KTV Show All

SWR Symphonieorchester, Pablo Heras-Casado
Pierre-Laurent Aimard (Klavier)

Gabriel Fauré: Pelléas et Mélisande. Suite für Orchester op. 80
Maurice Ravel: Konzert für Klavier und Orchester G-Dur
Robert Schumann: Sinfonie Nr. 1 B-Dur op. 38 »Frühlingssinfonie«

Konzerthaus Freiburg, April 2021

Eine faszinierende Zusammenarbeit des Oscar- und Golden Globe nominierten Filmkomponisten Jóhann Jóhannsson mit Tilda Swinton und dem Kameramann Sturla Brandth Grøvlen (»Der Rausch«): Zu atemberaubenden Schwarzweiß-Bildern und Jóhann Jóhannssons hypnotischer Musikkomposition erzählt Tilda Swinton die Geschichte der Kontaktaufnahme der letzten mit den ersten Menschen – mit uns.

Die letzten Menschen nehmen über eine Distanz von 2.000 Millionen terrestrischen Jahren Kontakt mit den ersten Menschen – mit uns – auf. Tilda Swinton als Stimme des Kollektivs aus der Zukunft erzählt die Geschichte der letzten Menschen, ihrer Fähigkeiten und Möglichkeiten, ihrer Andersartigkeit im Vergleich zu »uns«. Doch nun steht das Ende der Menschheit unmittelbar bevor, und die letzten Menschen bieten den ersten Menschen nicht nur ihre Hilfe an, sondern bitten sie auch um deren Hilfe.

Die faszinierenden Schwarz-Weiß-Bilder des Kameramanns Sturla Brandth Grøvlen wurden in Ex-Jugoslawien gedreht. Es sind ausschließlich Aufnahmen der futuristischen Kriegsmonumente aus der Tito-Zeit, Brutalismus in Beton. Doch in großer Landschaft, aus ungewöhnlichen Perspektiven und in Details gefilmt, sehen sie tatsächlich aus wie »nicht von dieser Welt«.
Jóhannsson wurde mit seinen Filmkompositionen für »Die Entdeckung der Unendlichkeit« und Denis Villeneuves »Prisoners«, »Sicario« und »Arrival« international bekannt und mehrfach für den Golden Globe und Oscar nominiert.
»Last and First Men« ist sein einziger langer Film. Jóhann Jóhannsson starb plötzlich und unerwartet im Jahr 2018 mit nur 48 Jahren. Sieben Jahre hatte er bereits immer wieder an dem Projekt gearbeitet, sein hochkarätiges Team führte die Arbeit zu Ende. Nach gefeierten Vorführungen mit Live-Orchester im Opernhaus Sydney und in London wurde diese ganz besondere filmkünstlerische Arbeit 2020 zur Festival-Premiere nach Berlin eingeladen und in der Sektion »Berlinale Special« gezeigt.

Regie: Jóhan Jóhansson
AutorInnen: José Enrique Mácian, Olaf Stapledon, Jóhan Jóhansson
Komponist: Jóhan Jóhansson

Weltweit gibt es über 300 Bachchöre und Bachensembles, in denen meist Laien musizieren. Für viele ist ihr Leben untrennbar mit der Musik von Johann Sebastian Bach verbunden. Was suchen und finden Menschen in seinem Werk? Was verbindet sie über Kontinente hinweg? Welche Faszination steckt in der Musik des berühmten deutschen Komponisten, die es schafft, Grenzen, Kulturen, Religionen und Jahrhunderte zu überwinden?

Der Film begibt sich auf eine Reise durch sechs Kontinente, um Amateurmusiker und -sänger zu treffen, die Bach zu ihrem »Herzstück« gemacht haben. Sie leben in Japan, Paraguay, den USA, Malaysia, Südafrika, Australien, der Schweiz, haben verschiedene Kulturen, Religionen, Lebensrealitäten und doch eint sie alle eine große Leidenschaft: Johann Sebastian Bach.

»Living Bach« spürt diese Enthusiasten auf und offenbart außergewöhnliche, aufregende und lebensverändernde Beziehungen zu Bachs unvergleichlichem Werk. Wir begegnen Menschen, denen Bachs Musik Freude, Trost, Hoffnung oder Verständnis bringt. Unabhängig von Kultur, Herkunft und Vermögensverhältnissen eint sie alle ein nahezu identischer Wertekatalog. Es sind starke, interessante und vielschichtige Charaktere, die keine Klischees bedienen. Sie integrieren kulturelle Einflüsse, ohne ihre eigenen zu verleugnen. Im Juni 2022 begegnen sich die Protagonisten beim weltweit größten Bachfest in Leipzig.

»Living Bach« ist ein sorgfältig komponierter Film aus sehr unterschiedlichen Stimmen, die sich am Ende zu einem Klang vereinen und etwas erzeugen, das der Menschheit gerade so oft fehlt – nämlich Gemeinschaft, jenseits von Sprache, Herkunft, Geschlecht, Religion und Kultur, sozialem Status. Der Film verwebt die modernen Geschichten der verschiedenen Menschen aus allen Teilen der Welt und zeigt, dass Diversität nicht trennt, sondern eine Stärke ist. Mit eindrucksvollen Bildern und den magischen Klängen Bachs wird die Reise zu einem einzigartigen Werk auf der Suche nach Bachs universellem Geheimnis.

Ein Film über Menschen, Werte und Kulturen – und die Musik und Magie JS Bachs, die rund um den Globus wirkt.

Young Euro Classic ist die weltweit wichtigste Plattform des internationalen Orchesternachwuchses für die europäische klassische Musiktradition und ihre Entwicklungen. Für viele der Pre-Professionals zählen die Auftritte im Konzerthaus zu den prägendsten Ereignissen ihrer Karriere. 2021 fand das Berliner Young Euro Classic unter Sicherheitsauflagen wieder statt, nachdem es im Jahr zuvor wegen Corona ausfallen musste. Mehr als zwei Wochen lang sorgten im Konzerthaus am Gendarmenmarkt die Mitwirkenden und Jugendorchester aus aller Welt für große Musik und beste Unterhaltung.

Zu sehen und zu hören mit der Musik von Prokofjew ist das Wiener Jeunesse Orchester, das dem Festival seit seinen Anfängen freundschaftlich verbunden ist, sowie das Bundesjugendorchester mit einem Ausschnitt aus Dvoraks Symphonie »Aus der neuen Welt«.

Von den Qualitäten des Nationalen Jugendorchester Rumäniens konnten sich die Besucher von Young Euro Classic schon mehrere Male überzeugen. Diesmal mit dabei: der Solist Daniel Ciobanu, der Schostakowitschs zweites Klavierkonzert furios interpretiert.

Seit der Gründung durch Leonard Bernstein vor über drei Jahrzehnten zählt das Schleswig-Holstein Festival Orchestra zur internationalen Spitze der Jugend- und Festivalorchester. Unter der Leitung des jungen lettischen Dirigenten Andris Poga spielten sie die fünfte Symphonie von Peter Tschaikowsky, die von den düster-melancholischen Anfangstönen bis zum überbordenden Finale alle Möglichkeiten eindringlichen Orchesterspiels auslotet. Außergewöhnlich ist die schwedische Truppe O/Modernt, deren charismatischer Leiter Hugo Ticciati mit seinem Geigenspiel und den Tangoklängen von Piazzolla begeistert.

Die Konzerte in den traditionsreichen Sälen Japans und Ostasiens sind stets ganz besondere Momente in den Annalen des BRSO. Im November 2024 war es wieder soweit: Das Münchner Orchester und sein Chefdirigent gastierten unter anderem in der NHK Hall in Tokio.

Dort präsentierten sie die Symphonie Nr. 7 von Gustav Mahler, deren Entstehung mit größten Mühen und tiefen Krisen verbunden war. Eine Bootsfahrt über den Wörthersee bescherte Gustav Mahler schließlich den Geistesblitz und brachte den Durchbruch bei der Komposition seiner 7. Symphonie: Beim Ruderschlag kam ihm die Idee zum Beginn des ersten Satzes mit dem prägnanten Thema des Solohorns.

Mahlers Siebte führt eine neue Form-Idee in seinen Symphonien-Zyklus ein: Den zweiten und den vierten Satz bezeichnet der Komponist als „Nachtmusiken“, die die musikalische Erzählung mit ganz eigentümlichen Stimmungsbildern unterbrechen beziehungsweise kommentieren. Der Mahler’sche Tonfall ist jedoch unverkennbar: Auch hier kippt Volkstümliches und Schwärmerisches ins Groteske, aber in der „Siebten“ schließt das Werk mit positivem, jubelndem Ausgang in C-Dur.

Symphonieorchester des BR, Sir Simon Rattle

Gustav Mahler: Symphonie Nr. 7 e-Moll

NHK Hall Tokio, November 2024

Janine Jansen, eine der großen Geigerinnen unserer Zeit, probiert ein Dutzend Instrumente des Meisterbauers Antonio Stradivari aus, sucht für jede Geige aus den verschiedenen Schaffensperioden Stradivaris ein geeignetes Repertoire aus und begibt sich auf die Reise.

Gerald Fox begleitet die Geigerin von einer Probe des Mendelssohn Violinkonzerts in Stockholm, bei der sie auf ihrer eigenen Stradivari spielt, nach London, wo sie die verschiedenen Instrumente zum ersten Mal anspielen und ihre Qualitäten diskutieren kann. Liebe auf den ersten Blick ist Janine Jansens Begegnung mit der »Alard«, einer Geige aus der sogenannten »goldenen Periode« Stradivaris, deren Ton die Geigerin ganz besonders begeistert hat.

Auch die Geschichte der einzelnen Instrumente sowie ihre Vorbesitzer werden skizziert. Da es sich in vielen Fällen um Geigenvirtuosen einer früheren Zeit handelt, hat Gerald Fox Archivmaterial mit Aufnahmen von Haendel, Kreisler, Milstein und Shumsky verwendet, um es mit dem Spiel von Janine Jansen zu kontrastieren.

Die immer unerschwinglicher werdenden Instrumente spiegeln auch ein Stück Zeitgeschichte. Die meisten von ihnen befinden sich in Sammlungen und werden wenig oder gar nicht mehr gespielt, sind zu Prestigeobjekten geworden und wandern heute häufig in asiatische Sammlungen.

Die Stars der Musikszene preisen Stradivari-Geigen als Klangwunder; Anleger investieren Millionen in Sammlerobjekte. Doch stets war ihre Geschichte be- gleitet von kriminellen Machenschaften.

Stars wie Anne-Sophie Mutter und David Garrett schwören auf Instrumente aus der Werkstatt Antonio Stradivaris. Beide sprechen exklusiv über ihre besondere Beziehung zu ihrem Instrument. Doch die Dokumentation befasst sich auch mit den dunklen Seiten des Klangwunders.

Nicht nur ihre besondere Konstruktion oder die Dichte ihres Holzes, auch das Alter der Instrumente soll für den perfekten Klang von Bedeutung sein. Von den circa 1100 Instrumenten, die Antonio Stradivari vor rund 300 Jahren in Cremona geschaffen hat, sind schätzungsweise noch 600 erhalten. Und sie sind heiß begehrt: Die Preisspirale für echte Stradivaris schraubt sich unaufhörlich in die Höhe und bewegt sich zurzeit im zweistelligen Millionenbereich.

Im besten Falle werden Stradivaris von Virtuosinnen und Virtuosen wie Anne-Sophie Mutter und David Garrett gespielt. Doch viele der Meisterstücke liegen als Anlageobjekte in Safes verschlossen. Natürlich weckt ihr finanzieller Wert auch die Begehrlichkeit von Kriminellen. So sind vermutlich die meisten Geigen, in denen das Label »Stradivari« klebt, eine Fälschung. Die Dokumentation stellt die kriminelle Energie um die Stradivaris am Beispiel zweier spektakulärer Kriminalfälle in Deutschland und Paraguay dar.

Eine zusätzliche Schattenseite der Preisexplosion der Stradivaris: Jungen Musikerinnen und Musikern bleibt der Zugang zu den kostbaren Instrumenten oft versperrt, was zum echten Karrierehindernis werden kann. Nach dem Motto: ohne große Karriere keine große Geige, aber ohne große Geige auch keine große Karriere. Junge Talente sind auf das Wohlwollen von Mäzeninnen und Mäzenen angewiesen, sie müssen sich in eine Abhängigkeitssituation begeben. Die junge Schweizer Bratschistin Hana Gubenko gibt Einblicke, wie die Preisspirale alter klassischer Instrumente ihren und den Berufsalltag anderer junger Musikerinnen und Musiker belastet.

Film von Claudius Gehr

Im Zentrum dieses Konzertes vom Festival »Acht Brücken | Musik für Köln« 2014 stand Pierre Boulez‘ »…explosante-fixe…« für drei Solo-Flöten, Elektronik und Ensemble. Diesem großen Werk hatte der damalige Chefdirigent des SWR Sinfonieorchester Baden-Baden und Freiburg François-Xavier Roth verschiedene ineinander verschränkte Stücke von György Ligeti und Claude Debussy gegenübergestellt.

Vorhang auf für packende Filmmusik mit Ohrwurm-Charakter: Spektakuläre Spionage- und Detektivfilme vom humorvollen »Rosaroten Panther« und »Catch Me If You Can« über Serien wie »Dick Tracy« und »Sherlock« bis hin zum knallharten Action-Thriller. Alles mit großer Orchesterbesetzung interpretiert vom Dänischen Radio-Sinfonieorchester. Die schwedische Pop- und Jazz-Sängerin Caroline Henderson entführen Sie mit Hits wie »Goldfinger«, »Liebesgrüße aus Moskau« und »Live and Let Die« in die Welt der Agenten, Detektive und Spione. Mit Kompositionen von John Williams, John Barry, Michael Giacchino, Stephen Sondheim, Thomas Newman, Bono, Adele und Paul McCartney. Ein Fall nicht nur – aber natürlich auch – für James Bond.

Dänisches Radio-Sinfonieorchester, Hans Ek
Caroline Henderson, Gesang

Der Vorschlag, »die Opernhäuser in die Luft zu sprengen«, um der schrecklichen Routine ein Ende zu setzen, brachte Pierre Boulez in den 1960er Jahren in die Schlagzeilen. Geboren vor 100 Jahren, am 26. März 1925 in Montbrison an der Loire, hat er als Komponist, Dirigent und kluger Denker die zeitgenössische Musikwelt sehr geprägt.

Ohne Boulez gäbe es kein Ensemble Intercontemporain, keine Cité de la Musique und wahrscheinlich auch keine Philharmonie de Paris. Er revolutionierte die Programmgestaltung durch die systematische Einbeziehung zeitgenössischer Werke und machte hochmoderne Aufnahmen, vor allem der 2. Wiener Schule. Ausschnitte aus Aufführungen seiner eigenen Musik und Interviews aus mehr als vierzig Jahren vermitteln ein Bild dieser eher rätselhaften Persönlichkeit. Sein jüngerer Bruder erzählt über die Familie Boulez und Daniel Barenboim, ein enger Freund, erinnert sich an wichtige Momente im Leben von Pierre Boulez.

Es war einer der größten Skandale der Musikgeschichte: Die Uraufführung von Strawinksys »Le Sacre du Printemps«. Heute ist die Ballettmusik ein Schlüsselwerk der klassischen Moderne und immer noch von ungebrochener Faszination. Der Dirigent Cristian Măcelaru leitet das Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks.

Die Uraufführung von Igor Strawinskys »Le Sacre du Printemps« wurde zu einem der berühmtesten und meistbeschriebenen Skandale der Musikgeschichte. Ob es nun eher an der archaisch-brutalen, bewusst mit allen Konventionen des klassischen Balletts brechenden Choreografie von Vaslav Nijinsky lag oder an der aufpeitschenden Rhythmik und entfesselten Dynamik der Musik – die erste Aufführung des Balletts am 29. Mai 1913 endete jedenfalls im Tumult.

Die Musik des Sacre wurde aber schon bald zu einer klingenden Signatur der Kunst des 20. Jahrhunderts. Bis heute hat sie nichts von ihrer fesselnden, soghaften Wirkung verloren und ist ein Kernbestandteil des virutosen Orchesterrepertoires.

Der Dirigent dieser Aufführung mit dem Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks ist der junge rumänische, in den USA ausgebildete Dirigent Cristian Măcelaru . Er war bereits bei »Klassik am Odeonsplatz« 2018 beim BRSO zu Gast.

München, Philharmonie im Gasteig, 2018

Bei diesem am 04. Oktober 2023 aufgezeichneten Konzert weht frischer Wind durch die Pariser Philharmonie: Das Orchestre de Paris unter der Leitung seines Chefdirigenten Klaus Mäkelä spielt französische Musik, Werke, die zwischen 1890 und 1930 entstanden sind. Den Auftakt für den Konzertabend bildet das ʺPrélude à l’après-midi d’un fauneʺ (1894) von Claude Debussy; sinnlich, geheimnisvoll, poetisch. Die aus China stammende Klaviervirtuosin Yuja Wang übernimmt den Solopart der Klavierkonzerte in G-Dur und D-Dur für die linke Hand von Maurice Ravel (1875-1937).

Beide Stücke wurden 1932 uraufgeführt. Das Klavierkonzert in G-Dur war eine Auftragskomposition für den Dirigenten Serge Koussevitzky anlässlich des 50. Jubiläums des Boston Symphony Orchestra 1931. Das Klavierkonzert für die linke Hand wurde im Auftrag des Pianisten Paul Wittgenstein komponiert, der im Ersten Weltkrieg die rechte Hand verloren hatte.
Obwohl beide Konzerte Einflüsse aus dem Jazz aufweisen, unterscheiden sie sich doch grundlegend: leicht, zart und verspielt das eine; dunkel und unheilschwanger das andere. Der größte Unterschied liegt jedoch in der Rezeption: Das Klavierkonzert in G-Dur feierte in ganz Europa Erfolge, während Wittgenstein Ravels Konzert für die linke Hand nicht mochte und daher nur selten spielte. Zwischen den beiden Ravel-Konzerten macht Yuja Wang solo einen Ausflug ins 20. Jahrhundert mit Philip Glass‘ Etüde Nr. 6.

Orchestre de Paris, Klaus Mäkelä
Yuja Wang (Klavier)

Claude Debussy: Prélude à l’Après-midi d’un faune
Maurice Ravel: Klavierkonzert in G-Dur
Philip Glass: Etüde Nr.6 (Zugabe)
Maurice Ravel: Concerto pour la main gauche

Pariser Philharmonie, 4. Oktober 2023

Leona König präsentiert die vielversprechenden jungen Talente des Wettbewerbs »Die Goldene Note« in Interaktion mit arrivierten Stars unterschiedlicher Genres.
In »Stars und Talente« werden die Hochbegabten und ihre prominenten Vorbilder bei ihren Proben begleitet, man bekommt private Einblicke in das Leben der Kinder und Jugendlichen und bittet die Künstlerinnen und Künstler zum persönlichen Interview.

Heute mit: Jonathan Tetelman und Nikoloz Menabde

Ein Paukenwirbel und ein starker Orchesterakzent bilden den Auftakt zu Edvard Griegs Klavierkonzert a-Moll op. 16. Während seiner Studienzeit in Leipzig hörte Grieg Clara Schumann ein Klavierkonzert ihres Mannes spielen und war hellauf begeistert. Für Robert Schumann hegte er zeitlebens eine große Verehrung. Und so ist es nicht verwunderlich, dass sein Werk hinsichtlich der melodischen Substanz und der gewagten harmonischen Verbindungen Ähnlichkeiten mit dem a-Moll Klavierkonzert Schumanns aufweist. Bald nach der Uraufführung 1869 begutachtete Franz Liszt, der bedeutendste Pianist seiner Zeit, das Werk und zeigte sich ebenso wie das Publikum enthusiastisch.

Die junge Münchnerin Alice Sara Ott tourt als Pianistin mittlerweile durch die ganze Welt. Für Griegs Klavierkonzert kehrt sie an den Ort zurück, an dem alles begann, sie ihre ersten großen Konzerte gab und viele Preise gewann: den Herkulessaal. Erstmals musizierte sie im Januar 2015 mit dem Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks. Am Pult steht ein skandinavischer Landsmann Griegs: der Finne Esa-Pekka Salonen.

Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks, Esa-Pekka Salonen
Alice Sara Ott (Klavier)

Ein überraschendes und emotionales Porträt würdigt den Jahrhundertmusiker Pierre Boulez, der 90 Jahre alt wurde, zu seinem 100. Geburtstag, der sich am 26. März 2025 jährt. Dabei steht die Frage der Wirkung seines vielfältigen Schaffens als Komponist, Dirigent und kulturpolitische Figur im Zentrum des Films. Pierre Boulez (1925-2016) war einer der wichtigsten Komponisten des 20. Jahrhunderts. Darüber hinaus war er nicht nur als Wagner-Dirigent legendär. Seine Aufnahmen vor allem der Werke der klassischen Moderne verkauften sich hunderttausendfach.

Er war einer der wichtigsten Komponisten des 20. Jahrhunderts und besonders als Wagner-Dirigent legendär. Die Aufnahmen von Pierre Boulez (1925-2016), vor allem der Werke der klassischen Moderne, verkauften sich hunderttausendfach. Das einfühlsame Porträt würdigt den Jahrhundertmusiker Boulez zu seinem 100. Geburtstag, der sich am 26. März 2025 jährt. Im Fokus der Dokumentation steht der Mensch hinter dem Künstler.

Boulez brachte Politiker dazu, ihm neben idealen Konzertsälen ein weltweit einzigartiges, millionenschweres Forschungslabor für elektronische Musik zu bauen, das bis heute wegweisend ist: das Institute for Research and Coordination in Acoustics/Music (IRCAM). Manche sahen in Boulez einen hitzköpfigen Dogmatiker – andere schätzten ihn als Visionär und Pädagogen. Boulez war jedenfalls ein vielseitiger Musiker mit großem Einfluss in ganz Europa, der weit über die Musik hinaus bis in das kulturpolitische Leben wirkte. Vor allem in seiner Heimat Frankreich war Boulez einflussreich. Sein Leben ist äußerlich geprägt von einer beispiellos erfolgreichen Karriere, bei der es scheinbar immer nur eine Richtung gab: vorwärts.

Bei all diesen beeindruckenden Fakten gleicht der Mensch Boulez einer Sphinx. Zu Wort kommen Freunde, Wegbegleiter und Kollegen wie Esa-Pekka Salonen, François-Xavier Roth, Christian Merlin, Pierre-Laurent Aimard, Laurent Bayle, Angela Ida De Benedictis, Mark Swed, Andrew Gerzso und Hans Messner.

Der am 26. März 1925 in Montbrison, im französischen Departement Loire, geborene Pierre Boulez war eine Schlüsselfigur des Musiklebens des 20. Jahrhunderts. Mit seinen eigenen Kompositionen und seiner Tätigkeit als Autor, Lehrer und Fürsprecher zeitgenössischer Musik leistete er einen entscheidenden Beitrag zur Entwicklung der Musik im 20. Jahrhundert.

Pierre Boulez‘ Freundschaft mit Daniel Barenboim dauerte über ein halbes Jahrhundert an, bis zu seinem Tod im Januar 2016. Zu Pierre Boulez‘ 80. Geburtstags lud ihn Daniel Barenboim ein nach Berlin zu einem Festival »Hommage an Pierre Boulez«. Zu diesem Anlass dirigierte Pierre Boulez am 26. März 2005, einen Tag nach seinem Geburtstag – es war ein Ostersonntag – die »Auferstehungssymphonie« von Gustav Mahler.

Nicht nur Daniel Barenboim, auch die Staatskapelle Berlin selbst hatte eine besondere Beziehung zu Pierre Boulez, mit dem sie nicht nur inspirierende Entdeckungsreisen auf den Kontinent Mahler unternommen hat, sondern auch zu Liszt und Wagner, Schönberg und Webern und nicht zuletzt zu seinen eigenen Werken, von 1993 bis zu seinem letzten Auftritt mit dem Orchester 2011. Pierre Boulez war der zweite Dirigent, der von der Staatskapelle Berlin zum Ehrendirigenten ernannt wurde. Mit der vielfachen Autorität des Komponisten, Dirigenten, Lehrers und Essayisten hat der französische Musiker eine umfassende Reformarbeit auf der internationalen Konzertszene geleistet, was die Auswahl des Repertoires, die Programmpolitik, die Orchesterkultur und das Star-Image des Taktstocks beeinflusst.

Die Maestro-Attitüden der damaligen Zeit waren Boulez völlig fremd, und der häufige Vorwurf, er sei nur ein kalter, intellektueller Analyst, wusste Boulez mit ebenso viel Humor wie Eleganz zurückzuweisen: »Die Analyse ist ein erstes Stadium, eine Vorbereitung. Eine Interpretation ist kein Verkaufsgespräch. Ich bin kein Staubsauger-Vertreter, der seiner Produkte anpreist. Zunächst muss man sich klare Vorstellungen erarbeiten. Danach kann man spontan sein. Die wahre Spontaneität kommt nach der Analyse«.

Staatskapelle Berlin, Pierre Boulez
Mit Diana Damrau (Sopran), Petra Lang (Mezzosopran)

Gustav Mahler: Symphonie Nr. 2 c-Moll »Auferstehungssymphonie«

Philharmonie Berlin, 26. März 2005

Der Vorschlag, »die Opernhäuser in die Luft zu sprengen«, um der schrecklichen Routine ein Ende zu setzen, brachte Pierre Boulez in den 1960er Jahren in die Schlagzeilen. Geboren vor 100 Jahren, am 26. März 1925 in Montbrison an der Loire, hat er als Komponist, Dirigent und kluger Denker die zeitgenössische Musikwelt sehr geprägt.

Ohne Boulez gäbe es kein Ensemble Intercontemporain, keine Cité de la Musique und wahrscheinlich auch keine Philharmonie de Paris. Er revolutionierte die Programmgestaltung durch die systematische Einbeziehung zeitgenössischer Werke und machte hochmoderne Aufnahmen, vor allem der 2. Wiener Schule. Ausschnitte aus Aufführungen seiner eigenen Musik und Interviews aus mehr als vierzig Jahren vermitteln ein Bild dieser eher rätselhaften Persönlichkeit. Sein jüngerer Bruder erzählt über die Familie Boulez und Daniel Barenboim, ein enger Freund, erinnert sich an wichtige Momente im Leben von Pierre Boulez.

Mit der Musik von Johann Sebastian Bach erzählen Raphaël Pichon und das Ensemble Pygmalion die Geschichte der drei großen Lebensabschnitte Christi: Geburt, Leidensweg, Auferstehung. Einzigartig und universell zugleich verhandeln diese Werke zutiefst menschliche Gefühle und Regungen wie Hass, Liebe, Verachtung, Vergebung, Verurteilung und Verrat.

Bach war nicht nur ein herausragender Komponist, sondern verfügte auch über eine Shakespeare ebenbürtige dramatische Begabung. Das »Weihnachtsoratorium«, die »Johannespassion«, das »Osteroratorium« und das »Himmelfahrtsoratorium« zählen zu seinen herausragenden Schöpfungen und gelten als Höhepunkte der geistlichen Musik. In Leipzig war Bachs Musik Teil des lutherischen Gottesdienstes und begleitete die Lesungen der liturgischen Texte.

In seiner Interpretation setzt Raphaël Pichon diese Werke miteinander in Bezug und spielt mit ihrer Präsentation, um die erzählten Geschichten auch emotional greifbar zu machen. Bertrand Coudercs Lichtdesign verwandelt den Konzertsaal in einen Raum zutiefst menschlicher Anteilnahme.

«Unser Ansatz ist humanistisch. Wir leugnen nicht den religiösen Gehalt dieser Kantaten, aber wir wollten vor allem die Menschlichkeit, die Hoffnung und das Licht hervorheben, die Johann Sebastian Bach vermittelt«, erläutert Raphaëel Pichon und würdigt das Werk des Komponisten als »außerordentliche Botschaft der Liebe und des Miteinander, die zeigt, wie sehr wir Bach auch heute noch brauchen und dass er uns noch immer etwas zu sagen hat«.

Ensemble Pygmalion, Raphaël Pichon
Julian Prégardien (Evangelist), Huw Montague-Rendall (Jesus, Bariton), Ying Fang (Sopran), Paul-Antoine Benos-Djian (Countertenor), Laurence Kilsby (Tenor) und Christian Immler (Bass)

Johann Sebastian Bach: Auszüge aus Kantaten und Oratorien
– Weihnachtsoratorium BWV 248
– Singet dem Herrn ein neues Lied BWV 190
– Johannespassion BWV 245
– Es ist vollbracht BWV 159
– Osteroratorium BWV 249
– Vergib, o Vater unsre Schuld BWV 87
– Himmelfahrtsoratorium BWV 11

Auditorium von Bordeaux, Februar 2022

Ein reizvoller, heiterer Vorläufer der vier großen Symphonien von Johannes Brahms: Die Serenade op. 11 wurde im Februar 2021 vom Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks unter der Leitung von Robin Ticciati aufgeführt.

Brahms‘ Skrupel vor der Gattung Symphonie sind legendär – er war 43, als er mit seinem symphonischen Erstling an die Öffentlichkeit trat. Die Nachwelt verdankt diesen Skrupeln die beiden Serenaden op. 11 und op. 16. Die sechs Sätze der Serenade Nr. 1 op. 11 durchschreiten ein reiches Spektrum an Charakteren und Stimmungen, bei denen die hellen, freudigen Töne überwiegen. Ein Werk, das eher selten in Programmen der großen Symphonischen Klangkörper zu finden ist, fand hier, unter den besonderen Bedingungen der von der Pandemie geprägten Konzertsaison 2020/21, den Weg auf die Bühne des Münchner Herkulessaals.

Robin Ticciati, 1983 in London geboren, ist derzeit Chefdirigent des Deutschen Symphonie-Orchesters Berlin. Beim Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks debütierte er 2014.

Leona König präsentiert die vielversprechenden jungen Talente des Wettbewerbs »Die Goldene Note« in Interaktion mit arrivierten Stars unterschiedlicher Genres.
In »Stars und Talente« werden die Hochbegabten und ihre prominenten Vorbilder bei ihren Proben begleitet, man bekommt private Einblicke in das Leben der Kinder und Jugendlichen und bittet die Künstlerinnen und Künstler zum persönlichen Interview.

Heute mit: Jonathan Tetelman und Nikoloz Menabde

Peter Iljitsch Tschaikowsky gilt als nationale Kulturikone Russlands. Mit seiner Musik zu »Schwanensee«, »Dornröschen« und »Der Nussknacker« prägte er das klassische Ballett wie kaum ein anderer. Der spanische Choreograph Cayetano Soto hat mit dem Leipziger Ballett ein Biopic inszeniert, in dem er sich assoziativ der Persönlichkeit des Komponisten aus verschiedenen Perspektiven nähert. Soto schafft mit seiner Choreographie einen verstörenden Blick auf einen Menschen, der die Zerrissenheit zwischen seiner Rolle in der »normalen« Welt und der dunklen Seite seiner Persönlichkeit kaum aushielt.

Tschaikowsky musste sich mit dem eigenen zerstörerischen Potenzial arrangieren, um er selbst sein zu können. Dieser soziale Druck beherrschte sein ganzes Leben bis zu seinem tragischen Tod. Eine öffentliche Diskussion über sein Privatleben ist in seinem Heimatland seit fast hundert Jahren tabu.

Die choreographische Adaption beruht neben Musik auch auf Briefen und anderen Archivdokumenten aus dem Tschaikowsky-Staatsmuseum in Klin, die erst 2009 veröffentlicht wurden. »Tschaikowski« ist ein Stück mitreißender Tanzkunst, das in seiner Kompromisslosigkeit polarisiert. Sowohl subtil als auch zupackend erfordert es von den Tanzenden technisches Geschick, Vorstellungskraft und Hingabe. Charakteristisch sind die vielen nuancierten Details und grotesken Adaptionen traditioneller Bewegungen, ausdrucksstarke Hände und Finger sowie komplexe, akrobatische Duette.

Rockstar des Cembalo, Tastenphilosoph, enfant terrible… Jean Rondeau hat mit seinen 30 Jahren schon viele Überschriften bekommen. Und in der Tat ist es eine kleine Revolution, die der junge Franzose seit einigen Jahren anschiebt. Plötzlich ist das Cembalo wieder angesagt. Millionen Menschen klicken seine Youtube-Videos, er ist ein genialer Interpret und ein Glücksfall für sein Instrument.

Freiburger Barockorchester, Gottfried von der Goltz
Jean Rondeau (Cembalo)

Johann Sebastian Bach
– Sinfonia zu »Ich liebe den Höchsten«, BWV 174
– Sinfonia zu »Falsche Welt, dir trau ich nicht!«, BWV 52
– Cembalokonzert d-Moll BWV 1052
– Tripelkonzert a-Moll BWV 1044

Tommaso Albinoni
-Triosonate op. 1 Nr. 12 B-Dur

Antonio Vivaldi
– Konzert für zwei Violinen op. 3 Nr. 11 d-Moll, RV 565

Alessandro Marcello
– Oboenkonzert d-Moll

Konzerthaus Freiburg, 1. März 2022

Das Dänische Radio-Sinfonieorchester spielt die Hits der erfolgreichsten Fantasyfilme. Musik aus dem Reich von »Harry Potter« und »Herr der Ringe«, aus »Die Chroniken von Narnia« und »Game of Thrones«. Unterstützt wird das Orchester von gleich zwei Chören: dem Danish National Concert Choir und dem Danish National Junior Choir.

Beeindruckende Lichteffekte im klassischen Konzertsaal sorgen für magische Stimmung – genauso, wie die seltenste aller Spezies: Orchestermusiker:innen mit Elfenöhrchen. Damit spielt sich das Dänische Radio-Sinfonieorchester jedes Jahr mit einem besonderen Konzertprogramm in die Herzen von Filmmusikfans. Das moderne Kopenhagener Konzerthaus, genannt »Koncerthuset«, ist dabei kaum wieder zu erkennen.

Dänisches Radio-Sinfonieorchester
Danish National Concert Choir
Danish National Junior Choir
Tuva Semmingsen, Mezzosopran
Jihye Kim, Sopran
Christine Nonbo Andersen, Sopran
Johan Karlström, Bass
Musikalische Leitung: Christian Schumann

Aus dem Konzerthaus Kopenhagen

Programm
Highlander – es kann nur Einen geben (1986): A Kind of Magic – Roger Taylor / Queen
Harry potter und der Stein der Weisen (2001): Harry’s Wondrous World – John Williams
Harry potter und der Stein der Weisen(2001): Hedwig’s Theme – John Williams
Pans Labyrinth (2006): Long, Long Time Ago – Javier Navarrette
Die Chroniken von Narnia (2005): A Narnia Lullaby – Harry Gregson-Williams
Die Chroniken von Narnia (2005): Coronation – Harry Gregson-Williams
Willow (1988): Elora Danan’s Birth – James Horner
World of Warcraft: Invincible – Russel Brower
The Shannara Chronicles (2016-2017): Until we go Down – Ruelle
Game of Thrones (2011-2019): Hands of Gold – Ed Sheeran / George R. R. Martin
Game of Thrones : The Rains of Castamere – Ramin Djawadi
Game Of Thrones : Suite – Ramin Djawadi
Der Hobbit: Eine unerwartete Reise (2012): Misty Mountain – Howard Shore
Der Herr der Ringe – The Verse of the Ring – Howard Shore
Der Herr der Ringe – Die Gefährten (2001): Concerning Hobbits – Howard Shore
Der Herr der Ringe – Die Gefährten (2001): A Knife in the Dark – Howard Shore
Der Herr der Ringe – Die Gefährten (2001): May it Be – Enya, Roma Ryan
Der Herr der Ringe – Die Gefährten (2001): The Breaking of the Fellowship – Howard Shore
Der Herr der Ringe – Die Rückkehr des Königs (2003): The End of All Things – Howard Shore
Highlander – es kann nur Einen geben (1986): Who Wants to Live Forever – Brian May

Der Kunst der Oper verfiel der gebürtige Australier Barrie Kosky im zarten Alter von 7 Jahren, als seine jüdisch-ungarische Großmutter ihn erstmals in eine Aufführung von Puccinis Madama Butterfly mitnahm. Heute ist Barrie Kosky als Regisseur an allen großen Opernbühnen der Welt zu Hause. Barrie Koskys künstlerisches Schaffen umfasst dabei das gesamte Spektrum von der leichten Operettenkunst bis hin zu dem Giganten Richard Wagner, dessen »Meistersinger« er im Sommer 2017 in Bayreuth auf die Bühne brachte. Das Porträt folgt dem in jeder Hinsicht unterhaltsamen Ausnahmeregisseur durch ein turbulentes Jahr, in dem er sowohl den Bizet-Klassiker »Carmen« am Opernhaus Frankfurt als auch Schostakowitschs »Nase« im Londoner Covent Garden aufführt und sich gleichzeitig auf eine ebenso radikale wie politische »Meistersinger«-Inszenierung auf Bayreuths Grünem Hügel vorbereitet.

Die italienische Pianistin Beatrice Rana und das Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks unter der Leitung von Gianandrea Noseda mit einem wahren Hit der klassischen Musik: Peter Tschaikowskys Klavierkonzert Nr. 1. Mit seinem atemberaubenden Tastenfeuerwerk und seinen Ohrwurm-Qualitäten ist es einfach unwiderstehlich.

Beatrice Rana stammt aus der süditalienischen Region Apulien und erhielt am Konservatorium Nino Rota in Monopoli ihre grundlegende Klavierausbildung bis zum 16. Lebensjahr. Anschließend studierte sie in Hannover und Rom. Sie gewann den ersten Preis und sämtliche Sonderpreise beim Concours musical international de Montréal im Jahr 2011

Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks, Gianandrea Noseda
Beatrice Rana (Klavier)

Pjotr I. Tschaikowsky: Klavierkonzert Nr. 1 b-Moll, op. 23

Münchner Isarphilharmonie, Februar 2025

Alice Sara Ott und Francesco Tristano, langjährige musikalische Weggefährten, liefern sich im Pariser Maison de la Radio ein musikalisches Duell an zwei Klavieren. Das ausgefeilte Repertoire reicht von den faszinierenden Klängen Erik Saties über die schlichten und raumgreifenden Kompositionen Francesco Tristanos bis zu einer mitreißenden Interpretation von Maurice Ravels Bolero.

Seit mehr als zehn Jahren verbindet Alice Sara Ott und Francesco Tristano eine besondere Beziehung als musikalische Weggefährten, wie man sie nur selten erlebt. Für dieses Konzert im Auditorium des Maison de la Radio haben sie ein aufeinander abgestimmtes Programm zusammengestellt, das abwechselnd Werke für Klavier solo und für zwei Klaviere präsentiert. Dabei treten die Werke Tristanos in einen Dialog mit denen von Erik Satie, Claude Debussy, Girolamo Frescobaldi und Maurice Ravel.

Francesco Tristano: A Soft Shell Groove Suite
Claude Debussy: Trois Nocturnes (Auszug): Nuage (Arr. Maurice Ravel)
Erik Satie: Gymnopédie No. 1
Erik Satie: Gnossienne No. 3
Maurice Ravel: Boléro (Arrangement von Francesco Tristano)

Auditorium von Radio France Paris, 14. Mai 2024

Leona König präsentiert die vielversprechenden jungen Talente des Wettbewerbs »Die Goldene Note« in Interaktion mit arrivierten Stars unterschiedlicher Genres.
In »Stars und Talente« werden die Hochbegabten und ihre prominenten Vorbilder bei ihren Proben begleitet, man bekommt private Einblicke in das Leben der Kinder und Jugendlichen und bittet die Künstlerinnen und Künstler zum persönlichen Interview.

Heute mit: Liudmila Konovalova und Amelie Jade Knapp

Videospiele im Konzert … echt jetzt? Also nicht direkt, wir hören nur mal etwas genauer hin, was die Gaming-Szene an Sounds zu bieten hat – ähnlich wie im Kino, und längst schon ebenso opulent, vielgestaltig und professionell produziert. Der Kniff ist derselbe: Musik schafft Atmosphäre, verstärkt Emotionen und zieht uns unaufhaltsam ins Geschehen. Tauchen Sie ein in eine Welt voller Fantasie und Abenteuer.

Videospiele im Konzert … echt jetzt? Also nicht direkt, wir hören nur mal etwas genauer hin, was die Gaming-Szene an Sounds zu bieten hat. Ja, so einiges! Ähnlich wie im Kino, und längst schon ebenso opulent, vielgestaltig und professionell produziert. Der Kniff ist derselbe: Musik schafft Atmosphäre, verstärkt Emotionen und zieht uns unaufhaltsam ins Geschehen. Neugierig geworden? Tauchen Sie ein in eine Welt voller Fantasie und Abenteuer.

Der Kunst der Oper verfiel der gebürtige Australier Barrie Kosky im zarten Alter von 7 Jahren, als seine jüdisch-ungarische Großmutter ihn erstmals in eine Aufführung von Puccinis Madama Butterfly mitnahm. Heute ist Barrie Kosky als Regisseur an allen großen Opernbühnen der Welt zu Hause. Barrie Koskys künstlerisches Schaffen umfasst dabei das gesamte Spektrum von der leichten Operettenkunst bis hin zu dem Giganten Richard Wagner, dessen »Meistersinger« er im Sommer 2017 in Bayreuth auf die Bühne brachte. Das Porträt folgt dem in jeder Hinsicht unterhaltsamen Ausnahmeregisseur durch ein turbulentes Jahr, in dem er sowohl den Bizet-Klassiker »Carmen« am Opernhaus Frankfurt als auch Schostakowitschs »Nase« im Londoner Covent Garden aufführt und sich gleichzeitig auf eine ebenso radikale wie politische »Meistersinger«-Inszenierung auf Bayreuths Grünem Hügel vorbereitet.

Daniel Barenboim dirigiert Pierre Boulez. Zu dessen 100. Geburtstagzeigt ARTE nun eines der Hauptwerke des französischen Komponisten und Dirigenten. Das von 1996 bis 1998 entstandene »Sur incises« basiert auf seinem früheren Klavierstück »Incises« und erweitert dessen Ideen für eine außergewöhnliche Besetzung: drei Klaviere, drei Harfen und drei Schlagzeuggruppen. Das Stück ist geprägt von komplexen rhythmischen Strukturen, virtuosen Klangschichtungen und einer raffinierten räumlichen Klangprojektion. Boulez entwickelt ein filigranes Netz aus Resonanzen und schillernden Klängen, das den Zuhörer in eine faszinierende akustische Landschaft eintauchen lässt. So gilt »Sur incises« als eines der reifsten Werke des Komponisten und als Meilenstein der zeitgenössischen Musik.

Daniel Barenboim dirigierte das Stück 2017 bei der Eröffnung des nach Pierre Boulez benannten Konzertsaals mitten in Berlin. Der vom renommierten Architekten Frank Gehry »pro bono«, also ohne Honorar, entworfene Saal befindet sich im ehemaligen Kulissenlager der Berliner Staatsoper Unter den Linden und ist das Herzstück der Barenboim-Said-Akademie, einer von Daniel Barenboim initiierten Musikhochschule in Berlin. Die Akademie ist dem Geist des West-Eastern Divan Orchestra verpflichtet, einem zu gleichen Teilen aus jungen israelischen und arabischen Musikern bestehenden Orchester, das Daniel Barenboim 1999 gemeinsam mit dem amerikanisch-palästinensischen Literaturwissenschaftler Edward W. Said gründete.

Spätes Debüt eines großen Dirigenten: Gianandrea Noseda feiert seinen Einstand beim BRSO mit den »Due pezzi« von Luigi Dallapiccola und Dmitrij Schostakowitschs Symphonie Nr. 6. Der Mailänder Gianandrea Noseda ist einer der profiliertesten Dirigenten seiner Generation, ein Mann der Oper und als solcher amtierender Generalmusikdirektor am Opernhaus Zürich. Parallel dazu hat Noseda aber immer auch Konzertrepertoire dirigiert, derzeit als Music Director beim National Symphony Orchestra in Washington. Spät, aber umso willkommener sein Debüt beim Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks in diesem Konzert vom Februar 2025.

Ein kompaktes zweisätziges Stück von Luigi Dallapiccola eröffnet das Programm. Kurz nach dem Zweiten Weltkrieg schrieb der Komponist seine »Due pezzi«, die ihn auf dem Weg zu einer individuell geprägten Zwölftontechnik zeigen.
Im Anschluss dirigiert Noseda die Sechste Symphonie von Dmitrij Schostakowitsch mit ihrem ungewöhnlichen dreisätzigen Aufbau.

Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks, Gianandrea Noseda

Luigi Dallapiccola: »Due pezzi«
Dmitrij Schostakowitsch: Symphonie Nr. 6 h-Moll, op. 54

Münchner Isarphilharmonie, Februar 2025

Die talentierte Geigerin Anna hat aufgrund ihrer Bühnenpanik nicht die große Karriere machen können, die eigentlich vor ihr lag. Mittlerweile arbeitet sie als Geigenlehrerin. Als sie bei einer Aufnahmeprüfung den jungen Violinisten Alexander vorspielen hört, ist sie überzeugt, ein Ausnahmetalent vor sich zu haben. Geradezu besessen feilt sie an seiner Perfektionierung und vernachlässigt ihre Familie mehr und mehr. Ihr Sohn Jonas, der ohnehin viel lieber Eishockey als Geige spielen möchte, beginnt in Alexander einen Konkurrenten zu sehen. Mit furchtbaren Folgen für Alexander.

Leona König präsentiert die vielversprechenden jungen Talente des Wettbewerbs »Die Goldene Note« in Interaktion mit arrivierten Stars unterschiedlicher Genres.
In »Stars und Talente« werden die Hochbegabten und ihre prominenten Vorbilder bei ihren Proben begleitet, man bekommt private Einblicke in das Leben der Kinder und Jugendlichen und bittet die Künstlerinnen und Künstler zum persönlichen Interview.

Heute mit: Liudmila Konovalova und Amelie Jade Knapp

Mit »Mackie Messer – Brechts Dreigroschenfilm« erinnert 3sat an den Komponisten Kurt Weill (1900-1950), dessen 125. Geburtstag und 75. Todestag sich 2025 jähren.

Nach dem überragenden Welterfolg der »Dreigroschenoper« will das Kino den gefeierten Autor für sich gewinnen. Doch Bertolt Brecht möchte nicht nach den Regeln der Filmindustrie spielen. Seine Vorstellung vom »Dreigroschenfilm« ist radikal, kompromisslos und politisch. Er will eine völlig neue Art von Film machen und weiß, dass die Produktionsfirma sich niemals darauf einlassen wird. Ihr geht es nur um den Erfolg an der Kasse.

Bertolt Brechts »Dreigroschenoper« wird nach ihrer Uraufführung 1928 das erfolgreichste Theaterstück der 1920er-Jahre. Sie ist überall zu sehen – nur nicht im Kino. Brecht ist auf dem Höhepunkt seiner Karriere. Mit seinem engsten Kreis feiert er den Erfolg: Neben Kurt Weill und Elisabeth Hauptmann gehören dazu auch seine Frau Helene, Weills Ehefrau Lotte und die gefeierte Schauspielerin Carola Neher. Das Angebot von Produzent Seymour Nebenzahl, die »Dreigroschenoper« zu verfilmen, lässt nicht lange auf sich warten.

Doch Brecht hat nicht vor, das Stück eins zu eins für die Leinwand zu adaptieren. Er hat andere Vorstellungen, wie der Stoff als Film aussehen soll. Für den Produzenten Nebenzahl geht es nur darum, möglichst viel an dem Film zu verdienen. Er will den Menschen das geben, was sie gewohnt sind. Aber mit den Gewohnheiten zu brechen ist genau Brechts Absicht.

Vor den Augen des Autors beginnt die Geschichte um den Kampf des Londoner Gangsters Macheath mit dem Kopf der Bettelmafia, Peachum, Form anzunehmen. Der Gangster, der auch unter dem Namen »Mackie Messer« bekannt ist, verliebt sich Hals über Kopf in Peachums schöne Tochter Polly. Dieser ist entsetzt, als er erfährt, in wen sich seine Tochter verliebt hat. Denn die Ehe mit seiner alkoholkranken Frau ist lieblos, und Polly ist alles, was er hat. Es kommt zum Showdown in der Realität und im Film: Die Auseinandersetzung zwischen Peachum und Macheath eskaliert. Um Polly vor Macheath zu retten, schwärzt Peachum seinen ungeliebten Schwiegersohn bei der Polizei an. Doch Macheath pflegt eine enge Freundschaft zu Polizeichef Tiger Brown. Ist er vielleicht doch noch zu retten?

Während in dem Film, den sich Brecht vorstellt, der Kampf um den Kopf von Macheath beginnt, zieht er selbst in den Kampf gegen die Filmfirma. Damit beginnt eine Inszenierung der ganz besonderen Art: eine Inszenierung der Wirklichkeit.

Mit Lars Eidinger (Bertolt Brecht), Tobias Moretti (Macheath/Mackie Messer), Hannah Herzsprung (Carola Neher/Polly), Joachim Król (Peachum), Claudia Michelsen (Frau Peachum), Christian Redl (Tiger Brown), Robert Stadlober (Kurt Weill), Britta Hammelstein (Lotte Lenya/Jenny), Meike Droste (Helene Weigel), Peri Baumeister (Elisabeth Hauptmann)

Die Benennung der Brandenburgischen Konzerte geht auf Bachs Widmung an den Markgrafen Christian Ludwig von Brandenburg zurück, den er bei einem Besuch in Berlin kennengelernt hatte. Das Widmungsexemplar trägt das Datum vom 24. März 1721, entstanden sind die Konzerte aber vermutlich schon früher. Mit 32 Jahren kommt Bach als Kapellmeister an den Hof von Köthen. Sein Dienstherr, Fürst Leopold von Anhalt-Köthen, leistet sich hier ein exzellentes Orchester, mit dem Bach seine technisch äußerst anspruchsvollen Kompositionen verwirklichen kann.

Die Flötistin Ana de la Vega gehört zu den schillernden Persönlichkeiten einer jungen Musikergeneration. Anlässlich des 300. Jubiläums der Brandenburgischen Konzerte begibt sie sich auf eine Reise zur Geschichte und zu den musikalischen Besonderheiten der Werke. Fasziniert von Bach und seiner Musik sucht sie nach Spuren in Leipzig, Weimar, Köthen und Berlin: Wie sind die Konzerte entstanden? Was macht sie so einzigartig? Und was ist dran an der Behauptung, sie wären ein heimliches Bewerbungsschreiben Bachs gewesen? Eine Dokumentation mit Ana de la Vega, Alexander Sitkovetsky, Ramón Ortega Quero, Cyrus Allyar, Johannes Berger und dem Württembergischen Kammerorchester Heilbronn.

Der international bekannte Komponist und Dirigent Pierre Boulez dirigiert das einstige Skandalstück des 30-jährigen Igor Strawinsky, das 1913 uraufgeführt wurde. Die präzise Interpretation durch Boulez macht deutlich, dass das Werk noch immer so erregend klingen kann, wie es die HörerInnen damals empfunden haben mögen.

Stuttgarter Liederhalle, 30.11.1979

Die erste Folge der dreiteiligen Reihe setzt ihren Fokus auf den Enthusiasmus, den der Erste Weltkrieg in der Musikwelt entfachte: auf Musiker und Komponisten, die glühende Patrioten und Soldaten wurden. Wie gingen Musiker und Komponisten wie Alban Berg, Arnold Schönberg, Maurice Ravel und Bela Bartok mit dieser Kriegszeit um?

Als 1914 der Erste Weltkrieg ausbrach, blieb die Musikwelt davon nicht unberührt. Unvermeidlich wurden die Künstler involviert, sei es als Soldaten an der Front oder als Komponisten, die nun patriotische Musik oder musikalische Hymnen einer verlorenen Welt schaffen sollten.

Die dreiteilige Dokumentarreihe erforscht die bekannten und unbekannten, die offenkundigen und die verdeckten Verbindungen zwischen Musik, Krieg und Revolution. Jede Folge behandelt unterschiedliche Blickwinkel der Verbindung von Krieg und Politik. Die ersten beiden Folgen untersuchen die hoffnungsvolle und später tragische Verwicklung von Kunst und Politik, die das Leben und Schaffen vieler Künstler während des Ersten Weltkrieges maßgeblich prägte.

Teil drei begibt sich auf die Suche nach den politischen Aspekten der Musik und deren Auswirkungen bis heute. Dabei ist jeder Film thematisch in sich geschlossen. Folge eins setzt ihren Fokus auf den Enthusiasmus, den der Krieg in der Musikwelt entfachte: auf Musiker und Komponisten, die glühende Patrioten und Soldaten wurden. Wie gingen Musiker und Komponisten wie Alban Berg, Arnold Schönberg, Maurice Ravel und Bela Bartok mit dieser Kriegszeit um? Wie beeinflussten ihre Erlebnisse an der Kriegsfront ihre Kompositionen? Was verraten die Kompositionen über diese Ära und deren Geist, den Glauben und die künstlerische Wandlung in dieser Epoche? Die Dokumentation kombiniert wichtige historische Schauplätze im Leben der Komponisten und Musiker: so den Originalschauplatz der Kriegsfront von Verdun mit der Voie Sacrée und das alte Wien mit dem Wiener Musikverein.

Ein überraschendes und emotionales Porträt würdigt den Jahrhundertmusiker Pierre Boulez, der 90 Jahre alt wurde, zu seinem 100. Geburtstag, der sich am 26. März 2025 jährt. Dabei steht die Frage der Wirkung seines vielfältigen Schaffens als Komponist, Dirigent und kulturpolitische Figur im Zentrum des Films. Pierre Boulez (1925-2016) war einer der wichtigsten Komponisten des 20. Jahrhunderts. Darüber hinaus war er nicht nur als Wagner-Dirigent legendär. Seine Aufnahmen vor allem der Werke der klassischen Moderne verkauften sich hunderttausendfach.

Er war einer der wichtigsten Komponisten des 20. Jahrhunderts und besonders als Wagner-Dirigent legendär. Die Aufnahmen von Pierre Boulez (1925-2016), vor allem der Werke der klassischen Moderne, verkauften sich hunderttausendfach. Das einfühlsame Porträt würdigt den Jahrhundertmusiker Boulez zu seinem 100. Geburtstag, der sich am 26. März 2025 jährt. Im Fokus der Dokumentation steht der Mensch hinter dem Künstler.

Boulez brachte Politiker dazu, ihm neben idealen Konzertsälen ein weltweit einzigartiges, millionenschweres Forschungslabor für elektronische Musik zu bauen, das bis heute wegweisend ist: das Institute for Research and Coordination in Acoustics/Music (IRCAM). Manche sahen in Boulez einen hitzköpfigen Dogmatiker – andere schätzten ihn als Visionär und Pädagogen. Boulez war jedenfalls ein vielseitiger Musiker mit großem Einfluss in ganz Europa, der weit über die Musik hinaus bis in das kulturpolitische Leben wirkte. Vor allem in seiner Heimat Frankreich war Boulez einflussreich. Sein Leben ist äußerlich geprägt von einer beispiellos erfolgreichen Karriere, bei der es scheinbar immer nur eine Richtung gab: vorwärts.

Bei all diesen beeindruckenden Fakten gleicht der Mensch Boulez einer Sphinx. Zu Wort kommen Freunde, Wegbegleiter und Kollegen wie Esa-Pekka Salonen, François-Xavier Roth, Christian Merlin, Pierre-Laurent Aimard, Laurent Bayle, Angela Ida De Benedictis, Mark Swed, Andrew Gerzso und Hans Messner.

Mitglieder des SWR Symphonieorchestersspielen das Intermezzo für Streichquartett in Es-Dur von Hugo Wolf. Eine Aufnahme von 2024 des SWR.

Teil 2 der Dokureihe ist eine Wiederentdeckung der lange verbannten und vergessenen russischen Komponisten des frühen 20. Jahrhunderts, die mit dem Futurismus flirteten, die erste Zwölftonmusik schrieben oder die ersten elektronischen Instrumente erfanden. Die Folge gibt Aufschluss über ihre tragischen Schicksale und ihre außergewöhnliche Musik.

Die Schicksale von jungen Rebellen wie Arthur Lourié, Nikolai Roslawez, Alexander Mossolow oder Leon Theremin verraten viel über die einst hoffnungsvolle und tragische Verwicklung von Kunst und Politik, die viele Künstler während des Ersten Weltkrieges, der Oktoberrevolution oder auch in den ersten Jahren des jungen sowjetischen Kulturlebens beeinflusste.

»Verstummte Klänge – Komponisten im revolutionären Russland«, Teil zwei der dreiteiligen Dokumentarreihe, ist eine Wiederentdeckung der lange verbannten und vergessenen russischen Komponisten des frühen 20. Jahrhunderts, die mit dem Futurismus flirteten, die erste Zwölftonmusik schrieben oder die ersten elektronischen Instrumente erfanden. Die Dokumentation gibt Aufschluss über ihre tragischen Schicksale und ihre außergewöhnliche Musik. Musikologen, Komponisten, Nachfahren und Musiker beleuchten die Schicksale der Komponisten aus ihrer Perspektive und setzen diese sowohl in kulturelle Bezüge als auch in den historischen und politischen Kontext.

Joaquín Rodrigos (1901-1999) ikonisches Concierto de Aranjuez (1939) ist ein Meisterwerk der Musik des 20. Jahrhunderts. Mit diesem berühmten Stück machte Rodrigo die spanische Gitarre zum universellen Konzertinstrument – gemeinsam mit großem Orchester. Die barocken Gärten von Aranjuez sind die Sommerresidenz der spanischen Könige und waren Rodrigos Inspiration für seine Komposition. Gitarristin Ana Vidović spielt mit dem Orquesta de València unter seinem Chefdirigenten Alexander Liebreich. In kurzen Interviews erzählen Solistin, Dirigent und Rodrigos Tochter Cecilia Hintergründiges über den Künstler Rodrigo und seinen Hit.

Aufgezeichnet wurde das Konzert im Palau de la Música de València mit der gefeierten kroatischen Gitarristin Ana Vidović und dem Orquesta de València unter Leitung von Chefdirigent Alexander Liebreich. Werke von Martín y Soler und Isaac Albéniz ergänzen das Programm.

Für sein erstes Abonnementskonzert in der Saison 2019/2020 hatte sich Howard Arman, der künstlerische Leiter des Chors des Bayerischen Rundfunks, etwas Besonderes für seine Sängerinnen und Sänger ausgedacht. Er wollte Klänge aus seiner Heimat England mit Klängen aus seiner Wahlheimat Bayern zusammenbringen. Als künstlerischer Hintergrund bot sich dafür der Liederzyklus für gemischten Chor »Scenes from the Bavarian Highlands« von Armans Landsmann Edward Elgar an. Elgar hatte 1894 einen Sommerurlaub in Garmisch verbracht und Gefallen an der alpinen Volksmusik in der Umgebung gefunden. Die Texte hatte Elgars Frau Alice gesammelt; ihre gelungene Übertragung ins Englische gab Elgar den Anstoß zur Komposition der sechs Chorlieder.

Um diesen Ursprung hörbar zu machen, hat Howard Arman für dieses Konzert des Chors des Bayerischen Rundfunks ein alpenländisches Gesangsensemble mit dazugehörender Stubnmusi eingeladen, den Ammertaler Viergsang. Dessen Solisten sind auch Mitglieder des Chors des BR. Und so wechseln sich in dieser Aufzeichnung aus dem Herkulessaal der Münchner Residenz jene Melodien und Gesänge, die Elgar und seine Frau in Urlaub gehört haben mögen, mit denen ab, die der Kreativität des Komponisten dann entsprungen sind.
Liebhaber/innen der alpinen Volksmusik kommen in diesem Film genauso auf ihre Kosten wie die des kultivierten Chorgesangs. Optisch gibt es einen reizvollen Kontrast zwischen der dunklen Konzertkleidung der Damen und Herren im Chor und den farbigen Trachten der Volksmusikanten. Howard Arman führt mit britisch-humorvollem Charme als Moderator durch das Programm.

Chor des Bayerischen Rundfunk, Howard Arman

Edward Elgar: »Scenes from the Bavarian Highlands« für gemischten Chor und Klavier – Volksliedsätze aus dem Alpenraum

Herkulessaal der Residenz München, 2019

Eine Hommage an seinen berühmten Vater Clint Eastwood schuf sein Sohn, der Jazzmusiker Kyle Eastwood, mit diesem Ausnahmekonzert. Dafür arrangierte er die Soundtracks von Clint Eastwoods bekanntesten Filmen neu. Gemeinsam mit seinem Quintett und dem Orchestre national de Lyon lieferte er eine spektakuläre Neuinterpretation der Musik aus »Dirty Harry« (1971), »Erbarmungslos« (1992), »Für eine Handvoll Dollar« (1964) und anderen Kinoklassikern. Ergänzt wird das Konzert durch ein Interview, in dem Clint und Kyle über ihre gemeinsame Liebe zur Musik sprechen. Dabei mangelt es nicht an unterhaltsamen Anekdoten.

Orchestre national de Lyon
Mit Kyle Eastwood (Bass), Andrew McCormack (Klavier), Chris Higginbottom (Trompete, Horn), Brandon Allen (Saxophon)

»Für eine Handvoll Dollar«, 1964, Ennio Morricone
»Zwei glorreiche Halunken«, 1966, Ennio Morricone
»Dirty Harry«, 1971, Lalo Schifrin
»Calahan«, 1973, Lalo Schifrin
»Im Auftrag des Drachen«, 1975, John Williams
»Erbarmungslos«, 1992, Lennie Niehaus
»Die Brücken am Fluss«, 1995, Lennie Niehaus
»Flags of Our Fathers«, 2006, Clint Eastwood (Arrangements Kyle Eastwood)
»Letters from Iwo Jima«, 2006, Kyle Eastwood und Michael Stevens
»Gran Torino«, 2008, Kyle Eastwood und Michael Stevens
»Der fremde Sohn«, 2008, Clint Eastwood (Arrangements: Kyle Eastwood)

Oper Lyon, 19. Oktober 2022

Isaac Albéniz (1860-1909) bewunderte de Komponisten Domenico Scarlatti (1685-1757), dessen Sonaten er häufig in seine eigenen Klavierkonzerte aufnahm. Die Aufführung der Musik beider Komponisten im Real Alcázar schlägt eine symbolische Brücke zwischen den beiden großen spanischen Künstlern der Klaviermusik.

Der spanische Pianist Javier Perianes begibt sich im Königspalast auf die Suche nach den Gemeinsamkeiten der beiden Komponisten. Harmonien, Rhythmen und bestimmte Stimmungen zeigen den Musikern, dass sie zwar zeitlich weit auseinander liegen, sich aber durch die Verbindung mit der andalusischen Folklore sehr nahe sind.

Dies erklärt auch, warum der Alcázar von Sevilla der ideale Ort für die Aufführung der Stücke ist. Die musikalische Darbietung der verschiedenen Klavierwerke findet in dem majestätischen Gebäude statt. Die Schönheit des Alcázar wird zusätzlich durch Bilder der gepflegten Gärten, Innenhöfe und verschiedenen Säle gezeigt.

Javier Perianes (Klavier)

Domenico Scarlatti: Sonaten K.128, K.141, K.185, K.193, K.447, K.466, K.448, K.491
Isaac Albéniz: Iberia – Evocación, El Puerto, El Albaicín, Trian

Real Alcázar von Sevilla 2024

Der schwedische Dirigent Herbert Blomstedt ist eine der bemerkenswertesten Persönlichkeiten der Klassikszene. Ohne Taktstock, dafür stets mit einem freundlichen Lächeln, schafft er für Publikum und Orchester gleichermaßen faszinierende Konzerterlebnisse. Auch mit 94 Jahren ist Blomstedt bei internationalen Spitzenorchestern noch ein gefragter Gastdirigent. Im Großen Festspielhaus in Salzburg brachte er 2021 gemeinsam mit den Wiener Philharmonikern zwei bedeutende Symphonien auf die Bühne: Brahms‘ vierte und Arthur Honeggers dritte.

Die vierte Symphonie von Johannes Brahms und Arthur Honeggers dritte, seine »liturgische« Symphonie bilden eine spannende Kombination. Mit seiner Vierten beendete Brahms sein symphonisches Schaffen mit einem facettenreichen Werk, für das auch der junge Richard Strauss hohe Begeisterung empfand: »Ein Riesenwerk […] neu und originell und doch von A bis Z ein echter Brahms«.

Komponist Arthur Honegger wurde als Sohn Schweizer Eltern in Frankreich geboren und verbrachte dort den größten Teil seines Lebens. Im Jahr 1945, kurz nach dem Ende der deutschen Besatzung, begann er seine dritte Symphonie. Mit dem Werk reflektiert Honegger Kriegserfahrungen und durchleuchtet auf beeindruckende Weise die fragile Gefühlslage zum Beginn der Nachkriegszeit.

Wiener Philharmoniker, Herbert Blomstedt

Arthur Honegger: Symphonie Nr. 3 »Symphonie liturgique«
Johannes Brahms: Symphonie Nr. 4

Salzburg, Großes Festspielhaus, August 2021

Der 55. Nachtgesang des MDR-Rundfunkchors unter der Leitung von Philipp Ahmann in der Leipziger Peterskirche begann mit der Live-Uraufführung der A-cappella-Komposition »Inseln – Gesang von ferner Nähe«, die der MDR bei Michael Langemann in Auftrag gegeben hatte. Im September 2020 hatte das Werk als multimediale Chorkomposition bereits seine virtuelle Uraufführung erlebt. Inhaltlich gaben die sechs Teile von »Inseln« den Gefühlen angesichts der Corona-bedingten Einschränkungen Ausdruck, von Schwermut über Zorn bis zu Sehnsucht.

MDR-Rundfunkchor, Philipp Ahmann

Michael Langemann: »Inseln«
Leevi Madetoja: De profundis op. 56a
Louis Spohr: 2 Psalmen aus op. 85
Johannes Fritsch: Prediger 3, 4
Egon Wellesz: Missa brevis op. 89

David Garrett, geboren 1980, einst gefeiertes Geigen-Wunderkind mit früher Klassikkarriere, hat heute weltweit auch große Erfolge als Cross-over-Künstler. Es ist nicht nur ein ständiger musikalischer Spagat, sondern auch ein Leben, das geprägt ist von Verzicht in der Kindheit, künstlerischer Anerkennung und der Suche nach dem Selbst. 30 Jahre nach seinem Bühnendebüt zieht Garrett nun ein sehr persönliches Resümee.

Die Dokumentation zeigt den Musiker offen und privat wie nie. Dafür öffnet er sein Archiv zu bislang unveröffentlichtem Videomaterial. Die wichtigsten Stationen seines Lebens werden angesteuert und Wegbegleiter, Freunde und Familie erzählen. Ob in New York, wo der Wendepunkt seines Lebens stattfand, in Amsterdam bei intensiven Studioaufnahmen, in Berlin, der Stadt seiner Kindheit, oder auf Mallorca, wo er Entspannung sucht.

Musikalisch porträtiert die Dokumentation sowohl den Klassik- wie den Cross-over-Künstler David Garrett. Darunter sind auch Ausschnitte seines Konzerts in den Caracalla-Thermen in Rom.

Für sein Open-Air-Konzert auf Sizilien hat sich Stargeiger David Garrett einen spektakulären Ort ausgewählt: das antike Theater von Taormina – mit Blick auf den Ätna. Dort spielt er beliebte Zugaben-Stücke von Antonio Vivaldi, Robert Schumann, Camille Saint-Saëns, Georg Kreisler und vielen anderen Komponisten in neuen Arrangements.

Mit seiner individuellen Auswahl erinnert David Garrett an das Goldene Zeitalter der Geigenvirtuosen – an Künstler wie Zino Francescatti, Arthur Grumiaux, Jascha Heifetz, Fritz Kreisler und Yehudi Menuhin, die ihr Publikum mit musikalischen Miniaturen und Zugaben begeisterten.

»Leider spielen seit einigen Jahrzehnten Geiger immer seltener einige der kurzen Stücke, die die Großen der 1920er- und 1930er-Jahre in ihren Konzerten aufgeführt haben, dabei bleiben sie einem sofort im Gedächtnis«, sagt Garrett. »Mir bedeutet es deswegen umso mehr, dass ich nun die Gelegenheit habe, all diese schönen Stücke wieder lebendig werden zu lassen.«
Begleitet wird Garrett von seinem Gitarristen und Arrangeur Franck van der Heijden, dem Bassisten Rogier van Wegberg sowie dem »Orchestra del Teatro Vittorio Emanuele di Messina« unter der Leitung der Dirigentin Gianna Fratta.

Niemandem will sie gehören. Jeder, der sie erobern möchte, muss erst drei Rätsel lösen. Gelingt das nicht, wird mit dem Leben bezahlt: Giacomo Puccinis letzte Oper »Turandot« blieb unvollendet. Bis zuletzt konnte der Komponist keine Wendung für die finale Liebesszene finden. Erst als sein Freund, Franco Alfano, das Finale nach den Skizzen Puccinis zu Ende komponiert hatte, wurde die Oper 1926 uraufgeführt und zu einem bahnbrechenden Erfolg. Puccinis »Turandot« zählt heute zu den erfolgreichsten Fragmenten der Musikgeschichte.

In der Traditionslinie der italienischen Oper des 19. Jahrhunderts verwendet Puccini ein bis dahin unbekanntes Farbspektrum fernöstlicher Melodien und spürt Klängen des einstigen chinesischen Kaiserreichs nach. Gekonnt werden Tragik und skurriler Witz, pompöse Massenszenen und leidenschaftliches Pathos gegenübergestellt.

Inszenierung: Claus Guth
Konzertvereinigung Wiener Staatsopernchor
Orchester der Wiener Staatsoper, Marco Armiliato
Mit Jonas Kaufmann (Prinz Calaf), Asmik Grigorian (Turandot)

»Orte der Kindheit« prägen Menschen und formen die Persönlichkeit. Aus den Gerüchen, Gefühlen und Geschichten entsteht das, was wir später Heimat nennen. Peter Schneeberger geht mit Künstlern auf Reisen – zurück an ihren Ursprung. Mit Geschichten, Bildern und Gesprächen wird auf sehr persönliche Weise von der Kindheit der Künstler erzählt. In dieser Folge erlaubt der Tenor Piotr Beczala, der Ende Dezember 2021 seinen 55. Geburtstag feierte, diesen privaten Blick in seine Vergangenheit.

In seinem Refugium im südlichen Polen singt der Weltstar mit Peter Schneeberger am Lagerfeuer Pfadfinderlieder. Beczala nennt sich selbst einen glücklichen Tenor. Er gilt in der Opernwelt als einer der besten Tenöre. Seine Karriere überraschte ihn selbst. Er begann ganz bescheiden – unter anderem als Straßensänger in Wien. Die erste Gage waren ein paar Schillinge in seinem Hut. Was er damit angestellt hat, erzählen er und seine Frau Kasia auf amüsante Weise.

»Finlandia« ist Sibelius’ Schicksalswerk. Geschrieben auf dem Höhepunkt seines privaten und künstlerischen Lebens ist es sein größter Triumph. Sogar Leonard Bernstein stellt das Werk in seinen Joung People‘s Concerts vor: als Beispiel für den Patriotismus in der Musik und den Kampf der Finnen gegen die russische Unterdrückung, um ihre nationale Freiheit und kulturelle Identität zu erhalten.

Nach der Uraufführung von »Finlandia« wird Jean Sibelius zur Symbolfigur der finnischen Freiheitsbewegung. Doch das Werk ist zugleich eng verwoben mit der größten Tragödie seines Lebens. Im Zweiten Weltkrieg wird »Finlandia« zu Finnlands Hymne der Freiheit und Sibelius zu einer Galionsfigur der nationalsozialistischen Propaganda. Seine Sympathie für das nationalsozialistische Deutschland und die Erkenntnis, dass er sich politisch missbrauchen ließ, stürzen Sibelius in tiefe Depressionen.

Gedreht an Originalschauplätzen in Finnland und Deutschland, erzählt der Film die Entstehungs- und Rezeptionsgeschichte der weltbekannten Melodien von »Finlandia« und erkundet, wie das Werk zur finnischen Hymne der Freiheit werden konnte, warum es Sibelius berühmt machte und bis heute weltweit das bekannteste seiner Stücke ist.

Die NDR Radiophilharmonie spielte erstmals unter der Leitung von Thomas Søndergård. In der internationalen Musikwelt ist der dänische Dirigent eine feste Größe und brilliert beispielsweise am Pult des Chicago Symphony Orchestra und des Royal Concertgebouw Orchestra. Seit 2018 begeistert er als Chefdirigent des Royal Scottish National Orchestra das Publikum in Glasgow.

Ein Ausschnitt mit dem Stück »Introduction et Rondo capriccioso op. 28« von Camille Saint-Saëns aus diesem besonderen Konzert zum Saisonabschluss 2021. Solistin: Alexandra Conunova.

NDR Radiophilharmonie, Thomas Søndergård
Alexandra Conunova (Violine)

Camille Saint-Saëns: »Introduction et Rondo capriccioso op. 28« (Ausschnitt)

Anlässlich des ersten Konzerts des Jahres 2025 in der Kathedrale Notre-Dame de Paris zeigt dieser Film Vokalgesang und Polyphonie aus 800 Jahren Musikgeschichte. Die Compagnie La Tempête und die Maîtrise von Notre-Dame sowie Solisten mit Stücken aus mehreren Jahrhunderten vielstimmiger Musik und Gesängen aus Europa und darüber hinaus zelebrieren in der einzigartigen Akustik der Kathedrale die Musik als universelle Sprache.
Auf dem Spielplan des ersten Konzertes nach der Wiedereröffnung der Pariser Kathedrale Notre Dame im Dezember 2025 steht Musik von Johann Sebastian Bach über Steve Reich bis Louis Verne. Dazu werden polyphone Werke und Gospels präsentiert.

Olivier Latry, langjähriger Titularorganist von Notre Dame eröffnet das Festkonzert mit einem musikalischen Appel und interpretiert die Toccata sowie die Fuge in C-Dur von Johann Sebastian Bach.

Vier Chöre, die Maîtrise und der Kinderchor von Notre Dame, der Chor »La Tempête« und die 100 Amateursänger und -sängerinnen des Ensembles EVE werden begleitet von einem Ensemble, dem neben klassischen Instrumenten auch ein Duduk und ein Nay, eine persische Rohrflöte, angehören.

Sie präsentieren griechisch-orthodoxe Gesänge, traditionelle sephardisch-jüdisch-spanische und arabische Melodien. »La Tempête und EVE« interpretieren Gospels und ebenfalls auf dem Programm: »Kyrie de la Messe Solenelle« von Louis Vierne, »Imortal Bach« von Knut Nystedt, ein armenisches Lied und »Youkali« von Kurt Weill – die beiden letzteren werden von der Sopranistin Sabine Devieilhe interpretiert.

Der »Palau de la Musica Catalana« in Barcelona gilt als einer der schönsten Konzertsäle der Welt und als ein herausragendes Beispiel des »Modernisme«, des spanischen Jugendstils. Er wurde von einem der führenden Baumeister der katalanischen Jugendstilarchitektur entworfen, Lluis Domenech i Montaner. Barcelona war die Hochburg des Modernisme, der auch eine Demonstration der kulturellen Eigenart der Katalanen war. Der Palau ist das Gebäude eines katalanischen Gesangverein, der dieses großartige Gebäude mit der Unterstützung reicher Großindustrieller erbauen lassen konnte. Barcelonas erlebt Ende des 19. Jahrhunderts einen wirtschlaftlichen Aufschung und ein eine allgemeine neu erwachte Begeisterung für die katalanische Kultur. Der Jugendstil in Barcelona war somit auch politisch motiviert.

Der Chor des Bayerischen Rundfunks ist berühmt für seine künstlerische Breite und seine stilistische Vielfalt. Qualitäten, die in den »Quattro pezzi sacri« von Giuseppe Verdi gefordert sind und zugleich bestens zur Geltung kommen, nimmt der Maestro doch Bezug auf ganz verschiedene Kompositionstechniken. Howard Arman dirigiert »seinen« Chor und das Münchner Rundfunkorchester.
Der Chor des Bayerischen Rundfunks und das Münchner Rundfunkorchester widmen sich unter der Stabführung seines künstlerischen Leiters Howard Arman einem noch immer selten aufgeführten Juwel der Chorliteratur.

Die »Quattro pezzi sacri« sind Giuseppe Verdis letzte geistliche Werke, entstanden am Ende seines langen, nur dem Komponieren gewidmeten Lebens. Als musikalisches Vermächtnis und Abschiedsgeschenk an die Welt dokumentieren die Stücke Verdis verinnerlichte leidenschaftliche Frömmigkeit, die alles andere als dogmatisch ist.

Komponiert wurden die »Vier geistlichen Gesänge« als Einzelstücke zu verschiedenen Zeiten, ursprünglich waren sie weder zur Veröffentlichung noch zur gemeinsamen Aufführung konzipiert. Die beiden A-cappella-Stücke »Laudi alla vergine Maria« und »Ave Maria« entstanden bereits 1886 und 1888/89, die zwei umfangreicheren für Chor und Orchester »Te Deum« (1895/96) und »Stabat mater« (1896/97).

Im November 2017 haben der Chor des Bayerischen Rundfunks mit dem Münchner Rundfunkorchester die Werke im Herkulessaal der Münchner Residenz aufgeführt, die Leitung des Konzerts hatte der Künstlerische Leiter des Chores Howard Arman.

Die Spielzeit an der Mailänder Scala wird auch dieses Jahr wieder am 7. Dezember eröffnet. Die Opernsaison 2023/24 beginnt mit Verdis »Don Carlo« in einer Inszenierung von Lluís Pasqual, dirigiert von Riccardo Chailly. Den Saisonauftakt leitet wie schon im vergangenen Jahr die große Sopranistin Anna Netrebko, diesmal in der Rolle der Elisabeth de Valois. Riccardo Chailly hat die vergangenen Spielzeiten mit den Verdi-Opern »Giovanna d’Arco«, »Attila« und »Macbeth« eingeläutet. Mit »Don Carlo« erklingt auch diesmal an der Mailänder Scala wieder ein Meisterwerk des italienischen Komponisten.

Inszenierung: Arnalda Canali
Coro del Teatro alla Scala
Orchestra del Teatro alla Scala, Riccardo Chailly
Mit René Pape (Filippo II), Fransceso Meli (Don Carlo), Luca Salsi (Rodrigo, Marchese di Posa), Colère de l’Aïn (Großinquisitor), Anna Netrebko (Elisabetta di Valois), Elīna Garanča (Principessa Eboli), Elisa Verzier (Tebaldo), Jinxu Xiahou (Graf von Lerma), Rosalia Cid (Stimme von oben), Parc Jongmin (Mönch)

Mailänder Scala, Dezember 2023

Nicht so oft ist es zu hören, das »Stabat Mater« von Gioachino Rossini. Es ist zwar ein geistliches Werk, aber es ist durch und durch vom Geist der Oper inspiriert. Deshalb braucht es erstklassige Solistinnen und Solisten. Die Tenor-Arie »Cuius animam gementem« gilt als eine Paradepartie des Fachs. Und auch der Chor muss große Anforderungen erfüllen, sehr agil sein und stimmgewaltig zugleich.

Ein Chor wie der Chor des Bayerischen Rundfunks ist die ideale Besetzung für das glanzvolle Werk »Stabat Mater«. Den solistischen Herausforderungen stellen sich Rosa Feola (Sopran), Gerhild Romberger (Alt), Dmitry Korchak (Tenor) und Mika Kares (Bass). Es spielt das Münchner Rundfunkorchester; Howard Arman ist der Dirigent in der Aufzeichnung aus dem Herkulessaal der Münchner Residenz (2017).

Gioachino Rossini hatte seine Karriere als erfolgreichster Opernkomponist seiner Zeit seit zwölf Jahren beendet, als er 1842 sein »Stabat mater« in Bologna zum ersten Mal aufführte. Für größere Besetzungen komponierte er nur noch geistliche Musik: das »Stabat mater« und die »Petite messe solennelle« (1862).
Gerade das »Stabat mater« ist in jedem Ton durchdrungen von musiktheatralischer Leidenschaft und Meisterschaft. Heute erfreut sich Rossinis »Stabat mater« genau wegen dieser meisterhaften, sich ganz natürlich vermittelnden Verbindung von geistlichem Ernst und opernhafter Ausdrucksstärke großer Beliebtheit.

Chor des Bayerischen Rundfunks
Münchner Rundfunkorchester, Howard Arman
Mit Rosa Feola (Sopran), Gerhild Romberger (Alt), Dmitry Korchak (Tenor) und Mika Kares (Bass)

Mit seinem Werk »Voices« schafft der Komponist Max Richter eine Hommage an die Allgemeine Erklärung der Menschenrechte. So will er musikalisch Raum schaffen, damit Musikerinnen und Musiker sowie das Publikum wieder mit den fundamentalen Prinzipien des 1948 verabschiedeten Dokuments in Verbindung treten können.

Dafür setzt Richter auch auf seine Idee vom »negativen Orchester«, eine Reaktion auf die Welt im Jahr 2020. Analog dazu stellt er das Orchester auf den Kopf: Celli und Bässe überwiegen und sorgen für einen tiefen Grundklang, der von den hohen Solostimmen Violine und Sopran immer wieder durchbrochen wird. Zusätzlich zur Musik hat der Komponist Hunderte Stimmen auf der ganzen Welt eingefangen, die in ihren Muttersprachen Teile aus der Menschenrechtserklärung vortragen das sind die »Voices«, denen das Stück seinen Namen verdankt. Die Aufzeichnung aus der Hamburger Elbphilharmonie ist ergänzt um persönliche Einblicke Richters in Hintergrund und Entstehung der Komposition.

Regie: Alexander Radulescu
Ensemble Resonanz (Vokalensemble)
Grace Davidson (Sopran)
Elena Urioste (Violine)
Birgit Minichmayr (Sprecherin)
Kevin john Edusei (Dirigent)

Der 55. Nachtgesang des MDR-Rundfunkchors unter der Leitung von Philipp Ahmann in der Leipziger Peterskirche begann mit der Live-Uraufführung der A-cappella-Komposition »Inseln – Gesang von ferner Nähe«, die der MDR bei Michael Langemann in Auftrag gegeben hatte. Im September 2020 hatte das Werk als multimediale Chorkomposition bereits seine virtuelle Uraufführung erlebt. Inhaltlich gaben die sechs Teile von »Inseln« den Gefühlen angesichts der Corona-bedingten Einschränkungen Ausdruck, von Schwermut über Zorn bis zu Sehnsucht.

MDR-Rundfunkchor, Philipp Ahmann

Michael Langemann: »Inseln«
Leevi Madetoja: De profundis op. 56a
Louis Spohr: 2 Psalmen aus op. 85
Johannes Fritsch: Prediger 3, 4
Egon Wellesz: Missa brevis op. 89

Johann Sebastian Bach steht seit 75 Jahren im Fokus der Bachwoche Ansbach. Seine Johannes-Passion bildet den Abschluss der Jubiläums-Ausgabe, mit dem Windsbacher Knabenchor, dem Freiburger Barockorchester und einem Ensemble exquisiter SolistInnen.

Windsbacher Knabenchor
Freiburger Barockorchester
Ludwig Böhme (Musikalische Leitung)
Mit Dorothee Mields (Sopran), Terry Wey (Altus), Patrick Grahl (Tenor), Thomas Laske (Bass), Tobias Berndt (Bass), Tobias Föhrenbach (Moderation)

Johann Sebastian Bach: Johannes-Passion BWV 245

St. Gumbertus Ansbach, 06.08.2023

Die Johannes-Passion von Johann Sebastian Bach zählt zu den berühmtesten sakralen Werken der Musikgeschichte. Nachdem fast das ganze Oeuvre des Thomaskantors nach dessen Tod in Vergessenheit geriet, wurde das Werk erstmals 1832 in Bremen wiederaufgeführt. Seitdem gehört die Passion zum Standardrepertoire in Kirche und Konzertsaal.

Thomanerchor Leipzig
Gewandhausorchester zu Leipzig, Andreas Reize (Thomaskantor)

Mit Tobias Berndt (Bass, Arien), Tomáš Král (Bass, Christus), Raphael Wittmer (Tenor, Arien), Julian Prégardien (Tenor, Evangelist), Andreas Scholl (Altus), Anna Prohaska (Sopran)

Johann Sebastian Bach: »Johannes-Passion«, BWV 245

Thomaskirche Leipzig, 9. Juni 2023

»Alles was Odem hat, lobe den Herrn!« – 400 Jahre Erfindung des Buchdrucks beging man 1840 in Leipzig, als der »Lobgesang« Felix Mendelssohn Bartholdys erstmals erklang. Eindeutig mit Beethovens 9. Sinfonie, aber auch den Oratorien Bachs und Händels im Ohr hatte sich Mendelssohn an ein musikalisches Experiment gewagt: Sinfonie und Kantate wollte er zusammenbringen. Sein »Lobgesang« ist eine Festsinfonie im allerbesten Sinne des Wortes, die von ergreifender Innigkeit bis hin zu überwältigender Klangfülle alles zu bieten hat.

MDR-Rundfunkchor
hr-Sinfonieorchester, Alain Altinoglu
Mit Katharina Konradi (Sopran), Miriam Albano (Mezzosopran) und Charles Castronovo (Tenor)

Felix Mendelssohn Bartholdy: Sinfonie Nr. 2 B-Dur op. 52 »Lobgesang«

Rheingau Musik Festivals
Basilika Kloster Eberbach, 25.06.2022

Mozart komponierte seine Messe in C-Dur, die später den Beinamen »Krönungsmesse« erhalten sollte, im Jahr 1779. Er war von einer über einjährigen Paris-Reise ins heimatliche Salzburg zurückgekehrt und trat beim alten Brotherrn Fürsterzbischof Colloredo 1779 sein neues Amt als Hoforganist an. Zu seinen Aufgaben gehörte es auch, für den Ostergottesdienst des Jahres eine feierliche Messe zu komponieren. Bereits zwei Wochen vor Ostern, am 23. März 1779, setzte er den letzten Federstrich aufs Notenpapier.

Die Erstaufführung fand beim festlichen Ostergottesdienst im Salzburger Dom statt. Welche Bedeutung Mozart seiner Krönungsmesse selbst beigemessen hat, wurde in den folgenden Jahren deutlich. So legte er sie beispielsweise mit ins Gepäck, als er um die Jahreswende 1780/81 zur Einstudierung des Idomeneo nach München reiste und dort auch als Komponist von Kirchenmusik reüssieren wollte.

Den Titel »Krönungsmesse« erhielt die Messe durch ihre Aufführungen bei kaiserlichen Krönungszeremonien in Wien in den Jahren 1790 und 1791. Der damalige Wiener Hofkapellmeister Antonio Salieri berichtet, dass er zu den drei Krönungen jeweils »fast genau die gleiche Musik« aufs Programm gesetzt habe. Mozarts prächtige C-Dur-Messe erhielt in Hofkreisen zu dieser Zeit ihren Beinamen »Krönungsmesse«.

Akademie für Alte Musik Berlin
Chor des Bayerischen Rundfunks, Howard Arman
Mit Katharina Konradi (Sopran), Sophie Harmsen (Mezzosopran), Steve Davislim (Tenor), Krešimir Stražanac (Bass)

W.A. Mozart: Messe für Soli, Chor und Orchester in C-Dur, KV 317 »Krönungsmesse«

Herkulessaal der Residenz München, 20. Mai 2022

Johann Sebastian Bachs Oster-Oratorium BWV 249 wurde am Ostersonntag 1725 uraufgeführt. Das Werk wird als Oratorium klassifiziert, weil ihm ein erzählender Bibeltext zugrunde liegt, der aber im Gegensatz zu anderen oratorischen Werken Bachs nicht wörtlich vom Evangelisten und den handelnden Personen vorgetragen, sondern in freier Nachdichtung wiedergegeben wird.

Picander, alias Christian Friedrich Henrici, musste seinen Text einer weltlichen Glückwunschkantate unterlegen, die Bach Ende Februar 1725, rund fünf Wochen vor der Uraufführung des Oster-Oratoriums, zum Geburtstag des Herzogs Christian von Sachsen-Weißenfels komponiert hatte.

Die Protagonisten des Oratoriums sind Maria Magdalena (Alt), Maria Jacobi (Sopran), Petrus (Tenor) und Johannes (Bass). Nachdem Maria Magdalena dem auferstandenen Jesus begegnet ist und dies den Jüngern berichtet hat – was im Oratorium nur ganz kurz zu Beginn des ersten Rezitativs kurz angedeutet wird –, eilen die Jünger zum Grab. Dieses finden sie jedoch leer vor, da Jesus auferstanden ist.

Das Werk wird von dem vielfach preisgekrönten belgischen Vokalensemble Vox Luminis interpretiert, das auf Initiative des französischen Flötisten und Trompeters Lionel Meunier gegründet wurde und sich vor allem der italienischen, flämischen und deutschen Vokalmusik des 17. und 18. Jahrhunderts widmet. Es besteht seither in wechselnder Besetzung mit einem Kern aus acht bis 14 Vokalisten.

Mit festlichen Klängen eröffneten Chor und Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks die Saison 2021/22: Beethovens Missa solemnis zählt sicher zu den bedeutendsten Sakralwerken der klassischen Epoche. Besonders spannend in dieser Aufführung die Begegnung mit John Eliot Gardiner, dessen Expertise auf dem Gebiet der historischen Aufführungspraxis die Vielseitigkeit des BRSO um eine spannende Facette bereichert.

Ein erstklassiges Solistenquartett mit Lucy Crowe, Gerhild Romberger, Julian Prégardien und Tareq Nazmi komplettiert die umfangreiche Besetzung, die erstmals nach dem Corona-Lockdown wieder in unverminderter Stärke auf die Bühne des Münchner Herkulessaals gebracht werden konnte.

Chor des Bayerischen Rundfunks
Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks, John Eliot Gardiner
Mit Lucy Crowe, Gerhild Romberger, Julian Prégardien, Tareq Nazmi

Ludwig van Beethoven: Missa Solemnis D-Dur, op.123

Herkulessaal der Residenz München, September 2021

Glocken gibt es schon seit mindestens 3600 Jahren: Sie rufen zum Gebet und verkünden den Frieden. Die Dokumentation geht den kulturgeschichtlichen Wurzeln der Klangkörper auf den Grund. Glocken wurden zu Kriegsgerät verschmolzen und danach Symbol des Wiederaufbaus. Sie vermelden Freude ebenso wie das Sterben eines Menschen. In China wurden Glocken als Folterinstrumente eingesetzt, für Christen sind sie Verkünder von Zeit und Vergänglichkeit.

Es ist nicht der Wohlklang allein, der die Wahrnehmung des Glockenklangs bestimmt, wie die Professoren Bernhard Tschofen, Roland Girtler und August Schmidhofer erläutern. Die Musikhistorikerin Birgit Lodes aus München berichtet von Richard Wagners Plänen, Glocken in seinen Werken einzusetzen, und verrät, wie menschliche Stimmen eine Glocke im Konzert nachahmen können.

Im Goldenen Saal des Wiener Musikvereins wurde 2023 das 525-jährige Jubiläum der Wiener Sängerknaben mit einem Festkonzert gefeiert. Zu Beginn und zum krönendem Abschluss sangen die Wiener Sängerknaben, Chormädchen, Chorus Primus und der Chorus Viennensis alle gemeinsam das vielstimmige »Geläut zu Speyer« des Renaissance-Komponisten Ludwig Senfl.

1498 verlegte Kaiser Maximilian I. seinen Hof und dessen Hofmusik nach Wien. Damit hatte er den Grundstein für die Wiener Hofmusikkapelle und schließlich auch für die Wiener Sängerknaben gelegt.

Mit Wiener Sängerknaben, Wiener Chormädchen, Chorus Primus, Chorus Juventus, Chorus Vienennsis
Moderation: Barbara Rett

Seit mehr als vier Jahrzehnten begrüßen die Wiener Symphoniker den Frühling mit einem Bouquet an schwungvollen Melodien, die 2024 gemeinsam mit der Starsopranistin Diana Damrau erklangen.

Auf dem Programmzettel standen Auszüge aus Johannes Brahms »Liebeslieder-Walzer«, »O fortuna« von Carl Orff, »O mio babbino caro« aus Giacomo Puccinis »Gianni Schicchi« und »Meine Lippen, sie küssen so heiß« aus Franz Lehárs »Giuditta«. Dirigent war Manfred Honeck.
Auch Jahresregent Anton Bruckner, der 2024 seinen 200. Geburtstag gefeiert hätte, durfte nicht fehlen: Zusammen mit dem Singverein der Gesellschaft der Musikfreunde sang Diana Damrau Bruckners berühmten »Psalm 150« zur Eröffnung des Konzerts.

Das musikalische Programm wird mit eindrucksvollen Bildern Wiens untermalt, unter anderem aus dem neu eröffneten Wien Museum direkt gegenüber des Musikvereins.

Singverein der Gesellschaft der Musikfreunde
Wiener Symphoniker, Manfred Honeck
Diana Damrau (Sopran)

Musikverein Wien, Großer Saal , März 2024

Der Film von Thomas von Steinaecker zeichnet die Lebenslinien von Nonos Biografie nach und lässt neben Helmut Lachenmann, Nuria Schoenberg Nono und Serena Nono auch Ingo Metzmacher, Patricia Kopatchinskaja und Roberto Fabbriciani zu Wort kommen.

Beim »Musiksommer in Wernigerode« spielt das MDR-Sinfonieorchester Werke von Maurice Ravel, Wolfgang Amadeus Mozart und Emilie Mayer. Am Pult steht der junge Dirigent Michael Balke.

Die zum Konzerthaus umgebaute Liebfrauenkirche Wernigerode, die im März 2022 eröffnet wurde, hat eine herausragende Raumakustik, die es selbst mit den berühmtesten Konzertkirchen in Deutschlands aufnehmen kann.

MDR-Sinfonieorchester, Michael Balke
Mit Mohamed Hiber (Violine)

Maurice Ravel: »Pavane pour une infante défunte«
Wolfgang Amadeus Mozart: »Violinkonzert A-Dur KV 219«
Emilie Mayer: »Sinfonie Nr.1 c-Moll«

Konzerthaus Liebfrauen, Wernigerode, Juli 2022

David Garrett, geboren 1980, einst gefeiertes Geigen-Wunderkind mit früher Klassikkarriere, hat heute weltweit auch große Erfolge als Cross-over-Künstler. Es ist nicht nur ein ständiger musikalischer Spagat, sondern auch ein Leben, das geprägt ist von Verzicht in der Kindheit, künstlerischer Anerkennung und der Suche nach dem Selbst. 30 Jahre nach seinem Bühnendebüt zieht Garrett nun ein sehr persönliches Resümee.

Die Dokumentation zeigt den Musiker offen und privat wie nie. Dafür öffnet er sein Archiv zu bislang unveröffentlichtem Videomaterial. Die wichtigsten Stationen seines Lebens werden angesteuert und Wegbegleiter, Freunde und Familie erzählen. Ob in New York, wo der Wendepunkt seines Lebens stattfand, in Amsterdam bei intensiven Studioaufnahmen, in Berlin, der Stadt seiner Kindheit, oder auf Mallorca, wo er Entspannung sucht.

Musikalisch porträtiert die Dokumentation sowohl den Klassik- wie den Cross-over-Künstler David Garrett. Darunter sind auch Ausschnitte seines Konzerts in den Caracalla-Thermen in Rom.

In einer originellen Inszenierung von Musik und Erzählung zeichnet der Film das Leben des franko-flämischen Musikers Orlando di Lasso (1532-1594) nach. Das Werk dieses bedeutenden Renaissance-Komponisten aus etwa 1500 Stücken fasziniert ebenso wie sein bewegendes Schicksal. Zu Lebzeiten in ganz Europa gefeiert, kämpfte der Sohn einfacher Leute zeitlebens gegen die Demütigungen, denen er als Diener autoritärer Herrscher ausgesetzt war. Der Dokumentarfilm regt zum Nachdenken über das Verhältnis von Kunst und Macht an. Es spielt das Vokal- und Instrumentalensemble La Tempête.

Der franko-flämische Musiker Orlando di Lasso – auch Roland oder Orlande de Lassus – gilt heute als einer der bedeutendsten Komponisten des 16. Jahrhunderts. Bereits zu Lebzeiten (1532-1594) erlangte er Ruhm und Ehre, doch sein Aufstieg aus einfachen Verhältnissen in die höfische Oberschicht verlief abenteuerlich und konfliktreich: Als Sängerknabe im Kirchenchor seiner heute belgischen Heimatstadt Mons wurde er wegen seiner silberhellen Stimme zweimal von Anwerbern ausländischer Höfe entführt, von seinen Eltern wieder zurückgeholt, um schließlich 1544 in den Dienst des Vizekönigs von Sizilien, Ferrante I. Gonzaga, zu treten.
Mit ihm bereiste er das Italien der Hochrenaissance und empfing vor allem in Neapel prägende Anregungen aus dem Volksliedgut und der Commedia dell’arte. 1556 wurde er an den Hof Herzog Albrechts V. nach München berufen, entfaltete eine vielseitige musikalische Tätigkeit und brachte es bis zum Hofkapellmeister. »Orlando«, wie ihn seine Zeitgenossen nannten, wurde bald zu einem europaweit bekannten Star des Musiklebens und der humanistisch gebildeten Kulturwelt.

Doch dieser außerordentliche Ruhm bescherte ihm auch viele Schwierigkeiten. Bis an sein Lebensende kämpfte er gegen die Erniedrigungen, die er als einfacher Diener eines autoritären Herzogs erdulden musste. Mit der Zeit entwickelte er eine eigenwillige und kritische Sicht auf die Gesellschaft. Dies schlug sich in seinem musikalischen Schaffen und in einem Briefwechsel nieder, die zugleich die älteste erhaltene Komponistenkorrespondenz ist.

Im Film erschließt sich das Leben dieses faszinierenden Künstlers: durch die originelle Inszenierung von Musik und Wort ebenso wie durch die meisterhaften Darbietungen des Vokal- und Instrumentalensembles La Tempête.

Im Frühjahr 2024 hat sich Sasha Waltz mit der »Johannes-Passion« (BWV 245) von Johann Sebastian Bach eines der bedeutendsten geistlichen Werke der Musikgeschichte vorgenommen, das 1724 in Leipzig zum ersten Mal öffentlich gespielt wurde. Anlässlich des 300. Jahrestages der Uraufführung interpretiert sie es in ihrer Choreographie als universelle und zeitlose Erzählung über die menschliche Suche nach Wahrheit, Gerechtigkeit und Hoffnung. Damit geht sie über den religiösen Ursprung des Werkes hinaus.

Während die »Johannes-Passion« Menschheitsthemen wie Macht und Ohnmacht, Gewalt und Verrat sowie die Sehnsucht nach Erlösung verhandelt, vermag Bachs Musik in Verbindung mit der Sprache des Tanzes Trost in dunklen Zeiten zu spenden.

Waltz bringt ihre Vision der »Johannes-Passion« gemeinsam mit elf Tänzerinnen und Tänzern von Sasha Waltz & Guests unter der musikalischen Leitung von Leonardo García Alarcón und der Cappella Mediterranea, dem Chœur de Chambre de Namur und dem Chor der Opéra de Dijon sowie mit den Solistinnen und Solisten Valerio Contaldo, Christian Immler, Sophie Junker, Mark Milhofer, Georg Nigl und Benno Schachtner auf der Bühne in Bewegung.

Choreographie: Sasha Waltz
Musikalische Leitung:
Kostüme: Bernd Skodzig
Bühne: Heike Schuppelius
Licht: David Finn
Chœur de chambre de Namur
Chor der Opéra de Dijon
Capella Mediteranea, Leonardo García Alarcón

Das »Concerto per Milano« ist eine Institution der lombardischen Hauptstadt. Es wird jeden Sommer vor dem Mailänder Dom aufgeführt – bei freiem Eintritt. Mehrere tausend Menschen können so das Konzert genießen. Es spielt das Orchestra La Filarmonica della Scala unter Riccardo Chailly.

Maestro Chailly dirigiert neben Peter Tschaikowskys «Capriccio italien» op. 45 die erste Suite «Romeo und Julia» von Sergej Prokofjew.

Filarmonica della Scala di Milano, Ricardo Chailly

Peter Tschaikowsky: »Capriccio italien«, op. 45
Sergej Prokofjew: »Romeo und Julia« – erste Suite

Aufzeichnung vom 12.09.2021

Das Teatro Petruzzelli in Bari ist historisches Juwel und Konzertkulisse des Europakonzertes 2025. Der Auftritt der Berliner Philharmoniker unter dem Dirigat von Riccardo Muti bietet ein hochkarätiges Programm mit Werken von Gioacchino Rossini, Giuseppe Verdi und Johannes Brahms. Das Konzert ist eine Hommage an die Vielfalt der Länder und Kulturen in Europa.
Am schönsten Stiefelabsatz der Welt liegt die Region Apulien mit der Universitätsstadt Bari, einem kulturellen Hotspot Süditaliens. Umgeben von salziger Meeresluft, mittelalterlichen Türmen und kleinen Innenhöfen stößt man in Bari auf ein Mini-Universum: das Teatro Petruzzelli. Seine Architektur und seine außergewöhnliche Akustik machen es zu einem Juwel unter den europäischen Opernhäusern.

Am 1. Mai feiern die Berliner Philharmoniker hier ihren Geburtstag und ein wichtiges Anliegen: die Sprache der Musik als Idee eines geeinten Europas zu zelebrieren. Im Mittelpunkt des Konzerts steht ein deutsch-italienisches Programm.

Für italienische Noten sorgen Gioacchino Rossinis schwungvolle Wilhelm-Tell-Ouvertüre und die Ballettmusik aus Giuseppe Verdis Oper »Die sizilianische Vesper«, die 1855 in Paris uraufgeführt wurde. Im Kontrast dazu steht die pastorale, dunkel timbrierte Zweite Symphonie von Brahms.

Am Pult steht einer der renommiertesten Dirigenten unserer Zeit: Riccardo Muti. »Wir können Freundschaft stiften durch die Musik.« Mutis Bonmot bringt die Philosophie der Veranstaltung auf den Punkt: Das Europakonzert steht für Solidarität und Miteinander – in der Musik und in einem friedlichen Europa.

Auf dem Programm:
– Gioachino Rossini: Wilhelm-Tell-Ouvertüre
– Giuseppe Verdi: »Die vier Jahreszeiten« aus der »Sizilianischen Vesper«
– Johannes Brahms: Symphonie Nr. 2 D-Dur op. 73

Im Mittelpunkt der komisch-turbulenten Handlung: Italiens Star-Bariton Ambrogio Maestri, der in Hamburg unter anderem als Falstaff für Aufsehen sorgte, kehrt in der Titelpartie als Don Pasquale zurück an die Elbe. Wie er ist auch Danielle de Niese regelmäßig auf den internationalen Opernbühnen von Wien bis New York zu Gast. Als Norina ist die Sopranistin an der Seite von Levy Sekgapane (Ernesto), Kartal Karagedik (Dottore Malatesta) und Jóhann Kristinsson (Notario) zu erleben.

Die musikalische Leitung des Philharmonischen Staatsorchesters Hamburg hat Matteo Beltrami. Regie führt David Bösch, der 2021 mit »Manon« sein Hamburg-Debüt gab. Bühnenbild und Kostüme stammen von Patrick Bannwart und Falko Herold, die bereits in zahlreichen Produktionen mit Bösch zusammengearbeitet haben.

Inszenierung: David Bösch
Bühnenbild: Patrick Bannwart
Kostüme: Falko Herold
Licht: Bernd Gallasch
Dramaturgie: Detlef Giese
Chor der Hamburgischen Staatsoper
Philharmonisches Staatsorchester Hamburg, Matteo Beltrami
Mit Ambrogio Maestri (Don Pasquale), Kartal Karagedik (Dottore Malatesta), Levy Sekgapane (Ernesto), Jóhann Kristinsson (Notario), Danielle de Niese (Norina)