TV-Sender: Arte

Die Barenboim-Said-Musikakademie in Berlin ist ein Experiment. Sie soll vor allem junge Musiker aus dem Nahen Osten zusammenbringen: Juden, Moslems und Christen. Daniel Barenboim wollte für sie einen geschützten Raum schaffen, einen Ort der Begegnung, fernab von Krieg und Krisenalltag. Die Dokumentation porträtiert die Hochschule, in der humanistische Ideale, Musik und Philosophie zu Hause sind.

1999 gründeten Daniel Barenboim und der Literaturwissenschaftler Edward Said das West-Eastern Divan Orchestra, in dem junge Musiker aus dem Nahen Osten gemeinsam musizieren. Seitdem ist es nicht nur zu einem weltweit gefeierten Spitzenorchester geworden, sondern auch zu einem wichtigen Symbol für das friedliche Miteinander verschiedener Kulturen. Mit der Eröffnung der Barenboim-Said Akademie in Berlin hat der Geist des Orchesters – rund 15 Jahre nach dem Tod Edward Saids –seine feste Heimat gefunden.

Für Daniel Barenboim ist die Akademie ein Herzensprojekt. Selbst wenn verschiedene Kulturen und politische Ansichten aufeinanderprallen, schaffe Musik doch Verständigung, so Barenboim. Der Filmemacher David Bernet wirft in seiner Dokumentation einen Blick hinter die Kulissen und zeigt eine Hochschule, die höchste Ansprüche an die Kunst wie an die Lernenden und Lehrenden stellt und die dem Humanismus und der Aufklärung verpflichtet ist.

Die zehnköpfige österreichische Musicbanda Franui und der Chor des Bayerischen Rundfunks treffen in »Wohin ich geh‘?« erstmals aufeinander. Die besonderen Qualitäten der beiden exzellenten Klangkörper werden in einem neuen Schmelztiegel vereint: Chor und Franui kamen in einem Studio des Bayerischen Rundfunks in München zusammen, um Lieder Gustav Mahlers und von Mahlers Vorbild Carl Loewe gemeinsam zu musizieren.

Außerdem warfen sie ein Licht auf ihre alpine Herkunft. Denn eines von Mahlers »Komponierhäuschen« steht heute noch in Toblach, einer Gemeinde in Südtirol, im Pustertal im heutigen Italien. Aus dem Nachbarort Innervillgraten in Osttirol stammt das Ensemble Musicbanda Franui.

Das Ensemble Franui legt die volksmusikalischen Inspirationsquellen von Gustav Mahler frei und bricht groß besetzte Orchesterlieder auf Kammermusikfassung mit Hackbrett, Trompeten, Akkordeon, Saxofon und Kontrabass herunter. Der Chor bringt die Liedverse mehrstimmig, die von dem einstigen künstlerischen Leiter des Chores Howard Arman subtil arrangiert wurden.
Arman ist auch die Verbindungsstelle zwischen Franui und dem BR-Chor: Er war einst Chorleiter an einem Konvent in Tirol, an dem viele der Mitglieder von Franui unterrichtet wurden.

Die Dokumentation fängt die Musiknummern in einem stimmungsvoll ausgeleuchteten Studio mit dem Kino-Look von Arri-Kameras ein. Diverse Originalaufnahmen aus der Umgebung von Innervillgraten und Toblach gestalten die Bergwelt Tirols, aus der Mahler so viel Anregung und Klangvorstellungen schöpfte, wie zum Greifen nah.

Chor des Bayerischen Rundfunks, Howard Arman
Orchester Franui Musicbanda

»A Symphony of Noise« taucht ein in die Klangwelten des gefeierten britischen Musikers und Klangforschers Matthew Herbert. Während der Künstler mit seinen Kompositionen aus Umweltgeräuschen permanent die Genregrenzen von klassischer und elektronischer Musik sprengt, fordert er sein Publikum auf, die Ohren für den Klang der Welt zu öffnen: Menschen sollen hören, wie sie nie zuvor gehört haben. Der Film wurde 2021 mit dem Deutschen Filmpreis für beste Tongestaltung ausgezeichnet und für die Kategorie »Bester Schnitt« nominiert. 2022 wurde er als bester Musikfilm nominiert für den Deutschen Dokumentarfilmpreis.

Regie: Enrique Sánchez Lansch

Odessa ist eine Stadt im Kriegsgebiet und steht unter Beschuss. Das bedeutende Festival »Odessa Classics« konnte dieses Jahr dort nicht stattfinden. Um sich solidarisch zu zeigen und der Kultur einen Ort zu geben, war Estland Gastgeber des Festivals.

Das Musikfestival Odessa Classics wurde erstmals 2015 in der ukrainischen Hafenstadt Odessa veranstaltet. Gründer und Pianist Alexey Botvinovs Mission war es, ein Festival zu schaffen, das der Ukraine helfen würde, sich Europa anzunähern und der von Russland initiierten militärischen Aggression zu widerstehen. Seit den ersten Tagen ist das Odessa Classics durch seine Musikerinnen und Musiker, Festivalgäste und Unterstützerinnen und Unterstützer mit Estland verbunden.

Das achte Odessa Classics Festival hätte im Juni 2022 stattfinden sollen, wurde jedoch aufgrund des Kriegs gegen die Ukraine auf unbestimmte Zeit verschoben. Um die Tradition des Festivals nicht zu brechen, Solidarität zu zeigen und der Kultur einen Platz zu geben, richtet Estland in diesem Jahr die Eröffnung des Odessa Classics als »Odessa Classics Tallinn« aus. Alexey Botvinov spielt in Tallinn zusammen mit dem weltberühmten Geiger Daniel Hope und dem Estnischen Nationalen Symphonieorchester unter der Leitung von Olari Elts Werke von Pärt, Mozart und Britten.

Estonian National Symphony Orchestra, Olari Elts
Mit Daniel Hope (Violine), Alexey Botvinov (Klavier)

Die Barenboim-Said-Musikakademie in Berlin ist ein Experiment. Sie soll vor allem junge Musiker aus dem Nahen Osten zusammenbringen: Juden, Moslems und Christen. Daniel Barenboim wollte für sie einen geschützten Raum schaffen, einen Ort der Begegnung, fernab von Krieg und Krisenalltag. Die Dokumentation porträtiert die Hochschule, in der humanistische Ideale, Musik und Philosophie zu Hause sind.

1999 gründeten Daniel Barenboim und der Literaturwissenschaftler Edward Said das West-Eastern Divan Orchestra, in dem junge Musiker aus dem Nahen Osten gemeinsam musizieren. Seitdem ist es nicht nur zu einem weltweit gefeierten Spitzenorchester geworden, sondern auch zu einem wichtigen Symbol für das friedliche Miteinander verschiedener Kulturen. Mit der Eröffnung der Barenboim-Said Akademie in Berlin hat der Geist des Orchesters – rund 15 Jahre nach dem Tod Edward Saids –seine feste Heimat gefunden.

Für Daniel Barenboim ist die Akademie ein Herzensprojekt. Selbst wenn verschiedene Kulturen und politische Ansichten aufeinanderprallen, schaffe Musik doch Verständigung, so Barenboim. Der Filmemacher David Bernet wirft in seiner Dokumentation einen Blick hinter die Kulissen und zeigt eine Hochschule, die höchste Ansprüche an die Kunst wie an die Lernenden und Lehrenden stellt und die dem Humanismus und der Aufklärung verpflichtet ist.

Nach dem Einmarsch der deutschen Truppen in Warschau verschlechtert sich die Situation der jüdischen Bevölkerung dramatisch. Wladyslaw Szpilman, ein bekannter junger Pianist, entgeht im letzten Augenblick dem Abtransport aus dem Ghetto in ein Vernichtungslager. Polnische Widerstandskämpfer verstecken ihn in einer leerstehenden Wohnung in der Nähe des Ghettos. Als die Gruppe auffliegt, ist er auf sich allein gestellt. Polanskis mit Preisen überschüttetes Holocaust-Drama basiert auf den Memoiren »Das wunderbare Überleben« des berühmten polnischen Pianisten Wladyslaw Szpilman.

Tanz auf der Bühne – das klingt nach Schwerelosigkeit und Leichtigkeit. Doch der Eindruck täuscht, Tanzkunst ist körperliche Schwerstarbeit, dem Spitzensport vergleichbar. Spätestens mit 40 Jahren haben die meisten Tänzerinnen und Tänzer ihren Zenit erreicht. In der Reife steckt aber auch großes künstlerisches Potenzial, das die Glorifizierung der Jugend zunehmend infrage stellt. Der Film begleitet unter anderem die Ballettstars Polina Semionova und Friedemann Vogel bei ihrer Arbeit. Sie gewähren persönliche Einblicke in ihre Tänzerkarrieren und reflektieren über diese Zeit des Übergangs.

Es ist die Illusion der Schwerelosigkeit und zugleich ein romantisches Klischee: anmutige Luftwesen, die feengleich in Tüllröcken über die Bühne schweben. Wer an die Kunstform Tanz denkt, trägt unweigerlich Bilder von scheinbar endlos biegsamen Körpern, voller Schönheit, Kraft und Jugend in sich.

Doch der Eindruck der Leichtigkeit täuscht. Abertausende Stunden Training sind notwendig, um einen Tänzerkörper für die Bühne zu formen – das gilt fürs Ballett, aber auch für den zeitgenössischen Tanz. Tanzkunst ist körperliche Schwerstarbeit und wie im Spitzensport ist der Leistungsdruck hoch. Das fordert seinen Tribut. Tänzer werden sehr früh »alt«. Mit wenigen Ausnahmen haben die meisten Tänzer mit 40 Jahren ihren Zenit erreicht. Das Duett mit der eigenen Vergänglichkeit beginnt und ein möglicher Bühnenabschied wird absehbar. Doch das Aufhören ist ein schwieriger Prozess. Tänzer bleiben Tänzer, selbst wenn ihnen der Körper Grenzen setzt.

In unserer Gesellschaft wird Altern immer noch als negativ gewertet. Der Rückgang der körperlichen Leistungsfähigkeit zeigt, dass etwas vorbei ist. Doch gleichzeitig lässt das Mehr an Lebenserfahrung viele Tänzer erst diese magische Strahlkraft entwickeln, die sie als junge Tänzer niemals erreicht hätten. Darin liegt ein künstlerisches Potenzial, das für viele Choreographen reizvoll ist. So werden tradierte Erwartungshaltungen an technische Perfektion und die Glorifizierung der Jugend zunehmend infrage gestellt.
Die Dokumentation begleitet die Tänzer Friedemann Vogel (Erster Solist, Stuttgarter Ballett), Polina Semionova (Primaballerina, Staatsballett Berlin), William Moore (Erster Solist, Ballett Zürich) und Gesine Moog (Tänzerin im Dance On Ensemble) auf einem Stück ihres Weges. Alle vier gewähren persönliche Einblicke in ihre Tänzerkarrieren und reflektieren über diese Zeit des Übergangs.

Am 21. August 2005 blickt die Welt auf Ramallah: 80 junge arabische, spanische und jüdische Musiker reisen in die palästinensische Hauptstadt, um das Konzert ihres Lebens zu spielen.
Es ist ein Musikereignis unter Extrembedingungen: Seit Jahrzehnten beherrschen gewalttätige Auseinandersetzungen zwischen israelischen Soldaten und Palästinensern das Leben im Westjordanland. In Israel wird das Unternehmen im Vorfeld kritisch gesehen, Barenboim öffentlich angefeindet. Wenige Tage vor dem Konzert bietet Spanien Visa für das ganze Orchester an, um eine denkbare Absage zu verhindern und Sicherheit zu garantieren.

Mit diesem Auftritt setzt das sechs Jahre zuvor gegründete »West-Eastern Divan Orchestra« ein nachhaltiges Zeichen – nicht zuletzt auch durch die Auswahl des Programms: Steht Beethovens »Schicksalssymphonie« für eine Vision von der Versöhnung der Menschen, unterstreicht Mozarts »Sinfonia concertante« eindrücklich, dass ein friedliches Miteinander durch Musik möglich ist – stammen doch die Solisten am Fagott, Horn, an der Oboe und Klarinette aus Israel, Syrien und Ägypten.

Diese Sternstunde zeigt nicht nur die legendäre Konzertaufzeichnung. In dokumentarischen Passagen wie in neu gefilmten Gesprächen erinnern sich Daniel Barenboim, Mariam C. Said und ausgewählte Musikerinnen und Musiker an diesen denkwürdigen Abend. Prominente Freunde des Orchesters wie der Schauspieler Christoph Waltz, der Cellist Yo-Yo Ma oder die Sängerin Waltraud Meier spüren der Frage nach, was Musik in einem solchen Kontext leisten kann.

Die Ausschnitte aus der Gründungszeit des Orchesters, die von Autorin Anne-Kathrin Peitz in den Film gewoben werden, stammen aus Paul Smacznys Dokumentarfilm »Wir können nur den Hass verringern« (englischer Titel: Knowledge is the Beginning), der 2006 mit dem Emmy ausgezeichnet wurde.

Nach ihrem fulminanten »Mozart y Mambo«-Projekt kehrt Sarah Willis nach Kuba zurück. Die Hornistin der Berliner Philharmoniker begibt sich mit dem Havana Lyceum Orchestra auf einen musikalischen Roadtrip und bringt das Publikum noch intensiver und lebendiger mit der traditionellen kubanischen Musik in Kontakt.

Im Gepäck: ein ganz besonderes Werk. Sarah Willis hat sechs junge kubanische Komponistinnen und Komponisten beauftragt, eine »Cuban Dance Suite« in sechs Sätzen zu komponieren – für Streicher, Cuban Percussion und Solo-Horn. Es sind moderne Adaptionen der traditionellen kubanischen Tänze: Son, Danzón, Guaguancó, Cha-Cha-Cha, Bolero und Changüí.

Die »Cuban Dance Suite« ist nicht nur der musikalische rote Faden des Films, sondern auch der Routenplan für eine Spurensuche. Mit dem Orchester sowie den Komponistinnen und Komponisten reist Sarah Willis durch Kuba – bis nach Guantánamo und Santiago de Cuba. Die einzelnen Sätze der Suite werden jeweils an den Orten ihrer Herkunft uraufgeführt. So entsteht ein Werk in sechs Sätzen, das gleichzeitig auch eine Land- und Geschichtskarte Kubas zeichnet.

Anhand von Begegnungen mit lokalen Musikerinnen und Musikern, die die Rhythmen seit Generationen kennen und spielen, zeichnet die Dokumentation ein Porträt der Menschen des Landes, ihres Lebensstils, und zeigt, warum diese Musik so ein bedeutender Teil im Leben und der Geschichte der Kubanerinnen und Kubaner ist. Dabei trifft Sarah Willis auch Enrique Lazaga Varona, den legendären Güiro-Spieler des Buena Vista Social Club, und Ana Pérez Herrera, die Sängerin der berühmten Rumba-Gruppe Los Muñequitos de Matanzas.

Kurzweilig, unterhaltsam und brillant: Das sind die neuen Arrangements der Philharmonix – Klassik ganz neu! Leidenschaft ist der Grund, warum Mitglieder der Wiener und Berliner Philharmoniker die Philharmonix gegründet haben: Sie spielen alles, worauf sie schon immer Lust hatten. Was sie verbindet, ist die Freude an der klassischen Musik – jedoch ganz anders arrangiert. In ihren brillanten Neufassungen bearbeiten sie auch Jazz und Latin, jüdische Volksmusik, Hollywood-Melodien und Pop.

Mit Daniel Ottensamer (Klarinette), Noah Bendix-Balgley (Violine), Sebastian Gürtler (Violine), Thilo Fechner (Viola), Stephan Koncz (Violoncello), Ödön Rácz (Kontrabass),
Christoph Traxler (Klavier)

Konzertaufzeichnung aus dem Kölner Dom mit Concerto Köln unter der Leitung von Kent Nagano vom 29.10.2021. Die Aufführung von Beethovens Missa Solemnis erinnert an die Anfänge seiner großen Karriere. Denn hier, am Hofe des Kölner Erzbischofs, ist Beethoven groß geworden und hatte seine ersten Auftritte als junges Ausnahmetalent.
Mit dem Vokalensemble Kölner Dom, Valentina Farcas, Sopran, Rachel Frenkel, Alt, Werner Güra, Tenor, Andreas Wolf, Bass.

»Es gibt hier auf dem Westbalkan noch jede Menge Spannungen, man spürt das überall, jedenfalls wenn man will. Dieses Projekt ist daher wirklich toll!«, sagt Pavle Rakocevic, Cellist beim Western Balkans Youth Orchestra. 31 junge Musikerinnen und Musiker aus fünf Westbalkan-Staaten proben und touren gemeinsam mit ihrem Orchester. 23 Jahre nach Beendigung des letzten Balkankrieges der 90er Jahre leben die jungen Leute vor, wie Völkerverständigung in der Region aussehen kann. Desar Sulejmani, der albanischstämmige Gründer, Dirigent und Pianist des Orchesters ist überzeugt: »Wir sind nur eine kleine Gruppe, aber diese Gruppe ist ein Zeichen für den Frieden.«

«Wir reden nicht über Politik«, sagt Desar Sulejmani. Der Essener mit albanischen Wurzeln ist Gründer, Dirigent und Pianist des Western Balkans Youth Orchestra. Aber weil sich das Streichorchester aus 31 Musikerinnen und Musikern aus fünf Westbalkanstaaten zusammensetzt, ist es eben ein mindestens genauso wichtiges politisches wie musikalisches Projekt.

Die Reportage begleitet das junge Orchester auf seiner ersten größeren Tournee über den westlichen Balkan. Organisatorisch ist eine solche Tournee bis heute schwierig – die vier kosovarischen Musikerinnen etwa erhalten kein Visum für das Konzert im bosnisch-herzegowinischen Mostar. Und auch wenn nach außen alles harmonisch abläuft, gibt es doch unausgesprochene Regeln innerhalb der Gruppe. Bratschistin Alkesta Gllogjani aus Pristina im Kosovo könnte ihrer Familie ihren Freund nicht vorstellen, wenn sie sich auf der Tour in einen serbischen Orchestermusiker verlieben sollte.

»Ich würde mir selbst nicht erlauben, mich überhaupt zu verlieben«, sagt Alkesta. Immerhin, 23 Jahre nach Beendigung des letzten Balkankrieges der 90er Jahre, gehen viele Menschen auf dem Westbalkan langsam wieder entspannter miteinander um. Zum Konzert in der Synagoge im serbischen Novi Sad sind die Eltern von Cellistin Milica Simić gekommen. Isabella, ihre Mutter, sagt: »Es wäre kein Problem, wenn Milica einen Mann anderer Religion hätte.«

»Es gibt hier auf dem Westbalkan noch jede Menge Spannungen, man spürt das überall, jedenfalls wenn man will. Dieses Projekt ist daher wirklich toll!«, sagt Pavle Rakocevic, Cellist beim Western Balkans Youth Orchestra. 31 junge Musikerinnen und Musiker aus fünf Westbalkan-Staaten proben und touren gemeinsam mit ihrem Orchester. 23 Jahre nach Beendigung des letzten Balkankrieges der 90er Jahre leben die jungen Leute vor, wie Völkerverständigung in der Region aussehen kann. Desar Sulejmani, der albanischstämmige Gründer, Dirigent und Pianist des Orchesters ist überzeugt: »Wir sind nur eine kleine Gruppe, aber diese Gruppe ist ein Zeichen für den Frieden.«

«Wir reden nicht über Politik«, sagt Desar Sulejmani. Der Essener mit albanischen Wurzeln ist Gründer, Dirigent und Pianist des Western Balkans Youth Orchestra. Aber weil sich das Streichorchester aus 31 Musikerinnen und Musikern aus fünf Westbalkanstaaten zusammensetzt, ist es eben ein mindestens genauso wichtiges politisches wie musikalisches Projekt.

Die Reportage begleitet das junge Orchester auf seiner ersten größeren Tournee über den westlichen Balkan. Organisatorisch ist eine solche Tournee bis heute schwierig – die vier kosovarischen Musikerinnen etwa erhalten kein Visum für das Konzert im bosnisch-herzegowinischen Mostar. Und auch wenn nach außen alles harmonisch abläuft, gibt es doch unausgesprochene Regeln innerhalb der Gruppe. Bratschistin Alkesta Gllogjani aus Pristina im Kosovo könnte ihrer Familie ihren Freund nicht vorstellen, wenn sie sich auf der Tour in einen serbischen Orchestermusiker verlieben sollte.

»Ich würde mir selbst nicht erlauben, mich überhaupt zu verlieben«, sagt Alkesta. Immerhin, 23 Jahre nach Beendigung des letzten Balkankrieges der 90er Jahre, gehen viele Menschen auf dem Westbalkan langsam wieder entspannter miteinander um. Zum Konzert in der Synagoge im serbischen Novi Sad sind die Eltern von Cellistin Milica Simić gekommen. Isabella, ihre Mutter, sagt: »Es wäre kein Problem, wenn Milica einen Mann anderer Religion hätte.«

Der weltweit renommierte Pianist und Dirigent Daniel Barenboim feiert in diesem Jahr seinen 80. Geburtstag. Gemeinsam mit dem chinesischem Starpianisten Lang Lang und dem West-Eastern Divan Orchestra inszeniert der argentinisch-israelische Maestro Musik der Spanier Maurice Ravel und Manuel de Falla. Für Lang Lang ist die Zusammenarbeit mit dem Orchester eine Premiere.

Spanien, seine Menschen, seine Landschaften und seine reiche Folklore haben Komponisten immer wieder inspiriert. In Spanien selbst, aber insbesondere auch in Frankreich. Maurice Ravel, dessen Mutter aus dem Baskenland stammte, hat hier den auf jeden Fall bekanntesten Beitrag geleistet: Auf die Frage, was sein bestes Werk sei, antwortete er, so berichtet zumindest die Anekdote: »Wahrscheinlich der ‚Boléro‘, nur leider enthält er keine Musik.«

Tatsächlich ist das »Crescendo an und für sich in C-Dur« ein faszinierendes Dokument der Instrumentierungskunst Ravels, der mit bis dahin ungebräuchlichen Instrumentenkombination ganz unerhörte neue Klangfarben kreierte. Darüber hinaus ist der »Boléro« ein berüchtigtes Vorspielstück für Schlagzeuger beim Kampf um eine Orchesterstelle – und ganz einfach nur einer der Megahits der Klassik überhaupt!

»Noches en los jardines de España« von Manuel de Falla wurde 1916 in Madrid uraufgeführt. Ursprünglich als drei Nocturnes für Klavier solo geplant, arbeitete Manuel de Falla die »Nächte in spanischen Gärten« über einen längeren Zeitraum zu, wie es im Titel heißt, »Sinfonischen Impressionen für Klavier und Orchester« um. Die Ecksätze sind von Gärten in Granada und Cordoba inspiriert, allen drei Sätzen gemeinsam ist glückliche Verbindung von Einflüssen des Impressionismus und spanischem Kolorit.

West-Eastern Divan Orchestra, Daniel Barenboim
Lang Lang (Klavier)

Manuel de Falla: Noches en los jardines de España – Symphonische Impressionen für Klavier und Orchester
Maurice Ravel: Boléro

Salzburg, Großes Festspielhaus, August 2022

Die Vorlage zu Mussorgskis Meisterwerk lieferte Alexander Puschkin. Erbstreitigkeiten, Mord und der Kampf zwischen den Anhängern der russisch-orthodoxen Kirche und den Katholiken prägen dieses Drama, das im zaristischen Russland spielt. Boris Godunow, der Usurpator, hat wirklich gelebt und regierte von 1584 und 1598 anstelle des geistig zurückgebliebenen Zarensohnes Fjodor I. Am 7. Dezember eröffnet die Mailänder Scala die neue Opernsaison mit diesem russischen Klassiker von 1874 in einer Zusammenarbeit von Riccardo Chailly und dem dänischen Opernregisseur Kasper Holten.

Ildar Abdrazakov bestreitet die Titelrolle der diesjährigen Saisoneröffnung der Mailänder Scala. Nach »Attila« 2018 und »Macbeth« 2021 ist der aus Ufa, der Hauptstadt der Republik Baschkortostan in Russland, stammende Bass wieder zurück auf der Bühne der Scala. Für die Inszenierung dieses Dramas nach Alexander Puschkin zeichnet der dänische Opernregisseur Kasper Holten verantwortlich. Die musikalische Leitung liegt bei Riccardo Chailly.
Modest Mussorgski schrieb selbst das Libretto zu seiner Oper und hielt sich so nahe wie möglich an Alexander Puschkins Text. Die Uraufführung fand 1874 statt. Die Geschichte selbst spielt im 16. Jahrhundert. Boris Godunow regierte damals anstelle des geistig zurückgebliebenen Zarensohns Fjodor I. und ging als Usurpator in die russische Geschichte ein.

Auf der Bühne beginnt die Geschichte damit, dass das Volk, angetrieben von den Hauptleuten des Vogts, den unschlüssigen Boris Godunow bittet, Zar zu werden. Er gibt nach und lässt sich unter dem Jubel des Volkes krönen. Das Zögern war nur gespielt, in Wirklichkeit hatte Godunow alles getan, um auf den Thron zu gelangen.

Dmitri, der rechtmäßige Erbe, war nicht ohne Grund früh verstorben; Boris Godunow und seine Schergen hatten nachgeholfen. Doch als sich ein junger Mönch als Zarewitsch Dmitri ausgibt und die Nachricht dem unrechtmäßigen Zaren zu Ohren kommt, verliert er beinahe den Verstand.
Die Regierungszeit des historischen Godunow war umschattet von Krisen und Hungersnöten. Auf der Opernbühne treibt ihn das schlechte Gewissen aus dem Amt. Er tritt seine Herrschaft an seinen Sohn Fjodor ab, warnt ihn vor den Bojaren und stirbt. Am Ende erscheint der falsche Zarewitsch Dmitri mit einem Heer vor Moskau und das Volk erkennt ihn als rechtmäßigen Thronerben an. Ein Narr bleibt zurück und beklagt Russlands tragisches Schicksal.

Inszenierung: Kasper Holten
Coro del Teatro alla Scala
Orchestra del Teatro alla Scala, Riccardo Chailly
Mit Oleg Budaratskiy (Chef der Garde), Dmitry Golovnin (Grigori), Maria Barakova (Wirtin des Gasthauses), Stanislav Trofimov (Warlaam), Alexander Kravets (Missail)

»A Symphony of Noise« taucht ein in die Klangwelten des gefeierten britischen Musikers und Klangforschers Matthew Herbert. Während der Künstler mit seinen Kompositionen aus Umweltgeräuschen permanent die Genregrenzen von klassischer und elektronischer Musik sprengt, fordert er sein Publikum auf, die Ohren für den Klang der Welt zu öffnen: Menschen sollen hören, wie sie nie zuvor gehört haben. Der Film wurde 2021 mit dem Deutschen Filmpreis für beste Tongestaltung ausgezeichnet und für die Kategorie »Bester Schnitt« nominiert. 2022 wurde er als bester Musikfilm nominiert für den Deutschen Dokumentarfilmpreis.

Regie: Enrique Sánchez Lansch

Tanz auf der Bühne – das klingt nach Schwerelosigkeit und Leichtigkeit. Doch der Eindruck täuscht, Tanzkunst ist körperliche Schwerstarbeit, dem Spitzensport vergleichbar. Spätestens mit 40 Jahren haben die meisten Tänzerinnen und Tänzer ihren Zenit erreicht. In der Reife steckt aber auch großes künstlerisches Potenzial, das die Glorifizierung der Jugend zunehmend infrage stellt. Der Film begleitet unter anderem die Ballettstars Polina Semionova und Friedemann Vogel bei ihrer Arbeit. Sie gewähren persönliche Einblicke in ihre Tänzerkarrieren und reflektieren über diese Zeit des Übergangs.

Es ist die Illusion der Schwerelosigkeit und zugleich ein romantisches Klischee: anmutige Luftwesen, die feengleich in Tüllröcken über die Bühne schweben. Wer an die Kunstform Tanz denkt, trägt unweigerlich Bilder von scheinbar endlos biegsamen Körpern, voller Schönheit, Kraft und Jugend in sich.

Doch der Eindruck der Leichtigkeit täuscht. Abertausende Stunden Training sind notwendig, um einen Tänzerkörper für die Bühne zu formen – das gilt fürs Ballett, aber auch für den zeitgenössischen Tanz. Tanzkunst ist körperliche Schwerstarbeit und wie im Spitzensport ist der Leistungsdruck hoch. Das fordert seinen Tribut. Tänzer werden sehr früh »alt«. Mit wenigen Ausnahmen haben die meisten Tänzer mit 40 Jahren ihren Zenit erreicht. Das Duett mit der eigenen Vergänglichkeit beginnt und ein möglicher Bühnenabschied wird absehbar. Doch das Aufhören ist ein schwieriger Prozess. Tänzer bleiben Tänzer, selbst wenn ihnen der Körper Grenzen setzt.

In unserer Gesellschaft wird Altern immer noch als negativ gewertet. Der Rückgang der körperlichen Leistungsfähigkeit zeigt, dass etwas vorbei ist. Doch gleichzeitig lässt das Mehr an Lebenserfahrung viele Tänzer erst diese magische Strahlkraft entwickeln, die sie als junge Tänzer niemals erreicht hätten. Darin liegt ein künstlerisches Potenzial, das für viele Choreographen reizvoll ist. So werden tradierte Erwartungshaltungen an technische Perfektion und die Glorifizierung der Jugend zunehmend infrage gestellt.
Die Dokumentation begleitet die Tänzer Friedemann Vogel (Erster Solist, Stuttgarter Ballett), Polina Semionova (Primaballerina, Staatsballett Berlin), William Moore (Erster Solist, Ballett Zürich) und Gesine Moog (Tänzerin im Dance On Ensemble) auf einem Stück ihres Weges. Alle vier gewähren persönliche Einblicke in ihre Tänzerkarrieren und reflektieren über diese Zeit des Übergangs.

Odessa ist eine Stadt im Kriegsgebiet und steht unter Beschuss. Das bedeutende Festival »Odessa Classics« konnte dieses Jahr dort nicht stattfinden. Um sich solidarisch zu zeigen und der Kultur einen Ort zu geben, war Estland Gastgeber des Festivals.

Das Musikfestival Odessa Classics wurde erstmals 2015 in der ukrainischen Hafenstadt Odessa veranstaltet. Gründer und Pianist Alexey Botvinovs Mission war es, ein Festival zu schaffen, das der Ukraine helfen würde, sich Europa anzunähern und der von Russland initiierten militärischen Aggression zu widerstehen. Seit den ersten Tagen ist das Odessa Classics durch seine Musikerinnen und Musiker, Festivalgäste und Unterstützerinnen und Unterstützer mit Estland verbunden.

Das achte Odessa Classics Festival hätte im Juni 2022 stattfinden sollen, wurde jedoch aufgrund des Kriegs gegen die Ukraine auf unbestimmte Zeit verschoben. Um die Tradition des Festivals nicht zu brechen, Solidarität zu zeigen und der Kultur einen Platz zu geben, richtet Estland in diesem Jahr die Eröffnung des Odessa Classics als »Odessa Classics Tallinn« aus. Alexey Botvinov spielt in Tallinn zusammen mit dem weltberühmten Geiger Daniel Hope und dem Estnischen Nationalen Symphonieorchester unter der Leitung von Olari Elts Werke von Pärt, Mozart und Britten.

Estonian National Symphony Orchestra, Olari Elts
Mit Daniel Hope (Violine), Alexey Botvinov (Klavier)

Die zehnköpfige österreichische Musicbanda Franui und der Chor des Bayerischen Rundfunks treffen in »Wohin ich geh‘?« erstmals aufeinander. Die besonderen Qualitäten der beiden exzellenten Klangkörper werden in einem neuen Schmelztiegel vereint: Chor und Franui kamen in einem Studio des Bayerischen Rundfunks in München zusammen, um Lieder Gustav Mahlers und von Mahlers Vorbild Carl Loewe gemeinsam zu musizieren.

Außerdem warfen sie ein Licht auf ihre alpine Herkunft. Denn eines von Mahlers »Komponierhäuschen« steht heute noch in Toblach, einer Gemeinde in Südtirol, im Pustertal im heutigen Italien. Aus dem Nachbarort Innervillgraten in Osttirol stammt das Ensemble Musicbanda Franui.

Das Ensemble Franui legt die volksmusikalischen Inspirationsquellen von Gustav Mahler frei und bricht groß besetzte Orchesterlieder auf Kammermusikfassung mit Hackbrett, Trompeten, Akkordeon, Saxofon und Kontrabass herunter. Der Chor bringt die Liedverse mehrstimmig, die von dem einstigen künstlerischen Leiter des Chores Howard Arman subtil arrangiert wurden.
Arman ist auch die Verbindungsstelle zwischen Franui und dem BR-Chor: Er war einst Chorleiter an einem Konvent in Tirol, an dem viele der Mitglieder von Franui unterrichtet wurden.

Die Dokumentation fängt die Musiknummern in einem stimmungsvoll ausgeleuchteten Studio mit dem Kino-Look von Arri-Kameras ein. Diverse Originalaufnahmen aus der Umgebung von Innervillgraten und Toblach gestalten die Bergwelt Tirols, aus der Mahler so viel Anregung und Klangvorstellungen schöpfte, wie zum Greifen nah.

Chor des Bayerischen Rundfunks, Howard Arman
Orchester Franui Musicbanda