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Zwei Brüder und eine Leidenschaft: Ilmar und Aldo López-Gavilán wurden in den 70er Jahren in Havanna geboren und sind virtuose Musiker. Ilmar überholte seine kubanischen Musiklehrer bereits mit 14 Jahren und wurde in die damalige UdSSR zum Musikstudium geschickt. Er bekam im Anschluss einen Job als Kammermusiker in New York und ging nicht wieder nach Kuba zurück.
Sein jüngerer Bruder Aldo begann schon früh mit dem Musikunterricht. Am Klavier zeigte er großes Talent und wurde lokal sehr bekannt. Sein internationaler Durchbruch wurde allerdings verhindert – durch das seit 60 Jahren andauernde US-Embargo. Obwohl die beiden Brüder sich sehen, wann immer es finanziell und politisch möglich ist, konnten sie sich nie ihren großen Wunsch erfüllen und gemeinsam Musik machen.

Der Dokumentarfilm erzählt die parallel verlaufenden Lebensgeschichten der beiden Brüder in Havanna und in New York City. Ihr ergreifendes Wiedersehen fehlt dabei ebenso wenig wie ihre ersten gemeinsamen Auftritte auf verschiedenen Bühnen in den Vereinigten Staaten. Entstanden ist ein nuancierter und bewegender Blick auf zwei entfremdete Nationen aus der Perspektive zweier Brüder.

Eng verwoben mit ihrer Geschichte ist die elektrisierende und genreübergreifende Filmmusik von Aldo López-Gavilán, die er gemeinsam mit seinem Bruder Ilmar aufgenommen hat und die Gastauftritte des US-amerikanischen Geigenvirtuosen Joshua Bell und des Harlem Quartet beinhaltet.

Er ist einer der Superstars der klassischen Musik: Wolfgang Amadeus Mozart. Clarissa will herausfinden, was ein musikalisches Genie antreibt, und begleitet Wolfgang auf seinem Weg vom Wunderkind zum reifen Künstler. Sie wird Zeugin, wie er mit seiner überragenden Begabung schon in jungen Jahren Musikkenner verblüfft, lässt sich von seinem überschäumenden Humor mitreißen und staunt über seine mitunter recht deftige Ausdrucksweise. Und auch in die eine oder andere unbequeme Situation gerät die Promi-Reporterin mit Wolfgang, denn Geduld und Besonnenheit gehören nicht gerade zu seinen Kernkompetenzen. So muss sie Kaiser Joseph II. beinahe eine Opernarie vorträllern, als sie bei einer Audienz für den Komponisten die Souffleuse spielt. Und während Wolfgangs diplomatisches Geschick zu wünschen übrig lässt, muss Clarissa davon umso mehr aufwenden, weil Wolfgangs Frau Constanze sie kurzzeitig für eine seiner Liebschaften hält. Kein Wunder, denn Clarissa taucht kurz vor der Uraufführung der berühmten »Zauberflöte« in Wolfgangs Garderobe aus einem Haufen Kostüme auf.

Eine ganz andere Zauberflöten-Aufführung entdeckt Clarissa in der heutigen Zeit. Die Sänger hängen an Fäden und brillieren auf der Bühne des Salzburger Marionettentheaters. Und weil sie schon mal in Wolfgangs Geburtsstadt ist, besucht Clarissa auch gleich noch das Haus, in dem das Wunderkind seine ersten Lebensjahre verbracht hat und das heute eins der meist besuchten Museen Österreichs ist. Schließlich entdeckt Clarissa, dass Wolfgangs Schaffen auch nach über 200 Jahren noch junge MusikerInnen inspiriert – zum Beispiel die des Mozart-Kinderorchesters der Stiftung Mozarteum.

Der 55. Nachtgesang des MDR-Rundfunkchors unter der Leitung von Philipp Ahmann in der Leipziger Peterskirche begann mit der Live-Uraufführung der A-cappella-Komposition »Inseln – Gesang von ferner Nähe«, die der MDR bei Michael Langemann in Auftrag gegeben hatte. Im September 2020 hatte das Werk als multimediale Chorkomposition bereits seine virtuelle Uraufführung erlebt. Inhaltlich gaben die sechs Teile von »Inseln« den Gefühlen angesichts der Corona-bedingten Einschränkungen Ausdruck, von Schwermut über Zorn bis zu Sehnsucht.

MDR-Rundfunkchor, Philipp Ahmann

Michael Langemann: »Inseln«
Leevi Madetoja: De profundis op. 56a
Louis Spohr: 2 Psalmen aus op. 85
Johannes Fritsch: Prediger 3, 4
Egon Wellesz: Missa brevis op. 89

Smetanas Zyklus »Mein Vaterland« umfasst sechs sinfonische Dichtungen, darunter das weltbekannte Stück »Die Moldau«. Der Zyklus erklingt traditionell zum Auftakt des Musikfestivals »Prager Frühling«, das alljährlich am 12. Mai, dem Todestag von Smetana, eröffnet wird – diesmal vom West-Eastern Divan Orchestra unter der Leitung von Thomas Guggeis.

Bedrich Smetanas Zyklus »Má vlast« (»Mein Vaterland«) ist eines der Nationaldenkmäler der tschechischen Musik. Es entstand zwischen 1874 und 1879. Tschechien war damals noch Teil des österreichisch-ungarischen Kaiserreiches. Wie viele andere Künstler arbeitete auch Smetana mit am Aufbau einer eigenständigen Kultur seines Volkes im habsburgischen Vielvölkerstaat. Mit »Má vlast« hat Smetana den Grundstein zu einer eigenständigen tschechischen Musik gesetzt.

»Mein Vaterland« ist ein musikalischer Streifzug durch die Sagenwelt der Amazonenkönigin Sarka, durch die Geschichte und die Landschaft des Böhmischen Beckens im Herzen Europas bis hin zur alten Prager Burg von Vysehrad. Der bekannteste Satz, »Vltava« (»Die Moldau«), beschreibt Tchechiens längsten Fluss: wie das Gewässer seinen zwei Quellen entspringt, sich zu einem Fluss entwickelt, an Jagd- und Festszenen vorbeizieht, sich in gefährliche Stromschnellen verwandelt, an der Burg von Vysehrad vorbeifließt und letztlich in der Elbe aufgeht.

»Má vlast« hat nicht nur zur Entstehungszeit, sondern bis heute einen nachhaltigen Einfluss auf die Ausbildung einer tschechischen Identität und mit genau diesem Werk wird alljährlich der musikalische »Prager Frühling« eröffnet, und zwar immer am 12. Mai, dem Todestag des Komponisten. Es spielt das West-Eastern Divan Orchestra unter der Leitung von Thomas Guggeis. ARTE zeigt die Höhepunkte des Konzertes.

Daniel Barenboim, der im November seinen 80. Geburtstag feiern wird, hat das West Eastern Divan Orchestra gemeinsam mit seinem Freund, dem israelisch-palästinensischen Literat Edward Said, gegründet. Benannt nach dem Gedicht von Goethe und gegründet 1999 in Weimar, soll das Orchester einen Beitrag liefern zum Dialog zwischen den Kulturen des Nahen Ostens und zur Aussöhnung der arabischen und jüdischen Bevölkerung in Israel.

Aus gesundheitlichen Gründen kann Daniel Barenboim nicht nach Prag kommen. An seiner Stelle wird Thomas Guggeis das Konzert dirigieren. Thomas Guggeis, der ehemalige Assistent von Daniel Barenboim und zuküftige Generalmusikdirektor der Oper Frankfurt, ist noch keine 30 Jahre alt und gehört bereits zu den Stars am Dirigentenpult.

West-Eastern Divan Orchestra, Thomas Guggeis

Bedřich Smetana: »Má vlast« (»Mein Vaterland«)

Prag, Smetana Hall, 12.05.2022

Die Folle Journée de Nantes stand im Jahr 202 ganz im Zeichen von Beethoven. Ihr Höhepunkt war die Interpretation des Schlusssatzes der 7. Sinfonie durch das Orchestre Philharmonique de Radio France unter der Leitung der mitreißenden Dirigentin Xian Zhang.

ARTE zeigt ausgewählte Ausschnitte aus dem Klassikfestival. Die Kollektion beginnt mit dem 1. Satz des Klavierkonzerts Nr. 4, dem wahrscheinlich persönlichsten Konzert des Komponisten, in einer erstaunlich reifen Interpretation des erst 22-jährigen Franzosen Alexandre Kantorow, der 2019 die Goldmedaille des Tschaikowski-Wettbewerbs gewann.

Es folgt der 2. Satz aus Beethovens 7. Sinfonie, das ergreifende Allegretto. Der feierliche Marsch mit seinem schwungvollen Crescendo wurde bei seiner Uraufführung so begeistert aufgenommen, dass er mehrfach wiederholt werden musste!

Liya Petrova, eine junge Geigerin bulgarischer Herkunft, interpretiert Beethovens einziges vollendetes Violinkonzert mit wahrer Meisterschaft. Das Werk, das der Komponist für einen befreundeten Wiener Star-Virtuosen schrieb, erfordert große Beweglichkeit und Präzision; die extrem hohen Tonlagen erfordern technische Perfektion.

Den krönenden Abschluss des Konzerts bildet ein Auszug aus dem Schlusssatz der 7. Sinfonie.

Rolando Villazón gehört zu den bekanntesten Künstlern der Klassikwelt. Nach einer Weltkarriere als Sänger wirkt das Multitalent mittlerweile als erfolgreicher Opern-Regisseur und Intendant der Mozartwoche Salzburg. Im ServusTV-Festspieltalk sprechen Ioan Holender und Rolando Villazón über Salzburg, den Opernbetrieb und Mozart.

Bei den Salzburger Festspielen 2022 ist Rolando Villazóns opulente Regiearbeit von Rossinis »Il barbiere di Siviglia« zu erleben. Darüber hinaus ist der in Paris lebende Künstler als künstlerischer Gesamtleiter der Stiftung Mozarteum eng mit der Mozartstadt Salzburg verbunden. Als Intendant der Mozartwoche Salzburg liegt ihm Wolfgang Amadeus Mozart besonders am Herzen. Ob als Sänger, Festivalmacher, Regisseur, Moderator oder Schriftsteller – immer wieder beschäftigt sich Villazón mit dem genialen Werk des Salzburger Komponisten. Rolando Villazóns Weltkarriere als Tenor begann bei den Salzburger Festspielen. Seit der Salzburger Produktion »La Traviata« (2005) galten Anna Netrebko und er als Traumpaar der Oper. Weltweit gefeierte Auftritte und Konzerte folgten. Auch hatte Villazón mit Stimmkrisen zu kämpfen, aber seine Kreativität ist nicht zu bremsen. Immer wieder eroberte er sich neue künstlerische Felder. Und über die Klippen half ihm auch sein unverwechselbarer Humor hinweg.

Rolando Villazón gehört zu den bekanntesten Künstlern der Klassikwelt. Nach einer Weltkarriere als Sänger wirkt das Multitalent mittlerweile als erfolgreicher Opern-Regisseur und Intendant der Mozartwoche Salzburg. Im ServusTV-Festspieltalk sprechen Ioan Holender und Rolando Villazón über Salzburg, den Opernbetrieb und Mozart.

Bei den Salzburger Festspielen 2022 ist Rolando Villazóns opulente Regiearbeit von Rossinis »Il barbiere di Siviglia« zu erleben. Darüber hinaus ist der in Paris lebende Künstler als künstlerischer Gesamtleiter der Stiftung Mozarteum eng mit der Mozartstadt Salzburg verbunden. Als Intendant der Mozartwoche Salzburg liegt ihm Wolfgang Amadeus Mozart besonders am Herzen. Ob als Sänger, Festivalmacher, Regisseur, Moderator oder Schriftsteller – immer wieder beschäftigt sich Villazón mit dem genialen Werk des Salzburger Komponisten. Rolando Villazóns Weltkarriere als Tenor begann bei den Salzburger Festspielen. Seit der Salzburger Produktion »La Traviata« (2005) galten Anna Netrebko und er als Traumpaar der Oper. Weltweit gefeierte Auftritte und Konzerte folgten. Auch hatte Villazón mit Stimmkrisen zu kämpfen, aber seine Kreativität ist nicht zu bremsen. Immer wieder eroberte er sich neue künstlerische Felder. Und über die Klippen half ihm auch sein unverwechselbarer Humor hinweg.

Ludwig van Beethoven: Klaviervirtuose und genialer Komponist. Irgendein Stück kennt jeder oder jede von ihm – zumindest die Europahymne und das »tatataaa«. Aber die ganze Bandbreite seines Werks kennen wohl nur die Musikenthusiasten. Niemand wird so oft gespielt – und zwar überall auf der Welt. Wer war er, was macht seine Musik so einzigartig? Und was ist dran an all den Mythen und Klischees um den großen Bonner, dessen 250. Geburtstag 2020 gefeiert wird? Gäste im Studio sind die Beethovenforscherin Dr. Julia Ronge und der Kabarettist, Musikwissenschaftler und Beethoven-Fan Konrad Beikircher.

In diesem Jahr begleitet »JedermannJedefrau – Das Salzburger Festspielmagazin« wieder mit vier Ausgaben durch den Salzburg Festspielsommer. Das vom ORF Landesstudio Salzburg gestaltete Kulturmagazin im TV-Vorabend bietet interessante Unterhaltung, wissenswerte Hintergrundgeschichten und so manches zum Schmunzeln.

Machen Sie mit uns einen Blick auch hinter die Kulissen der Salzburger Festspiele und freuen Sie sich in der vierten und letzten Ausgabe auf Vater und Tochter – den ehemaligen Jedermann, Tobias Moretti, und seine Tochter Julia, die am Abend gemeinsam auf der Bühne das Publikum begeistern werden.

Außerdem wird Markus Hinterhäuser eine erste Bilanz des diesjährigen Festspielsommer ziehen und wir schauen uns an, wie der Wiener Staatsopernchor sein 100. Festspieljubiläum feiert.
Was sich gerade in der Festspielstadt tut, welche Neuigkeiten, Aufreger, Überraschungen und Highlights sich auftun – im Festspielmagazin erfahren Sie es.

Durch die Sendung führen Romy Seidl & Martin Ferdiny.

Eine der erfolgreichsten Opern der Welt eröffnet im Sommer 2022 die 99. Opernfestspiele in Verona. »Carmen« verwandelt die berühmte Arena in ein Sevilla voller Lust und Freiheit.

In einer fulminanten Starbesetzung mit Elīna Garanča und Brian Jagde zeigt das ZDF die Höhepunkte der berauschenden Oper. Neben bisher unveröffentlichten Bühnenbildern werden Highlights aus den Zeffirelli-Inszenierungen von 1995, 2003 und 2009 zu sehen sein.

Mit »Carmen« schuf Georges Bizet eine Oper, die allein durch seine Titelheldin 1875 für Skandal und Aufruhr sorgte. Die Figur der Carmen – umschwärmt, selbstbewusst und freiheitsliebend – brachte eine neue soziale Schicht auf die Bühne und entsprach so gar nicht dem Idealbild des passiv leidenden Frauentypus dieses traditionellen Genres. Das Meisterwerk Bizets steht für das schockierend realistische Spiel um Liebe und Macht. Der italienische Starregisseur Franco Zeffirelli nutzte die cinemaskopartige Dimension der Arena gleich drei Mal, um den faszinierenden Opernstoff in kraftvolle und authentische Bilder umzusetzen.

Die Titelrolle der schönen Schmugglerin Carmen wird in dieser Inszenierung von Elīna Garanča verkörpert, die in der Arena ihr Debüt gibt. Die lettische Mezzosopranistin erntete für ihre Interpretation der Rolle von New York bis Wien Begeisterungsstürme. Den eifersuchtskranken Don José spielt der vielfach ausgezeichnete US-amerikanische Startenor Brian Jagde. Die prachtvollen Kostüme stammen von der italienischen Kostümbild-Ikone Anna Anni.

Mit Elīna Garanča (Carmen), Brian Jagde (Don José), Maria Teresa Leva (Micaela), Caterina Sala (Frasquita), Caterina Dellaere (Mercedes), Claudio Sgura (Escamillo), Nicolò Ceriani (Dancairo) und andere.

Ludwig van Beethoven: Klaviervirtuose und genialer Komponist. Irgendein Stück kennt jeder oder jede von ihm – zumindest die Europahymne und das »tatataaa«. Aber die ganze Bandbreite seines Werks kennen wohl nur die Musikenthusiasten. Niemand wird so oft gespielt – und zwar überall auf der Welt. Wer war er, was macht seine Musik so einzigartig? Und was ist dran an all den Mythen und Klischees um den großen Bonner, dessen 250. Geburtstag 2020 gefeiert wird? Gäste im Studio sind die Beethovenforscherin Dr. Julia Ronge und der Kabarettist, Musikwissenschaftler und Beethoven-Fan Konrad Beikircher.

In diesem Jahr begleitet »JedermannJedefrau – Das Salzburger Festspielmagazin« wieder mit vier Ausgaben durch den Salzburg Festspielsommer. Das vom ORF Landesstudio Salzburg gestaltete Kulturmagazin im TV-Vorabend bietet interessante Unterhaltung, wissenswerte Hintergrundgeschichten und so manches zum Schmunzeln.

Machen Sie mit uns einen Blick auch hinter die Kulissen der Salzburger Festspiele und freuen Sie sich in der vierten und letzten Ausgabe auf Vater und Tochter – den ehemaligen Jedermann, Tobias Moretti, und seine Tochter Julia, die am Abend gemeinsam auf der Bühne das Publikum begeistern werden.

Außerdem wird Markus Hinterhäuser eine erste Bilanz des diesjährigen Festspielsommer ziehen und wir schauen uns an, wie der Wiener Staatsopernchor sein 100. Festspieljubiläum feiert.
Was sich gerade in der Festspielstadt tut, welche Neuigkeiten, Aufreger, Überraschungen und Highlights sich auftun – im Festspielmagazin erfahren Sie es.

Durch die Sendung führen Romy Seidl & Martin Ferdiny.

Klein Leppin liegt in der Prignitz und ist, wie der Name schon sagt, nicht besonders groß. Eine Straße, ein paar Häuser, knapp fünfzig Menschen. Drumherum viel Natur, mittendrin ein alter Schweinestall. Das Festspielhaus! Hier trifft Ländliches auf Hochkultur, hier singen Laien und Profis gemeinsam: »Acis und Galatea« – die Oper auf der Wiese.

Die Reportage begleitet das singende Dorf in der Prignitz einen Sommer lang, ist dabei, wie sich Ländliches mit Hochkultur mischt und zeigt, wie dadurch etwas ganz Neues entsteht.

Regisseur Barrie Kosky möchte in seiner Neuinszenierung der »Káťa Kabanová« bei den Salzburger Festspielen die Spannung zwischen der Protagonistin und ihrer beengenden Lebenswelt verdeutlichen.

Am Pult der Wiener Philharmoniker steht Dirigent Jakub Hrůša und gibt damit sein Festspieldebüt. Felix Breisach zeichnet für die Fernsehbilder der Aufzeichnung aus der Felsenreitschule verantwortlich. Durch die Oper führt Moderatorin Teresa Vogl.

1921 im tschechischen Brno uraufgeführt, steht »Káťa Kabanová« am Beginn von Leoš Janáčeks letzter Schaffensdekade. Das Libretto zu »Káťa Kabanová« basiert auf der tschechischen Übersetzung von Alexander Ostrowskis Schauspiel »Das Gewitter« aus dem Jahr 1859, das in einem kleinstädtischen, von wohlhabenden Kaufleuten beherrschten Milieu Mitte des 19. Jahrhunderts in Russland spielt.

Janáčeks musikdramatischer Stil in seinen letzten Lebensjahren, in dem sich die von ihm viel erforschten »Sprachmelodien« widerspiegeln, ist unverkennbar: Er konzentriert Charaktere, Psychologie und Situationen, und lässt eine Atmosphäre entstehen, die das Publikum direkt und unvermittelt berührt.

Corinne Winters übernimmt die Hauptrolle der Káťa, deren brennender Drang nach Freiheit durch ihre Heirat und ihre klaustrophobisch anmutende Lebenssituation erstickt zu werden droht. Jaroslav Březina schlüpft in die Rolle ihres im Alkohol Zuflucht suchenden Ehemanns Tichon, dessen Mutter, die Kaufmannswitwe Kabanicha (Evelyn Herlitzius), mit nörgelndem Ton und despotischer Hand über den Haushalt wacht. Als sich die Gelegenheit bietet, arrangiert Káťas Schwägerin Varvara (Jarmila Balážová), die um Káťas unerfüllten Sehnsüchte und ihre heimliche Liebe weiß, ein Treffen mit dem unverheirateten Boris (David Butt Philip), wodurch die schicksalhafte Geschichte ihren Lauf nimmt. Die Partie von Boris‘ Onkel Savjol Prokofjevič Dikoj, der wiederum Káťas Schwiegermutter die Aufwartung macht, wird vom deutschen Bass Jens Larsen gesungen.

Inszenierung: Barrie Kosky
Bühne: Rufus Didwiszus
Kostüme: Victoria Behr
Licht: Franck Evin
Konzertvereinigung Wiener Staatsopernchor
Wiener Philharmoniker, Jakub Hrůša
Mit Corinne Winters (Kát’a Kabanová), Jaroslav Březina (Tichon), Evelyn Herlitzius (Kabanicha), Jarmila Balážová (Varvara), David Butt Philip (Boris), Prokofjevič Dikoj (Savjol)

Salzburg, Felsenreitschule, August 2022

Zum Auftakt des Konzertwochenendes »Klassik am Odeonsplatz« spielten die Münchner Philharmoniker unter der Leitung von Daniel Harding. Zu Beginn präsentierte Leonidas Kavakos Peter Tschaikowskys Violinkonzert D-Dur. Nach der Pause erfüllte dann Antonín Dvořáks berühmte 9. Symphonie »Aus der Neuen Welt« den Sommerabend mit sehnsuchtsvollen Klängen. Das komplette Konzert können Sie hier sehen!

Münchner Philharmoniker, Daniel Harding
Leonidas Kavakos (Violine)

Peter I. Tschaikowsky: Konzert für Violine und Orchester D-Dur, op. 35
Antonín Dvořák: Symphonie Nr. 9 e-Moll, op. 95 »Aus der Neuen Welt«

Odeonsplatz München, 09.07.2022

Beim Eröffnungskonzert des Schleswig-Holstein Musik Festivals 2019 in Lübeck standen Johannes Brahms und Johann Sebastian Bach im Mittelpunkt. Der NDR Chor singt »Meine Tage in dem Leide« aus Bachs Kantate Nr. 150 (BWV 150). Anschließend spielt das NDR Elbphilharmonie Orchester Brahms` Sinfonie Nr. 4 e-Moll op. 98. Musikalische Leitung: Krzysztof Urbanski.

Für dieses Stück muss man absolut schwindelfrei auf der Geige sein: die Zigeunerweisen von Pablo de Sarasate mischen geigerische Hochseilakrobatik mit extrascharfer Paprika.

Große Komponisten haben für den Jahrhundertgeiger Sarasate Konzerte geschrieben: Camille Saint-Saens, Edouard Lalo und Max Bruch. In seinen eigenen Werken hat Sarasate lustvoll mit den Grenzen der geigerischen Möglichkeiten gespielt – oder besser: gezündelt.

Geigerische Fitness ist die Voraussetzung für Sarasates »Zigeunerweisen«, zusätzlich braucht man dafür Temperament und Freude an musikalischer Hochspannung. Kein Problem für Mila Georgieva! Sie war seit 2002 Konzertmeisterin im Radio-Sinfonieorchester Stuttgart des SWR und spielt jetzt in der selben Position im SWR Symphonieorchester.

Simon Rattle ist zu Gast beim Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks und geht hier seiner Leidenschaft für Robert Schumann nach: Auf dem Programm steht die »Rheinische«.

Der Rhein zieht sich durch Schumanns Leben wie ein roter Faden. Im Rheinland durchlebte er seine glücklichsten und seine schwärzesten Momente. Als gefeierter Komponist und Dirigent wurde er dort empfangen. Später stürzte er sich, von Psychosen geplagt, in den Fluss. Seine 3. Symphonie stammt noch aus einer positiven Phase im Leben des Komponisten. Starke Stimmungsschwankungen merkt man aber auch hier.

Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks, Sir Simon Rattle

Robert Schumann: Symphonie Nr. 3 Es-Dur »Rheinische«

Herkulessaal der Residenz, München, 26.01.2018

Der 2022 in Nürnberg scheidende Chefdirigent Kahchun Wong präsentiert Mussorgskis legendären Klavierzyklus in einer eigenen Orchestrierung und erwirkt eine neue exotische Klangfarbe.

Neben den Nürnberger Symphonikern kommen bei Kahchun Wong auch chinesische Originalinstrumente zum Einsatz: Erhu, Yangqin, Dizi und andere mehr. Gespielt werden sie von Mitgliedern des Singapore Chinese Orchestra.

Beim »Klassik Open Air Nürnberg 2019« dirigierte Kahchun Wong die »Bilder einer Ausstellung« in der berühmten Orchesterfassung von Maurice Ravel. Nun präsentiert er 2022 – gewissermaßen als Abschiedsgeschenk an Nürnberg – dieses Konzert.

Ensemble des Singapore Chinese Orchestra, Kahchun Wong

Norbert Nagel: »Fanfare«
Richard Wagner: »Lohengrin«, Vorspiel, III. Akt
Modest Mussorgski/Kahchun Wong: «Bilder einer Ausstellung«, Concerto grosso für traditionelles chinesisches Ensemble und Symphonieorchester

Luitpold-Hain, Nürnberg, August 2022

Ludwig van Beethoven: Klaviervirtuose und genialer Komponist. Irgendein Stück kennt jeder oder jede von ihm – zumindest die Europahymne und das »tatataaa«. Aber die ganze Bandbreite seines Werks kennen wohl nur die Musikenthusiasten. Niemand wird so oft gespielt – und zwar überall auf der Welt. Wer war er, was macht seine Musik so einzigartig? Und was ist dran an all den Mythen und Klischees um den großen Bonner, dessen 250. Geburtstag 2020 gefeiert wird? Gäste im Studio sind die Beethovenforscherin Dr. Julia Ronge und der Kabarettist, Musikwissenschaftler und Beethoven-Fan Konrad Beikircher.

David Garrett, einst gefeiertes Geigen-Wunderkind mit früher Klassikkarriere, hat heute weltweit auch große Erfolge als Cross-over-Künstler. Ein ständiger musikalischer Spagat und ein Leben, das geprägt ist von Verzicht in der Kindheit, künstlerischer Anerkennung und der Suche nach dem Selbst. 30 Jahre nach seinem Bühnendebüt zieht Garrett nun ein sehr persönliches Resümee.

Stargeiger David Garrett ist jetzt über 40 Jahre alt. Das ehemalige Klassik-Wunderkind füllt nicht nur Konzerthäuser, sondern begeistert mit eigenen musikalischen Arrangements und ausgefeilten Bühnenshows Millionen Fans weltweit. Ein hart erarbeiteter Erfolg, der mit vielen Entbehrungen, bereits in der Kindheit, dem Wunsch nach künstlerischer Anerkennung und der Suche nach dem Selbst verbunden ist.

In der Mitte seines Lebens zieht Garrett ein erstes, sehr persönliches Resümee. Wie ist er zu dem geworden, der er heute ist? Wie ist das Verhältnis zu seinen Eltern, speziell seinem Vater, der ihn an der Geige gedrillt hat? Wem vertraut er heute? Wie geht er damit um, dass Hardcore-Klassiker bei seinem Namen die Nase rümpfen?

Dabei werden Fluch und Segen des Welterfolgs, aber auch die vielen Facetten des Menschen David Garrett deutlich.

Die Dokumentation zeigt David Garrett offen und privat wie nie. Dafür öffnet er sein Archiv zu bislang unveröffentlichtem Videomaterial. Die wichtigsten Stationen seines Lebens werden angesteuert und Wegbegleiter, Freunde und Familie erzählen. Ob in New York, wo der Wendepunkt seines Lebens stattfand, in Amsterdam bei intensiven Studioaufnahmen, in Berlin, der Stadt seiner Kindheit, oder auf Mallorca, wo er Entspannung sucht.

Musikalisch porträtiert die Dokumentation sowohl den Klassik- wie den Cross-over-Künstler David Garrett. Darunter sind auch Ausschnitte des Konzerts in den Caracalla-Thermen in Rom, das zu den Highlights seiner diesjährigen Tour zählt. Mehr von diesem Konzert zeigt ARTE im Anschluss an die Dokumentation.

Im Rahmen seiner weltweiten »ALIVE«-Tour gibt der Stargeiger David Garrett auch ein Konzert in den römischen Caracalla-Thermen. Dort, wo 1990 die Drei Tenöre ihr legendäres Konzert gaben, performt Garrett packende Songs, die das Leben feiern, ultimative Cross-over-Musik, die virtuose Klassik mit feinstem Pop verschmilzt, und Melodien mit Gänsehauteffekt.

Anfang 2022 kehrte David Garrett endlich zurück auf die Bühne und begeistert wieder sein Publikum auf der ganzen Welt. Dass der Geiger damit erneut den Nerv der Zeit trifft, zeigt der Erfolg: »ALIVE – My Soundtrack« ist direkt auf Platz vier der deutschen Album-Charts eingestiegen. »ALIVE« ist seine Hymne auf das Leben, eine Ode an die Hoffnung und ein Manifest für die Macht der Musik.

ARTE zeigt die Höhepunkte des Konzerts aus den Caracalla-Thermen, die eine spektakuläre Kulisse für ein einmaliges Konzerterlebnis sind.

Schon lange kämpft die Klassikszene um ihr Publikum. Die Besucherzahlen sind seit Jahren rückgängig. Und ein junges Publikum wächst nicht mehr nach. Lässt sich die Klassik noch retten?

»NZZ Format« begleitet Musiker und Kulturschaffende, die sich darüber Gedanken machen, wie sich die Klassik neu erfinden kann, und die versuchen, sie erfolgreich in Richtung Zukunft zu führen.

Ein Konzerthausbesuch war ursprünglich ein beliebter Zeitvertreib, das Abonnement galt dem Bürgertum als Statussymbol. Inzwischen jedoch zieht es die Generation Z eher auf Elektrofestivals. Sie schert sich nicht mehr groß darum, was Bach, Beethoven und Mozart zu sagen hatten. Warum hat die Branche den Anschluss verloren?

Film von Frauke Schlieckau

Aus Johann Sebastian Bach »Sechs Suiten für Violoncello solo«, BWV 1007-1012
Cellosuite Nr. 3 C-Dur, BWV 1009

Johann Sebastian Bachs 6 Suiten für Violoncello Solo gelten – ebenso wie Das Wohltemperierte Klavier oder die Sonaten und Partiten für Violine – als Opus Ultimum der Instrumentalmusik.

Mit seiner Interpretation sämtlicher Suiten erschließt uns der Künstler Wen-Sinn Yang auf meisterhafte Weise den Zauber und die Tiefe dieses nicht nur für Cellisten faszinierenden Zyklus. Aufgenommen in der Schlichtheit der romanischen Kirche St. Servatius in den oberbayerischen Alpen entsteht eine hochkonzentrierte Atmosphäre für die Musik von Johann Sebastian Bach.

Die gleichermaßen zeitlose wie persönliche Interpretation durch Wen-Sinn Yang lässt der reinen Musik wie auch der Spiritualität der Werke ihren Raum und wird in der bildlichen Umsetzung zu Meditation und Kunstgenuß.

In kurzen Einführungen zu den Suiten und erläutert Wen-Sinn Yang seine Herangehensweise an Bachs Musik und zu diesem Zyklus.

Schleching (Chiemgau), Kirche St. Servatius, 2005

Aus Johann Sebastian Bach »Sechs Suiten für Violoncello solo«, BWV 1007-1012
Cellosuite Nr. 4 Es-Dur, BWV 1010

Johann Sebastian Bachs 6 Suiten für Violoncello Solo gelten – ebenso wie Das Wohltemperierte Klavier oder die Sonaten und Partiten für Violine – als Opus Ultimum der Instrumentalmusik.

Mit seiner Interpretation sämtlicher Suiten erschließt uns der Künstler Wen-Sinn Yang auf meisterhafte Weise den Zauber und die Tiefe dieses nicht nur für Cellisten faszinierenden Zyklus. Aufgenommen in der Schlichtheit der romanischen Kirche St. Servatius in den oberbayerischen Alpen entsteht eine hochkonzentrierte Atmosphäre für die Musik von Johann Sebastian Bach.

Die gleichermaßen zeitlose wie persönliche Interpretation durch Wen-Sinn Yang lässt der reinen Musik wie auch der Spiritualität der Werke ihren Raum und wird in der bildlichen Umsetzung zu Meditation und Kunstgenuß.

In kurzen Einführungen zu den Suiten und erläutert Wen-Sinn Yang seine Herangehensweise an Bachs Musik und zu diesem Zyklus.

Schleching (Chiemgau), Kirche St. Servatius, 2005

Das Drama um das Geheimnis der stets siegreichen Spielkarten, an denen der Protagonist Hermann schließlich verzweifelt, geht auf eine Erzählung Alexander Puschkins zurück. Er inspirierte viele russische Schriftsteller, die auch regelmäßig nach Baden-Baden kamen. Die Hauptrollen werden gesungen von Arsen Soghomonyan (Hermann) und Elena Stikhina (Lisa). Die Titelrolle der Gräfin wird von Doris Soffel mit hinreißender Präsenz verkörpert.

Alexander Puschkin inspirierte viele russische Schriftsteller, die auch regelmäßig nach Baden-Baden kamen – darunter Nikolaj Gogol. Gemeinsam mit Bühnenbildner Christian Fenouillant und Kostüm-Designer Agostino Cavalca erzählt das Regieteam Moshe Leiser und Patrice Caurier den Opernklassiker im Thriller-Format.

Die Handlung spielt in einem zweistöckigen »Etablissement« rund um das Jahr 1900. Die Regie bedient ganz bewusst und im wahrsten Sinne des Wortes die »Doppelbödigkeit« der Oper, die die Tschaikowsky-Brüder aus Puschkins Romanvorlage geschaffen hatten. Puschkins Geschichte erzählt von drei verzauberten Karten, die fantastische Gewinne versprechen, jedoch auch ins Verderben stürzen können.

Die alte Gräfin – früher wegen ihrer Spielleidenschaft »Pique Dame« genannt – hütet ihr Geheimnis. Der mittellose Hermann ist besessen davon, es ihr zu entlocken und setzt alles dafür aufs Spiel: Leben, Liebe und seine eigene Existenz. Peter Tschaikowsky machte aus der Geschichte vom Willen, es nach oben zu schaffen, eine Oper. Bei ihm rückt eine weitere große Sehnsucht ins Zentrum der Geschichte: die Liebe – und damit auch die Figur der Lisa –, die Hermann bis zur Selbstzerstörung folgt.

Inszenierung: Moshe Leiser, Patrice Caurier
Choreographie: Beate Vollack
Bühnenbild: Christian Fenouillat
Kostüme: Agostino Cavalca
Licht: Christoph Forey
Video: Etienne Guiol
Cantus Juvenum Karlsruhe
Slowakischer Philharmonischer Chor
Berliner Philharmoniker, Kirill Petrenko
Mit Elena Stikhina (Lisa), Vladislav Sulimsky (Graf Tomski), Arsen Soghomonyan (Hermann), Doris Soffel (Gräfin), Aigul Akhmetshina (Polina), Boris Pinkhasovich (Fürst Jelezki), Anatoli Sivko (Surin), Margarita Nekrasova (Gouvernante), Sergej Czepurnyi (Kolja), Mark Kurmanbayev (Narumov), Yevgeny Akimov (Tschekalinski), Christophe Poncet de Solages (Zeremonienmeister), Jakob Lichti (Ein Junge)

Klein Leppin liegt in der Prignitz und ist, wie der Name schon sagt, nicht besonders groß. Eine Straße, ein paar Häuser, knapp fünfzig Menschen. Drumherum viel Natur, mittendrin ein alter Schweinestall. Das Festspielhaus! Hier trifft Ländliches auf Hochkultur, hier singen Laien und Profis gemeinsam: »Acis und Galatea« – die Oper auf der Wiese.

Die Reportage begleitet das singende Dorf in der Prignitz einen Sommer lang, ist dabei, wie sich Ländliches mit Hochkultur mischt und zeigt, wie dadurch etwas ganz Neues entsteht.

Der 2022 in Nürnberg scheidende Chefdirigent Kahchun Wong präsentiert Mussorgskis legendären Klavierzyklus in einer eigenen Orchestrierung und erwirkt eine neue exotische Klangfarbe.

Neben den Nürnberger Symphonikern kommen bei Kahchun Wong auch chinesische Originalinstrumente zum Einsatz: Erhu, Yangqin, Dizi und andere mehr. Gespielt werden sie von Mitgliedern des Singapore Chinese Orchestra.

Beim »Klassik Open Air Nürnberg 2019« dirigierte Kahchun Wong die »Bilder einer Ausstellung« in der berühmten Orchesterfassung von Maurice Ravel. Nun präsentiert er 2022 – gewissermaßen als Abschiedsgeschenk an Nürnberg – dieses Konzert.

Ensemble des Singapore Chinese Orchestra, Kahchun Wong

Norbert Nagel: »Fanfare«
Richard Wagner: »Lohengrin«, Vorspiel, III. Akt
Modest Mussorgski/Kahchun Wong: «Bilder einer Ausstellung«, Concerto grosso für traditionelles chinesisches Ensemble und Symphonieorchester

Luitpold-Hain, Nürnberg, August 2022

2019 feierte das Barock-Ensemble Les Arts Florissants sein 40-jähriges Bestehen. Sein Gründer William Christie entwickelte diesen außergewöhnlichen Klangkörper zur Talentschmiede für weltweit führende Interpreten. Neben seiner Leidenschaft für Alte Musik begeistert sich Christie auch für Gartenkunst. 2012 gründete er ein sommerliches Musikfestival unter dem Namen »Dans les jardins de William Christie«, für das er seinen eigenen Landsitz in der westfranzösischen Vendée öffnet.

Hier, im Dörfchen Thiré, konzertieren Interpreten aus der ganzen Welt, insbesondere angehende Sänger, die aus Christies Nachwuchsakademie Le Jardin des Voix hervorgegangen sind. In der zauberhaften Atmosphäre der unterschiedlich gestalteten Gärten – sie sind vor allem von historischen Parkanlagen in Italien und Frankreich inspiriert – ergeht sich das Festivalpublikum im Klostergarten, im Pinienwäldchen, an der Zyklopenmauer oder am »Wasserspiegel«, so der Name des Teiches, aus dem sich eine Bühne erhebt.

Glanznummer und Abschluss des heutigen Programms bildet die vom Hausherrn auf der Teichbühne dirigierte »Barocke Odyssee«. Hier im Abendlicht fühlt man sich in die prunkvollen Aufführungen des 18. Jahrhunderts zurückversetzt.

William Christies historisch getreue Interpretationen veranschaulichen, wie wichtig diesem Ensemble Gemeinsamkeit, Begeisterung und Weitergabe sind, dass es aber vor allem die Liebe zur Musik zelebriert.

Er ist einer der Superstars der klassischen Musik: Wolfgang Amadeus Mozart. Clarissa will herausfinden, was ein musikalisches Genie antreibt, und begleitet Wolfgang auf seinem Weg vom Wunderkind zum reifen Künstler. Sie wird Zeugin, wie er mit seiner überragenden Begabung schon in jungen Jahren Musikkenner verblüfft, lässt sich von seinem überschäumenden Humor mitreißen und staunt über seine mitunter recht deftige Ausdrucksweise. Und auch in die eine oder andere unbequeme Situation gerät die Promi-Reporterin mit Wolfgang, denn Geduld und Besonnenheit gehören nicht gerade zu seinen Kernkompetenzen. So muss sie Kaiser Joseph II. beinahe eine Opernarie vorträllern, als sie bei einer Audienz für den Komponisten die Souffleuse spielt. Und während Wolfgangs diplomatisches Geschick zu wünschen übrig lässt, muss Clarissa davon umso mehr aufwenden, weil Wolfgangs Frau Constanze sie kurzzeitig für eine seiner Liebschaften hält. Kein Wunder, denn Clarissa taucht kurz vor der Uraufführung der berühmten »Zauberflöte« in Wolfgangs Garderobe aus einem Haufen Kostüme auf.

Eine ganz andere Zauberflöten-Aufführung entdeckt Clarissa in der heutigen Zeit. Die Sänger hängen an Fäden und brillieren auf der Bühne des Salzburger Marionettentheaters. Und weil sie schon mal in Wolfgangs Geburtsstadt ist, besucht Clarissa auch gleich noch das Haus, in dem das Wunderkind seine ersten Lebensjahre verbracht hat und das heute eins der meist besuchten Museen Österreichs ist. Schließlich entdeckt Clarissa, dass Wolfgangs Schaffen auch nach über 200 Jahren noch junge MusikerInnen inspiriert – zum Beispiel die des Mozart-Kinderorchesters der Stiftung Mozarteum.

Alljährlich im Sommer strömen Menschen zum Schloss Rheinsberg, um das »Internationale Festival junger Opernsänger« zu erleben. Für die Kammeroper Rheinsberg singen zu dürfen, ist eine Ehre.

Und es kann das Sprungbrett für eine Gesangskarriere sein. Wie viel Arbeit und Mühe in den Vorbereitungen zu diesem internationalen Sänger-Festival stecken und welche Historie dieses Schloss hat, zeigt der Film, der hinter die Kulissen schaut.

Klavier spielt man mit zwei Händen. Normalerweise. Aber was ist schon normal? Schon im 19. Jahrhundert haben Komponisten mit einhändigem Klavierspiel experimentiert: Sie komponierten Werke für die linke Hand – für die vermeintlich »schlechtere«, weil motorisch nicht so trainierte Hand.

Im Ersten Weltkrieg verliert der Wiener Industriellensohn Paul Wittgenstein seinen rechten Arm. Er hatte sich in den Kopf gesetzt, Pianist zu werden, um jeden Preis. Also gab er bei den großen Komponisten seiner Zeit Werke für seine linke Hand in Auftrag. Entstanden sind Werke, die klanglich, technisch und musikalisch so brillant sind, dass sie mittlerweile viele Pianistinnen und Pianisten faszinieren.

So außergewöhnlich Wittgensteins Geschichte klingen mag – sie schreibt sich fort bis heute. Sein Schicksal ist kein Einzelfall: Auch Pianisten wie Leon Fleisher oder Antoine Rebstein waren in ihrer Karriere gezwungen, einhändig zu spielen. Sie haben das Repertoire populär und die Geschichte des linkshändigen Spiels berühmt gemacht. So auch der Neurophysiologe Prof. Eckart Altenmüller, der auf Musikerinnen und Musiker spezialisiert ist, denen in ihrer Karriere der Körper versagt.

Dass Musik immer dann besonders ist und uns berührt, wenn sie etwas Neuartiges eröffnet, zeigt der französische Pianist Pierre-Laurent Aimard: Er spielt das Klavierkonzert für die linke Hand und schreibt als zweihändiger Pianist die Geschichte Wittgensteins auf brillante Weise fort.

Sergej Prokofjew war erst 13 Jahre alt, als er 1904 begann, am Konservatorium in Sankt Petersburg Klavier und Komposition zu studieren. Bald schon galt er in der Musikszene als Enfant terrible, das alles infrage stellte und das russische Musik-Establishment mit seinen unkonventionellen Kompositionen schlicht überforderte.

Prokofjew fertigte selbst drei Orchestersuiten für sein Ballett »Romeo und Julia« an, doch es gibt auch andere Arrangements, mit denen relativ frei umgegangen wird und die alle denselben Stellenwert genießen – darunter die von ARTE gezeigte Auswahl.

Die Suite beginnt mit der eindrucksvollen Familienfehde zwischen den Montagues und Capulets. Dann wird Julia vorgestellt, eine reizende und verträumte junge Frau, in die man sich einfach verlieben muss. In der Balkonszene gestehen sich Romeo und Julia ihre Liebe, werden jedoch von Julias streitsüchtigem Cousin Tybalt bedroht. Die Situation läuft aus dem Ruder und Romeo tötet Tybalt. Zur Strafe soll Romeo verbannt und Julia mit dem jungen Edelmann Paris vermählt werden, doch Bruder Lorenzo hat einen Plan: Julia soll einen Schlaftrunk zu sich nehmen, der sie in einen todesähnlichen Zustand versetzen wird. Wenn sie in der Familiengruft erwacht, soll Romeo sie dort erwarten und mit ihr fliehen. Doch der Plan schlägt furchtbar fehl. Romeo erfährt nie, dass Julias Tod nur vorgetäuscht ist, und glaubt, sie sei tatsächlich gestorben, als er sie in ihrem Grab erblickt. Aus Verzweiflung vergiftet er sich und stirbt. Als Julia erwacht und den toten Geliebten sieht, ergreift sie Romeos Dolch und bringt sich um. Die Familien erfahren von der Tragödie und versöhnen sich am Grab ihrer Kinder.

Finnish Radio Symphony Orchestra, Hannu Lintu

Professor Grigory Gruzman und seine Schüler Can Cakmur und Alina Bercu sind schicksalhaft mit Weimar verbunden. Von hier ging ihre Solokarriere aus. Alle drei haben bei internationalen Klavierwettbewerben hohe Auszeichnungen errungen. Weimarer sind auch Franz Liszt, der als Begründer der dortigen Musikhochschule gilt, und natürlich Johann Sebastian Bach, der in der Residenz als Hoforganist angestellt war und hier neben Orgelwerken u.a. die berühmte »Bekümmernis«-Kantate komponierte. Neben Bach und Liszt erklingen Werke von Mozart, Chopin, Prokofjew und Rachmaninow in verschiedenen Arrangements an drei Flügeln zu zwei bis sechs Händen.

Im Rahmen seiner weltweiten »ALIVE«-Tour gibt der Stargeiger David Garrett auch ein Konzert in den römischen Caracalla-Thermen. Dort, wo 1990 die Drei Tenöre ihr legendäres Konzert gaben, performt Garrett packende Songs, die das Leben feiern, ultimative Cross-over-Musik, die virtuose Klassik mit feinstem Pop verschmilzt, und Melodien mit Gänsehauteffekt.

Anfang 2022 kehrte David Garrett endlich zurück auf die Bühne und begeistert wieder sein Publikum auf der ganzen Welt. Dass der Geiger damit erneut den Nerv der Zeit trifft, zeigt der Erfolg: »ALIVE – My Soundtrack« ist direkt auf Platz vier der deutschen Album-Charts eingestiegen. »ALIVE« ist seine Hymne auf das Leben, eine Ode an die Hoffnung und ein Manifest für die Macht der Musik.

ARTE zeigt die Höhepunkte des Konzerts aus den Caracalla-Thermen, die eine spektakuläre Kulisse für ein einmaliges Konzerterlebnis sind.

Der 55. Nachtgesang des MDR-Rundfunkchors unter der Leitung von Philipp Ahmann in der Leipziger Peterskirche begann mit der Live-Uraufführung der A-cappella-Komposition »Inseln – Gesang von ferner Nähe«, die der MDR bei Michael Langemann in Auftrag gegeben hatte. Im September 2020 hatte das Werk als multimediale Chorkomposition bereits seine virtuelle Uraufführung erlebt. Inhaltlich gaben die sechs Teile von »Inseln« den Gefühlen angesichts der Corona-bedingten Einschränkungen Ausdruck, von Schwermut über Zorn bis zu Sehnsucht.

MDR-Rundfunkchor, Philipp Ahmann

Michael Langemann: »Inseln«
Leevi Madetoja: De profundis op. 56a
Louis Spohr: 2 Psalmen aus op. 85
Johannes Fritsch: Prediger 3, 4
Egon Wellesz: Missa brevis op. 89

Elīna Garanča und ihr Ehemann Karel Mark Chichon setzen seit Jahren auf Auftritte mit jungen, aufstrebenden Talenten der Opernwelt. Gemeinsam haben sie den Wettbewerb »ZukunftsStimmen« ins Leben gerufen. Die erstplatzierte Person darf bei »Klassik unter Sternen« an der Seite von Elīna Garanča singen.

Hoch über der Donau thront das Stift und bildet die wunderbar mystische Kulisse für die Open-Air-Bühne. Das bunte Programm bietet klassische Opernarien und bekannte internationale Lieder. Highlights, die eingefleischte Opernfans als auch Einsteiger begeistern.

Symphonieorchester der Wiener Volksoper, Karel Mark Chichon
Jonathan Tetelman (Tenor) und Marina Monzó (Sopran)
Moderation: Barbara Rett

Stift Göttweig, Juli 2022

Eine erstaunliche, ja fast märchenhafte Karriere hat die Flötistin Ana de la Vega an die Spitze der Flötenkunst getragen. Das Konzertporträt »Ana de la Vega und die Flöte« zeigt nicht nur ihre musikalische Kraft mit Mozarts Flötenkonzert in G-Dur – gespielt gemeinsam mit den Bremer Philharmonikern und Dirigent Marko Letonja in der Bremer »Glocke«. Es blickt auch auf die Anfänge zurück und zeigt, dass neben musikalischem Talent vor allem auch Mut zu so einer Karriere dazugehört.

Verwoben mit Mozarts Flötenkonzert erkundet die Dokumentation gemeinsam mit Ana de la Vega Erlebnisse und Begegnungen, die sie zu der Spitzen-Interpretin gemacht haben, die sie heute ist: Ihre Kindheit auf der Farm in Australien, das Leben als junge Flötenstudentin in Paris, die innige Freundschaft zu der 103-jährigen Renée Mouscadet, bei der Ana während ihres Studiums am renommierten Conservatoire wohnte, die inspirierende künstlerische Beziehung zu ihrem Flöten-Lehrer Raymond Guiot, die Ehe mit ihrem Mann Daniel Röhn, einem Konzertviolinisten in dritter Generation, und das Familienleben mit ihrer gemeinsamen Tochter Lily.
Zugleich ist der Film eine Liebeserklärung an das Instrument, das Ana de la Vega in ihrem ereignisreichen Leben immer Halt gegeben hat: die Flöte. So nah, so sinnlich und leidenschaftlich wie hier hat man die Flöte wohl noch nie erlebt.

Die NDR Radiophilharmonie spielt Joseph Haydn, Konzert für Trompete und Orchester Es-Dur.
Solist Wolfgang Bauer.

Mitschnitt aus dem Jahr 1998.

Ludwig van Beethoven kam mit 22 Jahren aus Bonn nach Wien. Gemeinsam mit dem Pianisten Rudolf Buchbinder, einem Beethoven-Kenner, begibt sich Barbara Rett auf die Spuren des jungen Genies.

Sie spüren auf unterschiedlichen Stationen den vielen faszinierenden Facetten des großen Komponisten nach. Der zweite Teil der Dokumentation führt in die Umgebung Wiens und nach Niederösterreich – nach Heiligenstadt, Grinzing, Mödling und Baden.

Beethoven sucht dort nicht nur Erholung und Inspiration, sondern auch Heilung für sein Leiden. Die »Sommerfrischen« inspirieren ihn Jahr für Jahr aufs Neue, es entstehen Kompositionen wie die 6. Symphonie, die »Pastorale«, die heiteren »Mödlinger Tänze«, aber auch die gewaltige 9. Symphonie und die »Missa Solemnis«.

Der Chor des Bayerischen Rundfunks ist berühmt für seine künstlerische Breite und seine stilistische Vielfalt. Qualitäten, die in den »Quattro pezzi sacri« von Giuseppe Verdi gefordert sind und zugleich bestens zur Geltung kommen, nimmt der Maestro doch Bezug auf ganz verschiedene Kompositionstechniken. Howard Arman dirigiert »seinen« Chor und das Münchner Rundfunkorchester.
Der Chor des Bayerischen Rundfunks und das Münchner Rundfunkorchester widmen sich unter der Stabführung seines künstlerischen Leiters Howard Arman einem noch immer selten aufgeführten Juwel der Chorliteratur.

Die »Quattro pezzi sacri« sind Giuseppe Verdis letzte geistliche Werke, entstanden am Ende seines langen, nur dem Komponieren gewidmeten Lebens. Als musikalisches Vermächtnis und Abschiedsgeschenk an die Welt dokumentieren die Stücke Verdis verinnerlichte leidenschaftliche Frömmigkeit, die alles andere als dogmatisch ist.
Komponiert wurden die »Vier geistlichen Gesänge« als Einzelstücke zu verschiedenen Zeiten, ursprünglich waren sie weder zur Veröffentlichung noch zur gemeinsamen Aufführung konzipiert. Die beiden A-cappella-Stücke »Laudi alla vergine Maria« und »Ave Maria« entstanden bereits 1886 und 1888/89, die zwei umfangreicheren für Chor und Orchester »Te Deum« (1895/96) und »Stabat mater« (1896/97).
Im November 2017 haben der Chor des Bayerischen Rundfunks mit dem Münchner Rundfunkorchester die Werke im Herkulessaal der Münchner Residenz aufgeführt, die Leitung des Konzerts hatte der Künstlerische Leiter des Chores Howard Arman. BR-KLASSIK hat das Konzert aufgezeichnet.

Fast scheint es, als wolle Klaus Mäkelä eine Revolution einleiten: Der erst 26 Jahre junge Leiter des Orchestre de Paris macht Spontaneität in der klassischen Musik wieder hoffähig und liefert herrlich frische Interpretationen von Werken, die man durch Karajan, Muti oder Barenboim in Stein gemeißelt glaubte. Klaus Mäkelä will nicht nachahmen, er will erfinden. Das gelingt ihm, indem er sich alte Stoffe neu aneignet, ohne sie zu verraten, und dabei radikal zu seiner Subjektivität steht. Im Orchestre de Paris hat er ein Ensemble gefunden, das seiner Vorgehensweise gerecht wird – die Wahl der Solisten gestaltet sich für den gelernten Cellisten bisweilen heikler.

Für ihre erste Zusammenarbeit an der Pariser Philharmonie im Februar 2022 wählten Isabelle Faust und Mäkelä einen Meilenstein des romantischen Repertoires: das berühmte Violinkonzert von Johannes Brahms. Jeder Bogenstrich wirkt wie eine Hommage an Brahms’ moderne Handschrift. Die Solistin pflegt ihren unnachahmlichen Stil diskret und lässt Klaus Mäkelä stets ausreichend Raum. Gemeinsam schafft das Duo eine vertraute Atmosphäre. Sie scheinen sich ohne Worte zu verstehen.

Regisseurin Louise Narboni dreht mit ruhiger Hand, wagt lange Einstellungen und schafft somit einen tiefen Einblick in diese musikalische Revolution – denn der Mut gilt diesmal nicht nur den Interpreten, sondern auch der Kamera. Gekonnt bringt Narboni die authentische Symbiose von Dirigent und Solistin auf den Bildschirm.

Orchestre de Paris, Klaus Mäkelä
Isabelle Faust (Violine)

Johannes Brahms:
– Violinkonzert D-Dur, op. 77
– Intermezzo, op. 118 Nr. 5 (arrangiert von Oscar Strasnoy)

Pariser Philharmonie, Februar 2022

Aus Johann Sebastian Bach »Sechs Suiten für Violoncello solo«, BWV 1007-1012
Cellosuite Nr. 5 c-Moll, BWV 1011

Johann Sebastian Bachs 6 Suiten für Violoncello Solo gelten – ebenso wie Das Wohltemperierte Klavier oder die Sonaten und Partiten für Violine – als Opus Ultimum der Instrumentalmusik.

Mit seiner Interpretation sämtlicher Suiten erschließt uns der Künstler Wen-Sinn Yang auf meisterhafte Weise den Zauber und die Tiefe dieses nicht nur für Cellisten faszinierenden Zyklus. Aufgenommen in der Schlichtheit der romanischen Kirche St. Servatius in den oberbayerischen Alpen entsteht eine hochkonzentrierte Atmosphäre für die Musik von Johann Sebastian Bach.

Die gleichermaßen zeitlose wie persönliche Interpretation durch Wen-Sinn Yang lässt der reinen Musik wie auch der Spiritualität der Werke ihren Raum und wird in der bildlichen Umsetzung zu Meditation und Kunstgenuß.

In kurzen Einführungen zu den Suiten und erläutert Wen-Sinn Yang seine Herangehensweise an Bachs Musik und zu diesem Zyklus.

Schleching (Chiemgau), Kirche St. Servatius, 2005

Aus Johann Sebastian Bach »Sechs Suiten für Violoncello solo«, BWV 1007-1012
Cellosuite Nr. 6 D-Dur, BWV 1012

Johann Sebastian Bachs 6 Suiten für Violoncello Solo gelten – ebenso wie Das Wohltemperierte Klavier oder die Sonaten und Partiten für Violine – als Opus Ultimum der Instrumentalmusik.

Mit seiner Interpretation sämtlicher Suiten erschließt uns der Künstler Wen-Sinn Yang auf meisterhafte Weise den Zauber und die Tiefe dieses nicht nur für Cellisten faszinierenden Zyklus. Aufgenommen in der Schlichtheit der romanischen Kirche St. Servatius in den oberbayerischen Alpen entsteht eine hochkonzentrierte Atmosphäre für die Musik von Johann Sebastian Bach.

Die gleichermaßen zeitlose wie persönliche Interpretation durch Wen-Sinn Yang lässt der reinen Musik wie auch der Spiritualität der Werke ihren Raum und wird in der bildlichen Umsetzung zu Meditation und Kunstgenuß.

In kurzen Einführungen zu den Suiten und erläutert Wen-Sinn Yang seine Herangehensweise an Bachs Musik und zu diesem Zyklus.

Schleching (Chiemgau), Kirche St. Servatius, 2005

Cecilia Bartoli bringt Kritiker und Publikum ins Schwärmen. Die Leuchtkraft ihres Mezzosoprans wurde hundertfach gefeiert. Der Film begleitet die Wahlschweizerin eine Saison lang.

Eines zeichnet Cecilia Bartoli besonders aus: die Fähigkeit, ihre ganze Persönlichkeit in jedes Wort zu legen, das sie singt. Cecilia Bartoli, so beschreibt es der Dirigent Antonio Pappano, hat die Gabe, ein Orchester während der gemeinsamen Probe zu verändern.
Sie tut alles, um eine Rolle möglichst gemäß der Idealvorstellung des Komponisten auszufüllen.

Der Film von Fabio de Luca dokumentiert die wichtigsten Auftritte Cecilia Bartolis, die im Januar 2019 ihr 30-jähriges Jubiläum am Opernhaus Zürich feierte. In dem Film stehen ihre Kollegen Schlange, um ihr Loblied zu singen: Daniel Barenboim, Gustavo Dudamel, Martha Argerich sowie die Opernregisseure Moshe Leiser und Patrice Caurier.

Michael Barenboim und Kian Soltani sind die Solisten beim Konzert des West-Eastern Divan Orchestra in Salzburg 2021. Im Mittelpunkt des Programms steht das Doppelkonzert für Violine und Violoncello in a-Moll von Johannes Brahms. Es ist dies Brahms einziges Werk in diesem Genre und gleichzeitig auch sein finales Orchesterwerk, komponiert 1887. Die musikalische Leitung hat Daniel Barenboim.

Johannes Brahms komponierte das Doppelkonzert in a-Moll in der erklärten Absicht, seine vormals enge Freundschaft mit dem Geigenvirtuosen Joseph Joachim zu erneuern. Diese war nach persönlichen Querelen stark abgekühlt, was für Brahms umso schwerer wog, als er mit Joachim in der Vergangenheit eng zusammengearbeitet und große Erfolge errungen hatte, etwa bei der Komposition des Violinkonzerts, bei dessen Uraufführung Joachim auch die Solovioline gespielt hatte. Und der Plan ging auf, Joseph Joachim übernahm tatsächlich den Violinpart des Doppelkonzertes bei der Uraufführung am 18. Oktober 1887 in Köln und zeigte sich durchaus angetan von der Komposition.

Michael Barenboim spielt Violine, seit er sieben Jahre alt ist. Mit 15 wurde er Mitglied des West-Eastern Divan Orchestra, drei Jahre später dessen Konzertmeister. Schon früh trat er auch als Solist in Erscheinung und konzertierte mit namhaften Orchestern wie den Wiener Philharmonikern und dem Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks.

Kian Soltani, österreichischer Cellist mit iranischen Wurzeln, kam schon im Alter von vier Jahren mit seinem Instrument in Berührung, mit zwölf Jahren begann er sein Cello-Studium. Er gewann zahlreiche Preise und arbeitet regelmäßig mit Daniel und Michael Barenboim zusammen.

West-Eastern Divan Orchestra, Daniel Barenboim
Kian Soltani (Violoncello)
Michael Barenboim (Violine)

Johannes Brahms: Konzert für ioline, Violoncello und Orchester a-Moll, op. 102
César Franck: Symphonie d­Moll, FWV 48

Salzburg, Großes Festspielhaus, August 2021

Michael Barenboim und Kian Soltani sind die Solisten beim Konzert des West-Eastern Divan Orchestra in Salzburg 2021. Im Mittelpunkt des Programms steht das Doppelkonzert für Violine und Violoncello in a-Moll von Johannes Brahms. Es ist dies Brahms einziges Werk in diesem Genre und gleichzeitig auch sein finales Orchesterwerk, komponiert 1887. Die musikalische Leitung hat Daniel Barenboim.

Johannes Brahms komponierte das Doppelkonzert in a-Moll in der erklärten Absicht, seine vormals enge Freundschaft mit dem Geigenvirtuosen Joseph Joachim zu erneuern. Diese war nach persönlichen Querelen stark abgekühlt, was für Brahms umso schwerer wog, als er mit Joachim in der Vergangenheit eng zusammengearbeitet und große Erfolge errungen hatte, etwa bei der Komposition des Violinkonzerts, bei dessen Uraufführung Joachim auch die Solovioline gespielt hatte. Und der Plan ging auf, Joseph Joachim übernahm tatsächlich den Violinpart des Doppelkonzertes bei der Uraufführung am 18. Oktober 1887 in Köln und zeigte sich durchaus angetan von der Komposition.

Michael Barenboim spielt Violine, seit er sieben Jahre alt ist. Mit 15 wurde er Mitglied des West-Eastern Divan Orchestra, drei Jahre später dessen Konzertmeister. Schon früh trat er auch als Solist in Erscheinung und konzertierte mit namhaften Orchestern wie den Wiener Philharmonikern und dem Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks.

Kian Soltani, österreichischer Cellist mit iranischen Wurzeln, kam schon im Alter von vier Jahren mit seinem Instrument in Berührung, mit zwölf Jahren begann er sein Cello-Studium. Er gewann zahlreiche Preise und arbeitet regelmäßig mit Daniel und Michael Barenboim zusammen.

West-Eastern Divan Orchestra, Daniel Barenboim
Kian Soltani (Violoncello)
Michael Barenboim (Violine)

Johannes Brahms: Konzert für ioline, Violoncello und Orchester a-Moll, op. 102
César Franck: Symphonie d­Moll, FWV 48

Salzburg, Großes Festspielhaus, August 2021

Howard Arman und der Chor des Bayerischen Rundfunks leiten das Rossini-Jahr 2018 mit einem Programm der großen Gesangskunst, der feinen Klangsinnlichkeit und voller Italianità ein. Gemeinsam mit dem Münchner Rundfunkorchester werden Werke von Gioachino Rossini und Giuseppe Verdi aufgeführt: Beide Komponisten zählen zu den Fixsternen der italienischen Oper, und beide komponierten nur wenig für Chorgesang.

Das Wenige aber profitiert von der am Musiktheater geschärften Meisterschaft einer präzisen und tief empfundenen Textausdeutung. So auch Gioacchino Rossinis Stabat mater, geschaffen nach seinem spektakulären Abschied aus der Opernwelt, ebenso wie Giuseppe Verdis vier ganz verschiedenartige geistliche Gesänge aus letzten Lebensjahren. Sie bedeuteten für Verdi eine Rückkehr zu seinen Wurzeln, begann er doch seine Laufbahn mit Kirchenmusik.

Chor des Bayerischen Rundfunks
Münchner Rundfunkorchester, Howard Arman
Mit Rosa Feola (Sopran), Gerhild Romberger (Alt), Dmitry Korchak (Tenor) und Mika Kares (Bass)

Alljährlich im Sommer strömen Menschen zum Schloss Rheinsberg, um das »Internationale Festival junger Opernsänger« zu erleben. Für die Kammeroper Rheinsberg singen zu dürfen, ist eine Ehre.

Und es kann das Sprungbrett für eine Gesangskarriere sein. Wie viel Arbeit und Mühe in den Vorbereitungen zu diesem internationalen Sänger-Festival stecken und welche Historie dieses Schloss hat, zeigt der Film, der hinter die Kulissen schaut.

Er gilt als einer der bedeutendsten Dirigenten des 20. Jahrhunderts. Sein Name ist auch jenen ein Begriff, die noch nie ein Symphoniekonzert besucht haben: Herbert von Karajan. Das Porträt des Maestros beleuchtet Höhepunkte und Brüche seines Lebens. Wer war dieser Herbert von Karajan? Welche Klischees über ihn entsprechen der Realität, welche nicht? Der Film befragt langjährige Weggefährten wie Anne Sophie Mutter und Christa Ludwig, Wiener und Berliner Philharmoniker und zeigt bislang unbekanntes oder vergessenes Archivmaterial.

Sein Instrument waren die besten Orchester der Welt. Mit 300 Millionen verkauften Tonträgern hat Herbert von Karajan Musikgrößen wie Michael Jackson, Madonna und die Rolling Stones weit hinter sich gelassen. Nach Mozart gilt er als berühmtester Sohn der Stadt Salzburg. Von Karajans Lebensstil begeisterte die Medien: rasante Autos, Flugzeuge, Segeljachten, seine hübsche, fast 30 Jahre jüngere dritte Frau. Doch hinter dem Glamour versteckte sich ein scheuer Mensch, der jahrzehntelang gegen Schmerzen ankämpfte und der bis zu seinem letzten Atemzug um den perfekten Klang rang.

Der Film beleuchtet die Höhepunkte und Brüche seines Lebens, hinterfragt die existierenden Klischees: War Karajan wirklich ein Jetset-Künstler? Ein egozentrischer, macht- und geldgieriger Charakter, der dem Nationalsozialismus nahestand? Oder hat sich der Dirigent doch nur einem politischen System gefügt, ohne dessen Ideologie verinnerlicht zu haben? Langjährige Weggefährten wie Anne Sophie Mutter, die Berliner und Wiener Philharmoniker erinnern sich an den Maestro.

Eine der erfolgreichsten Opern der Welt eröffnet im Sommer 2022 die 99. Opernfestspiele in Verona. »Carmen« verwandelt die berühmte Arena in ein Sevilla voller Lust und Freiheit.

In einer fulminanten Starbesetzung mit Elīna Garanča und Brian Jagde zeigt das ZDF die Höhepunkte der berauschenden Oper. Neben bisher unveröffentlichten Bühnenbildern werden Highlights aus den Zeffirelli-Inszenierungen von 1995, 2003 und 2009 zu sehen sein.

Mit »Carmen« schuf Georges Bizet eine Oper, die allein durch seine Titelheldin 1875 für Skandal und Aufruhr sorgte. Die Figur der Carmen – umschwärmt, selbstbewusst und freiheitsliebend – brachte eine neue soziale Schicht auf die Bühne und entsprach so gar nicht dem Idealbild des passiv leidenden Frauentypus dieses traditionellen Genres. Das Meisterwerk Bizets steht für das schockierend realistische Spiel um Liebe und Macht. Der italienische Starregisseur Franco Zeffirelli nutzte die cinemaskopartige Dimension der Arena gleich drei Mal, um den faszinierenden Opernstoff in kraftvolle und authentische Bilder umzusetzen.

Die Titelrolle der schönen Schmugglerin Carmen wird in dieser Inszenierung von Elīna Garanča verkörpert, die in der Arena ihr Debüt gibt. Die lettische Mezzosopranistin erntete für ihre Interpretation der Rolle von New York bis Wien Begeisterungsstürme. Den eifersuchtskranken Don José spielt der vielfach ausgezeichnete US-amerikanische Startenor Brian Jagde. Die prachtvollen Kostüme stammen von der italienischen Kostümbild-Ikone Anna Anni.

Mit Elīna Garanča (Carmen), Brian Jagde (Don José), Maria Teresa Leva (Micaela), Caterina Sala (Frasquita), Caterina Dellaere (Mercedes), Claudio Sgura (Escamillo), Nicolò Ceriani (Dancairo) und andere.

Es geht um Musik! Und um die Welt, in der sie spielt. In der Gesprächsreihe »about music«
trifft Alan Gilbert, Chefdirigent des NDR Elbphilharmonie Orchesters, auf tagesschau-
Moderator Michail Paweletz. Was die beiden verbindet: die Liebe zur Musik und das
Interesse an ihrer Bedeutung in der Gesellschaft.

In dieser Folge geht es um die »Auferstehung« des Konzertbetriebs nach der
Coronapandemie und um die Frage, wie der Klassikbetrieb festgefahrene Strukturen
überwinden kann: Wird vielleicht schon bald in der Elbphilharmonie meditiert?

Mitschnitt eines Konzertes dreier Ensembles im Hotel Cap Polonio in Pinneberg.

Eurus-Trio mit Ljudmila Minnibaeva (Geige), Sergey Novikov (Cello), Tinatin Gambashidze
(Klavier). Gespielt werden: Scherzo aus »Trio für Violine, Violoncello und Klavier Nr. 1 dmoll,
op. 49« von Felix Mendelssohn-Bartholdy. Allegro con brio aus »Trio für Violine,
Violoncello und Klavier Nr. 2 e-moll, op. 67« von Dmitri Schostakowitsch, Andante con
moto aus »Trio für Violine, Violoncello und Klavier Nr. 2 C-Dur, op. 87« von Johannes
Brahms.

Bläserensemble mit Kenichi Tsujimoto (Trompete), Sava Stoianov (Trompete), Makio
Kataoka (Trompete), Takashi Aoki (Posaune), Hiroaki Sasaki (Bassposaune), Monika
Lahajnar (Horn). Gespielt werden: »Canzon II« aus »Canzone e Sonate« (1615) von Giovanni
Gabrieli. »Sextett für Blechbläser es-moll, op. 30« von Oskar Böhme. »Fanfare For St.
Edmundsbury« für drei Trompeten, von Benjamin Britten.

Impact: Melf-Uwe Hollmer (Trompete), Ralph Reichert (Saxofon), Boris Netsvetaev (Klavier),
Philipp Steen (Bassgeige), Wolff Reichert (Drums). Gespielt werden: »Now I know Who
Wanted To Kill JFK.«, »Maghreb«, »Soulbird«, allesamt von Boris Netsvetaev.

Interviews mit den Musikstudierenden an der Hochschule für Musik und Theater in
Hamburg runden die Sendung ab.

Sir Georg Solti (1912 – 1997) war einer der herausragenden Dirigenten des 20. Jahrhunderts und gilt international als eine der bedeutendsten Persönlichkeiten in der Musikwelt. Nur wenige Dirigenten von Weltrang können auf eine derartig von Erfolg gekrönte Karriere zurückblicken wie Sir Georg Solti. Allerdings war sein Lebensweg auch mit großen persönlichen Opfern und Herausforderungen verbunden.

Sir Georg Solti wuchs als Sohn jüdischer Eltern in Budapest auf. Er studierte Klavier, Komposition und Dirigieren bei Bartók, Dohnányi, Kodály und Leo Weiner an der Liszt-Akademie in Budapest. Obwohl er bei seinem Konzertdebüt als Pianist auftrat, wurde er von der Budapester Oper wenig später als Dirigent engagiert. 1937 ernannte Toscanini ihn zu seinem Assistenten für die Salzburger Festspiele. Vor Ausbruch des Zweiten Weltkriegs zwangen die ungarischen Judenprogrome Solti 1939 zur Emigration in die Schweiz, wo er jedoch nicht als Dirigent auftreten durfte. Das hatte zur Folge, dass er seinen Lebensunterhalt als Pianist verdiente und 1942 beim Concours International in Genf den ersten Preis gewann. Im Jahr 1946 wurde Solti von der amerikanischen Militärregierung aufgefordert, in München eine Aufführung von Beethovens Fidelio zu dirigieren. Der große Erfolg dieser Darbietung führte zu seiner Ernennung zum Leiter der Münchner Staatsoper. Weitere Engagements an die Frankfurter Oper und an das Königliche Opernhaus Covent Garden London folgen; und trotz der schwierigen Bedingungen – praktisch überall musste er zu Beginn seiner Engagements gegen Vorurteile ankämpfen – führte er jedes Haus zur Weltspitze. Danach folgten Erfolge in Wien, Bayreuth, Berlin.
Schließlich begann seine bemerkenswerte Partnerschaft mit dem Chicago Symphony Orchestra (1970 bis 1989), mit dem er über tausend Konzerte bestritt und mehr als hundertfünfzig Plattenaufnahmen einspielte, die soviel Preise erhielten wie sie kaum ein Popstar verzeichnen kann. Sir Georg Solti hinterlässt eine Diskographie mit über 250 Aufnahmen und wurde insgesamt 105 Mal für den Grammy nominiert, und er ist der Künstler, der die meisten Grammys erhielt, unabhängig von der Musikrichtung: 31 Grammys gingen an ihn persönlich einschließlich eines Lifetime Achievement Awards, weitere sechs an Techniker (Produktion/Aufnahme). Diesen Rekord hält Solti bis heute.

Im Film kommen Interview-Partner zu Wort, die in enger Beziehung zu Sir Georg Solti standen und sehr persönliche Einblicke in dessen Leben gewähren: Lady Valery Solti, Charles Kaye, Valery Gergiev, Christoph von Dohnányi, Sir Peter Jonas, Clemens Hellsberg, Ewald Markl, Norman Lebrecht u.v.m.

Jedes Jahr im Juni zieht das Orchester der Mailänder Scala einen Sommerabend lang auf den Platz vor dem Mailänder Dom für ein Konzert unter freiem Himmel. Auf dem Programm stehen in diesem Jahr amerikanische Klänge aus den frühen Jahren des 20. Jahrhunderts. ARTE zeigt die Höhepunkte mit zwei prominenten Stücken von George Gershwin. »Ein Amerikaner in Paris« ist neben der »Rhapsody in Blue« sein bekanntestes Stück und lieferte die Vorlage zum gleichnamigen Film von Vincente Minnelli. Als Bouquet final liefern Maestro Chailly und das Orchester der Mailänder Scala die Orchestersuite »Catfish Row«, George Gershwins fünfsätzige Synthese seiner Oper »Porgy and Bess«, die in den 30er Jahren entstanden war.

Riccardo Chailly, musikalischer Direktor der Mailänder Scala, dirigiert das alljährliche Sommerkonzert des Orchesters des berühmten Opernhauses auf dem Mailänder Domplatz. In diesem Jahr klingt es amerikanisch beschwingt. George Gershwins Eindrücke seines Parisaufenthalts mit dem sprechenden Titel »Ein Amerikaner in Paris« und die Suite »Catfish Row« aus seiner Oper »Porgy and Bess« stehen auf dem Programm.

»Summertime« ist eines der bekanntesten Stücke der amerikanischen Musikliteratur des 20. Jahrhunderts. Die Oper, der es entstammt, wird in Europa nur wenig aufgeführt. »Porgy and Bess« setzt eine unmögliche Liebesgeschichte im Milieu der Afroamerikaner im South Carolina der 70er Jahre des 19. Jahrhunderts in Szene. George Gershwin hat zu seiner Oper eine Suite geschrieben, benannt nach dem Viertel, in dem die Geschichte spielt, die »Catfish Row«. »Summertime«, die berühmte Melodie aus »Porgy and Bess«, von der es inzwischen über 7.000 Fassungen auf der Welt gibt, wird dabei von einer Geige übernommen.

Die Tondichtung »Ein Amerikaner in Paris« (»An American in Paris«) entstand 1928. Ähnlich wie bei der »Rhapsody in Blue« beschreibt Gershwin musikalisch eigene Eindrücke, in diesem Falle die seines Aufenthalts in der französischen Hauptstadt. Gershwin komponierte sein »Tone Poem for Orchestra« im Auftrag für die New Yorker Philharmoniker. Die klassische Besetzung eines Symphonieorchesters erweiterte er um ein Paar Hupen von Pariser Taxis, die er extra aus Frankreich mitgebracht hatte.

Das Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks unter der Leitung von Sir Georg Solti mit der Symphonie (Sinfonie) Nr. 3 d-Moll von Anton Bruckner in einer Aufzeichnung aus der Philharmonie am Gasteig, München. Sir Georg Solti gibt zu Beginn eine Einführung in das Werk.

Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks, Sir Georg Solti

Anton Bruckner: Symphonie Nr. 3 d-Moll

Philharmonie am Gasteig, München, 1993

Young Euro Classic ist die weltweit wichtigste Plattform des internationalen Orchesternachwuchses für die europäische klassische Musiktradition und ihre Entwicklungen. Für viele der Pre-Professionals zählen die Auftritte im Konzerthaus zu den prägendsten Ereignissen ihrer Karriere. 2021 fand das Berliner Young Euro Classic unter Sicherheitsauflagen wieder statt, nachdem es im Jahr zuvor wegen Corona ausfallen musste. Mehr als zwei Wochen lang sorgten im Konzerthaus am Gendarmenmarkt die Mitwirkenden und Jugendorchester aus aller Welt für große Musik und beste Unterhaltung.

Zu sehen und zu hören mit der Musik von Prokofjew ist das Wiener Jeunesse Orchester, das dem Festival seit seinen Anfängen freundschaftlich verbunden ist, sowie das Bundesjugendorchester mit einem Ausschnitt aus Dvoraks Symphonie »Aus der neuen Welt«.

Von den Qualitäten des Nationalen Jugendorchester Rumäniens konnten sich die Besucher von Young Euro Classic schon mehrere Male überzeugen. Diesmal mit dabei: der Solist Daniel Ciobanu, der Schostakowitschs zweites Klavierkonzert furios interpretiert.

Seit der Gründung durch Leonard Bernstein vor über drei Jahrzehnten zählt das Schleswig-Holstein Festival Orchestra zur internationalen Spitze der Jugend- und Festivalorchester. Unter der Leitung des jungen lettischen Dirigenten Andris Poga spielten sie die fünfte Symphonie von Peter Tschaikowsky, die von den düster-melancholischen Anfangstönen bis zum überbordenden Finale alle Möglichkeiten eindringlichen Orchesterspiels auslotet. Außergewöhnlich ist die schwedische Truppe O/Modernt, deren charismatischer Leiter Hugo Ticciati mit seinem Geigenspiel und den Tangoklängen von Piazzolla begeistert.

Der 55. Nachtgesang des MDR-Rundfunkchors unter der Leitung von Philipp Ahmann in der Leipziger Peterskirche begann mit der Live-Uraufführung der A-cappella-Komposition »Inseln – Gesang von ferner Nähe«, die der MDR bei Michael Langemann in Auftrag gegeben hatte. Im September 2020 hatte das Werk als multimediale Chorkomposition bereits seine virtuelle Uraufführung erlebt. Inhaltlich gaben die sechs Teile von »Inseln« den Gefühlen angesichts der Corona-bedingten Einschränkungen Ausdruck, von Schwermut über Zorn bis zu Sehnsucht.

MDR-Rundfunkchor, Philipp Ahmann

Michael Langemann: »Inseln«
Leevi Madetoja: De profundis op. 56a
Louis Spohr: 2 Psalmen aus op. 85
Johannes Fritsch: Prediger 3, 4
Egon Wellesz: Missa brevis op. 89

Unter der Leitung von Sir Georg Solti spielt das Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks Ausschnitte aus dem Ballett »Romeo und Julia« op. 64. Die Aufzeichnung entstand 1984 im Herkulessaal der Residenz in München.

Sergej Prokofjew war erst 13 Jahre alt, als er 1904 begann, am Konservatorium in Sankt Petersburg Klavier und Komposition zu studieren. Bald schon galt er in der Musikszene als Enfant terrible, das alles infrage stellte und das russische Musik-Establishment mit seinen unkonventionellen Kompositionen schlicht überforderte.

Prokofjew fertigte selbst drei Orchestersuiten für sein Ballett »Romeo und Julia« an, doch es gibt auch andere Arrangements, mit denen relativ frei umgegangen wird und die alle denselben Stellenwert genießen – darunter die von ARTE gezeigte Auswahl.

Die Suite beginnt mit der eindrucksvollen Familienfehde zwischen den Montagues und Capulets. Dann wird Julia vorgestellt, eine reizende und verträumte junge Frau, in die man sich einfach verlieben muss. In der Balkonszene gestehen sich Romeo und Julia ihre Liebe, werden jedoch von Julias streitsüchtigem Cousin Tybalt bedroht. Die Situation läuft aus dem Ruder und Romeo tötet Tybalt. Zur Strafe soll Romeo verbannt und Julia mit dem jungen Edelmann Paris vermählt werden, doch Bruder Lorenzo hat einen Plan: Julia soll einen Schlaftrunk zu sich nehmen, der sie in einen todesähnlichen Zustand versetzen wird. Wenn sie in der Familiengruft erwacht, soll Romeo sie dort erwarten und mit ihr fliehen. Doch der Plan schlägt furchtbar fehl. Romeo erfährt nie, dass Julias Tod nur vorgetäuscht ist, und glaubt, sie sei tatsächlich gestorben, als er sie in ihrem Grab erblickt. Aus Verzweiflung vergiftet er sich und stirbt. Als Julia erwacht und den toten Geliebten sieht, ergreift sie Romeos Dolch und bringt sich um. Die Familien erfahren von der Tragödie und versöhnen sich am Grab ihrer Kinder.

Finnish Radio Symphony Orchestra, Hannu Lintu

Der Steinbruch St. Margarethen mit seinen Schluchten und Anhöhen bietet die ideale Kulisse für einen spannungsgeladenen Opernabend mit Giuseppe Verdis erstem großen Erfolg, »Nabucco«.

Die dramatische Geschichte aus dem Alten Testament erzählt vom Kampf des größenwahnsinnigen babylonischen Königs Nabucco und dem unterdrückten Volk der Israeliten im antiken Babylon. Eine Oper über Machtstreben und Hybris, Gefangenschaft, Befreiung und Liebe.

Weltberühmt ist bis heute der Klagechor der jüdischen Gefangenen »Va, pensiero, sull’ali dorate« – »Flieg, Gedanke, auf goldenen Schwingen« – und wurde bereits zu Verdis Zeiten zur heimlichen Nationalhymne Italiens.

Regie: Francisco Negrin
Philharmonia Chor Wien
Piedra Festivalorchester, Alvise Casellati
Mit Lucas Meacham, Jinxu Xiahou u. a.

David Garrett, einst gefeiertes Geigen-Wunderkind mit früher Klassikkarriere, hat heute weltweit auch große Erfolge als Cross-over-Künstler. Ein ständiger musikalischer Spagat und ein Leben, das geprägt ist von Verzicht in der Kindheit, künstlerischer Anerkennung und der Suche nach dem Selbst. 30 Jahre nach seinem Bühnendebüt zieht Garrett nun ein sehr persönliches Resümee.

Stargeiger David Garrett ist jetzt über 40 Jahre alt. Das ehemalige Klassik-Wunderkind füllt nicht nur Konzerthäuser, sondern begeistert mit eigenen musikalischen Arrangements und ausgefeilten Bühnenshows Millionen Fans weltweit. Ein hart erarbeiteter Erfolg, der mit vielen Entbehrungen, bereits in der Kindheit, dem Wunsch nach künstlerischer Anerkennung und der Suche nach dem Selbst verbunden ist.

In der Mitte seines Lebens zieht Garrett ein erstes, sehr persönliches Resümee. Wie ist er zu dem geworden, der er heute ist? Wie ist das Verhältnis zu seinen Eltern, speziell seinem Vater, der ihn an der Geige gedrillt hat? Wem vertraut er heute? Wie geht er damit um, dass Hardcore-Klassiker bei seinem Namen die Nase rümpfen?

Dabei werden Fluch und Segen des Welterfolgs, aber auch die vielen Facetten des Menschen David Garrett deutlich.

Die Dokumentation zeigt David Garrett offen und privat wie nie. Dafür öffnet er sein Archiv zu bislang unveröffentlichtem Videomaterial. Die wichtigsten Stationen seines Lebens werden angesteuert und Wegbegleiter, Freunde und Familie erzählen. Ob in New York, wo der Wendepunkt seines Lebens stattfand, in Amsterdam bei intensiven Studioaufnahmen, in Berlin, der Stadt seiner Kindheit, oder auf Mallorca, wo er Entspannung sucht.

Musikalisch porträtiert die Dokumentation sowohl den Klassik- wie den Cross-over-Künstler David Garrett. Darunter sind auch Ausschnitte des Konzerts in den Caracalla-Thermen in Rom, das zu den Highlights seiner diesjährigen Tour zählt. Mehr von diesem Konzert zeigt ARTE im Anschluss an die Dokumentation.

Beim »Musiksommer in Wernigerode« spielt das MDR-Sinfonieorchester Werke von Maurice Ravel, Wolfgang Amadeus Mozart und Emilie Mayer. Am Pult steht der junge Dirigent Michael Balke.

Die zum Konzerthaus umgebaute Liebfrauenkirche Wernigerode, die im März 2022 eröffnet wurde, hat eine herausragende Raumakustik, die es selbst mit den berühmtesten Konzertkirchen in Deutschlands aufnehmen kann.

MDR-Sinfonieorchester, Michael Balke
Mit Mohamed Hiber (Violine)

Maurice Ravel: »Pavane pour une infante défunte«
Wolfgang Amadeus Mozart: »Violinkonzert A-Dur KV 219«
Emilie Mayer: »Sinfonie Nr.1 c-Moll«

Konzerthaus Liebfrauen, Wernigerode, Juli 2022

Mitten in der COVID-Pandemie entstand ein Film, der von der völkerverbindenden Kraft der Musik erzählt: »See Me – A Global Concert« wurde vom Weltwirtschaftsforum in Auftrag gegeben.

Der Film unter Beteilung des Radio Symphonie Orchesters Wien, seiner Chefdirigentin Marin Alsop, Weltstar Yo-Yo Ma und Musikern aus aller Welt erlebte in Davos seine Uraufführung. Musikalisches Herzstück von »See Me – A Global Concert« ist Beethovens »Pastorale«.

Die Darbietungen von Solist Yo-Yo Ma, jungen Ensembles und Chören sowie dem Radio Symphonie Orchesters des ORF wurden in Österreich, Brasilien, China, Italien, Südafrika und in den USA in Szene gesetzt – sowie in Afghanistan, wo nach Machtübernahme der Taliban ein derartiges Projekt in naher Zukunft wahrscheinlich nicht mehr realisierbar sein wird.

Sergej Prokofjew war erst 13 Jahre alt, als er 1904 begann, am Konservatorium in Sankt Petersburg Klavier und Komposition zu studieren. Bald schon galt er in der Musikszene als Enfant terrible, das alles infrage stellte und das russische Musik-Establishment mit seinen unkonventionellen Kompositionen schlicht überforderte.

Prokofjew fertigte selbst drei Orchestersuiten für sein Ballett »Romeo und Julia« an, doch es gibt auch andere Arrangements, mit denen relativ frei umgegangen wird und die alle denselben Stellenwert genießen – darunter die von ARTE gezeigte Auswahl.

Die Suite beginnt mit der eindrucksvollen Familienfehde zwischen den Montagues und Capulets. Dann wird Julia vorgestellt, eine reizende und verträumte junge Frau, in die man sich einfach verlieben muss. In der Balkonszene gestehen sich Romeo und Julia ihre Liebe, werden jedoch von Julias streitsüchtigem Cousin Tybalt bedroht. Die Situation läuft aus dem Ruder und Romeo tötet Tybalt. Zur Strafe soll Romeo verbannt und Julia mit dem jungen Edelmann Paris vermählt werden, doch Bruder Lorenzo hat einen Plan: Julia soll einen Schlaftrunk zu sich nehmen, der sie in einen todesähnlichen Zustand versetzen wird. Wenn sie in der Familiengruft erwacht, soll Romeo sie dort erwarten und mit ihr fliehen. Doch der Plan schlägt furchtbar fehl. Romeo erfährt nie, dass Julias Tod nur vorgetäuscht ist, und glaubt, sie sei tatsächlich gestorben, als er sie in ihrem Grab erblickt. Aus Verzweiflung vergiftet er sich und stirbt. Als Julia erwacht und den toten Geliebten sieht, ergreift sie Romeos Dolch und bringt sich um. Die Familien erfahren von der Tragödie und versöhnen sich am Grab ihrer Kinder.

Finnish Radio Symphony Orchestra, Hannu Lintu

Jedes Jahr im Juni zieht das Orchester der Mailänder Scala einen Sommerabend lang auf den Platz vor dem Mailänder Dom für ein Konzert unter freiem Himmel. Auf dem Programm stehen in diesem Jahr amerikanische Klänge aus den frühen Jahren des 20. Jahrhunderts. ARTE zeigt die Höhepunkte mit zwei prominenten Stücken von George Gershwin. »Ein Amerikaner in Paris« ist neben der »Rhapsody in Blue« sein bekanntestes Stück und lieferte die Vorlage zum gleichnamigen Film von Vincente Minnelli. Als Bouquet final liefern Maestro Chailly und das Orchester der Mailänder Scala die Orchestersuite »Catfish Row«, George Gershwins fünfsätzige Synthese seiner Oper »Porgy and Bess«, die in den 30er Jahren entstanden war.

Riccardo Chailly, musikalischer Direktor der Mailänder Scala, dirigiert das alljährliche Sommerkonzert des Orchesters des berühmten Opernhauses auf dem Mailänder Domplatz. In diesem Jahr klingt es amerikanisch beschwingt. George Gershwins Eindrücke seines Parisaufenthalts mit dem sprechenden Titel »Ein Amerikaner in Paris« und die Suite »Catfish Row« aus seiner Oper »Porgy and Bess« stehen auf dem Programm.

»Summertime« ist eines der bekanntesten Stücke der amerikanischen Musikliteratur des 20. Jahrhunderts. Die Oper, der es entstammt, wird in Europa nur wenig aufgeführt. »Porgy and Bess« setzt eine unmögliche Liebesgeschichte im Milieu der Afroamerikaner im South Carolina der 70er Jahre des 19. Jahrhunderts in Szene. George Gershwin hat zu seiner Oper eine Suite geschrieben, benannt nach dem Viertel, in dem die Geschichte spielt, die »Catfish Row«. »Summertime«, die berühmte Melodie aus »Porgy and Bess«, von der es inzwischen über 7.000 Fassungen auf der Welt gibt, wird dabei von einer Geige übernommen.

Die Tondichtung »Ein Amerikaner in Paris« (»An American in Paris«) entstand 1928. Ähnlich wie bei der »Rhapsody in Blue« beschreibt Gershwin musikalisch eigene Eindrücke, in diesem Falle die seines Aufenthalts in der französischen Hauptstadt. Gershwin komponierte sein »Tone Poem for Orchestra« im Auftrag für die New Yorker Philharmoniker. Die klassische Besetzung eines Symphonieorchesters erweiterte er um ein Paar Hupen von Pariser Taxis, die er extra aus Frankreich mitgebracht hatte.