denen relativ frei umgegangen wird und die alle denselben Stellenwert genießen – darunter die von ARTE gezeigte Auswahl.

Die Suite beginnt mit der eindrucksvollen Familienfehde zwischen den Montagues und Capulets. Dann wird Julia vorgestellt, eine reizende und verträumte junge Frau, in die man sich einfach verlieben muss. In der Balkonszene gestehen sich Romeo und Julia ihre Liebe, werden jedoch von Julias streitsüchtigem Cousin Tybalt bedroht. Die Situation läuft aus dem Ruder und Romeo tötet Tybalt. Zur Strafe soll Romeo verbannt und Julia mit dem jungen Edelmann Paris vermählt werden, doch Bruder Lorenzo hat einen Plan: Julia soll einen Schlaftrunk zu sich nehmen, der sie in einen todesähnlichen Zustand versetzen wird. Wenn sie in der Familiengruft erwacht, soll Romeo sie dort erwarten und mit ihr fliehen. Doch der Plan schlägt furchtbar fehl. Romeo erfährt nie, dass Julias Tod nur vorgetäuscht ist, und glaubt, sie sei tatsächlich gestorben, als er sie in ihrem Grab erblickt. Aus Verzweiflung vergiftet er sich und stirbt. Als Julia erwacht und den toten Geliebten sieht, ergreift sie Romeos Dolch und bringt sich um. Die Familien erfahren von der Tragödie und versöhnen sich am Grab ihrer Kinder.

Finnish Radio Symphony Orchestra, Hannu Lintu

Fast scheint es, als wolle Klaus Mäkelä eine Revolution einleiten: Der erst 26 Jahre junge Leiter des Orchestre de Paris macht Spontaneität in der klassischen Musik wieder hoffähig und liefert herrlich frische Interpretationen von Werken, die man durch Karajan, Muti oder Barenboim in Stein gemeißelt glaubte. Klaus Mäkelä will nicht nachahmen, er will erfinden. Das gelingt ihm, indem er sich alte Stoffe neu aneignet, ohne sie zu verraten, und dabei radikal zu seiner Subjektivität steht. Im Orchestre de Paris hat er ein Ensemble gefunden, das seiner Vorgehensweise gerecht wird – die Wahl der Solisten gestaltet sich für den gelernten Cellisten bisweilen heikler.

Für ihre erste Zusammenarbeit an der Pariser Philharmonie im Februar 2022 wählten Isabelle Faust und Mäkelä einen Meilenstein des romantischen Repertoires: das berühmte Violinkonzert von Johannes Brahms. Jeder Bogenstrich wirkt wie eine Hommage an Brahms’ moderne Handschrift. Die Solistin pflegt ihren unnachahmlichen Stil diskret und lässt Klaus Mäkelä stets ausreichend Raum. Gemeinsam schafft das Duo eine vertraute Atmosphäre. Sie scheinen sich ohne Worte zu verstehen.

Regisseurin Louise Narboni dreht mit ruhiger Hand, wagt lange Einstellungen und schafft somit einen tiefen Einblick in diese musikalische Revolution – denn der Mut gilt diesmal nicht nur den Interpreten, sondern auch der Kamera. Gekonnt bringt Narboni die authentische Symbiose von Dirigent und Solistin auf den Bildschirm.

Orchestre de Paris, Klaus Mäkelä
Isabelle Faust (Violine)

Johannes Brahms:
– Violinkonzert D-Dur, op. 77
– Intermezzo, op. 118 Nr. 5 (arrangiert von Oscar Strasnoy)

Pariser Philharmonie, Februar 2022

Cecilia Bartoli bringt Kritiker und Publikum ins Schwärmen. Die Leuchtkraft ihres Mezzosoprans wurde hundertfach gefeiert. Der Film begleitet die Wahlschweizerin eine Saison lang.

Eines zeichnet Cecilia Bartoli besonders aus: die Fähigkeit, ihre ganze Persönlichkeit in jedes Wort zu legen, das sie singt. Cecilia Bartoli, so beschreibt es der Dirigent Antonio Pappano, hat die Gabe, ein Orchester während der gemeinsamen Probe zu verändern.
Sie tut alles, um eine Rolle möglichst gemäß der Idealvorstellung des Komponisten auszufüllen.

Der Film von Fabio de Luca dokumentiert die wichtigsten Auftritte Cecilia Bartolis, die im Januar 2019 ihr 30-jähriges Jubiläum am Opernhaus Zürich feierte. In dem Film stehen ihre Kollegen Schlange, um ihr Loblied zu singen: Daniel Barenboim, Gustavo Dudamel, Martha Argerich sowie die Opernregisseure Moshe Leiser und Patrice Caurier.

Michael Barenboim und Kian Soltani sind die Solisten beim Konzert des West-Eastern Divan Orchestra in Salzburg 2021. Im Mittelpunkt des Programms steht das Doppelkonzert für Violine und Violoncello in a-Moll von Johannes Brahms. Es ist dies Brahms einziges Werk in diesem Genre und gleichzeitig auch sein finales Orchesterwerk, komponiert 1887. Die musikalische Leitung hat Daniel Barenboim.

Johannes Brahms komponierte das Doppelkonzert in a-Moll in der erklärten Absicht, seine vormals enge Freundschaft mit dem Geigenvirtuosen Joseph Joachim zu erneuern. Diese war nach persönlichen Querelen stark abgekühlt, was für Brahms umso schwerer wog, als er mit Joachim in der Vergangenheit eng zusammengearbeitet und große Erfolge errungen hatte, etwa bei der Komposition des Violinkonzerts, bei dessen Uraufführung Joachim auch die Solovioline gespielt hatte. Und der Plan ging auf, Joseph Joachim übernahm tatsächlich den Violinpart des Doppelkonzertes bei der Uraufführung am 18. Oktober 1887 in Köln und zeigte sich durchaus angetan von der Komposition.

Michael Barenboim spielt Violine, seit er sieben Jahre alt ist. Mit 15 wurde er Mitglied des West-Eastern Divan Orchestra, drei Jahre später dessen Konzertmeister. Schon früh trat er auch als Solist in Erscheinung und konzertierte mit namhaften Orchestern wie den Wiener Philharmonikern und dem Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks.

Kian Soltani, österreichischer Cellist mit iranischen Wurzeln, kam schon im Alter von vier Jahren mit seinem Instrument in Berührung, mit zwölf Jahren begann er sein Cello-Studium. Er gewann zahlreiche Preise und arbeitet regelmäßig mit Daniel und Michael Barenboim zusammen.

West-Eastern Divan Orchestra, Daniel Barenboim
Kian Soltani (Violoncello)
Michael Barenboim (Violine)

Johannes Brahms: Konzert für ioline, Violoncello und Orchester a-Moll, op. 102
César Franck: Symphonie d­Moll, FWV 48

Salzburg, Großes Festspielhaus, August 2021

Michael Barenboim und Kian Soltani sind die Solisten beim Konzert des West-Eastern Divan Orchestra in Salzburg 2021. Im Mittelpunkt des Programms steht das Doppelkonzert für Violine und Violoncello in a-Moll von Johannes Brahms. Es ist dies Brahms einziges Werk in diesem Genre und gleichzeitig auch sein finales Orchesterwerk, komponiert 1887. Die musikalische Leitung hat Daniel Barenboim.

Johannes Brahms komponierte das Doppelkonzert in a-Moll in der erklärten Absicht, seine vormals enge Freundschaft mit dem Geigenvirtuosen Joseph Joachim zu erneuern. Diese war nach persönlichen Querelen stark abgekühlt, was für Brahms umso schwerer wog, als er mit Joachim in der Vergangenheit eng zusammengearbeitet und große Erfolge errungen hatte, etwa bei der Komposition des Violinkonzerts, bei dessen Uraufführung Joachim auch die Solovioline gespielt hatte. Und der Plan ging auf, Joseph Joachim übernahm tatsächlich den Violinpart des Doppelkonzertes bei der Uraufführung am 18. Oktober 1887 in Köln und zeigte sich durchaus angetan von der Komposition.

Michael Barenboim spielt Violine, seit er sieben Jahre alt ist. Mit 15 wurde er Mitglied des West-Eastern Divan Orchestra, drei Jahre später dessen Konzertmeister. Schon früh trat er auch als Solist in Erscheinung und konzertierte mit namhaften Orchestern wie den Wiener Philharmonikern und dem Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks.

Kian Soltani, österreichischer Cellist mit iranischen Wurzeln, kam schon im Alter von vier Jahren mit seinem Instrument in Berührung, mit zwölf Jahren begann er sein Cello-Studium. Er gewann zahlreiche Preise und arbeitet regelmäßig mit Daniel und Michael Barenboim zusammen.

West-Eastern Divan Orchestra, Daniel Barenboim
Kian Soltani (Violoncello)
Michael Barenboim (Violine)

Johannes Brahms: Konzert für ioline, Violoncello und Orchester a-Moll, op. 102
César Franck: Symphonie d­Moll, FWV 48

Salzburg, Großes Festspielhaus, August 2021

Er gilt als einer der bedeutendsten Dirigenten des 20. Jahrhunderts. Sein Name ist auch jenen ein Begriff, die noch nie ein Symphoniekonzert besucht haben: Herbert von Karajan. Das Porträt des Maestros beleuchtet Höhepunkte und Brüche seines Lebens. Wer war dieser Herbert von Karajan? Welche Klischees über ihn entsprechen der Realität, welche nicht? Der Film befragt langjährige Weggefährten wie Anne Sophie Mutter und Christa Ludwig, Wiener und Berliner Philharmoniker und zeigt bislang unbekanntes oder vergessenes Archivmaterial.

Sein Instrument waren die besten Orchester der Welt. Mit 300 Millionen verkauften Tonträgern hat Herbert von Karajan Musikgrößen wie Michael Jackson, Madonna und die Rolling Stones weit hinter sich gelassen. Nach Mozart gilt er als berühmtester Sohn der Stadt Salzburg. Von Karajans Lebensstil begeisterte die Medien: rasante Autos, Flugzeuge, Segeljachten, seine hübsche, fast 30 Jahre jüngere dritte Frau. Doch hinter dem Glamour versteckte sich ein scheuer Mensch, der jahrzehntelang gegen Schmerzen ankämpfte und der bis zu seinem letzten Atemzug um den perfekten Klang rang.

Der Film beleuchtet die Höhepunkte und Brüche seines Lebens, hinterfragt die existierenden Klischees: War Karajan wirklich ein Jetset-Künstler? Ein egozentrischer, macht- und geldgieriger Charakter, der dem Nationalsozialismus nahestand? Oder hat sich der Dirigent doch nur einem politischen System gefügt, ohne dessen Ideologie verinnerlicht zu haben? Langjährige Weggefährten wie Anne Sophie Mutter, die Berliner und Wiener Philharmoniker erinnern sich an den Maestro.

Jedes Jahr im Juni zieht das Orchester der Mailänder Scala einen Sommerabend lang auf den Platz vor dem Mailänder Dom für ein Konzert unter freiem Himmel. Auf dem Programm stehen in diesem Jahr amerikanische Klänge aus den frühen Jahren des 20. Jahrhunderts. ARTE zeigt die Höhepunkte mit zwei prominenten Stücken von George Gershwin. »Ein Amerikaner in Paris« ist neben der »Rhapsody in Blue« sein bekanntestes Stück und lieferte die Vorlage zum gleichnamigen Film von Vincente Minnelli. Als Bouquet final liefern Maestro Chailly und das Orchester der Mailänder Scala die Orchestersuite »Catfish Row«, George Gershwins fünfsätzige Synthese seiner Oper »Porgy and Bess«, die in den 30er Jahren entstanden war.

Riccardo Chailly, musikalischer Direktor der Mailänder Scala, dirigiert das alljährliche Sommerkonzert des Orchesters des berühmten Opernhauses auf dem Mailänder Domplatz. In diesem Jahr klingt es amerikanisch beschwingt. George Gershwins Eindrücke seines Parisaufenthalts mit dem sprechenden Titel »Ein Amerikaner in Paris« und die Suite »Catfish Row« aus seiner Oper »Porgy and Bess« stehen auf dem Programm.

»Summertime« ist eines der bekanntesten Stücke der amerikanischen Musikliteratur des 20. Jahrhunderts. Die Oper, der es entstammt, wird in Europa nur wenig aufgeführt. »Porgy and Bess« setzt eine unmögliche Liebesgeschichte im Milieu der Afroamerikaner im South Carolina der 70er Jahre des 19. Jahrhunderts in Szene. George Gershwin hat zu seiner Oper eine Suite geschrieben, benannt nach dem Viertel, in dem die Geschichte spielt, die »Catfish Row«. »Summertime«, die berühmte Melodie aus »Porgy and Bess«, von der es inzwischen über 7.000 Fassungen auf der Welt gibt, wird dabei von einer Geige übernommen.

Die Tondichtung »Ein Amerikaner in Paris« (»An American in Paris«) entstand 1928. Ähnlich wie bei der »Rhapsody in Blue« beschreibt Gershwin musikalisch eigene Eindrücke, in diesem Falle die seines Aufenthalts in der französischen Hauptstadt. Gershwin komponierte sein »Tone Poem for Orchestra« im Auftrag für die New Yorker Philharmoniker. Die klassische Besetzung eines Symphonieorchesters erweiterte er um ein Paar Hupen von Pariser Taxis, die er extra aus Frankreich mitgebracht hatte.

Young Euro Classic ist die weltweit wichtigste Plattform des internationalen Orchesternachwuchses für die europäische klassische Musiktradition und ihre Entwicklungen. Für viele der Pre-Professionals zählen die Auftritte im Konzerthaus zu den prägendsten Ereignissen ihrer Karriere. 2021 fand das Berliner Young Euro Classic unter Sicherheitsauflagen wieder statt, nachdem es im Jahr zuvor wegen Corona ausfallen musste. Mehr als zwei Wochen lang sorgten im Konzerthaus am Gendarmenmarkt die Mitwirkenden und Jugendorchester aus aller Welt für große Musik und beste Unterhaltung.

Zu sehen und zu hören mit der Musik von Prokofjew ist das Wiener Jeunesse Orchester, das dem Festival seit seinen Anfängen freundschaftlich verbunden ist, sowie das Bundesjugendorchester mit einem Ausschnitt aus Dvoraks Symphonie »Aus der neuen Welt«.

Von den Qualitäten des Nationalen Jugendorchester Rumäniens konnten sich die Besucher von Young Euro Classic schon mehrere Male überzeugen. Diesmal mit dabei: der Solist Daniel Ciobanu, der Schostakowitschs zweites Klavierkonzert furios interpretiert.

Seit der Gründung durch Leonard Bernstein vor über drei Jahrzehnten zählt das Schleswig-Holstein Festival Orchestra zur internationalen Spitze der Jugend- und Festivalorchester. Unter der Leitung des jungen lettischen Dirigenten Andris Poga spielten sie die fünfte Symphonie von Peter Tschaikowsky, die von den düster-melancholischen Anfangstönen bis zum überbordenden Finale alle Möglichkeiten eindringlichen Orchesterspiels auslotet. Außergewöhnlich ist die schwedische Truppe O/Modernt, deren charismatischer Leiter Hugo Ticciati mit seinem Geigenspiel und den Tangoklängen von Piazzolla begeistert.

Sergej Prokofjew war erst 13 Jahre alt, als er 1904 begann, am Konservatorium in Sankt Petersburg Klavier und Komposition zu studieren. Bald schon galt er in der Musikszene als Enfant terrible, das alles infrage stellte und das russische Musik-Establishment mit seinen unkonventionellen Kompositionen schlicht überforderte.

Prokofjew fertigte selbst drei Orchestersuiten für sein Ballett »Romeo und Julia« an, doch es gibt auch andere Arrangements, mit denen relativ frei umgegangen wird und die alle denselben Stellenwert genießen – darunter die von ARTE gezeigte Auswahl.

Die Suite beginnt mit der eindrucksvollen Familienfehde zwischen den Montagues und Capulets. Dann wird Julia vorgestellt, eine reizende und verträumte junge Frau, in die man sich einfach verlieben muss. In der Balkonszene gestehen sich Romeo und Julia ihre Liebe, werden jedoch von Julias streitsüchtigem Cousin Tybalt bedroht. Die Situation läuft aus dem Ruder und Romeo tötet Tybalt. Zur Strafe soll Romeo verbannt und Julia mit dem jungen Edelmann Paris vermählt werden, doch Bruder Lorenzo hat einen Plan: Julia soll einen Schlaftrunk zu sich nehmen, der sie in einen todesähnlichen Zustand versetzen wird. Wenn sie in der Familiengruft erwacht, soll Romeo sie dort erwarten und mit ihr fliehen. Doch der Plan schlägt furchtbar fehl. Romeo erfährt nie, dass Julias Tod nur vorgetäuscht ist, und glaubt, sie sei tatsächlich gestorben, als er sie in ihrem Grab erblickt. Aus Verzweiflung vergiftet er sich und stirbt. Als Julia erwacht und den toten Geliebten sieht, ergreift sie Romeos Dolch und bringt sich um. Die Familien erfahren von der Tragödie und versöhnen sich am Grab ihrer Kinder.

Finnish Radio Symphony Orchestra, Hannu Lintu

David Garrett, einst gefeiertes Geigen-Wunderkind mit früher Klassikkarriere, hat heute weltweit auch große Erfolge als Cross-over-Künstler. Ein ständiger musikalischer Spagat und ein Leben, das geprägt ist von Verzicht in der Kindheit, künstlerischer Anerkennung und der Suche nach dem Selbst. 30 Jahre nach seinem Bühnendebüt zieht Garrett nun ein sehr persönliches Resümee.

Stargeiger David Garrett ist jetzt über 40 Jahre alt. Das ehemalige Klassik-Wunderkind füllt nicht nur Konzerthäuser, sondern begeistert mit eigenen musikalischen Arrangements und ausgefeilten Bühnenshows Millionen Fans weltweit. Ein hart erarbeiteter Erfolg, der mit vielen Entbehrungen, bereits in der Kindheit, dem Wunsch nach künstlerischer Anerkennung und der Suche nach dem Selbst verbunden ist.

In der Mitte seines Lebens zieht Garrett ein erstes, sehr persönliches Resümee. Wie ist er zu dem geworden, der er heute ist? Wie ist das Verhältnis zu seinen Eltern, speziell seinem Vater, der ihn an der Geige gedrillt hat? Wem vertraut er heute? Wie geht er damit um, dass Hardcore-Klassiker bei seinem Namen die Nase rümpfen?

Dabei werden Fluch und Segen des Welterfolgs, aber auch die vielen Facetten des Menschen David Garrett deutlich.

Die Dokumentation zeigt David Garrett offen und privat wie nie. Dafür öffnet er sein Archiv zu bislang unveröffentlichtem Videomaterial. Die wichtigsten Stationen seines Lebens werden angesteuert und Wegbegleiter, Freunde und Familie erzählen. Ob in New York, wo der Wendepunkt seines Lebens stattfand, in Amsterdam bei intensiven Studioaufnahmen, in Berlin, der Stadt seiner Kindheit, oder auf Mallorca, wo er Entspannung sucht.

Musikalisch porträtiert die Dokumentation sowohl den Klassik- wie den Cross-over-Künstler David Garrett. Darunter sind auch Ausschnitte des Konzerts in den Caracalla-Thermen in Rom, das zu den Highlights seiner diesjährigen Tour zählt. Mehr von diesem Konzert zeigt ARTE im Anschluss an die Dokumentation.

Sergej Prokofjew war erst 13 Jahre alt, als er 1904 begann, am Konservatorium in Sankt Petersburg Klavier und Komposition zu studieren. Bald schon galt er in der Musikszene als Enfant terrible, das alles infrage stellte und das russische Musik-Establishment mit seinen unkonventionellen Kompositionen schlicht überforderte.

Prokofjew fertigte selbst drei Orchestersuiten für sein Ballett »Romeo und Julia« an, doch es gibt auch andere Arrangements, mit denen relativ frei umgegangen wird und die alle denselben Stellenwert genießen – darunter die von ARTE gezeigte Auswahl.

Die Suite beginnt mit der eindrucksvollen Familienfehde zwischen den Montagues und Capulets. Dann wird Julia vorgestellt, eine reizende und verträumte junge Frau, in die man sich einfach verlieben muss. In der Balkonszene gestehen sich Romeo und Julia ihre Liebe, werden jedoch von Julias streitsüchtigem Cousin Tybalt bedroht. Die Situation läuft aus dem Ruder und Romeo tötet Tybalt. Zur Strafe soll Romeo verbannt und Julia mit dem jungen Edelmann Paris vermählt werden, doch Bruder Lorenzo hat einen Plan: Julia soll einen Schlaftrunk zu sich nehmen, der sie in einen todesähnlichen Zustand versetzen wird. Wenn sie in der Familiengruft erwacht, soll Romeo sie dort erwarten und mit ihr fliehen. Doch der Plan schlägt furchtbar fehl. Romeo erfährt nie, dass Julias Tod nur vorgetäuscht ist, und glaubt, sie sei tatsächlich gestorben, als er sie in ihrem Grab erblickt. Aus Verzweiflung vergiftet er sich und stirbt. Als Julia erwacht und den toten Geliebten sieht, ergreift sie Romeos Dolch und bringt sich um. Die Familien erfahren von der Tragödie und versöhnen sich am Grab ihrer Kinder.

Finnish Radio Symphony Orchestra, Hannu Lintu

Jedes Jahr im Juni zieht das Orchester der Mailänder Scala einen Sommerabend lang auf den Platz vor dem Mailänder Dom für ein Konzert unter freiem Himmel. Auf dem Programm stehen in diesem Jahr amerikanische Klänge aus den frühen Jahren des 20. Jahrhunderts. ARTE zeigt die Höhepunkte mit zwei prominenten Stücken von George Gershwin. »Ein Amerikaner in Paris« ist neben der »Rhapsody in Blue« sein bekanntestes Stück und lieferte die Vorlage zum gleichnamigen Film von Vincente Minnelli. Als Bouquet final liefern Maestro Chailly und das Orchester der Mailänder Scala die Orchestersuite »Catfish Row«, George Gershwins fünfsätzige Synthese seiner Oper »Porgy and Bess«, die in den 30er Jahren entstanden war.

Riccardo Chailly, musikalischer Direktor der Mailänder Scala, dirigiert das alljährliche Sommerkonzert des Orchesters des berühmten Opernhauses auf dem Mailänder Domplatz. In diesem Jahr klingt es amerikanisch beschwingt. George Gershwins Eindrücke seines Parisaufenthalts mit dem sprechenden Titel »Ein Amerikaner in Paris« und die Suite »Catfish Row« aus seiner Oper »Porgy and Bess« stehen auf dem Programm.

»Summertime« ist eines der bekanntesten Stücke der amerikanischen Musikliteratur des 20. Jahrhunderts. Die Oper, der es entstammt, wird in Europa nur wenig aufgeführt. »Porgy and Bess« setzt eine unmögliche Liebesgeschichte im Milieu der Afroamerikaner im South Carolina der 70er Jahre des 19. Jahrhunderts in Szene. George Gershwin hat zu seiner Oper eine Suite geschrieben, benannt nach dem Viertel, in dem die Geschichte spielt, die »Catfish Row«. »Summertime«, die berühmte Melodie aus »Porgy and Bess«, von der es inzwischen über 7.000 Fassungen auf der Welt gibt, wird dabei von einer Geige übernommen.

Die Tondichtung »Ein Amerikaner in Paris« (»An American in Paris«) entstand 1928. Ähnlich wie bei der »Rhapsody in Blue« beschreibt Gershwin musikalisch eigene Eindrücke, in diesem Falle die seines Aufenthalts in der französischen Hauptstadt. Gershwin komponierte sein »Tone Poem for Orchestra« im Auftrag für die New Yorker Philharmoniker. Die klassische Besetzung eines Symphonieorchesters erweiterte er um ein Paar Hupen von Pariser Taxis, die er extra aus Frankreich mitgebracht hatte.